"Кружевница"
1823 г.
Василий Андреевич Тропинин
Государственная Третьяковская галерея.
«Кто же любит в жизни смотреть на сердитые, пасмурные лица? Зачем же передавать полотну неприятное, которое останется без изменений, зачем производить тяжелое впечатление, возбуждать тяжелые воспоминания в любящих этого человека? Пусть они видят его и помнят в счастливую эпоху жизни» - в этом назначении портрета был искренне уверен не только художник Тропинин. Модные и обожаемые в России сентиментальные младенцы и возводящие глаза к небу девушки в прозрачных туниках Жана-Батиста Грёза, еще недавно господствовавшая при дворе и задававшая тон Элизабет Виже-Лебрен. Все эти иностранцы воспитывали художественный вкус русской публики. Можно было французу с весьма посредственными способностями заработать состояние в России, выполняя портреты знатных заказчиков. В то время как русскому художнику его происхождение независимо от величины таланта ничего хорошего не обещало – ни славы, ни денег.
Однажды высокопоставленная дама немного ослышалась, когда ей рекомендовали исключительно талантливого портретиста Тропинина. Ей почудилась итальянская фамилия Тропини. Когда Василий Андреевич пришел в ее дом на первый сеанс, дама вознегодовала – обычный русский художник. И вытолкала его прочь.
«Кружевницу» художник пишет, когда приезжий европейский сентиментализм растворяется в новых настроениях и уже почти готов стать милым, трогательным, но теряющим актуальность и ценность увлечением. После войны 1812 года меняется и положение русских художников, и всего русского вообще. И «Кружевница» - эдакий гармоничный финальный аккорд в честь уходящего сентиментализма.
Швеи, пряхи, кружевницы Тропинина – это сплошь миловидные, большеглазые, юные красавицы, легко, искусно и с удовольствием выполняющие свою тонкую работу, излучающие спокойствие и лишенные бытовых, утяжеляющих некрасивостей. Художник видел, конечно, слепых кружевниц и горбатых, со скрюченными пальцами женщин, уставших и искалеченных своей работой. Он писал их лица и согнутые фигуры – но только набросками в тетради. Тогда, в начале XIX века, ему и в голову не могло прийти сделать из этой правды картину – такому искусству нужно было еще немного времени.
«Кружевницу» недавно получивший вольную Тропинин представил в Академию художеств с двумя другими картинами для получения звания академика и, конечно, ориентировался на господствовавшие там вкусы. Но это не значит, что художник шел на какие-то творческие компромиссы. У «Кружевницы» есть предшественницы – портреты украинских девушек, написанные еще во времена жизни художника в селе Кукавка на Подоле. И по сравнению с ними изменился лишь уровень художественной точности и тонкости в работе художника, в остальном он верен тем живым впечатлениям, которые получил в годы страстного повседневного рисования с натуры.
Картина произвела прекрасное впечатление на судей и на ценителей искусства. Тропинина объявили «назначенным академиком», а через год присудили звание академика, от которого тот вежливо отказался.
#ВасилийТропинин #Реализм
1823 г.
Василий Андреевич Тропинин
Государственная Третьяковская галерея.
«Кто же любит в жизни смотреть на сердитые, пасмурные лица? Зачем же передавать полотну неприятное, которое останется без изменений, зачем производить тяжелое впечатление, возбуждать тяжелые воспоминания в любящих этого человека? Пусть они видят его и помнят в счастливую эпоху жизни» - в этом назначении портрета был искренне уверен не только художник Тропинин. Модные и обожаемые в России сентиментальные младенцы и возводящие глаза к небу девушки в прозрачных туниках Жана-Батиста Грёза, еще недавно господствовавшая при дворе и задававшая тон Элизабет Виже-Лебрен. Все эти иностранцы воспитывали художественный вкус русской публики. Можно было французу с весьма посредственными способностями заработать состояние в России, выполняя портреты знатных заказчиков. В то время как русскому художнику его происхождение независимо от величины таланта ничего хорошего не обещало – ни славы, ни денег.
Однажды высокопоставленная дама немного ослышалась, когда ей рекомендовали исключительно талантливого портретиста Тропинина. Ей почудилась итальянская фамилия Тропини. Когда Василий Андреевич пришел в ее дом на первый сеанс, дама вознегодовала – обычный русский художник. И вытолкала его прочь.
