«Демон сидящий»
МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ
(1890, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Мы привыкли видеть демонов в роли злобных и сильных тварей, но у Врубеля свое мнение на этот счет. Он изобразил образ печального человека, который сидит задумчиво и скованно. Сам автор говорил, что демон — дух не столько злой, сколько страдающий и скорбный. При этом в его мощной фигуре чувствуются сила и величие, хоть и терзаемые какими-то сомнениями.
Врубель стал значимой фигурой в мире русского искусства в 1890 году, когда он создал свои наиболее известные картины, одна из которых «Демон сидящий». Эта картина вызвала много споров и осуждений, но и привлекла значительную похвалу. Савва Мамонтов, известный меценат того времени, был настолько поражен «чарующей симфонией» Врубеля, что он открыто называл художника гением и нанял его, чтобы расписать интерьер его жилья и интерьеры особняков его друзей.
#символизм #врубель
МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ
(1890, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Мы привыкли видеть демонов в роли злобных и сильных тварей, но у Врубеля свое мнение на этот счет. Он изобразил образ печального человека, который сидит задумчиво и скованно. Сам автор говорил, что демон — дух не столько злой, сколько страдающий и скорбный. При этом в его мощной фигуре чувствуются сила и величие, хоть и терзаемые какими-то сомнениями.
Врубель стал значимой фигурой в мире русского искусства в 1890 году, когда он создал свои наиболее известные картины, одна из которых «Демон сидящий». Эта картина вызвала много споров и осуждений, но и привлекла значительную похвалу. Савва Мамонтов, известный меценат того времени, был настолько поражен «чарующей симфонией» Врубеля, что он открыто называл художника гением и нанял его, чтобы расписать интерьер его жилья и интерьеры особняков его друзей.
#символизм #врубель
«Купание красного коня»
КУЗЬМА ПЕТРОВ-ВОДКИН
(1912, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Одна из самых знаменитых картин мастера, основанная на реальной сцене купания лошадей и мальчишек на Волге.
Но почему конь красный?
В начале XX века расчистили немало старинных икон. Художники стали интересоваться иконописью. Именно на иконах Петров-Водкин увидел красных коней: если конь считался красивым, то его изображали красным. Это и помогло художнику довести реальный рыжий цвет гнедого коня до символического красного.
Конь намеренно укрупнен. Юный наездник кажется несколько отрешенным. Сможет ли он справиться с такой махиной?
Благие намерения революционеров не смогли удержать «Красного коня» и он начал давить всех без разбора.
Это полотно всегда было символом Революции 1917 года, но картина была написана за 5 лет до нее...
Художник — провидец?
Возможно. Он написал коня в преддверии Первой Мировой войны, не подозревая, что в красный цвет скоро окрасится вся его страна.
#символизм #петровводкин
КУЗЬМА ПЕТРОВ-ВОДКИН
(1912, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Одна из самых знаменитых картин мастера, основанная на реальной сцене купания лошадей и мальчишек на Волге.
Но почему конь красный?
В начале XX века расчистили немало старинных икон. Художники стали интересоваться иконописью. Именно на иконах Петров-Водкин увидел красных коней: если конь считался красивым, то его изображали красным. Это и помогло художнику довести реальный рыжий цвет гнедого коня до символического красного.
Конь намеренно укрупнен. Юный наездник кажется несколько отрешенным. Сможет ли он справиться с такой махиной?
Благие намерения революционеров не смогли удержать «Красного коня» и он начал давить всех без разбора.
Это полотно всегда было символом Революции 1917 года, но картина была написана за 5 лет до нее...
Художник — провидец?
Возможно. Он написал коня в преддверии Первой Мировой войны, не подозревая, что в красный цвет скоро окрасится вся его страна.
#символизм #петровводкин
Меню навигации канала:
#женщинывискусстве — Женщины, которым всегда было сложнее реализовать себя в мире искусства, но многие из них смогли достичь больших высот в этой сфере.
#меценаты - Коллекционеры и любители живописи, благодаря которым искусство сохранилось и развивалось.
#музеигалереи — Выставки, галереи, музеи мира.
