«Весна. Белые испанки»
НАТАЛЬЯ ГОНЧАРОВА
(1932, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Картина из испанского цикла. В Испанию Наталья Гончарова приехала в 1916 году вместе с балетом Дягилева — они с художником Михаилом Ларионовым (наставником и супругом) писали декорации. Эта страна произвела на художницу сильнейшее впечатление и стала на долгие годы источником вдохновения. Серия «испанок» представляет собой одну из самых ярких граней таланта Гончаровой.
«Белые испанки» представляют собой по-настоящему грандиозное зрелище. Слова французского журналиста, процитированные Мариной Цветаевой в эссе о Гончаровой, как нельзя лучше характеризуют картины этой серии в целом и эту в частности: «Да это же не женщины, это — соборы!».
Наталья Гончарова
#гончарова #женщинывискусстве
НАТАЛЬЯ ГОНЧАРОВА
(1932, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Картина из испанского цикла. В Испанию Наталья Гончарова приехала в 1916 году вместе с балетом Дягилева — они с художником Михаилом Ларионовым (наставником и супругом) писали декорации. Эта страна произвела на художницу сильнейшее впечатление и стала на долгие годы источником вдохновения. Серия «испанок» представляет собой одну из самых ярких граней таланта Гончаровой.
«Белые испанки» представляют собой по-настоящему грандиозное зрелище. Слова французского журналиста, процитированные Мариной Цветаевой в эссе о Гончаровой, как нельзя лучше характеризуют картины этой серии в целом и эту в частности: «Да это же не женщины, это — соборы!».
Наталья Гончарова
#гончарова #женщинывискусстве
🔹 Ответ на вопрос выше
«Автопортрет с палитрой»
ЭЛИЗАБЕТ ВИЖЕ-ЛЕБРЕН
(1790, Галерея Уффици, Флоренция)
Среди немалого числа автопортретов Элизабет Виже-Лебрен именно этот, «Автопортрет с палитрой», ныне хранящийся в галерее Уффици, можно назвать если не самым известным, то наиболее репрезентативным, т.е. отражающим суть характера художницы.
Изображённая на картине молодая женщина с кистями и палитрой в руках расположилась перед мольбертом, на котором закреплён очередной находящийся в работе портрет. Она притягивает не столько красотой, сколько своим природным обаянием и живостью, неким весёлым лукавством. Виже-Лебрен и вправду отличалась остроумием и общительностью. На этом портрете она написана с таким выражением, будто вот-вот обратится к кому-то стоящему рядом с искренней любезностью или милой шуткой.
Интересно, что родившейся в 1755 году Виже-Лебрен во время создания этого автопортрета было уже около 35, но художница выглядит значительно моложе. Подобным образом Виже-Лебрен любила «скостить» возраст не только себе. Многие из её моделей (женщин, как правило, знатных и богатых, но не всегда красивых) выглядят на портретах значительно более привлекательными и юными, чем на самом деле. Виже-Лебрен не ставила перед собой задачи дать углублённую характеристику модели. Напротив, она намеренно сглаживала неправильность и «характерность» лиц и приближала их к эстетическому идеалу конца XVIII в. (овальное лицо, нерезкие и нежные черты, маленький рот), за это её прозвали «художником красоты и её лучшим воплощением».
#женщинывискусстве #вижелебрен
«Автопортрет с палитрой»
ЭЛИЗАБЕТ ВИЖЕ-ЛЕБРЕН
(1790, Галерея Уффици, Флоренция)
Среди немалого числа автопортретов Элизабет Виже-Лебрен именно этот, «Автопортрет с палитрой», ныне хранящийся в галерее Уффици, можно назвать если не самым известным, то наиболее репрезентативным, т.е. отражающим суть характера художницы.
Изображённая на картине молодая женщина с кистями и палитрой в руках расположилась перед мольбертом, на котором закреплён очередной находящийся в работе портрет. Она притягивает не столько красотой, сколько своим природным обаянием и живостью, неким весёлым лукавством. Виже-Лебрен и вправду отличалась остроумием и общительностью. На этом портрете она написана с таким выражением, будто вот-вот обратится к кому-то стоящему рядом с искренней любезностью или милой шуткой.
