EXEK - Ahead Of Two Thoughts
(2018, Superior Viaduct)
post-punk / dub / experimental rock / krautrock influenced

Второй студийный альбом экспериментальной австралийской группы из Мельбурна. Полный дабовых эффектов пост-панк с оригинальной духовой секцией.

Изначально группа EXEK являлась сольным проектом будущего фронтмена коллектива, Альберта Уольски (Albert Wolski). Затем в 2014 году проект был преобразован в полноценную группу, где играли (и продолжают играть) также Эндрю Брокчи (Andrew Brocch) за синтами, Генри Уилсона (Henry Wilson) на басу и Сэма Диксона (Sam Dixon) за ударной установкой. Перед записью последнего на сегодняшний день полноценного альбома EXEK (к слову, в прошлом году у группы также вышел небольшой EP, ещё более экспериментальный и не менее интересный) к коллективу присоединились Джей Смит (Jai Smith) на второй гитаре и Бен Мэки (Ben Mackie), отвечающий за трубу и саксофон. С их участием и был записан “Ahead Of Two Thoughts”, magnum opus группы.

Пожалуй, именно приход Бена Мэки и включение в музыку коллектива духовой секции позволяет выделить звучание EXEK относительно саунда десятков других современных пост-панк формаций. Разумеется, использование духовых в пост-панке - далеко не новшество группы; оно успешно практиковалось ещё во времена становления этого направления. Однако сочетание духовых, большого количества дабовых эффектов, сырого гитарного звучания и гипнотического вокала Альберта Уольски, иногда, впрочем, переходящего на споукен-ворд, на выходе придаёт саунду EXEK это странное, неустойчивое и в какой-то мере даже безумное состояние, за которое в первую очередь нам и полюбилась группа.

К слову о пост-панке, влияниях и современности. В немногочисленных ревью, обнаруженных в сети (довольно странно, что группа осталась относительно незамеченной крупными изданиями, за парой исключений), EXEK сравниваются с This Heat, Swell Maps, The Birthday Party и даже PiL. This Heat - пожалуй, может быть… Но в целом, как нам кажется, музыкантам удалось добиться специфического результата, а именно сформировать всё же довольно уникальный саунд, при этом одновременно своей эстетикой и ретро-направленностью (в плане жанрового спектра) отсылая к исходным временам существования пост-панка.

Новости с фронта. Отцы дроун-метала Earth возвращаются со своим 9-м студийным альбомом "Full Upon Her Burning Lips". Релиз станет первым полноценным LP группы за 5 лет, если не считать совместной работы с Кевином Мартином в 2017 году. Дилан Карлсон заявил, что альбом будет полон "отсылок к изменяющим сознание растениям и животным, к которым люди всегда относились суеверно". Пластинка выйдет 24-го мая на Sargent House.

https://www.youtube.com/watch?v=suVxSq0YCOY

Jon Hassell - Listening to Pictures (Pentimento Volume One)
(2018, Ndeya)
tribal ambient / world music / avant-jazz / electronic

Прошлогодний альбом композитора и трубача Джона Хасселла, вышедший на его лейбле, в котором музыкант рефлексирует новыми музыкальными узорами о давно ушедшем.

Музыка, как вид искусства, в своей массе движется вперёд, будь то с помощью большего освоения существующих приёмов или же экспериментов. Иногда новое можно находить, разбирая и заново собирая уже созданное. "Вертикальное слушание" - метод восприятия звучания, которым в своём последнем на сегодняшний день альбоме делится создатель концепции Fourth World music, Джон Хасселл, вовлекающий слушателя в “брождение вверх и вниз по акустическим ландшафтам и растворении в сейчас". Течение времени на Listening to Pictures отчётливо заметно, но нелинейно.

Со времён невероятных коллабораций с Брайаном Ино и закреплением образа этно-футуристической музыки на Dream Theory in Malaya 81-летний Хасселл, выпустивший более 15 студийников, кажется, изучил каждый завиток звука своей преломляемой мягкой электроникой трубы. Если на новой записи и появляются мотивы, идеи и знаки из прошлых работ Джона, то лишь мимолётно или будучи тщательно укатанными тканями, расшитыми еле связными ритмами-текстурами и гармониями.

