"Пан"
1899 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Среди картин "сказочного цикла" исследователи именно этой работе отдают пальму первенства. Классический сюжет из античной мифологии, навеянной мастеру новеллой Анатоля Франса, "звучит" совершенно на русский манер. На это мастер обращает внимание публики весьма настойчиво. Известно, что сам мастер называл свою работу "Сатиром", а название "Пан" - результат "творчества" критиков.
Перед зрителем мифический оберегатель природных богатств, языческий козлоногий пан. Фоном картины выступает безупречно русский пейзаж с березами, убывающей луной и речкой, утопающей в зарослях. Освещенный лунным светом, козлоногий герой больше похож на русского сказочного лешего. Зритель четко видит лишь "человеческую" ипостась героя. Очертания звериного начала теряются в тени. У зрителя складывается ощущение, что он присутствует в момент чудесного появления героя пред глазами смертных.
Большие старческие руки с узловатыми пальцами - как напоминание о бессмертной жизни, мудрой, наполненной особым, недоступным для непосвященных смыслом. Невозможно оторваться от взгляда стража природных сокровищ. Взгляд его светел, пронзителен и необыкновенно добр. В густых усах заблудилась улыбка. Нарочитая непропорциональность тела, нарушение перспективы - все это только подчеркивает сказочный сюжет картины, ее глубинный смысл и идею.
#МихаилВрубель #МифологическаяCцена #Постимпрессионизм
1899 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Среди картин "сказочного цикла" исследователи именно этой работе отдают пальму первенства. Классический сюжет из античной мифологии, навеянной мастеру новеллой Анатоля Франса, "звучит" совершенно на русский манер. На это мастер обращает внимание публики весьма настойчиво. Известно, что сам мастер называл свою работу "Сатиром", а название "Пан" - результат "творчества" критиков.
Перед зрителем мифический оберегатель природных богатств, языческий козлоногий пан. Фоном картины выступает безупречно русский пейзаж с березами, убывающей луной и речкой, утопающей в зарослях. Освещенный лунным светом, козлоногий герой больше похож на русского сказочного лешего. Зритель четко видит лишь "человеческую" ипостась героя. Очертания звериного начала теряются в тени. У зрителя складывается ощущение, что он присутствует в момент чудесного появления героя пред глазами смертных.
Большие старческие руки с узловатыми пальцами - как напоминание о бессмертной жизни, мудрой, наполненной особым, недоступным для непосвященных смыслом. Невозможно оторваться от взгляда стража природных сокровищ. Взгляд его светел, пронзителен и необыкновенно добр. В густых усах заблудилась улыбка. Нарочитая непропорциональность тела, нарушение перспективы - все это только подчеркивает сказочный сюжет картины, ее глубинный смысл и идею.
#МихаилВрубель #МифологическаяCцена #Постимпрессионизм
"Гадалка"
1895 г.
Михаил Врубель
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Тёмное, восточное лицо гадалки непроницаемо, но зритель мгновенно ощущает в нём какую-то особенную значимость. Эта женщина знает нечто, пока недоступное другим. Её неподвижный взгляд устремлён в будущее, которое для прочих ещё не наступило. И то, что ей открылось, погрузило гадалку в глубокую задумчивость. Туз пик, брошенный навстречу зрителю, предсказывает недоброе. И ещё одна, последняя, карта — голубоватый, отдающий холодом кусочек картона — замерла в руке женщины: гадалка будто не решается показать её.
#МихаилВрубель #Портрет #Импрессионизм
1895 г.
Михаил Врубель
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Тёмное, восточное лицо гадалки непроницаемо, но зритель мгновенно ощущает в нём какую-то особенную значимость. Эта женщина знает нечто, пока недоступное другим. Её неподвижный взгляд устремлён в будущее, которое для прочих ещё не наступило. И то, что ей открылось, погрузило гадалку в глубокую задумчивость. Туз пик, брошенный навстречу зрителю, предсказывает недоброе. И ещё одна, последняя, карта — голубоватый, отдающий холодом кусочек картона — замерла в руке женщины: гадалка будто не решается показать её.
#МихаилВрубель #Портрет #Импрессионизм
"Жемчужина"
1904 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
Считается, что вдохновил на написание картины Врубеля подарок Волошина – очень красивая крупная морская раковина, изнутри покрытая сверкающим перламутром. Раковина напомнила художнику о море, нарисовала в его воображении морские пейзажи, запахи и звуки. Врубель загорелся желанием перенести красоту и сияние перламутра на полотно, но это оказалось не так просто. При каждом повороте руки раковина меняет свой цвет. А при перемене освещения играет совсем по-другому.
#МихаилВрубель #АллегорическаяСцена #Символизм
1904 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
Считается, что вдохновил на написание картины Врубеля подарок Волошина – очень красивая крупная морская раковина, изнутри покрытая сверкающим перламутром. Раковина напомнила художнику о море, нарисовала в его воображении морские пейзажи, запахи и звуки. Врубель загорелся желанием перенести красоту и сияние перламутра на полотно, но это оказалось не так просто. При каждом повороте руки раковина меняет свой цвет. А при перемене освещения играет совсем по-другому.
#МихаилВрубель #АллегорическаяСцена #Символизм
"Сирень"
1900 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов.
Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени.
Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее.
Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь.
Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура.
У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете».
Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель.
#МихаилВрубель
@pic_history
1900 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов.
Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени.
Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее.
Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь.
Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура.
У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете».
Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель.
#МихаилВрубель
@pic_history
"Валькирия"
1899 г.