#чтопосмотреть #чтопочитать — Рекомендации к просмотру и чтению.
#стиль — Описание направлений в живописи.
По этими хэштегами вы найдёте представителей тех или иных направлений:
#абстракционизм
#анимализм
#барокко
#готика
#импрессионизм
#кубизм
#модерн
#модернизм
#неоимпрессионизм
#неоклассицизм
#неоэкспрессионизм
#ориентализм
#постимпрессионизм
#примитивизм
#пуантилизм
#реализм
#риджионализм
#романтизм
#символизм
#супрематизм
#сюрреализм
#экспрессионизм
Список будет пополняться по ходу добавления информации на канал
Используемые источники:
wikipedia.org
artchive.ru
kartinysistoriey.ru
culture.ru
painteropedia.ru
impressionism.su
rusmuseumvrm.ru
greatartists.ru
#женщинывискусстве — Женщины, которым всегда было сложнее реализовать себя в мире искусства, но многие из них смогли достичь больших высот в этой сфере.
#меценаты - Коллекционеры и любители живописи, благодаря которым искусство сохранилось и развивалось.
#музеигалереи — Выставки, галереи, музеи мира.
#чтопосмотреть #чтопочитать — Рекомендации к просмотру и чтению.
#стиль — Описание направлений в живописи.
По этими хэштегами вы найдёте представителей тех или иных направлений:
#абстракционизм
#анимализм
#барокко
#готика
#импрессионизм
#кубизм
#модерн
#модернизм
#неоимпрессионизм
#неоклассицизм
#неоэкспрессионизм
#ориентализм
#постимпрессионизм
#примитивизм
#пуантилизм
#реализм
#риджионализм
#романтизм
#символизм
#супрематизм
#сюрреализм
#экспрессионизм
Список будет пополняться по ходу добавления информации на канал
Используемые источники:
wikipedia.org
artchive.ru
kartinysistoriey.ru
culture.ru
painteropedia.ru
impressionism.su
rusmuseumvrm.ru
greatartists.ru
«Призрак блохи»
УИЛЬЯМ БЛЕЙК
(1820, Британская галерея Тейт, Лондон)
Это пожалуй одна из самых жутких и загадочных работ Блейка. На холсте застыло нечто, полунасекомое-получеловек, держа в руке пустую чашу. Автор утверждал, что видел чудовище своими глазами, но у историков искусства есть свои домыслы на этот счет.
Сегодня Уильям Блейк окутан славой гениального творца, хотя современники считали его сумасшедшим. Настолько эксцентричны его картины и стихи. Увлеченный мистикой Блейк говорил, что видит существ из иных миров: призраков выдающихся людей, ангелов и даже демонов, и якобы они диктовали ему строки и позировали для картин.
Была ли эта просто образная речь, галлюцинации или психические расстройства — сегодня сложно сказать. Но те образы, что вырывались из головы автора, действительно выглядят реалистично.
#блейк #символизм
УИЛЬЯМ БЛЕЙК
(1820, Британская галерея Тейт, Лондон)
Это пожалуй одна из самых жутких и загадочных работ Блейка. На холсте застыло нечто, полунасекомое-получеловек, держа в руке пустую чашу. Автор утверждал, что видел чудовище своими глазами, но у историков искусства есть свои домыслы на этот счет.
Сегодня Уильям Блейк окутан славой гениального творца, хотя современники считали его сумасшедшим. Настолько эксцентричны его картины и стихи. Увлеченный мистикой Блейк говорил, что видит существ из иных миров: призраков выдающихся людей, ангелов и даже демонов, и якобы они диктовали ему строки и позировали для картин.
Была ли эта просто образная речь, галлюцинации или психические расстройства — сегодня сложно сказать. Но те образы, что вырывались из головы автора, действительно выглядят реалистично.
#блейк #символизм
«Видение отроку Варфоломею»
МИХАИЛ НЕСТЕРОВ
(1890, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
В 1889 году Михаил Нестеров принимается за создание серии картин, посвящённой Сергию Радонежскому. Первой и самой значимой работой цикла стала картина «Видение отроку Варфоломею».
