Оказалось, что даже после смерти Медуза была опасна: ее мертвые глаза не утратили своей силы и по-прежнему могли превратить любого в каменное изваяние. Именно такой мы видим ее на картине Караваджо, где изображена отрубленная голова Медузы — побежденной, но продолжающей нести смерть.

Заказ на создание этого полотна Караваджо получил в 1597 году от кардинала Франческо Дель Монте, который задумал преподнести герцогу Медичи необычный подарок: картину на сюжет из Овидия, написанную на круглом щите. Художник с увлечением принялся за работу: возможно, его подстегивало чувство соперничества с великим Леонардо, который также пытался перенести на холст события из античного мифа. Картину «Медуза Горгона», описание которой мы предлагаем вам прочесть, Караваджо написал в рекордно короткий срок: спустя год в 1598 г. это произведение было подарено герцогу.

Как известно, художник писал свои полотна без предварительных набросков: рентгеновский анализ холстов не находит на них следов от карандаша или угля. Голова Медузы, написанная Караваджо на холсте, натянутом на круглый деревянный щит, была также создана без единого эскиза — так считалось вплоть до конца ХХ века. Некоторое сомнение у искусствоведов вызывал тот факт, что в одной частной коллекции была практически точная копия картины «Медуза Горгона», однако проверить ее подлинность сумели только в 90-х годах прошлого столетия.

Анализ показал, что Караваджо все же сделал пробный вариант картины: им и оказалась голова Медузы, нарисованная на щите меньшего диаметра. Под слоем краски отчетливо видны наброски углем, поверх которых мастер наложил легкий этюд кисточкой. Специалистам удалось увидеть то, что было скрыто от досужих глаз: картина-набросок углем предполагала, что Медуза Горгона будет изображена в виде гротескной театральной маски, но затем художник предпочел придать чудовищу человеческие черты.

Чтобы изобразить на выпуклой поверхности щита красивое женское лицо, художник использовал популярные в те времена приемы копирования при помощи зеркала и стекла. Для современников Караваджо картина «Медуза Горгона» была несомненным шедевром, несмотря на мрачные тона, потоки крови и драматический сюжет. Сегодня этот шедевр изобразительного искусства украшает собой галерею Уффици во Флоренции.

@pic_history

#Микеланджело #МифологическаяCцена #Барокко

"Русская деревня"
1889 г.
Василий Дмитриевич Поленов
Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева.

@pic_history

Не каждая компания способна превратить свои офисные стены в арт-объекты. DARKSIDE пошли дальше — они сделали уличное искусство частью своей ДНК.

В этом году крупнейший производитель кальянного табака и аксессуаров в России — отмечает 10 лет. Вместо традиционного фуршета бренд устроил визуальный манифест на территории своего московского офиса. Теперь его стены — галерея под открытым небом.

Над проектом работали художники, чьи имена хорошо знакомы в мире уличного искусства: муралист с 30-летним стажем Константин Zmogk Данилов, визуальный-дизайнер и художник с узнаваемым русским стилем Дмитрий Ламонов, абстракционист Ян Аникьев, муралист и граффити-артист Данила Shozy, каллиграфист Игорь Антагонист, а также легенды московского стрит-арта: Алексей Медной, Андрей Aznet, Никита Nik Zag, Максим Горобец и ребята из команды Cratex. Все — с узнаваемым стилем и своей интерпретацией свободы, эксперимента и движения.

Эта идея отражена и в свежем дропе XPERIENCE by DARKSIDE: визуальный стиль отсылает к уличной эстетике, с нотками олдскула и духом городской независимости. Ценность, которой бренд остаётся верен — «DARKSIDE YOUR LIFE»: быть там, где новые впечатления, где нет шаблонов и есть жажда опыта.

Теперь это не просто офис — это среда, которая вдохновляет.

"Танцовщица"
1874 г.
Пьер Огюст Ренуар
Национальная галерея искусства, Вашингтон.

