"Большие купальщицы"
1887 г.
Пьер Огюст Ренуар
Художественный музей Филадельфии.
Картина «Большие купальщицы» - одна из самых неимпрессионистских у Ренуара. Ее можно смело включать в викторины «Опознай художника-импрессиониста» и рассчитывать, что многие отвечающие как раз здесь и провалятся. Пожалуй, только по профилю Алин Шариго, жены Ренуара (она как всегда прекрасна, плещется в реке - с косой, в правом нижнем углу), можно заподозрить здесь того художника, который десять лет назад совершал переворот в живописи и писал солнечные блики на фигурах людей, танцующих в Мулен де ла Галетт.
Ренуар уже несколько лет не участвует в выставках импрессионистов, он едет путешествовать. Алжир, Италия, снова Алжир – Ренуару срочно нужно туда, где Делакруа нашел знойные цвета, томные женские тела и слепящее солнце, и туда, где несколько столетий подряд художники всей Европы в любом возрасте и с любым запасом тщеславия переучиваются писать заново.
Путешествие в Италию должно обязательно художника изменить. Наверное, именно поэтому некоторые из художников-друзей Ренуара предпочитали не отъезжать далеко от своих деревенских домов, и даже в Париже бывали редко. Чтобы не утратить собственный стиль. Но Ренуару уже тесно в импрессионизме и тесно во Франции, ему 40 лет и ему нужно решить, куда двигаться дальше и действительно ли он любит Алин Шариго настолько, чтобы жениться. И для этого он решает уехать как можно дальше.
«Большие купальщицы» - знак новой жизни. Огюст теперь берет две краски, охру и кобальтовую лазурь, не ходит на пленэр, тщательно пишет глянцевую поверхность тел и оттачивает рисунок, с удовольствием замыкая точные контуры. Однажды Дега сказал о Ренуаре: «Он пишет клубками шерсти!» Теперь все по-другому, он как будто пишет топленым воском, который тут же застывает в неестественных жестах фигурок. Художник работает над этой картиной три года! Ни одному полотну ни до, ни после он больше не посвятит столько времени и не создаст столько подготовительных эскизов. И да, оказывается, он по-настоящему любит Алин.
Позже Ренуар будет называть этот период «кислым», а деликатные искусствоведы придумают название «энгровский». Еще немного экспериментов с классицизмом – и Ренуар переродится в совершенно нового художника. Он не из тех, кто боится влияний. Совсем скоро он поедет в Испанию смотреть Гойю и Веласкеса, а потом в Нидерланды – знакомиться с Вермеером и Рембрандтом.
#ПьерОгюстРенуар
@pic_history
1887 г.
Пьер Огюст Ренуар
Художественный музей Филадельфии.
Картина «Большие купальщицы» - одна из самых неимпрессионистских у Ренуара. Ее можно смело включать в викторины «Опознай художника-импрессиониста» и рассчитывать, что многие отвечающие как раз здесь и провалятся. Пожалуй, только по профилю Алин Шариго, жены Ренуара (она как всегда прекрасна, плещется в реке - с косой, в правом нижнем углу), можно заподозрить здесь того художника, который десять лет назад совершал переворот в живописи и писал солнечные блики на фигурах людей, танцующих в Мулен де ла Галетт.
Ренуар уже несколько лет не участвует в выставках импрессионистов, он едет путешествовать. Алжир, Италия, снова Алжир – Ренуару срочно нужно туда, где Делакруа нашел знойные цвета, томные женские тела и слепящее солнце, и туда, где несколько столетий подряд художники всей Европы в любом возрасте и с любым запасом тщеславия переучиваются писать заново.
Путешествие в Италию должно обязательно художника изменить. Наверное, именно поэтому некоторые из художников-друзей Ренуара предпочитали не отъезжать далеко от своих деревенских домов, и даже в Париже бывали редко. Чтобы не утратить собственный стиль. Но Ренуару уже тесно в импрессионизме и тесно во Франции, ему 40 лет и ему нужно решить, куда двигаться дальше и действительно ли он любит Алин Шариго настолько, чтобы жениться. И для этого он решает уехать как можно дальше.