Образ Сергия Радонежского мастер выбрал неслучайно – для Нестерова эта религиозная личность была воплощением высокой нравственности. Именно в этом лике он искал успокоения, переживая тяжкую трагедию — смерть жены при родах.
В основе картины лежит сюжет из жизнеописания «Сергия Преподобного». Юный отрок Варфоломей встретил ангела в образе инока. Старец спросил, чего тот хочет попросить у Господа, на что мальчик ответил, что хочет стать грамотным. Ангел пообещал, что смиренный отрок познает грамоту, протянув тому часть просфоры. Именно этот момент запечатлен на картине Нестерова.
#нестеров #символизм
МИХАИЛ НЕСТЕРОВ
(1890, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
В 1889 году Михаил Нестеров принимается за создание серии картин, посвящённой Сергию Радонежскому. Первой и самой значимой работой цикла стала картина «Видение отроку Варфоломею».
Образ Сергия Радонежского мастер выбрал неслучайно – для Нестерова эта религиозная личность была воплощением высокой нравственности. Именно в этом лике он искал успокоения, переживая тяжкую трагедию — смерть жены при родах.
В основе картины лежит сюжет из жизнеописания «Сергия Преподобного». Юный отрок Варфоломей встретил ангела в образе инока. Старец спросил, чего тот хочет попросить у Господа, на что мальчик ответил, что хочет стать грамотным. Ангел пообещал, что смиренный отрок познает грамоту, протянув тому часть просфоры. Именно этот момент запечатлен на картине Нестерова.
#нестеров #символизм
«Царевна-Лебедь»
МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ
(1900, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Картина стала результатом серьезной работы художника над декорациями к опере «Сказка о царе Салтане».
Врубелю удалось передать самый чудесный момент — превращение. Стоит внимательно вглядеться в лицо героини: ее большие выразительные глаза уже чем-то напоминают птичьи, губы через мгновение превратятся в клюв. Перьевой наряд Царевны поражает многообразием тончайших оттенков.
Из всех персонажей именно Царевна-Лебедь больше всего интересовала мастера. Два природных начала — холодное и теплое, водяное и воздушное, темное и светлое — привлекали художника в этом образе. Сказочность, чудесное сочетание несочетаемого — стали главными идеями художника.
Еще Врубель:
«Демон сидящий»
«Девочка на фоне персидского ковра»
#врубель #символизм
МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ
(1900, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Картина стала результатом серьезной работы художника над декорациями к опере «Сказка о царе Салтане».
Врубелю удалось передать самый чудесный момент — превращение. Стоит внимательно вглядеться в лицо героини: ее большие выразительные глаза уже чем-то напоминают птичьи, губы через мгновение превратятся в клюв. Перьевой наряд Царевны поражает многообразием тончайших оттенков.
Из всех персонажей именно Царевна-Лебедь больше всего интересовала мастера. Два природных начала — холодное и теплое, водяное и воздушное, темное и светлое — привлекали художника в этом образе. Сказочность, чудесное сочетание несочетаемого — стали главными идеями художника.
Еще Врубель:
«Демон сидящий»
«Девочка на фоне персидского ковра»
#врубель #символизм
«Портрет артистки Н.И. Забелы-Врубель, жены художника, в летнем туалете "Ампир", исполненном по замыслу художника»
МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ
(1898, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
На картине изображена супруга Михаила Врубеля — Надежда — главная и последняя любовь художника. Выпускница Киевского института благородных девиц и Петербургской консерватории, Забела была одной из самых выдающихся певиц того времени.
Врубель обрел музу, а вместе с ней — большую уверенность в своих силах. Впервые за долгие годы он казался счастливым. Это был союз творческих людей, скрепленный не только романтическим чувством, но и обоюдным уважением к таланту другого.
Это одно из самых гармоничных произведений художника. Светлые легкие краски, лиловатые, фисташковые, словно бы звучат в тональности «ля мажор» — так в письмах к Римскому-Корсакову Забела определяла свое душевное состояние. В платье и шляпе, сшитом по замыслу Врубеля из легкой просвечивающей кисеи, она напоминает сельскую пастушку.