От рифмованной Dreaming и подводной Pastorale Vassant, до кратких зарисовок на Slipstream и мягко волнующегося ритма Al-Kongo Udu, созвучие инструментов и электроники очаровывает и не выпускает из состояния многогранного сна. Джон создаёт его не один: почти каждый из инструменталистов, будь то гитарист Рик Кокс (Rick Cox) или небезызвестный Bass Cleff (Ralph Cumbers) на конго-перкуссии, вовлекается в создание текстурного электро-полотна. Ансамбль, наверняка взрощенный на "музыке четвёртого мира", отлично улавливает стремление Хассела рисовать "поверх" своего прошлого (см. описание техники Pentimento*) и удерживает наше внимание на тех частях музыкальной палитры, на которых многие не фокусируются или пропускают. Итак, слушаем эти картины.

К хорошим новостям. Карла Даль Форно основала собственный лейбл, Kallista Records. Пока не до конца понятно, какой именно направленности музыку она собирается выпускать на нём, но уже известно, что первым релизом на Kallista Records станет EP самой же Карлы "So Much Better/Fever Walk", который выйдет 19 апреля, а пока можно послушать сингл с него.

https://www.youtube.com/watch?v=Lkg_ucVq4us

Zen Mother - I Was Made To Be Like Her
(2017, Illuminasty Records)
experimental rock / psychedelic rock / ritual

Дебютный и пока что единственный альбом галлюцинаторного сайк-рок дуэта из Сиэтла, вдохновлённый различными веществами, снами и “Святой горой” Ходоровски.

Zen Mother - это дуэт Моники Хот (Monika Khot), более известной по своему экспериментально-электронному проекту Nordra, которая отвечает здесь за вокал и гитару, и Уолкотта Смита (Wolcott Smith), отвечающего за синты, бас и также вокал. Группа была образована в 2014 году, вскоре после переезда музыкантов из Вирджинии в Сиэтл. В 2015-м Zen Mother выпустили EP “The Great Mother”, не удостоившийся особого внимания и всё же остающийся по большей части демо-работой. Впрочем, первый альбом дуэта, к нашему удивлению, тоже оказался незаслуженно обделён вниманием по каким-то странным обстоятельствам.

У “I Was Made to Be Like Her” всего 10 оценок на RYM. 10. Десять. По совершенно непонятным нам причинам этот драгоценный камень современной психоделической сцены в своё время не был оценен по достоинству. Об альбоме, конечно, весьма лестно написал The Wire; группа выступила на KEXP; есть пара интервью и рецензий в изданиях типа Seattle Weekly, но - ничего более. Начинает казаться, что тут что-то не так. Но вовремя вспоминаешь, как в “Выживут только любовники” кто-то из персонажей Джармуша надеялся, что ливанская исполнительница Ясмин Хамдан не станет популярной, - она слишком для этого хороша.

С Zen Mother ситуация выстраивается примерно аналогичная. То ли это просто стечение обстоятельств, то ли (сознательное ли?) стремление сохранить собственную аутентичность, но группа, активно поездив с концертами по родным Штатам, продолжает оставаться в фарватере современного американского андеграунда. К слову, в прошлом году Zen Mother начали записывать новый релиз в сотрудничестве с небезызвестным для экспериментальной музыки продюсером Рэндаллом Данном (Randall Dunn). Нам же пока остаётся только предполагать, продолжит ли дуэт придерживаться мистического саунда этого альбома или же попытается продемонстрировать слушателям новые грани своих психоделических откровений.

Bowery Electric - Beat
(1996, Kranky)
shoegaze / trip-hop / ambient / downtempo

Сегодня в #that_greats у нас второй студийный альбом необычной трип-хоп и шугейз группы Bowery Electric.

Дуэт Лоуренса Чендлера (Lawrence Chandler) - гитара, синты, вокал - и Марты Швенденер (Martha Schwendener) - бас, синты, вокал - как Bowery Electric просуществовал не так долго. Но зато за шесть лет своей активности они успели войти в историю как одна из самых интересных андеграундных инди-рок групп 90-х.

Перед началом работы над "Beat" группу покинул барабанщик, и музыканты решили сдвинуть своё звучание в сторону более длинных и менее структурированных треков с использованием написанных на компьютере битов. Получилась репетитивная, расплывчатая музыка, с тихим и ненавязчивым мужским и женским вокалом. Лоуренс говорил о "Beat" как об альбоме, на котором музыканты начали полноценно использовать семплирование. "Мы можем семплировать самих себя, манипулировать звуками, создавать наши собственные биты и работать с гораздо меньшими ограничениями".