Интересно, что родившейся в 1755 году Виже-Лебрен во время создания этого автопортрета было уже около 35, но художница выглядит значительно моложе. Подобным образом Виже-Лебрен любила «скостить» возраст не только себе. Многие из её моделей (женщин, как правило, знатных и богатых, но не всегда красивых) выглядят на портретах значительно более привлекательными и юными, чем на самом деле. Виже-Лебрен не ставила перед собой задачи дать углублённую характеристику модели. Напротив, она намеренно сглаживала неправильность и «характерность» лиц и приближала их к эстетическому идеалу конца XVIII в. (овальное лицо, нерезкие и нежные черты, маленький рот), за это её прозвали «художником красоты и её лучшим воплощением».
#женщинывискусстве #вижелебрен
«Сломанная колонна»
ФРИДА КАЛО
(1944, Музей Долорес Ольмедо-Патиньо, Мехико)
Боль, с которой Фрида Кало вынуждена была делить собственное тело всю жизнь, кажется, отображена на этой картине в абсолютной степени. В 1944 году здоровье художницы сильно пошатнулось. Из-за поврежденного позвоночника (отголоски аварии, повлиявшей на всю жизнь и творчество Фриды) ей пришлось в течение пяти месяцев носить стальной корсет. Это стало настоящей пыткой, Фрида была лишена возможности нормально передвигаться, работать и даже дышать. Но и в этом состоянии она находила в себе силы писать.
Картина контрастирует с большинством автопортретов Кало. На ней нет ни цветов в высокой прическе, ни буйства растительности на заднем плане, ни обожаемых художницей обезьянок и попугаев. Только стоящая посреди голой пустыни под грозовым небом, почти обнаженная, уязвимая и беззащитная фигура — олицетворение одиночества и боли, груз которых стал невыносимым для одного хрупкого человека.
О художнице
#кало #примитивизм #женщинывискусстве
ФРИДА КАЛО
(1944, Музей Долорес Ольмедо-Патиньо, Мехико)
Боль, с которой Фрида Кало вынуждена была делить собственное тело всю жизнь, кажется, отображена на этой картине в абсолютной степени. В 1944 году здоровье художницы сильно пошатнулось. Из-за поврежденного позвоночника (отголоски аварии, повлиявшей на всю жизнь и творчество Фриды) ей пришлось в течение пяти месяцев носить стальной корсет. Это стало настоящей пыткой, Фрида была лишена возможности нормально передвигаться, работать и даже дышать. Но и в этом состоянии она находила в себе силы писать.
Картина контрастирует с большинством автопортретов Кало. На ней нет ни цветов в высокой прическе, ни буйства растительности на заднем плане, ни обожаемых художницей обезьянок и попугаев. Только стоящая посреди голой пустыни под грозовым небом, почти обнаженная, уязвимая и беззащитная фигура — олицетворение одиночества и боли, груз которых стал невыносимым для одного хрупкого человека.
О художнице
#кало #примитивизм #женщинывискусстве
«Женщина с жемчужным ожерельем в ложе»
МЭРИ КАССАТT
(1879, Художественный музей Филадельфии, Филадельфия)
В конце 1870-х годов Кассат создала ряд театральных сцен, тем самым показывая свой интерес к ночной жизни горожан, разделяемый многими импрессионистами.
На холсте изображена старшая сестра художницы Лидия, сидящая перед большим зеркалом. В отражении можно увидеть балкон Парижской оперы Гарнье, построенной за несколько лет до написания портрета. Картина восхищает неспешными мазками кисти и умелым построением композиции. Кассатт смело размещает фигуру на переднем плане, показывая окружающий ее мир в зеркальном отражении. В манере письма и отображении телесных тонов при искусственном освещении видно сильное влияние Эдгара Дега, друга и наставника Кассатт. В 1879 году картина была представлена на четвертой выставке импрессионистов, где получила всеобщее признание.
Еще Кассатт:
«Ребенок в соломенной шляпе»
О художнице
#кассатт #женщинывискусстве
МЭРИ КАССАТT
(1879, Художественный музей Филадельфии, Филадельфия)
В конце 1870-х годов Кассат создала ряд театральных сцен, тем самым показывая свой интерес к ночной жизни горожан, разделяемый многими импрессионистами.
На холсте изображена старшая сестра художницы Лидия, сидящая перед большим зеркалом. В отражении можно увидеть балкон Парижской оперы Гарнье, построенной за несколько лет до написания портрета. Картина восхищает неспешными мазками кисти и умелым построением композиции. Кассатт смело размещает фигуру на переднем плане, показывая окружающий ее мир в зеркальном отражении. В манере письма и отображении телесных тонов при искусственном освещении видно сильное влияние Эдгара Дега, друга и наставника Кассатт. В 1879 году картина была представлена на четвертой выставке импрессионистов, где получила всеобщее признание.