#врубель #символизм
МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ
(1898, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
На картине изображена супруга Михаила Врубеля — Надежда — главная и последняя любовь художника. Выпускница Киевского института благородных девиц и Петербургской консерватории, Забела была одной из самых выдающихся певиц того времени.
Врубель обрел музу, а вместе с ней — большую уверенность в своих силах. Впервые за долгие годы он казался счастливым. Это был союз творческих людей, скрепленный не только романтическим чувством, но и обоюдным уважением к таланту другого.
Это одно из самых гармоничных произведений художника. Светлые легкие краски, лиловатые, фисташковые, словно бы звучат в тональности «ля мажор» — так в письмах к Римскому-Корсакову Забела определяла свое душевное состояние. В платье и шляпе, сшитом по замыслу Врубеля из легкой просвечивающей кисеи, она напоминает сельскую пастушку.
#врубель #символизм
🔹 Ответ на вопрос выше
«Портрет Иды Рубинштейн»
ВАЛЕНТИН СЕРОВ
(1910, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
В этом портрете нашла отражение тема «жизни напоказ», увлекавшей художника в поздний период творчества. На картине изображена Ида Рубинштейн — знаменитая танцовщица и актриса, чья жизнь проходила под пристальным вниманием публики. Серов увидел Рубинштейн на парижской сцене и нашёл в ней воплощение Древнего Востока.
«Монументальность есть в каждом её движении, — восхищался художник, — просто оживший архаический барельеф». В портрете Серов использовал новые изобразительные средства, близкие к символизму.
Над портретом Иды Рубинштейн Валентин Серов работал в совершенно несвойственной ему манере. Обычно не терпевший позирования, он усадил свою модель в подчеркнуто вычурной позе. Неестественная мертвенная палитра вместо привычной живости красок. Обезжиренная геометрия лопаток вместо традиционного портретного сходства. Во всех отношениях голая форма вместо обычной содержательности — это был категорически не тот Серов, к которому привыкла публика.
Что касается современников, они приняли эту работу в штыки. «Ядовитое обаяние» и «красота на грани уродства» — самые сочувственные высказывания, которые раздавались на выставке «Мира искусства» и Международной выставке в Риме, где экспонировалась картина. Репин назвал героиню серовского портрета «гальванизированным трупом». Суриков назвал его «просто безобразием».
Еще Серов:
«Девочка с персиками»
«Похищение Европы»
«Портрет императора Николая II»
«Портрет князя Ф.Ф. Юсупова»
#серов #модерн #символизм
«Портрет Иды Рубинштейн»
ВАЛЕНТИН СЕРОВ
(1910, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
В этом портрете нашла отражение тема «жизни напоказ», увлекавшей художника в поздний период творчества. На картине изображена Ида Рубинштейн — знаменитая танцовщица и актриса, чья жизнь проходила под пристальным вниманием публики. Серов увидел Рубинштейн на парижской сцене и нашёл в ней воплощение Древнего Востока.
«Монументальность есть в каждом её движении, — восхищался художник, — просто оживший архаический барельеф». В портрете Серов использовал новые изобразительные средства, близкие к символизму.
Над портретом Иды Рубинштейн Валентин Серов работал в совершенно несвойственной ему манере. Обычно не терпевший позирования, он усадил свою модель в подчеркнуто вычурной позе. Неестественная мертвенная палитра вместо привычной живости красок. Обезжиренная геометрия лопаток вместо традиционного портретного сходства. Во всех отношениях голая форма вместо обычной содержательности — это был категорически не тот Серов, к которому привыкла публика.
Что касается современников, они приняли эту работу в штыки. «Ядовитое обаяние» и «красота на грани уродства» — самые сочувственные высказывания, которые раздавались на выставке «Мира искусства» и Международной выставке в Риме, где экспонировалась картина. Репин назвал героиню серовского портрета «гальванизированным трупом». Суриков назвал его «просто безобразием».