«Большие купальщицы» - знак новой жизни. Огюст теперь берет две краски, охру и кобальтовую лазурь, не ходит на пленэр, тщательно пишет глянцевую поверхность тел и оттачивает рисунок, с удовольствием замыкая точные контуры. Однажды Дега сказал о Ренуаре: «Он пишет клубками шерсти!» Теперь все по-другому, он как будто пишет топленым воском, который тут же застывает в неестественных жестах фигурок. Художник работает над этой картиной три года! Ни одному полотну ни до, ни после он больше не посвятит столько времени и не создаст столько подготовительных эскизов. И да, оказывается, он по-настоящему любит Алин.
Позже Ренуар будет называть этот период «кислым», а деликатные искусствоведы придумают название «энгровский». Еще немного экспериментов с классицизмом – и Ренуар переродится в совершенно нового художника. Он не из тех, кто боится влияний. Совсем скоро он поедет в Испанию смотреть Гойю и Веласкеса, а потом в Нидерланды – знакомиться с Вермеером и Рембрандтом.
#ПьерОгюстРенуар
@pic_history
Какой из этих парижских пейзажей принадлежит кисти единственного последовательного русского импрессиониста Константина Коровина?
Anonymous Quiz
30%
1
50%
2
20%
3
"Давид с головой Голиафа"
1610 г.
Микеланджело Меризи де Караваджо
Галерея Боргезе, Рим.
Итальянский художник Караваджо неоднократно обращался к библейской истории о противостоянии молодого пастуха Давида и великана Голиафа. В период с 1599-го по 1610 год он создал три полотна, на которых изображен финальный момент этого поединка: победитель держит в руке отрубленную голову побежденного. Картина «Давид с головой Голиафа», описание которой мы вам предлагаем, была написана в 1610 году незадолго до смерти великого живописца.
Согласно Библии, войско филистимлян выступило против израильтян, царем которых в то время был Саул. Три старших брата Давида отправились на защиту своего народа, оставив дома юного Давида и престарелых родителей. Спустя несколько дней отец отправил младшего сына в стан израильского войска, поручив ему передать братьям еду и узнать как обстоят дела. Придя к братьям, Давид увидел огромного филистимлянина, облаченного в доспехи — выйдя на поле брани, тот насмехался над израильтянами.
Воины Саула не решались ответить великану, и тогда Давид обратился к царю с просьбой разрешить ему выступить против Голиафа. Пастушок убедил царя, что сумеет справиться с опытным воином, и, отказавшись от доспехов и оружия, вышел на поединок с одной только пращей. Первый же выпущенный из нее камень угодил Голиафу точно в лоб — великан рухнул замертво. Испуганные филистимляне стали убегать, и войско Саула одержало быструю победу.
На полотне Караваджо изображен Давид, стоящий с головой Голиафа. Победив великана, он отсек голову врага, чтобы устрашить филистимлянских воинов. Фигура юноши словно выступает из непроглядной тьмы, освещенная яркими лучами солнца. Давид одет в просторную белую рубаху, один рукав которой юноша снял перед боем, чтобы ткань не мешала как следует размахнуться, и домотканые штаны на завязках. В его правой руке зажат меч с тонким острым лезвием, левая приподнимает отрубленную голову поверженного противника.
Несмотря на победу, Давид, замерший с головой Голиафа в руке, не выглядит победителем: Караваджо изобразил на лице юноши печаль и сожаление. Это полотно разительно отличается от двух других картин, написанных мастером на этот же сюжет. На полотне, датированном 1599 годом, мы видим юношу, деловито склонившегося над великаном — его сосредоточенное лицо обращено к зрителю в профиль. «Давид с головой Голиафа», созданный Караваджо в 1607 году, композиционно похож на более позднюю картину, однако выражение лица пастушка можно назвать скорее задумчивым, нежели трагично-печальным.
По одной из версий, на картине «Давид с головой Голиафа» в образе пастушка художник изобразил самого себя в юности, а голова Голиафа — автопортрет Караваджо. Как известно, Микеланджело, слывший с юных лет забиякой, всю свою жизнь скитался из-за того, что не раз преступал закон. В этом случае картина интерпретируется так: Давид с головой Голиафа — это психологический конфликт между испытывающим вину и нуждающемся в наказании Я (образ Голиафа) и карающим Сверх-Я (образ Давида).