Михаил Александрович Врубель
Одесский художественный музей.
Портрет русской дворянки и покровительницы искусств княгини Марии Тенишевой. Она всерьез увлекалась живописью и даже обучалась в парижской Академии Жюлиана. Кроме того, она спонсировала издание журнала «Мир искусства» и коллекционировала акварели русских мастеров, которые впоследствии отдала в дар Государственному Русскому музею.
Каникулы Врубеля
Вместе со вторым мужем, князем Вячеславом Тенишевым, Мария устраивала в их доме в Петербурге творческие вечера, где бывали композиторы и художники: Скрябин, Рерих, Васнецов и другие. А Петр Чайковский аккомпанировал ей на фортепиано, когда Тенишева исполняла романсы его авторства. «С Врубелем мы были большими приятелями, – писала она о своей дружбе с художником. – Это был образованный, умный, симпатичный, гениального творчества человек, которого, к стыду наших современников, не поняли и не оценили. Я была его ярой поклонницей и очень дорожила его милым, дружеским отношением ко мне; такие таланты рождаются раз в сто лет, и ими гордится потомство».
Тенишева приглашала художника вместе с супругой проводить летние месяцы в Орловской губернии на ее усадьбе в Хотылево. Врубелю шло на пользу проживание в сельской глуши, он много и плодотворно работал, создавая не только картины, но и акварельный проект для церкви в Талашкине, где находилось еще одно имение Тенишевых, а также рисунки инструментов для балалаечной мастерской княгини.
Чтобы у жены Врубеля, оперной певицы Надежды Забелы, была возможность репетировать, он предложил композитору и дирижеру Борису Яновскому составить им компанию: «Мы с женой будем проводить лето в Орловской губернии в имении княгини Тенишевой одни: так предлагаю Вам разделить наше уединение на прежних условиях занятий с женою: дорога наша, виды, прогулки и инструмент – великолепные».
Яновский принял приглашение и сначала они оправились в Талашкино близ Смоленска. Там находилось родовое имение близкой подруги Тенишевой – княгини Екатерины Святополк-Четвертинской. В 1893 году Тенишевы выкупили имение, однако управление делами оставили Екатерине. Подруги вместе работали над созданием «идейного имения» – просветительского центра, посвященного народной художественной культуре и развитию сельского хозяйства.
Полет Валькирии
Благодаря воспоминаниям Яновского у нас есть возможность составить представление о творческой атмосфере, которая царила в Талашкино. «Роскошная природа, полная свобода действий, веселье, шум – все дышало жизнью и притом не могло не отразиться на настроении, – вспоминал он. – К тому же общество, где первенствующую роль играли художники, артисты, музыканты, споры и разговоры об искусстве, где каждый занят разрешением какой-нибудь художественной задачи и т. п., похоже было скорей на Италию времен Ренессанса, чем на Россию XIX века. Врубель написал тут портрет княгини Тенишевой, изобразив ее в виде Валькирии. Великолепное, мощное произведение!»
Неизвестно, почему художник выбрал образ воинственной девы из скандинавской мифологии для портрета своей покровительницы. В то время он увлекался мифологическими сюжетами, что нашло отражение также на картине «Пан», написанной практически одновременно с «Валькирией». Возможно, княгиня ассоциировалась у него с дочерями Одина благодаря своей страстной и увлекающейся натуре, с которой она воплощала в жизнь свои идеи.
По преданиям, валькирии провожают погибших воинов в Валгаллу – их небесное пристанище. Они разносят им мед за обедом, а иногда даже определяют исход грядущей битвы. Врубель изобразил княгиню в традиционном облачении валькирий: шлеме с крыльями и платье с меховой накидкой, стилизованном под доспехи. У героини портрета волевое лицо, спокойный взгляд и властная поза. Как и другие работы художника того периода, картину заполняет мистическая аура и загадочная атмосфера вечерних сумерек.
#МихаилВрубель #Символизм #МифологическаяСцена
@pic_history
1899 г.
Михаил Александрович Врубель
Одесский художественный музей.
Портрет русской дворянки и покровительницы искусств княгини Марии Тенишевой. Она всерьез увлекалась живописью и даже обучалась в парижской Академии Жюлиана. Кроме того, она спонсировала издание журнала «Мир искусства» и коллекционировала акварели русских мастеров, которые впоследствии отдала в дар Государственному Русскому музею.
Каникулы Врубеля
Вместе со вторым мужем, князем Вячеславом Тенишевым, Мария устраивала в их доме в Петербурге творческие вечера, где бывали композиторы и художники: Скрябин, Рерих, Васнецов и другие. А Петр Чайковский аккомпанировал ей на фортепиано, когда Тенишева исполняла романсы его авторства. «С Врубелем мы были большими приятелями, – писала она о своей дружбе с художником. – Это был образованный, умный, симпатичный, гениального творчества человек, которого, к стыду наших современников, не поняли и не оценили. Я была его ярой поклонницей и очень дорожила его милым, дружеским отношением ко мне; такие таланты рождаются раз в сто лет, и ими гордится потомство».
Тенишева приглашала художника вместе с супругой проводить летние месяцы в Орловской губернии на ее усадьбе в Хотылево. Врубелю шло на пользу проживание в сельской глуши, он много и плодотворно работал, создавая не только картины, но и акварельный проект для церкви в Талашкине, где находилось еще одно имение Тенишевых, а также рисунки инструментов для балалаечной мастерской княгини.