Обучение Ренуара искусству живописи совпало с зарождением во Франции нового течения — импрессионизма. Наскучивший всем академизм не оставлял простора для выражения эмоций, требуя от художников соблюдения устоявшихся канонов. Попытки первых импрессионистов представить публике произведения, написанные в новой манере, поначалу были провальными. Критики не скупились на саркастические статьи, посетители выставок презрительно отворачивались от экспонатов.

@pic_history

Однако для Ренуара, как и для его собратьев по кисти, такая реакция была лишь стимулом. Живописцы искали новые методы, которые помогли бы им запечатлеть на холсте яркий красочный мир во всем его многообразии и те мимолетные впечатления, которые он вызывает. К 1874 году — моменту создания картины Огюста Ренуара «Танцовщица», описание которой мы вам предлагаем ниже — в арсенале будущих импрессионистов уже были такие приемы, как отказ от четкого контура и создание очертаний объекта при помощи множества мелких и контрастных мазков; использование пастельных оттенков, создающих ощущение прозрачности; смазанный фон, усиливающий впечатление движения; применение отталкивающих свет красок, которые создавали «внешнее» свечение картины, и пр.

В 1872 году Ренуар, очарованный открывшимися перед ним художественными перспективами, собрал вокруг себя единомышленников, которые стали членами «Анонимного кооперативного сообщества». Они объединились для того, чтобы поддерживать друг друга и других независимых живописцев, избравших новый путь. На первой выставке сообщества, проходившей в Париже в середине апреля 1874 года, среди прочих произведений была представлена «Танцовщица» — картина Огюста Ренуара. Выставка оказалась провальной: критики не поскупились на насмешки, в числе которых было прозвище «импрессионисты».

Париж, 25 апреля 1874 года. Постоянные читатели газеты Le Charivari покупают утренний выпуск, надеясь хорошо повеселиться — редакция издания предпочитала подавать любую информацию в юмористическом ключе. Их ожидания оправдались: популярный парижский журналист Луи Леруа написал веселую статью о своем посещении художественной выставки. Текст был построен в виде реплик двух персонажей, которые пришли на выставку, желая насладиться произведениями искусства, а в итоге покинули ее, разочарованные и возмущенные. Первый удар незадачливым посетителям нанесла картина Огюста Ренуара «Танцовщица». Вот что пишет об этом произведении Леруа:

«— Какая жалость, что художник, явно имеющий чувство цвета, не научился хорошо рисовать! — сказал он мне. — Ноги его танцовщицы выглядят такими же безжизненными, как их газовые юбки!
— Пожалуй, вы к нему слишком жестоки, — не согласился я. — На мой взгляд, у этого художника очень даже четкий рисунок!
Ученик Бертена решил, что я иронизирую, и вместо ответа лишь пожал плечами.»

Что же изображено на полотне, которое произвело такое сильное впечатление на современников живописца? Центральную часть картины Огюста Ренуара «Танцовщица» занимает фигура девочки, которая одета в костюм балерины. Юная танцовщица стоит вполоборота к зрителю, ее ноги поставлены в 4-ю позицию, левое плечо отведено назад — естественность позы говорит о том, что девушка любит и знает в совершенстве искусство танца. Мы видим танцовщицу не в сценическом образе — она предстает перед нами в роли самой себя. Не остается сомнений, что танец в ее исполнении так же прекрасен.

Чтобы передать невесомость и прозрачность ткани балетной пачки, Ренуар использует для ее изображения множество легких мазков, создающих мягкий контур. Пуанты, сделанные из плотного розового атласа, напротив, тщательно выписаны — кажется, будто стоит лишь прикоснуться к ним, и можно почувствовать под пальцами холодок ткани. Белоснежную кожу девочки оттеняют лаконичные украшения черного цвета на руке и шее. Фоном, выгодно контрастирующим с изящной светлой фигуркой, служит растушеванная штриховка, насыщенная бархатными тенями.

@pic_history

#ПьерОгюстРенуар #Импрессионизм #Портрет

"Аллегория Весны"
Начало XVIII века
Джованни Паоло Кастелли (Ло Спадино)
Частная коллекция.