Еще Серов:
«Девочка с персиками»
«Похищение Европы»
«Портрет императора Николая II»
«Портрет князя Ф.Ф. Юсупова»
#серов #модерн #символизм
«Волна»
ФРАНТИШЕК КУПКА
(1902, Галерея изобразительных искусств, Острава)
Изображенная среди бушующей стихии девушка кажется частью самой стихии. Символизм картины построен на контрастах: вода и камень, неподвижное и не останавливающееся, хрупкость и мощь.
Женщина кажется порождением и продолжением природной силы, а эротизм полуобнаженного тела звучит в унисон с захлестывающими это тело волнами. На картине изображен не разгул стихии, а скорее, стихия, которая вот-вот может развернуться в полную силу. И тогда не только волны взовьются до небес, но и женщина выпрямится и распустит волосы (а у символистов волосы олицетворяют стихию чувственной любви).
Купка всю жизнь пытался решить задачу соединения видимого и непознаваемого. Позже он будет делать это посредством абстрактных картин, а в картине «Волна» решает вопрос, сопоставляя женский образ и природную стихию.
Еще Купка:
«Клавиши пианино. Озеро»
#символизм #купка
ФРАНТИШЕК КУПКА
(1902, Галерея изобразительных искусств, Острава)
Изображенная среди бушующей стихии девушка кажется частью самой стихии. Символизм картины построен на контрастах: вода и камень, неподвижное и не останавливающееся, хрупкость и мощь.
Женщина кажется порождением и продолжением природной силы, а эротизм полуобнаженного тела звучит в унисон с захлестывающими это тело волнами. На картине изображен не разгул стихии, а скорее, стихия, которая вот-вот может развернуться в полную силу. И тогда не только волны взовьются до небес, но и женщина выпрямится и распустит волосы (а у символистов волосы олицетворяют стихию чувственной любви).
Купка всю жизнь пытался решить задачу соединения видимого и непознаваемого. Позже он будет делать это посредством абстрактных картин, а в картине «Волна» решает вопрос, сопоставляя женский образ и природную стихию.
Еще Купка:
«Клавиши пианино. Озеро»
#символизм #купка
«Закрытые глаза»
ОДИЛОН РЕДОН
(1890, Музей д’Орсе, Париж)
«Некоторые люди решительно хотят свести работу художника к изображению того, что он видит. Те, кто остаются в пределах этих узких рамок, ставят перед собой невысокую цель. Старые мастера доказали, что художник, выработавший собственный язык и заимствовавший у природы необходимые средства выражения, — обретает свободу и законное право черпать свои сюжеты из истории, из поэзии, из своего собственного воображения...», — говорил Одилон Редон. Он был ровесником большинства импрессионистов, ценил талант художников-революционеров, но искренне считал «потолок их искусства слишком низким» для себя. Потому что писать только то, что видишь глазами, — бессмысленно. Глаза — лишь один из способов видеть мир, причем самый простой.
Редон утверждал, что не вкладывал в картины определенного смысла, но и не возражал и даже ждал, что эти смыслы будет искать сам зритель.
#редон #символизм
ОДИЛОН РЕДОН
(1890, Музей д’Орсе, Париж)
«Некоторые люди решительно хотят свести работу художника к изображению того, что он видит. Те, кто остаются в пределах этих узких рамок, ставят перед собой невысокую цель. Старые мастера доказали, что художник, выработавший собственный язык и заимствовавший у природы необходимые средства выражения, — обретает свободу и законное право черпать свои сюжеты из истории, из поэзии, из своего собственного воображения...», — говорил Одилон Редон. Он был ровесником большинства импрессионистов, ценил талант художников-революционеров, но искренне считал «потолок их искусства слишком низким» для себя. Потому что писать только то, что видишь глазами, — бессмысленно. Глаза — лишь один из способов видеть мир, причем самый простой.
Редон утверждал, что не вкладывал в картины определенного смысла, но и не возражал и даже ждал, что эти смыслы будет искать сам зритель.
#редон #символизм
«Удивительный сад»
ЮЗЕФ МЕХОФФЕР
(1903, Национальный музей, Варшава)
Интересна картина в первую очередь тем, что наглядно демонстрирует смешение различных художественных направлений в творчестве Юзефа Мехоффера. Любование моментом и концентрация на вопросах света и освещения отсылают нас к импрессионизму, яркость тона, смелость красок, контрасты утверждают, что скорее речь о постимпрессионистической работе. А великолепная, словно с другого холста залетевшая золотая стрекоза над ребенком, не оставляет сомнений — с Мехоффера в Польше начиналось искусство модерна.