Чтобы у жены Врубеля, оперной певицы Надежды Забелы, была возможность репетировать, он предложил композитору и дирижеру Борису Яновскому составить им компанию: «Мы с женой будем проводить лето в Орловской губернии в имении княгини Тенишевой одни: так предлагаю Вам разделить наше уединение на прежних условиях занятий с женою: дорога наша, виды, прогулки и инструмент – великолепные».
Яновский принял приглашение и сначала они оправились в Талашкино близ Смоленска. Там находилось родовое имение близкой подруги Тенишевой – княгини Екатерины Святополк-Четвертинской. В 1893 году Тенишевы выкупили имение, однако управление делами оставили Екатерине. Подруги вместе работали над созданием «идейного имения» – просветительского центра, посвященного народной художественной культуре и развитию сельского хозяйства.
Полет Валькирии
Благодаря воспоминаниям Яновского у нас есть возможность составить представление о творческой атмосфере, которая царила в Талашкино. «Роскошная природа, полная свобода действий, веселье, шум – все дышало жизнью и притом не могло не отразиться на настроении, – вспоминал он. – К тому же общество, где первенствующую роль играли художники, артисты, музыканты, споры и разговоры об искусстве, где каждый занят разрешением какой-нибудь художественной задачи и т. п., похоже было скорей на Италию времен Ренессанса, чем на Россию XIX века. Врубель написал тут портрет княгини Тенишевой, изобразив ее в виде Валькирии. Великолепное, мощное произведение!»
Неизвестно, почему художник выбрал образ воинственной девы из скандинавской мифологии для портрета своей покровительницы. В то время он увлекался мифологическими сюжетами, что нашло отражение также на картине «Пан», написанной практически одновременно с «Валькирией». Возможно, княгиня ассоциировалась у него с дочерями Одина благодаря своей страстной и увлекающейся натуре, с которой она воплощала в жизнь свои идеи.
По преданиям, валькирии провожают погибших воинов в Валгаллу – их небесное пристанище. Они разносят им мед за обедом, а иногда даже определяют исход грядущей битвы. Врубель изобразил княгиню в традиционном облачении валькирий: шлеме с крыльями и платье с меховой накидкой, стилизованном под доспехи. У героини портрета волевое лицо, спокойный взгляд и властная поза. Как и другие работы художника того периода, картину заполняет мистическая аура и загадочная атмосфера вечерних сумерек.
#МихаилВрубель #Символизм #МифологическаяСцена
@pic_history
Акварельный «Автопортрет» – одна из наиболее ранних известных работ Михаила Врубеля. Она относится ко времени его обучения в Академии художеств в Санкт-Петербурге, где он начал обучение в 1880 году. Однако его путь к занятиям живописью не был быстрым.
Склонности Врубеля к творчеству дали о себе знать еще в возрасте десяти лет: мальчика занимало рисование, а также музыка и театральное искусство. Его интересы поощрялись, и Михаил занимался частными уроками рисования со специально приглашенным из Саратовской гимназии учителем.
В 1874 году Врубель поступил на юридический факультет Петербургского университета. Во время обучения он продолжал упражняться в живописи, а также подрабатывал репетитором и гувернером. Так он попал в дом своего сокурсника – семью сахарозаводчиков Пампелей. Они активно интересовались искусством и всячески способствовали творческим занятиям Врубеля. Он завел дружбу со студентами-художниками и даже стал посещать вечерние занятия в Академии.
После окончания университета Врубель все-таки и не смог отказаться от углубленного изучения живописи и стал студентом Академии художеств. Значительное влияние на его авторский стиль оказали классы профессора Петра Чистякова. Его учениками в разное время также были Поленов и Репин, Суриков и Васнецов, Серов и другие художники. Врубелю оказались созвучны убеждения профессора. Он писал своей сестре Анне в 1883 году: «Когда я начал занятия у Чистякова, мне страсть понравились основные его положения, потому что они были не что иное, как формула моего живого отношения к природе, какое мне вложено».
Чистяков проповедовал работу художника прежде всего не с цветом, а с формой. Он учил начинать рисунок со структурного анализа предмета, разбивая его на несколько планов (плоскостей). Затем строить его объемную форму линиями, обозначив таким образом геометрию в пространстве. Каждый отдельный мазок должен передавать ту или иную грань формы, а стык отдельных плоскостей – их соотношение друг с другом.
Этот подход лег в основу творческого метода Врубеля и со временем эволюционировал в его фирменную «кристаллообразную» технику. Ее зачатки уже видно на раннем автопортрете 1882 года. Он передает рельеф лица и локонов волос легкими касаниями кисти, оставляя нетронутыми более светлые участки бумаги. Он также посещал акварельные классы в мастерской Ильи Репина, однако художественное видение студента вступило в противоречие с верностью его учителя идеям реализма.
В частности, решающим моментом стало впечатление Врубеля от картины Репина «Крестный ход в Курской губернии» (1880 – 1883). В письме сестре он заявлял, что это надувательство публики – «пользуясь ее невежеством, красть то специальное наслаждение, которое отличает душевное состояние перед произведением искусства от состояния перед развернутым печатным листом». И продолжал упражняться в передаче образов и форм при помощи распадающихся на отдельные структуры мазков, благодаря которым его картины становились необычайно выразительными и мгновенно узнаваемыми.
#МихаилВрубель #Портрет
@pic_history
Склонности Врубеля к творчеству дали о себе знать еще в возрасте десяти лет: мальчика занимало рисование, а также музыка и театральное искусство. Его интересы поощрялись, и Михаил занимался частными уроками рисования со специально приглашенным из Саратовской гимназии учителем.