#Микеланджело #РелигиознаяСцена #Барокко
@pic_history
1610 г.
Микеланджело Меризи де Караваджо
Галерея Боргезе, Рим.
Итальянский художник Караваджо неоднократно обращался к библейской истории о противостоянии молодого пастуха Давида и великана Голиафа. В период с 1599-го по 1610 год он создал три полотна, на которых изображен финальный момент этого поединка: победитель держит в руке отрубленную голову побежденного. Картина «Давид с головой Голиафа», описание которой мы вам предлагаем, была написана в 1610 году незадолго до смерти великого живописца.
Согласно Библии, войско филистимлян выступило против израильтян, царем которых в то время был Саул. Три старших брата Давида отправились на защиту своего народа, оставив дома юного Давида и престарелых родителей. Спустя несколько дней отец отправил младшего сына в стан израильского войска, поручив ему передать братьям еду и узнать как обстоят дела. Придя к братьям, Давид увидел огромного филистимлянина, облаченного в доспехи — выйдя на поле брани, тот насмехался над израильтянами.
Воины Саула не решались ответить великану, и тогда Давид обратился к царю с просьбой разрешить ему выступить против Голиафа. Пастушок убедил царя, что сумеет справиться с опытным воином, и, отказавшись от доспехов и оружия, вышел на поединок с одной только пращей. Первый же выпущенный из нее камень угодил Голиафу точно в лоб — великан рухнул замертво. Испуганные филистимляне стали убегать, и войско Саула одержало быструю победу.
На полотне Караваджо изображен Давид, стоящий с головой Голиафа. Победив великана, он отсек голову врага, чтобы устрашить филистимлянских воинов. Фигура юноши словно выступает из непроглядной тьмы, освещенная яркими лучами солнца. Давид одет в просторную белую рубаху, один рукав которой юноша снял перед боем, чтобы ткань не мешала как следует размахнуться, и домотканые штаны на завязках. В его правой руке зажат меч с тонким острым лезвием, левая приподнимает отрубленную голову поверженного противника.
Несмотря на победу, Давид, замерший с головой Голиафа в руке, не выглядит победителем: Караваджо изобразил на лице юноши печаль и сожаление. Это полотно разительно отличается от двух других картин, написанных мастером на этот же сюжет. На полотне, датированном 1599 годом, мы видим юношу, деловито склонившегося над великаном — его сосредоточенное лицо обращено к зрителю в профиль. «Давид с головой Голиафа», созданный Караваджо в 1607 году, композиционно похож на более позднюю картину, однако выражение лица пастушка можно назвать скорее задумчивым, нежели трагично-печальным.
По одной из версий, на картине «Давид с головой Голиафа» в образе пастушка художник изобразил самого себя в юности, а голова Голиафа — автопортрет Караваджо. Как известно, Микеланджело, слывший с юных лет забиякой, всю свою жизнь скитался из-за того, что не раз преступал закон. В этом случае картина интерпретируется так: Давид с головой Голиафа — это психологический конфликт между испытывающим вину и нуждающемся в наказании Я (образ Голиафа) и карающим Сверх-Я (образ Давида).
#Микеланджело #РелигиознаяСцена #Барокко
@pic_history
Какое из новейших изобретений импрессионисты не приняли категорически?
Anonymous Quiz
6%
Железная дорога
27%
Электрический свет
67%
Фотография
"Человек на балконе, бульвар Осман"
1880 г.
Гюстав Кайботт
Частная коллекция.
Когда в 2000 году картина «Человек на балконе, бульвар Осман» была продана на аукционе Christie’s за 14 миллионов долларов, эта новость не стала украшением таблоидов и не удостоилась развернутого материала в серьезных изданиях. Год спустя картина Гюстава Кайботта «Мост через Сену в Аржантее» побила этот рекорд – ее продали с аукциона Sotheby’s за 18 миллионов. Но, конечно, главными поставщиками сенсаций и рекордсменами продаж на этих аукционах становятся Моне, Дега, Мунк. Критики тогда вскользь замечают, что картины Кайботта только начинают пользоваться спросом на арт-рынке.