На фоне продуманной выстроенной композиции, создающей ощущение объемности, глубины, особенно отчетливо заметно, что стрекоза — плоская. Картина не дает ответа, художник оставляет зрителю возможность самому объединить эти, казалось бы, разрозненные элементы — солнечный, наполненный летней негой и жарким цветочно-плодовым изобилием пейзаж, веселого ребенка, заботливых, любящих взрослых, и непонятную, изысканную и все же очень странную стрекозу (привносящую ощущение странности и загадочности в сад в целом).
#мехоффер #импрессионизм #модерн #постимпрессионизм #символизм
ЮЗЕФ МЕХОФФЕР
(1903, Национальный музей, Варшава)
Интересна картина в первую очередь тем, что наглядно демонстрирует смешение различных художественных направлений в творчестве Юзефа Мехоффера. Любование моментом и концентрация на вопросах света и освещения отсылают нас к импрессионизму, яркость тона, смелость красок, контрасты утверждают, что скорее речь о постимпрессионистической работе. А великолепная, словно с другого холста залетевшая золотая стрекоза над ребенком, не оставляет сомнений — с Мехоффера в Польше начиналось искусство модерна.
На фоне продуманной выстроенной композиции, создающей ощущение объемности, глубины, особенно отчетливо заметно, что стрекоза — плоская. Картина не дает ответа, художник оставляет зрителю возможность самому объединить эти, казалось бы, разрозненные элементы — солнечный, наполненный летней негой и жарким цветочно-плодовым изобилием пейзаж, веселого ребенка, заботливых, любящих взрослых, и непонятную, изысканную и все же очень странную стрекозу (привносящую ощущение странности и загадочности в сад в целом).
#мехоффер #импрессионизм #модерн #постимпрессионизм #символизм
«Интерьер с женщиной за пианино. Страндгед, 30»
ВИЛЬГЕЛЬМ ХАММЕРСХЁЙ
(1901, Частная коллекция)
«Интерьер с женщиной за пианино. Страндгед, 30» относится к пиковому периоду карьеры Вильгельма Хаммерсхёя. Эта работа, как и другие его самые загадочные картины, отличается изысканной палитрой хроматических оттенков серого, лаконичной композицией и гипнотической психологической сложностью.
Название предполагает, что произведение задумывалось как портрет, но в нём нет намёков на характер модели. Хаммерсхёй отошёл от натурализма и окунулся в струю символизма, вливавшуюся в датское искусство. Впрочем, специалисты по творчеству живописца склонны считать, что его полотна не несут духовного значения – он просто хотел изображать красоту в повседневном, а не делать какие-либо сложные заявления.
С момента своего создания картина почти 90 лет хранилась в частной коллекции, а с 1989 по 2017 годы трижды выставлялась на открытые торги. В последний раз она была продана 14 ноября 2017 года на аукционе Sotheby’s за 6 млн 211 тыс. долларов. На данный момент это самое дорогостоящее произведение Вильгельма Хаммерсхёя.
#xаммерсхёй #символизм
ВИЛЬГЕЛЬМ ХАММЕРСХЁЙ
(1901, Частная коллекция)
«Интерьер с женщиной за пианино. Страндгед, 30» относится к пиковому периоду карьеры Вильгельма Хаммерсхёя. Эта работа, как и другие его самые загадочные картины, отличается изысканной палитрой хроматических оттенков серого, лаконичной композицией и гипнотической психологической сложностью.
Название предполагает, что произведение задумывалось как портрет, но в нём нет намёков на характер модели. Хаммерсхёй отошёл от натурализма и окунулся в струю символизма, вливавшуюся в датское искусство. Впрочем, специалисты по творчеству живописца склонны считать, что его полотна не несут духовного значения – он просто хотел изображать красоту в повседневном, а не делать какие-либо сложные заявления.