В 1874 году Врубель поступил на юридический факультет Петербургского университета. Во время обучения он продолжал упражняться в живописи, а также подрабатывал репетитором и гувернером. Так он попал в дом своего сокурсника – семью сахарозаводчиков Пампелей. Они активно интересовались искусством и всячески способствовали творческим занятиям Врубеля. Он завел дружбу со студентами-художниками и даже стал посещать вечерние занятия в Академии.
После окончания университета Врубель все-таки и не смог отказаться от углубленного изучения живописи и стал студентом Академии художеств. Значительное влияние на его авторский стиль оказали классы профессора Петра Чистякова. Его учениками в разное время также были Поленов и Репин, Суриков и Васнецов, Серов и другие художники. Врубелю оказались созвучны убеждения профессора. Он писал своей сестре Анне в 1883 году: «Когда я начал занятия у Чистякова, мне страсть понравились основные его положения, потому что они были не что иное, как формула моего живого отношения к природе, какое мне вложено».
Чистяков проповедовал работу художника прежде всего не с цветом, а с формой. Он учил начинать рисунок со структурного анализа предмета, разбивая его на несколько планов (плоскостей). Затем строить его объемную форму линиями, обозначив таким образом геометрию в пространстве. Каждый отдельный мазок должен передавать ту или иную грань формы, а стык отдельных плоскостей – их соотношение друг с другом.
Этот подход лег в основу творческого метода Врубеля и со временем эволюционировал в его фирменную «кристаллообразную» технику. Ее зачатки уже видно на раннем автопортрете 1882 года. Он передает рельеф лица и локонов волос легкими касаниями кисти, оставляя нетронутыми более светлые участки бумаги. Он также посещал акварельные классы в мастерской Ильи Репина, однако художественное видение студента вступило в противоречие с верностью его учителя идеям реализма.
В частности, решающим моментом стало впечатление Врубеля от картины Репина «Крестный ход в Курской губернии» (1880 – 1883). В письме сестре он заявлял, что это надувательство публики – «пользуясь ее невежеством, красть то специальное наслаждение, которое отличает душевное состояние перед произведением искусства от состояния перед развернутым печатным листом». И продолжал упражняться в передаче образов и форм при помощи распадающихся на отдельные структуры мазков, благодаря которым его картины становились необычайно выразительными и мгновенно узнаваемыми.
#МихаилВрубель #Портрет
@pic_history
Любовь как сон
Художник вдохновился персонажем из поэтической «Сказки о царе Салтане» Пушкина благодаря жене Надежде Забеле. Она была известной оперной певицей, талантом которой помимо прочих восхищался композитор и музыковед Михаил Гнесин. «Ни с чем не сравнимый, ровный-ровный, легкий, нежно-свирельный и полный красок или, точнее, сменяющихся переливов одной какой-то краски, предельно выразительный, хотя и совершенно спокойно льющийся, – писал он. – И какой облик! Возможно ли было, раз увидев это существо, не обольститься им на всю жизнь! Эти широко расставленные глаза, пленительно-женственная, зазывно-недоуменная улыбка, тонкое и гибкое тело».
В случае с Михаилом Врубелем так и произошло. В 1896-м году он работал художником-оформителем в Панаевском театре. Увидев певицу на репетиции оперы «Гензель и Гретель», он был настолько очарован, что в перерыве бросился к ней с комплиментами, осыпая поцелуями руки, а спустя всего несколько дней сделал Надежде предложение. Очень скоро они обвенчались в Крестовоздвиженском соборе Женевы, куда Врубель последовал за возлюбленной, когда она отправилась в Швейцарию на гастроли.
Они были по-настоящему счастливой и преданной друг другу парой, и Надежда нередко появлялась на работах мужа. И хотя создание картины «Царевна-Лебедь» напрямую связано с ее исполнением этой роли в опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане», работу сложно назвать портретом даже с большой натяжкой. Если судить по сохранившейся фотографии с Надеждой в сценическом образе, то от него на картине едва ли осталось хоть какое-то сходство. Да и типаж внешности оперной певицы, который так и хочется охарактеризовать как «кровь с молоком», сильно отличается от потусторонней красоты эфемерного персонажа с полотна ее мужа.
Красавица или чудовище
Премьера оперы по мотивам сказки Пушкина состоялась в 1900 году. Врубель работал над эскизами декораций и костюмов, и в том же году он вдохновился образом Царевны-Лебедь – мудрой и могущественной волшебницы, которая перевоплощалась в прекрасную птицу. Художник изобразил ее в момент превращения, когда она еще имеет человеческий облик, но уже начинает покрываться белоснежными перьями.
Крылья прекрасной царевны занимают весь передний план картины, и это не кажется чрезмерным. Они написаны резкими ритмичными мазками, при этом создавая впечатление легкости и воздуха. Особенно на фоне резко контрастирующих с ними сгущающихся сумерек, тревожного неба и темной воды. И посреди этого противостояния тьмы и света проступает облик юной царевны в расшитом серебром и жемчугом наряде. Ее поза и взгляд заставляют всматриваться в нее вновь и вновь. Бездонная глубина огромных глаз одновременно и манит, и пугает, а спокойный уверенный взгляд обещает то ли награду, то ли погибель.