«Кружевницу» художник пишет, когда приезжий европейский сентиментализм растворяется в новых настроениях и уже почти готов стать милым, трогательным, но теряющим актуальность и ценность увлечением. После войны 1812 года меняется и положение русских художников, и всего русского вообще. И «Кружевница» - эдакий гармоничный финальный аккорд в честь уходящего сентиментализма.
Швеи, пряхи, кружевницы Тропинина – это сплошь миловидные, большеглазые, юные красавицы, легко, искусно и с удовольствием выполняющие свою тонкую работу, излучающие спокойствие и лишенные бытовых, утяжеляющих некрасивостей. Художник видел, конечно, слепых кружевниц и горбатых, со скрюченными пальцами женщин, уставших и искалеченных своей работой. Он писал их лица и согнутые фигуры – но только набросками в тетради. Тогда, в начале XIX века, ему и в голову не могло прийти сделать из этой правды картину – такому искусству нужно было еще немного времени.
«Кружевницу» недавно получивший вольную Тропинин представил в Академию художеств с двумя другими картинами для получения звания академика и, конечно, ориентировался на господствовавшие там вкусы. Но это не значит, что художник шел на какие-то творческие компромиссы. У «Кружевницы» есть предшественницы – портреты украинских девушек, написанные еще во времена жизни художника в селе Кукавка на Подоле. И по сравнению с ними изменился лишь уровень художественной точности и тонкости в работе художника, в остальном он верен тем живым впечатлениям, которые получил в годы страстного повседневного рисования с натуры.
Картина произвела прекрасное впечатление на судей и на ценителей искусства. Тропинина объявили «назначенным академиком», а через год присудили звание академика, от которого тот вежливо отказался.
#ВасилийТропинин #Реализм
Кто автор? Подсказка: одна из шляпок красуется на голове его будущей жены, которую живописец сравнивал с кошечкой.
Anonymous Quiz
60%
Пьер Огюст Ренуар
29%
Эдуар Мане
11%
Камиль Писсаро
Самые дорогие произведения искусства, проданные в 2020 году. Часть 1.
В год перемен под влиянием COVID-19 арт-рынку пришлось адаптироваться к новым нормам. Традиционные большие сессии в мае и ноябре в Лондоне и Нью-Йорке были заменены серией цифровых и гибридных аукционов, которые сочетали живые и виртуальные стримы с продажами по всему миру. Цифровая революция в сочетании с бумом частных сделок помогла предотвратить серьёзное снижение оборота на торгах. Тем не менее, такие «монстры» как Christie’s и Sotheby’s сообщили о падении доходов на 27%.
10. Брайс Марден, «Комплименты» (2004−07)
Christie’s Нью-Йорк, 10 июля 2020 г.
30 млн 920 тыс. долларов США
Когда другие провозгласили смерть живописи и избавились от рам, один житель Нью-Йорка, получивший известность в начале 1960-х годов, сказал: «Прямоугольник — великое изобретение человечества». Диптих Брайса Мардена из оранжевого и тёмно-синего полей, пересечённых множеством змеевидных линий, установил новый мировой рекорд для художника. Переплетённые полосы были тщательно проработаны мастихином, и местами их следы едва заметны.
9. Барнетт Ньюман, «Единство V» (1952).
Christie’s Нью-Йорк, 10 июля 2020 г.
30 млн 920 тыс. долларов США
Это одно из шести полотен серии «Единство», которая считается прорывной в творчестве художника. На этих картинах впервые появилась его фирменная «молния» — вертикальная полоса контрастного оттенка, проходящая по центру холста. Она прорезает монохромный бассейн чистого пигмента и создаёт впечатление, что цвет отражается из стороны в сторону. «Я понял, что опустошал пространство, вместо того, чтобы заполнять его, и что теперь моя линия оживила всё», — сказал Ньюман об этом цикле.
8. Марк Ротко, «Без названия» (1967)
Christie’s Нью-Йорк, 6 октября 2020 г.