Но при жизни художников все было наоборот. Это как раз юный 19-летний Эдвард Мунк приехал в Париж и попал на Седьмую выставку импрессионистов. Здесь только и было разговоров, что о Ренуаре и Кайботте. Из 17 картин, которые Кайботт в этом году представил на выставке, «Человек на балконе» - самая впечатляющая и обсуждаемая. Балконные сюжеты Кайботта так потрясли молодых норвежцев, которые учатся в эти годы в Париже, что каждый из них уже спустя много лет напишет свою балконную вариацию.
Картина должна была произвести огромное впечатление. Соединяя внутреннее пространство дома и внешнее – города, художник делает его продолжением и объяснением стоящего на балконе человека. Переставляя местами две части в названии картины, мы ничего не потеряем: бульвар Осман – такой же герой, как и стоящий спиной мужчина. Город, закрывающий собой линию горизонта и перерисовывающий сам этот горизонт. Город, который после перестройки бароном Османом перестал ютиться по дворам – и улицами, шумом, взглядами, светом вливается в дома через новомодное архитектурное изобретение, через узорчатые балконы.
В это время Кайботт много говорит о том, что академической живописи больше быть не может, что индивидуальные качества современного человека должны передаваться для каждого по-разному: через мазок краски, мебель, одежду, отделку стен, манеры, жесты. И ему удается этого добиваться. Кажется, мы знаем, каким будет выражение лица этого мужчины, когда он повернется. И даже черты его становятся как будто очевидными – почти знакомый.
Современных арт-критиков восхищает, что Кайботту удалось первому преодолеть простое описание города, как это было у Моне или Писсарро. Ему удалось преодолеть и простое описание человека, как это было у Ренуара. А прославленный Эдуаром Мане сюжет с балконом развернуть на 180 градусов, раскрывая человека через городской пейзаж, который как раз сейчас отражается в его глазах.
#ГюставКайботт #Импрессионизм
@pic_history
1880 г.
Гюстав Кайботт
Частная коллекция.
Когда в 2000 году картина «Человек на балконе, бульвар Осман» была продана на аукционе Christie’s за 14 миллионов долларов, эта новость не стала украшением таблоидов и не удостоилась развернутого материала в серьезных изданиях. Год спустя картина Гюстава Кайботта «Мост через Сену в Аржантее» побила этот рекорд – ее продали с аукциона Sotheby’s за 18 миллионов. Но, конечно, главными поставщиками сенсаций и рекордсменами продаж на этих аукционах становятся Моне, Дега, Мунк. Критики тогда вскользь замечают, что картины Кайботта только начинают пользоваться спросом на арт-рынке.
Но при жизни художников все было наоборот. Это как раз юный 19-летний Эдвард Мунк приехал в Париж и попал на Седьмую выставку импрессионистов. Здесь только и было разговоров, что о Ренуаре и Кайботте. Из 17 картин, которые Кайботт в этом году представил на выставке, «Человек на балконе» - самая впечатляющая и обсуждаемая. Балконные сюжеты Кайботта так потрясли молодых норвежцев, которые учатся в эти годы в Париже, что каждый из них уже спустя много лет напишет свою балконную вариацию.
Картина должна была произвести огромное впечатление. Соединяя внутреннее пространство дома и внешнее – города, художник делает его продолжением и объяснением стоящего на балконе человека. Переставляя местами две части в названии картины, мы ничего не потеряем: бульвар Осман – такой же герой, как и стоящий спиной мужчина. Город, закрывающий собой линию горизонта и перерисовывающий сам этот горизонт. Город, который после перестройки бароном Османом перестал ютиться по дворам – и улицами, шумом, взглядами, светом вливается в дома через новомодное архитектурное изобретение, через узорчатые балконы.
В это время Кайботт много говорит о том, что академической живописи больше быть не может, что индивидуальные качества современного человека должны передаваться для каждого по-разному: через мазок краски, мебель, одежду, отделку стен, манеры, жесты. И ему удается этого добиваться. Кажется, мы знаем, каким будет выражение лица этого мужчины, когда он повернется. И даже черты его становятся как будто очевидными – почти знакомый.
Современных арт-критиков восхищает, что Кайботту удалось первому преодолеть простое описание города, как это было у Моне или Писсарро. Ему удалось преодолеть и простое описание человека, как это было у Ренуара. А прославленный Эдуаром Мане сюжет с балконом развернуть на 180 градусов, раскрывая человека через городской пейзаж, который как раз сейчас отражается в его глазах.