Царевна-Лебедь в трактовке Врубеля вызывает неоднозначное впечатление. Несмотря на хрупкость и невинность, есть в ней что-то демоническое. Будто бы, последовав за ней, словно поддавшись зову прекрасной сирены, рискуешь сгинуть в пучине моря. А если вглядываться слишком долго, то девушка начинает казаться и вовсе неживой, а ее белоснежный наряд – подвенечным платьем, в котором хоронят незамужних покойниц.
Как бы там ни было, это одно из лучших произведений художника и самых узнаваемых полотен в русской живописи. Призрачный образ Царевны навсегда отпечатывается в памяти, стоит увидеть его лишь однажды. Картина сразу попала в коллекцию промышленника и ценителя искусства Михаила Морозова. После его смерти в 1910 году согласно завещанию она была передана в Третьяковскую галерею, где экспонируется по сей день.
#МихаилВрубель
@pic_history
Художник вдохновился персонажем из поэтической «Сказки о царе Салтане» Пушкина благодаря жене Надежде Забеле. Она была известной оперной певицей, талантом которой помимо прочих восхищался композитор и музыковед Михаил Гнесин. «Ни с чем не сравнимый, ровный-ровный, легкий, нежно-свирельный и полный красок или, точнее, сменяющихся переливов одной какой-то краски, предельно выразительный, хотя и совершенно спокойно льющийся, – писал он. – И какой облик! Возможно ли было, раз увидев это существо, не обольститься им на всю жизнь! Эти широко расставленные глаза, пленительно-женственная, зазывно-недоуменная улыбка, тонкое и гибкое тело».
В случае с Михаилом Врубелем так и произошло. В 1896-м году он работал художником-оформителем в Панаевском театре. Увидев певицу на репетиции оперы «Гензель и Гретель», он был настолько очарован, что в перерыве бросился к ней с комплиментами, осыпая поцелуями руки, а спустя всего несколько дней сделал Надежде предложение. Очень скоро они обвенчались в Крестовоздвиженском соборе Женевы, куда Врубель последовал за возлюбленной, когда она отправилась в Швейцарию на гастроли.
Они были по-настоящему счастливой и преданной друг другу парой, и Надежда нередко появлялась на работах мужа. И хотя создание картины «Царевна-Лебедь» напрямую связано с ее исполнением этой роли в опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане», работу сложно назвать портретом даже с большой натяжкой. Если судить по сохранившейся фотографии с Надеждой в сценическом образе, то от него на картине едва ли осталось хоть какое-то сходство. Да и типаж внешности оперной певицы, который так и хочется охарактеризовать как «кровь с молоком», сильно отличается от потусторонней красоты эфемерного персонажа с полотна ее мужа.
Красавица или чудовище
Премьера оперы по мотивам сказки Пушкина состоялась в 1900 году. Врубель работал над эскизами декораций и костюмов, и в том же году он вдохновился образом Царевны-Лебедь – мудрой и могущественной волшебницы, которая перевоплощалась в прекрасную птицу. Художник изобразил ее в момент превращения, когда она еще имеет человеческий облик, но уже начинает покрываться белоснежными перьями.
Крылья прекрасной царевны занимают весь передний план картины, и это не кажется чрезмерным. Они написаны резкими ритмичными мазками, при этом создавая впечатление легкости и воздуха. Особенно на фоне резко контрастирующих с ними сгущающихся сумерек, тревожного неба и темной воды. И посреди этого противостояния тьмы и света проступает облик юной царевны в расшитом серебром и жемчугом наряде. Ее поза и взгляд заставляют всматриваться в нее вновь и вновь. Бездонная глубина огромных глаз одновременно и манит, и пугает, а спокойный уверенный взгляд обещает то ли награду, то ли погибель.
Царевна-Лебедь в трактовке Врубеля вызывает неоднозначное впечатление. Несмотря на хрупкость и невинность, есть в ней что-то демоническое. Будто бы, последовав за ней, словно поддавшись зову прекрасной сирены, рискуешь сгинуть в пучине моря. А если вглядываться слишком долго, то девушка начинает казаться и вовсе неживой, а ее белоснежный наряд – подвенечным платьем, в котором хоронят незамужних покойниц.
Как бы там ни было, это одно из лучших произведений художника и самых узнаваемых полотен в русской живописи. Призрачный образ Царевны навсегда отпечатывается в памяти, стоит увидеть его лишь однажды. Картина сразу попала в коллекцию промышленника и ценителя искусства Михаила Морозова. После его смерти в 1910 году согласно завещанию она была передана в Третьяковскую галерею, где экспонируется по сей день.
#МихаилВрубель
@pic_history
Врубель написал картину всего за два дня. Летом 1899 года художник с женой Надеждой гостил в Орловской губернии – в имении Хотылево, куда их пригласила княгиня Мария Тенишева. Свою покровительницу он изобразил в образе воинственной Валькирии из скандинавского эпоса, а потом взялся за портрет жены. Однако импульсивный творец не довел работу до конца – об этом рассказывал композитор Борис Яновский, прибывший в имение Тенишевых по приглашению Врубеля: «Портрет уже близился к концу. Как-то вечером Врубель прочитал книжку Анатоля Франса ''Puit de s-t Glair''. Большое впечатление на него произвел тот рассказ, где старый сатир повествует о давно прошедших временах. На другое же утро Врубель на моих глазах соскоблил начатый портрет жены и на месте его принялся писать ''Пана'' (сам он называл его ''Сатир''). Эта работа так увлекла его, что через день он позвал жену и меня и уже демонстрировал нам почти вполне законченную картину!»