31 млн 275 тыс. долларов США
Полотно «Без названия» входит в число самых драматичных картин Марка Ротко последнего этапа его карьеры. Тёплые оттенки в окружении тёмной пустоты отражают собственных внутренних демонов художника — от жизнеутверждающих цветовых полей пурпурного и красного до чёрной бездны отчаяния. Края этих цветных блоков усиливаются, проникая в соседние области, и именно здесь можно по-настоящему почувствовать суть его картин. В этой работе можно увидеть сложный процесс нанесения разных цветов слой за слоем, с использованием разных техник, что создаёт эффект присутствия и вызывает эмоциональный отклик.
7. Саньи, «Четыре обнажённые» (1950-е)
Sotheby’s Гонконг, 8 июля 2020 г.
33 млн 333 тыс. 200 долларов США
После 10-минутной битвы четырёх претендентов эта картина побила рекорд для Саньи, установленный в октябре 2019 года. Четыре обнажённые женщины, лежащие на зелёном фоне, демонстрируют стилистический сдвиг в творчестве художника после Второй мировой войны. Мирное время подтолкнуло его обновить подход к доминирующей теме из ранней карьеры. Если в первых женских ню Саньи присутствовала одна фигура, то в последующих сценах это были группы женщин.
6. Сай Твомбли, «Без названия [Больсена]" (1969)
Christie’s Нью-Йорк, 6 октября 2020 г.
38 млн 685 тыс. долларов США
Это одна из 14-ти работ серии «Больсена», где сочетаются живопись, рисунок, письмо и созерцание времени и пространства. Картина — дань уважения первой высадке на Луну, которую совершил экипаж космической миссии «Аполлон-11». Это монументальное полотно — необычный пример того, как ведущие мастера XX века отзывались на актуальные события.
5. Жэнь Жэньфа, «Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом» (конец XIII — начало XIV века)
Sotheby’s Гонконг, 8 октября 2020 г.
39 млн 553 тыс. 800 долларов США
Это самая дорогая китайская картина тушью, когда-либо проданная Sotheby’s в Гонконге. На свитке длиной около двух метров изображены пять пьяных принцев верхом. Один из них — Ли Лунцзи, позже взошедший на императорский трон под именем Сюань-цзун. Жэнь Жэньфа был знаменитым художником и высокопоставленным чиновником династии Юань.
В год перемен под влиянием COVID-19 арт-рынку пришлось адаптироваться к новым нормам. Традиционные большие сессии в мае и ноябре в Лондоне и Нью-Йорке были заменены серией цифровых и гибридных аукционов, которые сочетали живые и виртуальные стримы с продажами по всему миру. Цифровая революция в сочетании с бумом частных сделок помогла предотвратить серьёзное снижение оборота на торгах. Тем не менее, такие «монстры» как Christie’s и Sotheby’s сообщили о падении доходов на 27%.
10. Брайс Марден, «Комплименты» (2004−07)
Christie’s Нью-Йорк, 10 июля 2020 г.
30 млн 920 тыс. долларов США
Когда другие провозгласили смерть живописи и избавились от рам, один житель Нью-Йорка, получивший известность в начале 1960-х годов, сказал: «Прямоугольник — великое изобретение человечества». Диптих Брайса Мардена из оранжевого и тёмно-синего полей, пересечённых множеством змеевидных линий, установил новый мировой рекорд для художника. Переплетённые полосы были тщательно проработаны мастихином, и местами их следы едва заметны.
9. Барнетт Ньюман, «Единство V» (1952).
Christie’s Нью-Йорк, 10 июля 2020 г.
30 млн 920 тыс. долларов США
Это одно из шести полотен серии «Единство», которая считается прорывной в творчестве художника. На этих картинах впервые появилась его фирменная «молния» — вертикальная полоса контрастного оттенка, проходящая по центру холста. Она прорезает монохромный бассейн чистого пигмента и создаёт впечатление, что цвет отражается из стороны в сторону. «Я понял, что опустошал пространство, вместо того, чтобы заполнять его, и что теперь моя линия оживила всё», — сказал Ньюман об этом цикле.
8. Марк Ротко, «Без названия» (1967)
Christie’s Нью-Йорк, 6 октября 2020 г.
31 млн 275 тыс. долларов США
Полотно «Без названия» входит в число самых драматичных картин Марка Ротко последнего этапа его карьеры. Тёплые оттенки в окружении тёмной пустоты отражают собственных внутренних демонов художника — от жизнеутверждающих цветовых полей пурпурного и красного до чёрной бездны отчаяния. Края этих цветных блоков усиливаются, проникая в соседние области, и именно здесь можно по-настоящему почувствовать суть его картин. В этой работе можно увидеть сложный процесс нанесения разных цветов слой за слоем, с использованием разных техник, что создаёт эффект присутствия и вызывает эмоциональный отклик.