#ГюставКайботт #Импрессионизм
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
Мост через Сену в Аржантее
Гюстав Кайботт
Гюстав Кайботт
Кто такой фотограф Надар и какую роль он сыграл в истории импрессионизма?
Anonymous Quiz
23%
Он фотографировал балерин для Эдгара Дега
54%
Он предоставил свою студию для первой выставки импрессионистов
24%
Он покупал картины у голодных импрессионистов
"Лягушатник"
1869 г.
Пьер Огюст Ренуар
Национальный музей Швеции, Стокгольм.
Эдгар Дега, например, ненавидел пленэры и готов был стрелять (для начала дробью) в художников, которые бродят по большим дорогам с мольбертами. Но когда у него спросили о Ренуаре, пишущем на пленэре, Дега ответил: «Ренуар – другое дело. Он может делать все, что ему угодно». Иногда Ренуару угодно было писать на пленэре, но действительно удивительные пейзажи у него получались, когда на них присутствовали люди.
«Лягушатником» («Ла Гренуйер») называлось заведение недалеко от Парижа, которое стало популярным благодаря появлению железной дороги - доехать сюда стало возможным за каких-нибудь 20 минут. Ресторанчик был расположен на понтоне, пришвартованном к берегу Сены, но название он получил не за особую близость к речным обитателям. Лягушками тогда называли свободных в своих увлечениях барышень, которые стремительно меняли любовников и не признавали навязанных обществом моральных рамок. Влюбленные приезжали сюда, чтобы уединиться в тени деревьев, одинокие – чтобы найти пару, но все без исключения – чтобы от всей души потанцевать и развлечься.
О девушках-лягушках парижане говорили с усмешкой или с пренебрежением, шептались об их кричаще ярких нарядах и громком смехе. Ренуар же никогда не пытался раздавать моральных оценок – он смотрел на хорошенькую девушку и видел просто хорошенькую девушку. «Конечно, иногда можно было увидеть в «Ла Гренуйер», как две женщины целуются в губы, но при этом они выглядели такими неиспорченными!» - рассказывал он даже много лет спустя.
Огюст Ренуар и Клод Моне приезжали в «Лягушатник» вдвоем, ставили мольберты рядом и писали одни и те же сцены. У обоих часто не было гроша в кармане и ни единой крошки в желудке, но они страстно ловили эти блики на воде, этот солнечный свет, пробивающийся сквозь листья и играющий на фигурах и лицах людей, на траве и воде. До этих двоих так никто не писал – не удивительно, что, дыша одним воздухом, художники писали очень похоже, с голодной страстью совершали пока незаметный переворот в искусстве. Сейчас редкий любитель живописи без художественного образования или специальной подготовки отличит «Лягушатник» Моне от «Лягушатника» Ренуара. Папаша Фурнэз, владелец ресторанчика, денег за обед с этих чудаков никогда не брал – иногда только просил отдать ему наброски пейзажей, которые Ренуар и Моне считали неудавшимися. Он посмеивался, когда художники уверяли, что в них нет особой ценности и никто не захочет их купить: «Какое мне дело, если они красивые и закрывают пятна на стенах».
Дега был, конечно, язвительным брюзгой, но возвращаясь с нелегким снаряжением, измученным и уставшим из очередного путешествия в поисках прекрасного пейзажа, Ренуар бы с ним согласился. «Пленэр – это не искусство, а спорт», - шутил художник. То ли дело портрет.
#ПьерОгюстРенуар #Импрессионизм
@pic_history
1869 г.
Пьер Огюст Ренуар
Национальный музей Швеции, Стокгольм.
Эдгар Дега, например, ненавидел пленэры и готов был стрелять (для начала дробью) в художников, которые бродят по большим дорогам с мольбертами. Но когда у него спросили о Ренуаре, пишущем на пленэре, Дега ответил: «Ренуар – другое дело. Он может делать все, что ему угодно». Иногда Ренуару угодно было писать на пленэре, но действительно удивительные пейзажи у него получались, когда на них присутствовали люди.