Музыкант отмечал, что пейзаж на заднем фоне Врубель писал с натуры – именно такой вид открывался с террасы хотылевской усадьбы. Он также вспоминал замечание Репина о том, что плечо сатира смято: «с чем, впрочем, и сам Врубель согласился».
Хотя на картине «Пан» древнегреческий бог скорее напоминает русского лешего. Фигура могучего старика с хитрым прищуром будто вырастает из земли, а несколько берез на заднем фоне только усиливает сходство с героем русских сказок. Видимо, чтобы избежать путаницы и разночтений, художник вложил ему в руку свирель – неизменный атрибут Пана. По преданию, под ее звуки он устраивает шумные пляски в компании задорных нимф.
Несмотря на согнутую, даже несколько сутулую позу Пана, его образ внушает ощущение силы. Широкие плечи и мускулистые руки немного не вяжутся с обликом пожилого седовласого старика. Возникают ассоциации с силами природы, которые могут быть умиротворенными и благосклонными, как теплая летняя ночь, но также могут быть опасными и сносить все на своем пути во время бури и гроз.
Фигура Пана занимает большую часть полотна и доминирует в его композиции. Ее ритм поддерживается за счет рифмующихся линий, созданных наклоном плеча мифического персонажа, стволов деревьев за ним, кустов и полумесяца на фоне. Основная часть картины выполнена быстрыми, легкими мазками, с которыми контрастируют филигранно написанные пальцы левой руки Пана, локоны его волос и бороды, а также лицо.
Пронзительный взгляд синих глаз оттеняют яркие акценты синего: цветок на переднем плане и проблески водной глади по бокам. Мистическая атмосфера картины завораживает и погружает в стихию летней ночи. Кажется, вот-вот послышится пение сверчков и приветствие просыпающихся перед рассветом птиц. Врубелю особенно хорошо удавалось изображение мифологических и сказочных персонажей («Царевна-лебедь»), и картина «Пан» входит в число его наиболее впечатляющих работ.
#МихаилВрубель #МифологическаяСцена
@pic_history
Музыкант отмечал, что пейзаж на заднем фоне Врубель писал с натуры – именно такой вид открывался с террасы хотылевской усадьбы. Он также вспоминал замечание Репина о том, что плечо сатира смято: «с чем, впрочем, и сам Врубель согласился».
Хотя на картине «Пан» древнегреческий бог скорее напоминает русского лешего. Фигура могучего старика с хитрым прищуром будто вырастает из земли, а несколько берез на заднем фоне только усиливает сходство с героем русских сказок. Видимо, чтобы избежать путаницы и разночтений, художник вложил ему в руку свирель – неизменный атрибут Пана. По преданию, под ее звуки он устраивает шумные пляски в компании задорных нимф.
Несмотря на согнутую, даже несколько сутулую позу Пана, его образ внушает ощущение силы. Широкие плечи и мускулистые руки немного не вяжутся с обликом пожилого седовласого старика. Возникают ассоциации с силами природы, которые могут быть умиротворенными и благосклонными, как теплая летняя ночь, но также могут быть опасными и сносить все на своем пути во время бури и гроз.
Фигура Пана занимает большую часть полотна и доминирует в его композиции. Ее ритм поддерживается за счет рифмующихся линий, созданных наклоном плеча мифического персонажа, стволов деревьев за ним, кустов и полумесяца на фоне. Основная часть картины выполнена быстрыми, легкими мазками, с которыми контрастируют филигранно написанные пальцы левой руки Пана, локоны его волос и бороды, а также лицо.
Пронзительный взгляд синих глаз оттеняют яркие акценты синего: цветок на переднем плане и проблески водной глади по бокам. Мистическая атмосфера картины завораживает и погружает в стихию летней ночи. Кажется, вот-вот послышится пение сверчков и приветствие просыпающихся перед рассветом птиц. Врубелю особенно хорошо удавалось изображение мифологических и сказочных персонажей («Царевна-лебедь»), и картина «Пан» входит в число его наиболее впечатляющих работ.
#МихаилВрубель #МифологическаяСцена
@pic_history
В год создания цикла художник познакомился со своей будущей женой – оперной певицей Надеждой Забелой. В то время она как раз исполняла партию Маргариты в опере Гуно «Фауст» в Харьковской опере, и Врубель наверняка вдохновлялся ее сценическим образом при создании центральной части триптиха. Чтобы подчеркнуть невинность девушки, ставшей жертвой соблазнения Фауста при активном содействии злого духа, он изобразил у ее ног белоснежные лилии – символ чистоты.
На левом панно изображена сцена обучения юного ученика Мефистофелем. Обстановка вокруг них зловещая и не сулит ничего доброго: чучело крокодила под потолком и череп на переднем плане создают мрачную атмосферу в кабинете алхимика. На лице юноши, заглядывающего через плечо Мефистофеля – смешанные эмоции: интерес, удивление, досада и страх. Бледность его лица и очарование юности контрастируют с резкими и угловатыми чертами облика демонического покровителя.
На правой части триптиха повзрослевший Фауст стоит у того же самого зарешеченного окна, но бросается в глаза поразительное изменение его состояния. Уставший, разочарованный в жизни, с выражением тоски и скуки на потемневшем и осунувшемся лице, он держит руку на закрытой книге, словно в отчаянной попытке обрести смысл в знаниях и науке. У его ног лежат беспорядочно разбросанные свитки, как символ лихорадочных и бесплодных поисков.