7. Саньи, «Четыре обнажённые» (1950-е)
Sotheby’s Гонконг, 8 июля 2020 г.
33 млн 333 тыс. 200 долларов США
После 10-минутной битвы четырёх претендентов эта картина побила рекорд для Саньи, установленный в октябре 2019 года. Четыре обнажённые женщины, лежащие на зелёном фоне, демонстрируют стилистический сдвиг в творчестве художника после Второй мировой войны. Мирное время подтолкнуло его обновить подход к доминирующей теме из ранней карьеры. Если в первых женских ню Саньи присутствовала одна фигура, то в последующих сценах это были группы женщин.
6. Сай Твомбли, «Без названия [Больсена]" (1969)
Christie’s Нью-Йорк, 6 октября 2020 г.
38 млн 685 тыс. долларов США
Это одна из 14-ти работ серии «Больсена», где сочетаются живопись, рисунок, письмо и созерцание времени и пространства. Картина — дань уважения первой высадке на Луну, которую совершил экипаж космической миссии «Аполлон-11». Это монументальное полотно — необычный пример того, как ведущие мастера XX века отзывались на актуальные события.
5. Жэнь Жэньфа, «Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом» (конец XIII — начало XIV века)
Sotheby’s Гонконг, 8 октября 2020 г.
39 млн 553 тыс. 800 долларов США
Это самая дорогая китайская картина тушью, когда-либо проданная Sotheby’s в Гонконге. На свитке длиной около двух метров изображены пять пьяных принцев верхом. Один из них — Ли Лунцзи, позже взошедший на императорский трон под именем Сюань-цзун. Жэнь Жэньфа был знаменитым художником и высокопоставленным чиновником династии Юань.
«Мадонна в скалах» – это произведение
Anonymous Quiz
26%
Питера Пауля Рубенса
57%
Леонардо да Винчи
17%
Николя Пуссена
Самые дорогие произведения искусства, проданные в 2020 году. Часть 2.
Впервые с 2016 года ни один лот не достиг отметки в 100 миллионов долларов. Но случился перелом в развитии онлайн-продаж произведений искусства. Это прямое следствие карантинов и ограничений, из-за которых физические собрания стали невозможны. Платформы цифровых торгов набрали популярность, о чём свидетельствует резкий рост продаж на Sotheby’s, Christie’s и Phillips. Расширилась и демография покупателей за счёт появления новых коллекционеров младше сорока лет.
4. Дэвид Хокни, «Каньон Николс» (1980)
Phillips Нью-Йорк, 7 декабря 2020 г.
41 млн 67 тыс. 500 долларов США
Дороги играли важную роль в образах Дэвида Хокни на протяжении всей его карьеры. Культовый «Каньон Николс», названный в честь длинной извилистой улицы на Голливудских холмах, был написан вскоре после переезда художника в этот район Лос-Анджелеса. На картине изображена дорога, ведущая от его дома к студии, которая располагалась ниже, на бульваре Санта-Моника. Хокни предположил, что взгляд зрителя движется «по картине примерно с той же скоростью, что и машина, едущая по дороге».
3. Рой Лихтенштейн, «Обнаженная на радостной картине» (1994)
Christie’s Нью-Йорк, 10 июля 2020 г.
46 млн 242 тыс. 500 долларов США
Эта картина была главным лотом аукциона, который транслировался в режиме реального времени с использованием потоковой технологии. На шедевре конца карьеры Роя Лихтенштейна изображена красивая блондинка в спальне. Работа исполнена в фирменном стиле художника с помощью «точек Бена Дея» и перекликается со скоплениями крошечных цветных точек как на комиксах в середине XX века.
По словам специалистов Christie’s, это «самый важный образец последней большой серии ню Лихтенштейна, когда-либо появившийся на аукционах».
2. У Бинь, «Десять видов камня Лингби» (1610)
Аукционный дом Poly в Пекине, 18 октября 2020 г.