С момента своего создания картина почти 90 лет хранилась в частной коллекции, а с 1989 по 2017 годы трижды выставлялась на открытые торги. В последний раз она была продана 14 ноября 2017 года на аукционе Sotheby’s за 6 млн 211 тыс. долларов. На данный момент это самое дорогостоящее произведение Вильгельма Хаммерсхёя.
#xаммерсхёй #символизм
«Помни»
НИКОЛАЙ РЕРИХ
(1924, Музей Николая Рериха, Нью-Йорк)
Символическое полотно, на котором художник запечатлел горы, уходящие в небо, и всадника на коне, отправляющегося в долгий и неведомый путь.
Покидая родные места, он смотрит в сторону родного жилища, словно навеки желая сохранить его в своей памяти. Жаркий солнечный свет, озаряющий дом и хрупкие женские фигуры, разливается по земле, словно стараясь удержать странника своим теплом и уютом. Но величественные синие горы манят туда, где среди белых снежных вершин затеряна таинственная Шамбала — страна, которую на протяжении всего своего жизненного пути искал Николай Рерих.
В этой работе особенно полно отлились впечатления Рериха от дорогих его сердцу Гималаев, и не случайно он писал: «Любя Индию и будучи русским, я счастлив, что в истории русского искусства Гималаи и Индия будут воспеты с любовью и уважением».
Еще Рерих:
«Тибет. Гималаи»
«Небесный бой»
#рерих #символизм
НИКОЛАЙ РЕРИХ
(1924, Музей Николая Рериха, Нью-Йорк)
Символическое полотно, на котором художник запечатлел горы, уходящие в небо, и всадника на коне, отправляющегося в долгий и неведомый путь.
Покидая родные места, он смотрит в сторону родного жилища, словно навеки желая сохранить его в своей памяти. Жаркий солнечный свет, озаряющий дом и хрупкие женские фигуры, разливается по земле, словно стараясь удержать странника своим теплом и уютом. Но величественные синие горы манят туда, где среди белых снежных вершин затеряна таинственная Шамбала — страна, которую на протяжении всего своего жизненного пути искал Николай Рерих.
В этой работе особенно полно отлились впечатления Рериха от дорогих его сердцу Гималаев, и не случайно он писал: «Любя Индию и будучи русским, я счастлив, что в истории русского искусства Гималаи и Индия будут воспеты с любовью и уважением».
Еще Рерих:
«Тибет. Гималаи»
«Небесный бой»
#рерих #символизм
«Вальс»
ФЕЛИКС ВАЛЛОТТОН
(1893, Музей современного искусства Андре Мальро, Гавр)
Картина была создана в период участия Валлоттона в группе «Наби». Здесь можно заметить все соблюденные требования сообщества, поиски ответов на вопросы, где искусство смешивается с философией, неопределенность с символичностью, загадка с упрощением.
На картине изображены взмывающие кругами на коньках пары танцоров в Ледовом Дворце на круглой сцене Champs-Elysées в Париже. Все здесь подчинено принципам «Наби», которое было намерено освободить живопись от оков реализма. Здесь нет перспективы, и вся работа сводится к уплощению и упрощению формы.
Еще Валлоттон:
«Купание. Летний вечер»
«Порт»
#валлоттон #импрессионизм #символизм
ФЕЛИКС ВАЛЛОТТОН
(1893, Музей современного искусства Андре Мальро, Гавр)
Картина была создана в период участия Валлоттона в группе «Наби». Здесь можно заметить все соблюденные требования сообщества, поиски ответов на вопросы, где искусство смешивается с философией, неопределенность с символичностью, загадка с упрощением.
На картине изображены взмывающие кругами на коньках пары танцоров в Ледовом Дворце на круглой сцене Champs-Elysées в Париже. Все здесь подчинено принципам «Наби», которое было намерено освободить живопись от оков реализма. Здесь нет перспективы, и вся работа сводится к уплощению и упрощению формы.