Sarah Louise - Nighttime Birds and Morning Stars
(2019, Thrill Jockey)
free folk / american primitivism / appalachian folk

Самый нетипичный альбом из дискографии гитаристки Сары Луис, на котором она сочетает пение птиц, фолк-мотивы коренных американских народов и обработанные гитарные пассажи.

Сара Луис занялась музыкой совершенно случайно: в 13 лет незнакомка подарила ей гитару, а юная Сара восприняла этот знак со всей серьёзностью. После этого девушка из Северной Каролины увлеклась фолком и особенно американским примитивизмом, отголоски которого слышатся и на поздних её работах вроде вышедшего в этом году альбома "Nighttime Birds and Morning Stars". Огромную роль в её стиле играет строй - он меняется от композиции к композиции, большинство из этих строёв Сара придумывает и подбирает сама. Гитаристка жалуется, что из-за своей неорганизованности часто записывает ноты на обрывках бумаги, а потом находит их лишь месяцы спустя с мыслью: "Почему же я не написала, в каком это строе!" Это касается всего её прошлого творчества, где центральное место занимали акустические партии на 12-струнной гитаре. Однако "Nighttime Birds and Morning Stars" - скорее исключение в её творческой биографии. Про него Сара написала: "все композиции сыграны исключительно на шестиструнной электрогитаре в стандартном строе".

На "Nighttime Birds and Morning Stars" Сара, уже всем доказавшая, что её гитарная техника богата и необычна, решила пойти ещё дальше. Здесь её длинные пассажи на электрической гитаре подвергаются цифровой обработке и синтезу и в итоге становятся искажёнными до неузнаваемости.
Она берёт влияния из традиционной музыки народов Апаллачи, спиричуэл джаза, современной классики и нью эйджа.

Однако главным её вдохновением остаётся мир вокруг, его звучание в переходный момент между ночью и днём. Когда сумерки уже рассеиваются, а ночные птицы ещё поют. Так и звучание самого альбома тоже создаётся из синтеза противоположностей - органических и технических материалов.

Hannah Silva - Talk in a Bit
(2018, Human Kind)
spoken word / sound poetry / avant-garde / bit of avant-jazz

Дебютный альбом писательницы, поэтессы и перформанс-артистки Ханны Сильвы, специализирующейся на таком направлении, как sound poetry*, и экспериментах с поэзией.

"Твой воздух - это мой чемодан, я наполняю тебя отстающими звуками, кончиками пальцев, которые прикасаются, лишь чтобы не оставлять следов в воздухе между нами"(трек “This Air”). Абстрактная поэтика Ханны на “Talk in a Bit”, как нам показалось, действует весьма интересно, но что именно в ней так заинтриговало нас? С одной стороны (особенно если пытаться разбирать его по трекам), при прослушивании мы получаем довольно широкий спектр отрывочных и ускользающих образов. Специально обращать на них внимание и самой или самому пытаться интерпретировать их - это одна из моделей взаимодействия с альбомом.

С другой стороны, существует не противоположный в буквальном смысле, но словно мозаичный вариант прослушивания “Talk in a Bit”. И здесь речь идёт исключительно о полноценном прослушивании альбома за один заход как целостного произведения искусства. В этом едином поэтически-музыкальном полотне Ханна собрала такие темы, как женская телесность, сексуальность, власть, а также женская боль. Собственно, в какой-то момент все эти уникально осмысленные и остроумно поданные фрагменты её поэзии складываются в цельную, но при этом всё же абстрактную словесную картину, сопровождаемую скромной, но авангардной музыкой.

Не хочется, чтобы вышенаписанные эпитеты могли показаться чем-то вроде лести понравившемуся автору-исполнителю. Нет, в случае с Ханной Сильвой, это не лесть, а искреннее выражение интереса и удивления. “Talk in a Bit” ведь оказывается одновременно и поэтической записью (на чём сказался факт, что Ханна практикует форму sound poetry**) и именно музыкальным альбомом. Однако альбом этот уникален совсем не соблюдением некоего баланса между поэтической и музыкальной сторонами. Нет, таких примеров полно, тут и далеко ходить не надо. “Talk in a Bit” выделяется тем, как эти стороны взаимодействуют друг с другом, перетекая одна в другую и оставляя слушателю как минимум пару-тройку вариантов восприятия альбома.

* https://en.wikipedia.org/wiki/Sound_poetry