Александр Бенуа в своем выдающемся труде «История русской живописи в XIX веке», опубликованном в 1901 году, не слишком благосклонен к триптиху Врубеля о Фаусте. В своей экспрессивной манере искусствовед отмечает: «Панно с легендой Фауста, к сожалению, слишком отдают неметчиной, слишком по-мюнхенски надушены, настолько даже, что при взгляде на них трудно не вспомнить ужасной памяти Лицен-Мейера» (имеются в виду иллюстрации к Фаусту авторства немецкого художника).
Примечательно, что вину за творческие неудачи Врубеля Бенуа возлагал на плечи публики, не умевшей ценить по достоинству его работы: «Виновато в том все наше общество, ограниченный интерес его к искусству и внедрившиеся нелепые взгляды на живопись… Многие годы Врубель был всеобщим посмешищем, и лишь крошечная кучка лиц относилась к нему серьезно и любовалась его громадным живописным талантом. Естественно, однако, что эти немногие, реагируя против всеобщего негодования, перехватывали в этом восторге через край, восторгались в Врубеле решительно всем, и хорошим, и дурным, тем самым потакая его эксцентричности».
Как бы там ни было, триптих Врубеля «Фауст» – полновесное художественное высказывание с продуманной драматургией. Все его части органично дополняют друг друга сюжетно и композиционно, вызывая предчувствие неминуемой трагедии. Художнику удалось ухватить суть немецкой готики, скрестив ее с модерном, при этом оставаясь верным своей характерной технике и эмоциональной выразительности.
@pic_history
#МихаилВрубель #ЛитературнаяСцена #Символизм
На левом панно изображена сцена обучения юного ученика Мефистофелем. Обстановка вокруг них зловещая и не сулит ничего доброго: чучело крокодила под потолком и череп на переднем плане создают мрачную атмосферу в кабинете алхимика. На лице юноши, заглядывающего через плечо Мефистофеля – смешанные эмоции: интерес, удивление, досада и страх. Бледность его лица и очарование юности контрастируют с резкими и угловатыми чертами облика демонического покровителя.
На правой части триптиха повзрослевший Фауст стоит у того же самого зарешеченного окна, но бросается в глаза поразительное изменение его состояния. Уставший, разочарованный в жизни, с выражением тоски и скуки на потемневшем и осунувшемся лице, он держит руку на закрытой книге, словно в отчаянной попытке обрести смысл в знаниях и науке. У его ног лежат беспорядочно разбросанные свитки, как символ лихорадочных и бесплодных поисков.
Александр Бенуа в своем выдающемся труде «История русской живописи в XIX веке», опубликованном в 1901 году, не слишком благосклонен к триптиху Врубеля о Фаусте. В своей экспрессивной манере искусствовед отмечает: «Панно с легендой Фауста, к сожалению, слишком отдают неметчиной, слишком по-мюнхенски надушены, настолько даже, что при взгляде на них трудно не вспомнить ужасной памяти Лицен-Мейера» (имеются в виду иллюстрации к Фаусту авторства немецкого художника).
Примечательно, что вину за творческие неудачи Врубеля Бенуа возлагал на плечи публики, не умевшей ценить по достоинству его работы: «Виновато в том все наше общество, ограниченный интерес его к искусству и внедрившиеся нелепые взгляды на живопись… Многие годы Врубель был всеобщим посмешищем, и лишь крошечная кучка лиц относилась к нему серьезно и любовалась его громадным живописным талантом. Естественно, однако, что эти немногие, реагируя против всеобщего негодования, перехватывали в этом восторге через край, восторгались в Врубеле решительно всем, и хорошим, и дурным, тем самым потакая его эксцентричности».
Как бы там ни было, триптих Врубеля «Фауст» – полновесное художественное высказывание с продуманной драматургией. Все его части органично дополняют друг друга сюжетно и композиционно, вызывая предчувствие неминуемой трагедии. Художнику удалось ухватить суть немецкой готики, скрестив ее с модерном, при этом оставаясь верным своей характерной технике и эмоциональной выразительности.
@pic_history
#МихаилВрубель #ЛитературнаяСцена #Символизм
Сказочные персонажи появились на работе уже после того, как она была практически окончена. Художник отмечал, что это произошло едва ли не против его воли: «Ведь я совсем не собирался писать морских царевен в своей “Жемчужине'', – вспоминал он. – Я хотел со всей реальностью передать рисунок, из которого слагается игра перламутровой раковины, и только после того, как сделал несколько рисунков углем и карандашом, увидел этих царевен, когда начал писать красками».
Врубель не был удовлетворен изображением мифических существ на своей картине. Не оценили их и критики. В частности, искусствовед Нина Дмитриева отмечала: «Фигурки, которые он неожиданно для себя посадил в жемчужной раковине, едва ли достойны такого волшебного грота. Эти жеманные фигурки слишком напоминают своих многочисленных длинноволосых сестер из типичного декора модерн; художник сам это смутно чувствовал – он не был доволен своими наядами».
Несмотря на это, с задачей воплотить на холсте природные переливы перламутра жемчужной раковины художник справился более чем успешно. Это удалось благодаря использованию множества цветов и оттенков: от самых глубоких тонов коричневого, зеленого, синего и фиолетового до нежных, почти прозрачных, розового, лилового, желтого. Спиральная композиция задает изображению гипнотический ритм, затягивая внимание вглубь картины словно водоворот, уносящий зазевавшегося пловца на морское дно.