Еще Валлоттон:
«Купание. Летний вечер»
«Порт»
#валлоттон #импрессионизм #символизм
«Сотворение мира IX»
МИКАЛОЮС ЧЮРЛЁНИС
(1906, Национальный художественный музей имени М. К. Чюрлёниса, Каунас)
«Сотворение мира» задумывалось как масштабный цикл. Чюрлёнис собирался посвятить ему всю жизнь и написать не менее ста картин, однако успел – лишь тринадцать.
Традиционная трактовка темы сотворения мира опирается на библейские сюжеты, на Книгу Бытия. «Сотворение мира» Чюрлёниса – иное. Здесь отразились его собственные представления о вечной красоте и недосягаемой гармонии, фантастические и проникнутые мистическим духом. Именно благодаря циклу «Сотворение мира» имя Чюрлёниса нередко связывают с космизмом – новым направлением в русской живописи, возникшим в самом начале ХХ века и связанным с художественным освоением новых, вселенских, горизонтов.
Композиция картины строится по законам музыкальной гармонии. Стебли фантастических растений тянутся вверх, почти не переплетаясь и вспыхивая время от времени яркими красно-оранжевыми цветами. Их тропическое буйство передаёт интенсивность и пульсирующую энергию происходящих процессов. Чюрлёнис в своей живописи словно улавливает и передает ритмы природы – вечно повторяющиеся и все же изменчивые, в то же время он пишет реальность с иными, отличными от земных, параметрами. Искусствоведы говорят, что в созданном Чюрлёнисом пространстве нередко отсутствует сила земного притяжения.
#чюрлёнис #символизм
МИКАЛОЮС ЧЮРЛЁНИС
(1906, Национальный художественный музей имени М. К. Чюрлёниса, Каунас)
«Сотворение мира» задумывалось как масштабный цикл. Чюрлёнис собирался посвятить ему всю жизнь и написать не менее ста картин, однако успел – лишь тринадцать.
Традиционная трактовка темы сотворения мира опирается на библейские сюжеты, на Книгу Бытия. «Сотворение мира» Чюрлёниса – иное. Здесь отразились его собственные представления о вечной красоте и недосягаемой гармонии, фантастические и проникнутые мистическим духом. Именно благодаря циклу «Сотворение мира» имя Чюрлёниса нередко связывают с космизмом – новым направлением в русской живописи, возникшим в самом начале ХХ века и связанным с художественным освоением новых, вселенских, горизонтов.
Композиция картины строится по законам музыкальной гармонии. Стебли фантастических растений тянутся вверх, почти не переплетаясь и вспыхивая время от времени яркими красно-оранжевыми цветами. Их тропическое буйство передаёт интенсивность и пульсирующую энергию происходящих процессов. Чюрлёнис в своей живописи словно улавливает и передает ритмы природы – вечно повторяющиеся и все же изменчивые, в то же время он пишет реальность с иными, отличными от земных, параметрами. Искусствоведы говорят, что в созданном Чюрлёнисом пространстве нередко отсутствует сила земного притяжения.
#чюрлёнис #символизм
«Гирнар»
СВЯТОСЛАВ РЕРИХ
(1944, Государственный музей Востока, Москва)
Гирнар – священная гора в Западной Индии в Катхиаваре. На контрасте отступающей ночи написана скала с белоснежным древним храмом, точно чудом вознесенным к небу.
По рассказам Святослава Рериха (сын Николая Рериха), туда ведет лестница с ровными широкими ступенями, вырезанными в скале иногда снаружи, иногда внутри каменной громады. Протяженность лестницы достигает нескольких километров. Это одна из святынь Западной Индии, известная со времен царя Ашоки (III в. до н.э.).
#рерих #символизм
СВЯТОСЛАВ РЕРИХ
(1944, Государственный музей Востока, Москва)
Гирнар – священная гора в Западной Индии в Катхиаваре. На контрасте отступающей ночи написана скала с белоснежным древним храмом, точно чудом вознесенным к небу.
По рассказам Святослава Рериха (сын Николая Рериха), туда ведет лестница с ровными широкими ступенями, вырезанными в скале иногда снаружи, иногда внутри каменной громады. Протяженность лестницы достигает нескольких километров. Это одна из святынь Западной Индии, известная со времен царя Ашоки (III в. до н.э.).
#рерих #символизм