«Лягушатником» («Ла Гренуйер») называлось заведение недалеко от Парижа, которое стало популярным благодаря появлению железной дороги - доехать сюда стало возможным за каких-нибудь 20 минут. Ресторанчик был расположен на понтоне, пришвартованном к берегу Сены, но название он получил не за особую близость к речным обитателям. Лягушками тогда называли свободных в своих увлечениях барышень, которые стремительно меняли любовников и не признавали навязанных обществом моральных рамок. Влюбленные приезжали сюда, чтобы уединиться в тени деревьев, одинокие – чтобы найти пару, но все без исключения – чтобы от всей души потанцевать и развлечься.
О девушках-лягушках парижане говорили с усмешкой или с пренебрежением, шептались об их кричаще ярких нарядах и громком смехе. Ренуар же никогда не пытался раздавать моральных оценок – он смотрел на хорошенькую девушку и видел просто хорошенькую девушку. «Конечно, иногда можно было увидеть в «Ла Гренуйер», как две женщины целуются в губы, но при этом они выглядели такими неиспорченными!» - рассказывал он даже много лет спустя.
Огюст Ренуар и Клод Моне приезжали в «Лягушатник» вдвоем, ставили мольберты рядом и писали одни и те же сцены. У обоих часто не было гроша в кармане и ни единой крошки в желудке, но они страстно ловили эти блики на воде, этот солнечный свет, пробивающийся сквозь листья и играющий на фигурах и лицах людей, на траве и воде. До этих двоих так никто не писал – не удивительно, что, дыша одним воздухом, художники писали очень похоже, с голодной страстью совершали пока незаметный переворот в искусстве. Сейчас редкий любитель живописи без художественного образования или специальной подготовки отличит «Лягушатник» Моне от «Лягушатника» Ренуара. Папаша Фурнэз, владелец ресторанчика, денег за обед с этих чудаков никогда не брал – иногда только просил отдать ему наброски пейзажей, которые Ренуар и Моне считали неудавшимися. Он посмеивался, когда художники уверяли, что в них нет особой ценности и никто не захочет их купить: «Какое мне дело, если они красивые и закрывают пятна на стенах».
Дега был, конечно, язвительным брюзгой, но возвращаясь с нелегким снаряжением, измученным и уставшим из очередного путешествия в поисках прекрасного пейзажа, Ренуар бы с ним согласился. «Пленэр – это не искусство, а спорт», - шутил художник. То ли дело портрет.
#ПьерОгюстРенуар #Импрессионизм
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
Лягушатник
Клод Моне
Клод Моне
Какая картина Клода Моне в 2016 году побила предыдущий рекорд в 80 млн. и стала самой дорогой?
Anonymous Quiz
23%
1
68%
2
10%
3
История об искусстве и сохранение древних ремесел... в моде
Бренд the mató - вы найдете не только эстетику и аутентичные принты, вы увидите, как хлопок и коконы превращаются в настоящие нити, ткань и изделия-инвестиции:
– все изделия и даже упаковка созданы вручную на 100%
– сохранена древняя традиция ручного плетения ткани – «адрас» создают мастера в Узбекистане
– кафтаны the mató, в отличие от музейных экспонатов, максимально носибельны и универсальны (благодаря крою и принтам уместны и на пляже, и на открытии выставки)
Если хотите вдохновиться эстетикой ар-нуво, обратите внимание на коллеекцию LA BELLE EPOQUE. В ней отсылки и к знаменитым афишам А.Мухи, и к фантазийным узорам Э.Гимара, и к забытому «королю моды» Полю Пуаре.
Бренд the mató - вы найдете не только эстетику и аутентичные принты, вы увидите, как хлопок и коконы превращаются в настоящие нити, ткань и изделия-инвестиции:
– все изделия и даже упаковка созданы вручную на 100%
– сохранена древняя традиция ручного плетения ткани – «адрас» создают мастера в Узбекистане
– кафтаны the mató, в отличие от музейных экспонатов, максимально носибельны и универсальны (благодаря крою и принтам уместны и на пляже, и на открытии выставки)
Если хотите вдохновиться эстетикой ар-нуво, обратите внимание на коллеекцию LA BELLE EPOQUE. В ней отсылки и к знаменитым афишам А.Мухи, и к фантазийным узорам Э.Гимара, и к забытому «королю моды» Полю Пуаре.