Еще Кассатт:
«Ребенок в соломенной шляпе»
О художнице
#кассатт #женщинывискусстве
«За завтраком»
ЗИНАИДА СЕРЕБРЯКОВА
(1914, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
«Как же за завтраком, когда обед подают?», – удивлялись зрители. Но в доме Серебряковых был принят европейский режим питания, более физиологичный, чем привычный трехразовый, состоящий из завтрака, обеда и ужина. Утром подавался «маленький завтрак», а в полдень следовало то, что называют ланчем, плотный второй завтрак. О нем и речь.
За столом изображены трое старших детей художницы. По дальнюю сторону — восьмилетний Женя, на переднем плане — Саша, которому 6-7 лет, справа двухлетняя Тата. Младшей, Катюше, за стол пока рано, она еще на руках у кормилицы.
Отдельный персонаж — руки кого-то взрослого, разливающие суп. Мы не знаем, кто это — бабушка, няня или кухарка. Но именно ее руки добавляют уюта и ощущения защищенности картине. Дети не оставлены, они под присмотром, их кормят. Смотреть, как ест ребенок — особое, понятное каждой матери ощущение. Это о том, что дети здесь, рядом, с ними всё хорошо, они сыты и здоровы.
Эта работа — одно из самых интимных и обаятельных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета. По словам Александра Бенуа, Зинаида Серебрякова, «не знает себе соперников» в этом жанре.
О художнице
#серебрякова #реализм #женщинывискусстве
ЗИНАИДА СЕРЕБРЯКОВА
(1914, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
«Как же за завтраком, когда обед подают?», – удивлялись зрители. Но в доме Серебряковых был принят европейский режим питания, более физиологичный, чем привычный трехразовый, состоящий из завтрака, обеда и ужина. Утром подавался «маленький завтрак», а в полдень следовало то, что называют ланчем, плотный второй завтрак. О нем и речь.
За столом изображены трое старших детей художницы. По дальнюю сторону — восьмилетний Женя, на переднем плане — Саша, которому 6-7 лет, справа двухлетняя Тата. Младшей, Катюше, за стол пока рано, она еще на руках у кормилицы.
Отдельный персонаж — руки кого-то взрослого, разливающие суп. Мы не знаем, кто это — бабушка, няня или кухарка. Но именно ее руки добавляют уюта и ощущения защищенности картине. Дети не оставлены, они под присмотром, их кормят. Смотреть, как ест ребенок — особое, понятное каждой матери ощущение. Это о том, что дети здесь, рядом, с ними всё хорошо, они сыты и здоровы.
Эта работа — одно из самых интимных и обаятельных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета. По словам Александра Бенуа, Зинаида Серебрякова, «не знает себе соперников» в этом жанре.
О художнице
#серебрякова #реализм #женщинывискусстве
«Земля в лесу»
РАШЕЛЬ РЮЙШ
(1687, Музей Эшмола (Ашмола), Оксфорд)
Картину «Земля в лесу» Рашель Рюйш написала в возрасте 23 лет. Она была молодой художницей, впереди — несколько лет девичества, которые Рюйш потратит на живопись (она выйдет замуж в 29, родит 10 детей). Позади — 5 лет обучения у художника-легенды Виллема ван Алста, который успел поделиться с ней главными секретами — как писать объемные цветы, реалистичные фактуры и делать композицию нескучной.
Полотно выполнено в манере соттобоско (sottobosco), как называли ее итальянцы, у голландцев это — bosstilleven (лесной натюрморт). Это изображение клочка земли с растениями, мелкими животными и уголком пейзажа, чтобы не оставалось сомнений, что дело происходит «на природе». Картины в этом жанре всегда темны, потому что по его законам живописать полагалось вечер и сумерки. Еще один секрет этих полотен — для пущей достоверности при написании мха, использовали живой мох, который окунали в краску и прикладывали к холсту.
Еще Рюйш:
«Розы, тюльпаны, подсолнух и другие цветы с насекомыми в стеклянной вазе»
#рюйш #барокко #женщинывискусстве
РАШЕЛЬ РЮЙШ
(1687, Музей Эшмола (Ашмола), Оксфорд)
Картину «Земля в лесу» Рашель Рюйш написала в возрасте 23 лет. Она была молодой художницей, впереди — несколько лет девичества, которые Рюйш потратит на живопись (она выйдет замуж в 29, родит 10 детей). Позади — 5 лет обучения у художника-легенды Виллема ван Алста, который успел поделиться с ней главными секретами — как писать объемные цветы, реалистичные фактуры и делать композицию нескучной.