75 млн 436 тыс. 800 долларов США
Этот редкий рукописный свиток времён династии Мин побил мировой ценовой рекорд на древнекитайские рукописи и картины после ожесточённых торгов, длившихся почти час. Он также стал самой дорогой работой, проданной на аукционе в Азии в 2020 году. Прежде он появлялся на рынке 31 год назад на Sotheby’s в Нью-Йорке. Тогда его купил американский коллекционер за 1,2 млн долларов, что также стало рекордом для того времени.
Это одно из самых необычных изображений, когда-либо созданных в Китае. Свиток состоит из десяти отдельных видов одного камня Линби, найденного в провинции Аньхой на востоке страны.
1. Фрэнсис Бэкон, «Триптих, вдохновлённый „Орестеей“ Эсхила» (1981)
Sotheby’s Нью-Йорк, 29 июня 2020 г.
84 млн 550 тыс. долларов США
Вдохновением для этой работы стала трилогия греческих трагедий Эсхила, датируемая V веком до н. э. Триптих входит в число самых амбициозных произведений Фрэнсиса Бэкона и охватывает всю его иконографию. Картины появились на аукционе впервые за шесть лет, а до того более 30 лет находились во владении норвежского коллекционера Ханса Расмуса Аструпа и его частного музея в Осло.
За этот лот в течение 10 минут сражались онлайн-участник торгов из Китая и коллекционер по телефону. В конце концов выиграл второй. «Триптих…» стал третьим по стоимости произведением Бэкона, проданным с молотка. А для Sotheby’s торги стали премьерой вечернего аукциона в новом формате. Их проводил в прямом эфире из Лондона аукционист Оливер Баркер, а покупатели могли делать ставки через специалистов в Нью-Йорке, Гонконге и Лондоне по телефону или через Интернет.
Первая часть вот тут.
@pic_history
Впервые с 2016 года ни один лот не достиг отметки в 100 миллионов долларов. Но случился перелом в развитии онлайн-продаж произведений искусства. Это прямое следствие карантинов и ограничений, из-за которых физические собрания стали невозможны. Платформы цифровых торгов набрали популярность, о чём свидетельствует резкий рост продаж на Sotheby’s, Christie’s и Phillips. Расширилась и демография покупателей за счёт появления новых коллекционеров младше сорока лет.
4. Дэвид Хокни, «Каньон Николс» (1980)
Phillips Нью-Йорк, 7 декабря 2020 г.
41 млн 67 тыс. 500 долларов США
Дороги играли важную роль в образах Дэвида Хокни на протяжении всей его карьеры. Культовый «Каньон Николс», названный в честь длинной извилистой улицы на Голливудских холмах, был написан вскоре после переезда художника в этот район Лос-Анджелеса. На картине изображена дорога, ведущая от его дома к студии, которая располагалась ниже, на бульваре Санта-Моника. Хокни предположил, что взгляд зрителя движется «по картине примерно с той же скоростью, что и машина, едущая по дороге».
3. Рой Лихтенштейн, «Обнаженная на радостной картине» (1994)
Christie’s Нью-Йорк, 10 июля 2020 г.
46 млн 242 тыс. 500 долларов США
Эта картина была главным лотом аукциона, который транслировался в режиме реального времени с использованием потоковой технологии. На шедевре конца карьеры Роя Лихтенштейна изображена красивая блондинка в спальне. Работа исполнена в фирменном стиле художника с помощью «точек Бена Дея» и перекликается со скоплениями крошечных цветных точек как на комиксах в середине XX века.
По словам специалистов Christie’s, это «самый важный образец последней большой серии ню Лихтенштейна, когда-либо появившийся на аукционах».
2. У Бинь, «Десять видов камня Лингби» (1610)
Аукционный дом Poly в Пекине, 18 октября 2020 г.
75 млн 436 тыс. 800 долларов США
Этот редкий рукописный свиток времён династии Мин побил мировой ценовой рекорд на древнекитайские рукописи и картины после ожесточённых торгов, длившихся почти час. Он также стал самой дорогой работой, проданной на аукционе в Азии в 2020 году. Прежде он появлялся на рынке 31 год назад на Sotheby’s в Нью-Йорке. Тогда его купил американский коллекционер за 1,2 млн долларов, что также стало рекордом для того времени.
Это одно из самых необычных изображений, когда-либо созданных в Китае. Свиток состоит из десяти отдельных видов одного камня Линби, найденного в провинции Аньхой на востоке страны.