@pic_history

Картина «После побоища…» Виктора Васнецова стала первым опытом художника в обращении к древнерусской теме. Для работы над полотном он создал более 20 эскизов и тщательно исследовал доспехи и оружие в Историческом музее. А брат художника, Аполлинарий, позировал для центральной фигуры молодого воина. Картина вызвала неоднозначную реакцию у современников, но запомнилась спокойствием и умиротворением на лицах погибших русских воинов.

@pic_history

"Ланч в ресторане Фурнез"
1875 г.
Пьер Огюст Ренуар
Чикагский институт искусств.

@pic_history

"Несение креста"
1510-е
Иероним Босх
Музей изящных искусств, Гент.

Наряду с «Садом земных наслаждений», гентское «Несение креста» долго считалось наиболее узнаваемой вещью Иеронима Босха, воспринималось как босховский творческий манифест, программная картина и «символ веры». Уж слишком впечатляющей была эта адская мозаика, сложенная из крепко пригнанных друг к другу дегенеративных лиц, – настолько отвратительных, что даже и завораживающих. Произведение расценивалось как безусловно великое и новаторское.

@pic_history

«Несение креста» из Гента считалось в каком-то смысле визитной карточкой Босха, работой, которую невозможно приписать никому другому. Эрудированный испанский монах Хосе де Сигуэнса когда-то проницательно написал о Босхе и его отличии от прочих живописцев: «Разница между работами этого человека и работами других художников заключается в том, что другие стараются изобразить людей такими, как они выглядят снаружи, ему же хватило мужества изображать их такими, какими они являются изнутри».

Не раз картина Босха становилась поводом для художественных рефлексий. У поэта Павла Антокольского есть стихитворение о том, будто бы Босх привёл его в харчевню, где за соседним столом пировали палачи, которых художник изобразит в «Несении креста»:

Он сел в углу, прищурился и начал:
Носы приплюснул, уши увеличил,
Перекалечил каждого и скрючил,
Их низость обозначил навсегда.
А пир в харчевне был меж тем в разгаре.
Мерзавцы, хохоча и балагуря,
Не знали, что сулит им срам и горе
Сей живописи Страшного суда.

«Несение креста» - имитация?

Узнаваемость картины была столь велика, что заключение голландских ученых, сделанное в 2016-м году по результатам проводившихся с 2010-го года масштабных исследований, стало настоящей сенсацией. Эксперты утверждали: это не Босх! Генсткое «Несение креста», действительно, создано в эпоху Босха и, вероятнее всего, даже вышло из его мастерской, но непосредственно Босху оно не принадлежит. Скорее всего, это не подлинник, а подражание.

Отличие гентского «Несения креста» от венского

В Вене хранится еще одна картина Босха с тем же названием, авторство которой не ставится под сомнение. На ней можно видеть вполне традиционно решённое изображение крестного пути Христа на Голгофу: Спаситель идет, согнувшись под тяжестью креста, вдалеке виден традиционный для Босха брабантский пейзаж, а окружающие Христа имеют вполне человеческий облик, хотя среди них есть и Его мучители.

Более позднее, гентское, «Несение креста» отличается от венского кардинально. В первую очередь, изменяется колорит: звучные и яркие краски уступают место темным и холодным оттенкам серого и коричневого с тревожным металлическим блеском. Меняется и композиция: вместо ростовых фигур появляется калейдоскоп лиц, занимающих всё пространство почти квадратной доски. Всё это порождает ощущение тесноты, давки, кромешного ужаса – и вместе с тем потрясающий эстетический эффект. Перебитые носы, толстые губы, выбитые зубы, выступающие подбородки и глаза, горящие нездоровым азартом, – художник изображает не людей, а живое воплощение человеческих пороков и страстей. На их фоне выделяются спокойные лица Христа и святой Вероники (апокрифического персонажа, не упомянутого в Евангелиях) с закрытыми глазами. Вероника держит в руках плат с изображение лика Христа.

Директор Музея изящных искусств в Генте справедливо заметил: если и вправду «Несение креста» не принадлежит кисти Босха, создать подобную вещь мог только гений, еще более крупный, нежели Босх.

@pic_history

#ИеронимБосх #РелигиознаяСцена