Полотно выполнено в манере соттобоско (sottobosco), как называли ее итальянцы, у голландцев это — bosstilleven (лесной натюрморт). Это изображение клочка земли с растениями, мелкими животными и уголком пейзажа, чтобы не оставалось сомнений, что дело происходит «на природе». Картины в этом жанре всегда темны, потому что по его законам живописать полагалось вечер и сумерки. Еще один секрет этих полотен — для пущей достоверности при написании мха, использовали живой мох, который окунали в краску и прикладывали к холсту.
Еще Рюйш:
«Розы, тюльпаны, подсолнух и другие цветы с насекомыми в стеклянной вазе»
#рюйш #барокко #женщинывискусстве
«Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей»
ЛАВИНИЯ ФОНТАНА
(1605, Частная коллекция)
Сокровенный семейный портрет, который Лавиния Фонтана написала в Риме в первые годы XVII века. Это одна из её лучших работ и одно из немногих известных произведений, относящихся к этому периоду карьеры. Картина с изображением Бьянки дели Утили, жены дворянина Пьерино Мазелли, и шести их детей даёт бесценное представление о моде того времени.
Портрет отличается скрупулёзным вниманием к деталям, вышитым костюмам и текстурам. Эта картина –демонстрация мастерства Лавинии Фонтаны как портретиста и художницы моды.
В январе 2012 года портрет был выставлен на аукцион Sotheby’s с первоначальной оценкой в 200 – 300 тыс. долларов США, а продан за 602,5 тысячи.
#фонтана #женщинывискусстве
ЛАВИНИЯ ФОНТАНА
(1605, Частная коллекция)
Сокровенный семейный портрет, который Лавиния Фонтана написала в Риме в первые годы XVII века. Это одна из её лучших работ и одно из немногих известных произведений, относящихся к этому периоду карьеры. Картина с изображением Бьянки дели Утили, жены дворянина Пьерино Мазелли, и шести их детей даёт бесценное представление о моде того времени.
Портрет отличается скрупулёзным вниманием к деталям, вышитым костюмам и текстурам. Эта картина –демонстрация мастерства Лавинии Фонтаны как портретиста и художницы моды.
В январе 2012 года портрет был выставлен на аукцион Sotheby’s с первоначальной оценкой в 200 – 300 тыс. долларов США, а продан за 602,5 тысячи.
#фонтана #женщинывискусстве
«Визит царицы Савской к царю Соломону»
ЛАВИНИЯ ФОНТАНА
(1599, Национальная галерея Ирландии, Дублин)
Эту картину называют самой амбициозной из дошедших до наших дней работ Лавинии Фонтаны. Это полотно – демонстрация не только мастерства художницы, но и её связей с высшим светом Италии периода позднего Ренессанса, а также своеобразный показ мод того времени.
В основном Фонтана писала женские портреты — очевидно, клиенткам было более комфортно позировать живописцу-женщине. Она изображала их в разные моменты жизни — от помолвки до беременности и даже в период траура по почившему супругу. Во время сеансов у неё возникали тёплые и даже дружеские отношения с заказчицами. Многие из них предстают на картинах в виде библейских и мифологических персонажей, что, по замыслу художницы, подчёркивает их красоту и нравственность.
Согласно Ветхому Завету, царица Савская прибыла в Иерусалим к царю Соломону, чтобы убедиться в его мудрости и богатстве его страны. На полотне в образах израильского царя и правительницы изображены Винченцо I Гонзага, герцог Мантуи, и его жена Элеонора Медичи, позади которой стоят её фрейлины. Эпизод из Ветхого Завета был выбран потому, что члены семьи Гонзага считали себя потомками царицы Савской.
Еще Фонтана:
«Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей»
#фонтана #женщинывискусстве #маньеризм
ЛАВИНИЯ ФОНТАНА
(1599, Национальная галерея Ирландии, Дублин)
Эту картину называют самой амбициозной из дошедших до наших дней работ Лавинии Фонтаны. Это полотно – демонстрация не только мастерства художницы, но и её связей с высшим светом Италии периода позднего Ренессанса, а также своеобразный показ мод того времени.