1. Фрэнсис Бэкон, «Триптих, вдохновлённый „Орестеей“ Эсхила» (1981)
Sotheby’s Нью-Йорк, 29 июня 2020 г.
84 млн 550 тыс. долларов США
Вдохновением для этой работы стала трилогия греческих трагедий Эсхила, датируемая V веком до н. э. Триптих входит в число самых амбициозных произведений Фрэнсиса Бэкона и охватывает всю его иконографию. Картины появились на аукционе впервые за шесть лет, а до того более 30 лет находились во владении норвежского коллекционера Ханса Расмуса Аструпа и его частного музея в Осло.
За этот лот в течение 10 минут сражались онлайн-участник торгов из Китая и коллекционер по телефону. В конце концов выиграл второй. «Триптих…» стал третьим по стоимости произведением Бэкона, проданным с молотка. А для Sotheby’s торги стали премьерой вечернего аукциона в новом формате. Их проводил в прямом эфире из Лондона аукционист Оливер Баркер, а покупатели могли делать ставки через специалистов в Нью-Йорке, Гонконге и Лондоне по телефону или через Интернет.
Первая часть вот тут.
@pic_history
Богоматерь «Умиление злых сердец» – это работа...
Anonymous Quiz
8%
Александры Экстер
21%
Феофана Грека
71%
Кузьмы Петрова-Водкина
"Свобода, ведущая народ"
1830 г.
Эжен Делакруа
Лувр, Париж.
Полуобнаженная девушка с профилем греческой богини и живым, теплым телом, с французским триколором и винтовкой в руках прочно ассоциируется с туманным понятием «свобода» вот уже почти два столетия. Этот образ используют карикатуристы, изображающие чиновничьи пороки, его использовали на французских листовках времен Второй мировой. Этот образ буквально материализовался, когда в 1968 году на обложке новостного журнала Paris Match появилась фотография студентки Каролин де Бендерн.
Публикуя новости о студенческих волнениях 1968 года, переросших в многомиллионную забастовку и политический переворот, все мировые журналы множили фотографию Каролин, создавая новый медийный образ свободы. Этот образ стал сильным и эффектным только потому, что эмоционально очень перекликался с картиной Делакруа.
Эжен Делакруа картину назвал «28 июля, 1830». Этих цифр было достаточно, чтобы французские зрители поняли и вспомнили конкретный день, кровавый и страшный, вдохновивший и подаривший надежду.
В этот день в Париже вспыхнул мятеж, который позже назовут Июльской революцией и который привел к смене власти и политического режима. Казалось бы – дело было затеяно гиблое: одного короля меняли на другого. Карл Х, убежденный консерватор, пришел к власти в 1824 году и за 6 лет правления постепенно уничтожил все институты и законы, принятые при Наполеоне. За триколор грозила смертная казнь, например. Когда же в 1830-м правительство приняло ряд указов, ограничивающих свободу слова и распускающих Палату представителей, французы вспомнили о том, что баррикады – это пока единственный проверенный способ выразить недовольство. Членов правительства арестовали, король отрекся от престола и уехал в Великобританию.
Эжен Делакруа, сын бывшего министра иностранных дел при Наполеоне, не стоял на баррикадах, но был «восторженным наблюдателем». «Я выбрал современный сюжет – баррикады. И раз уж я не сражался за свою страну, я буду писать в ее честь», - сообщает художник брату. Картину размером три на два с половиной метра Делакруа напишет всего за три месяца. Он работает быстро и восторженно, оставляя в широких размашистых мазках еще и собственные переживания, перерабатывая свое настроение в уникальную живописную манеру.
Это первая картина Делакруа, которая изображает его современников и близкие, конкретные события. Красный, белый и синий цвета, отражаясь от трехцветного флага в руках Свободы, звучат на всем полотне. Любимые всеми романтиками трупы на первом плане не сильно похожи на тела павших героев. А по живым еще мятежникам можно уверенно судить об их недавнем участии в мародерстве: на плече мальчишки и рабочего в берете одинаковые сумки с боеприпасами, и это сумки королевских солдат. Тело мужчины без штанов на первом плане убеждает нас не сомневаться в нравах восставших – его штаны конечно украли.