Николай Рерих в своем эссе делился впечатлениями от картины: «Врубель мало выезжал теперь; мало видел кого; отвернулся от обихода и увидал красоту жизни; возлюбил ее и дал “Жемчужину'', ценнейшую. Незначительный другим обломок природы рассказывает ему чудесную сказку красок и линий за пределами ''что'' и ''как''... Более чем когда-либо в ней подошел Врубель к природе в тончайшей передаче ее и все-таки не удалился от своего обычного волшебства».
Впервые работа была показана на выставке Союза русских художников 1905 года, а в настоящее время она входит в собрание Третьяковской галереи.
@pic_history
#МихаилВрубель #АллегорическаяСцена #Символизм
Врубель не был удовлетворен изображением мифических существ на своей картине. Не оценили их и критики. В частности, искусствовед Нина Дмитриева отмечала: «Фигурки, которые он неожиданно для себя посадил в жемчужной раковине, едва ли достойны такого волшебного грота. Эти жеманные фигурки слишком напоминают своих многочисленных длинноволосых сестер из типичного декора модерн; художник сам это смутно чувствовал – он не был доволен своими наядами».
Несмотря на это, с задачей воплотить на холсте природные переливы перламутра жемчужной раковины художник справился более чем успешно. Это удалось благодаря использованию множества цветов и оттенков: от самых глубоких тонов коричневого, зеленого, синего и фиолетового до нежных, почти прозрачных, розового, лилового, желтого. Спиральная композиция задает изображению гипнотический ритм, затягивая внимание вглубь картины словно водоворот, уносящий зазевавшегося пловца на морское дно.
Николай Рерих в своем эссе делился впечатлениями от картины: «Врубель мало выезжал теперь; мало видел кого; отвернулся от обихода и увидал красоту жизни; возлюбил ее и дал “Жемчужину'', ценнейшую. Незначительный другим обломок природы рассказывает ему чудесную сказку красок и линий за пределами ''что'' и ''как''... Более чем когда-либо в ней подошел Врубель к природе в тончайшей передаче ее и все-таки не удалился от своего обычного волшебства».
Впервые работа была показана на выставке Союза русских художников 1905 года, а в настоящее время она входит в собрание Третьяковской галереи.
@pic_history
#МихаилВрубель #АллегорическаяСцена #Символизм
Первая картина «Демон» Михаила Александровича Врубеля появилась в 1889 году — то была акварель, изображавшая сидящего Демона. После нее художник напишет десятки эскизов, пытаясь уловить тот изменчивый образ, явившийся в его воображении во время изучения византийских фресок и мозаик. Получив предложение иллюстрировать собрание сочинений Лермонтова, куда входила и известная поэма «Демон», Врубель с азартом берется за работу.
Чтобы создать образ своего персонажа, он часто слушает оперу Рубинштейна «Демон», а поэму Лермонтова цитирует наизусть. В результате появляются всем известные картины Врубеля «Демон сидящий» и написанная черной акварелью иллюстрация к поэме «Демон и Тамара». Критика, обрушившаяся на Врубеля после выхода собрания сочинений Лермонтова, привела к тому, что художник на долгих десять лет потерял интерес к этой теме, хотя, по его словам, он задумывал целую тетралогию, изображающую Демона в различных образах.
В 1898 году Врубель возвращается к своему персонажу. Он начинает писать полотно, на котором изображен Демон, летящий над горами Кавказа. На фоне заснеженных гор видна фигура мрачного Демона, облаченного в тунику коричневого цвета. Он устремлен вперед, на его лице угадывается печать скорби и глубокая задумчивость. Мрачные серые и коричневые тона вместе с узким пространством, оставленным между небом и землей, создают ощущение тревоги и обреченности: зрителю кажется, будто Демон летит навстречу своему поражению, уже предчувствуя его, но не в силах что-либо изменить.
Картине не было суждено предстать перед публикой: художник не закончил полотно из-за сложных семейных обстоятельств. Отложив его, он взялся за создание своего последнего шедевра на эту тему — «Демона поверженного», который стал финальным аккордом в этой симфонии.
@pic_history
#МихаилВрубель
Чтобы создать образ своего персонажа, он часто слушает оперу Рубинштейна «Демон», а поэму Лермонтова цитирует наизусть. В результате появляются всем известные картины Врубеля «Демон сидящий» и написанная черной акварелью иллюстрация к поэме «Демон и Тамара». Критика, обрушившаяся на Врубеля после выхода собрания сочинений Лермонтова, привела к тому, что художник на долгих десять лет потерял интерес к этой теме, хотя, по его словам, он задумывал целую тетралогию, изображающую Демона в различных образах.
В 1898 году Врубель возвращается к своему персонажу. Он начинает писать полотно, на котором изображен Демон, летящий над горами Кавказа. На фоне заснеженных гор видна фигура мрачного Демона, облаченного в тунику коричневого цвета. Он устремлен вперед, на его лице угадывается печать скорби и глубокая задумчивость. Мрачные серые и коричневые тона вместе с узким пространством, оставленным между небом и землей, создают ощущение тревоги и обреченности: зрителю кажется, будто Демон летит навстречу своему поражению, уже предчувствуя его, но не в силах что-либо изменить.
Картине не было суждено предстать перед публикой: художник не закончил полотно из-за сложных семейных обстоятельств. Отложив его, он взялся за создание своего последнего шедевра на эту тему — «Демона поверженного», который стал финальным аккордом в этой симфонии.
@pic_history
#МихаилВрубель
Telegram
История одной картины
Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени.
Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее.
Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь.
Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура.
У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете».
Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель.
@pic_history
#МихаилВрубель
Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее.
Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь.
Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура.
У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете».
Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель.
@pic_history
#МихаилВрубель