В основном Фонтана писала женские портреты — очевидно, клиенткам было более комфортно позировать живописцу-женщине. Она изображала их в разные моменты жизни — от помолвки до беременности и даже в период траура по почившему супругу. Во время сеансов у неё возникали тёплые и даже дружеские отношения с заказчицами. Многие из них предстают на картинах в виде библейских и мифологических персонажей, что, по замыслу художницы, подчёркивает их красоту и нравственность.
Согласно Ветхому Завету, царица Савская прибыла в Иерусалим к царю Соломону, чтобы убедиться в его мудрости и богатстве его страны. На полотне в образах израильского царя и правительницы изображены Винченцо I Гонзага, герцог Мантуи, и его жена Элеонора Медичи, позади которой стоят её фрейлины. Эпизод из Ветхого Завета был выбран потому, что члены семьи Гонзага считали себя потомками царицы Савской.
Еще Фонтана:
«Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей»
#фонтана #женщинывискусстве #маньеризм
«Женщина с мандолиной»
ТАМАРА ЛЕМПИЦКА
(1929, Частная коллекция)
Посетители 41-го Салона Независимых в первые месяцы 1930 года, несомненно, останавливались перед этой картиной. «Женщина с мандолиной», которая в оригинале называется La Musicienne («Музыкантша»), — это не только портрет, но и воплощение давней традиции европейской живописи, аллегории музыки.
В мае 2009 года «Женщина с мандолиной» была выкрадена из Музея реалистического искусства Шерринга в голландском городе Шпанбруке. Семь лет спустя её нашли и передали страховой компании. В ноябре 2018 года полотно было продано на аукционе Christie’s за 9 млн долларов, став самой дорогой картиной в наследии Тамары де Лемпицки.
О художнице
#лемпицка #артдеко #женщинывискусстве
ТАМАРА ЛЕМПИЦКА
(1929, Частная коллекция)
Посетители 41-го Салона Независимых в первые месяцы 1930 года, несомненно, останавливались перед этой картиной. «Женщина с мандолиной», которая в оригинале называется La Musicienne («Музыкантша»), — это не только портрет, но и воплощение давней традиции европейской живописи, аллегории музыки.
В мае 2009 года «Женщина с мандолиной» была выкрадена из Музея реалистического искусства Шерринга в голландском городе Шпанбруке. Семь лет спустя её нашли и передали страховой компании. В ноябре 2018 года полотно было продано на аукционе Christie’s за 9 млн долларов, став самой дорогой картиной в наследии Тамары де Лемпицки.
О художнице
#лемпицка #артдеко #женщинывискусстве
САРА БИФФЕН
(1784-1850, Англия)
В июле 2021 года на аукционе Sotheby's выставили на торги лот — картину с изображением перьев. Заявочная цена была 4 тысячи фунтов стерлингов, продана же картина была за 65 тысяч. Отчаянная борьба за право обладать картиной разразилась еще потому, что автор картины известная английская художница Сара Биффен. И это не самая высокая цена ее работ — в 2019 году автопортрет Биффен был продан за 137 тыс. фунтов стерлингов.
Ажиотаж вокруг творчества Сары Биффен при жизни и после ее смерти вызван фактом удивительного таланта и силы духа художницы, рисовавшей картины без рук. Сара научилась управлять кистью при помощи рта. Она прошла тяжелый путь от цирковой «диковинки» до признанной художницы.
Сара выбрала для себя нелегкое, но стабильное и довольно денежное дело миниатюриста, создающего рисунки для медальонов. В викторианской Англии медальоны с портретом близкого человека, родной местности или кумира были безумно популярны.
#биффен #женщинывискусстве
(1784-1850, Англия)
В июле 2021 года на аукционе Sotheby's выставили на торги лот — картину с изображением перьев. Заявочная цена была 4 тысячи фунтов стерлингов, продана же картина была за 65 тысяч. Отчаянная борьба за право обладать картиной разразилась еще потому, что автор картины известная английская художница Сара Биффен. И это не самая высокая цена ее работ — в 2019 году автопортрет Биффен был продан за 137 тыс. фунтов стерлингов.
Ажиотаж вокруг творчества Сары Биффен при жизни и после ее смерти вызван фактом удивительного таланта и силы духа художницы, рисовавшей картины без рук. Сара научилась управлять кистью при помощи рта. Она прошла тяжелый путь от цирковой «диковинки» до признанной художницы.
Сара выбрала для себя нелегкое, но стабильное и довольно денежное дело миниатюриста, создающего рисунки для медальонов. В викторианской Англии медальоны с портретом близкого человека, родной местности или кумира были безумно популярны.
#биффен #женщинывискусстве