И несмотря на это картине «28 июля, 1830» удалось стать символом не только революции, но и всей Франции и свободы вообще. Питерский искусствовед Илья Доронченков утверждает, что со времен раннего христианства, когда абстрактные ценности воплотились в жизни Христа, до Делакруа никому не удавалось создать такой реальный и полнокровный символ абстрактного понятия. Понятия свободы.
Государство купило картину сразу же как только она была представлена на Салоне 1831 года, но только спустя 43 года ее вынесли из темных дворцовых коридоров и водрузили на стену Лувра для всеобщего обозрения. Каждое правительство, разными способами приходящее к власти во Франции, считало ее слишком опасной.
#ЭженДелакруа #Романтизм
1830 г.
Эжен Делакруа
Лувр, Париж.
Полуобнаженная девушка с профилем греческой богини и живым, теплым телом, с французским триколором и винтовкой в руках прочно ассоциируется с туманным понятием «свобода» вот уже почти два столетия. Этот образ используют карикатуристы, изображающие чиновничьи пороки, его использовали на французских листовках времен Второй мировой. Этот образ буквально материализовался, когда в 1968 году на обложке новостного журнала Paris Match появилась фотография студентки Каролин де Бендерн.
Публикуя новости о студенческих волнениях 1968 года, переросших в многомиллионную забастовку и политический переворот, все мировые журналы множили фотографию Каролин, создавая новый медийный образ свободы. Этот образ стал сильным и эффектным только потому, что эмоционально очень перекликался с картиной Делакруа.
Эжен Делакруа картину назвал «28 июля, 1830». Этих цифр было достаточно, чтобы французские зрители поняли и вспомнили конкретный день, кровавый и страшный, вдохновивший и подаривший надежду.
В этот день в Париже вспыхнул мятеж, который позже назовут Июльской революцией и который привел к смене власти и политического режима. Казалось бы – дело было затеяно гиблое: одного короля меняли на другого. Карл Х, убежденный консерватор, пришел к власти в 1824 году и за 6 лет правления постепенно уничтожил все институты и законы, принятые при Наполеоне. За триколор грозила смертная казнь, например. Когда же в 1830-м правительство приняло ряд указов, ограничивающих свободу слова и распускающих Палату представителей, французы вспомнили о том, что баррикады – это пока единственный проверенный способ выразить недовольство. Членов правительства арестовали, король отрекся от престола и уехал в Великобританию.
Эжен Делакруа, сын бывшего министра иностранных дел при Наполеоне, не стоял на баррикадах, но был «восторженным наблюдателем». «Я выбрал современный сюжет – баррикады. И раз уж я не сражался за свою страну, я буду писать в ее честь», - сообщает художник брату. Картину размером три на два с половиной метра Делакруа напишет всего за три месяца. Он работает быстро и восторженно, оставляя в широких размашистых мазках еще и собственные переживания, перерабатывая свое настроение в уникальную живописную манеру.
Это первая картина Делакруа, которая изображает его современников и близкие, конкретные события. Красный, белый и синий цвета, отражаясь от трехцветного флага в руках Свободы, звучат на всем полотне. Любимые всеми романтиками трупы на первом плане не сильно похожи на тела павших героев. А по живым еще мятежникам можно уверенно судить об их недавнем участии в мародерстве: на плече мальчишки и рабочего в берете одинаковые сумки с боеприпасами, и это сумки королевских солдат. Тело мужчины без штанов на первом плане убеждает нас не сомневаться в нравах восставших – его штаны конечно украли.
И несмотря на это картине «28 июля, 1830» удалось стать символом не только революции, но и всей Франции и свободы вообще. Питерский искусствовед Илья Доронченков утверждает, что со времен раннего христианства, когда абстрактные ценности воплотились в жизни Христа, до Делакруа никому не удавалось создать такой реальный и полнокровный символ абстрактного понятия. Понятия свободы.
Государство купило картину сразу же как только она была представлена на Салоне 1831 года, но только спустя 43 года ее вынесли из темных дворцовых коридоров и водрузили на стену Лувра для всеобщего обозрения. Каждое правительство, разными способами приходящее к власти во Франции, считало ее слишком опасной.
#ЭженДелакруа #Романтизм
Кто автор картины?
Anonymous Quiz
38%
Владимир Боровиковский
25%
Томас Гейнсборо
37%
Василий Тропинин