Врубель написал картину всего за два дня. Летом 1899 года художник с женой Надеждой гостил в Орловской губернии – в имении Хотылево, куда их пригласила княгиня Мария Тенишева. Свою покровительницу он изобразил в образе воинственной Валькирии из скандинавского эпоса, а потом взялся за портрет жены. Однако импульсивный творец не довел работу до конца – об этом рассказывал композитор Борис Яновский, прибывший в имение Тенишевых по приглашению Врубеля: «Портрет уже близился к концу. Как-то вечером Врубель прочитал книжку Анатоля Франса ''Puit de s-t Glair''. Большое впечатление на него произвел тот рассказ, где старый сатир повествует о давно прошедших временах. На другое же утро Врубель на моих глазах соскоблил начатый портрет жены и на месте его принялся писать ''Пана'' (сам он называл его ''Сатир''). Эта работа так увлекла его, что через день он позвал жену и меня и уже демонстрировал нам почти вполне законченную картину!»
Музыкант отмечал, что пейзаж на заднем фоне Врубель писал с натуры – именно такой вид открывался с террасы хотылевской усадьбы. Он также вспоминал замечание Репина о том, что плечо сатира смято: «с чем, впрочем, и сам Врубель согласился».
Хотя на картине «Пан» древнегреческий бог скорее напоминает русского лешего. Фигура могучего старика с хитрым прищуром будто вырастает из земли, а несколько берез на заднем фоне только усиливает сходство с героем русских сказок. Видимо, чтобы избежать путаницы и разночтений, художник вложил ему в руку свирель – неизменный атрибут Пана. По преданию, под ее звуки он устраивает шумные пляски в компании задорных нимф.
Несмотря на согнутую, даже несколько сутулую позу Пана, его образ внушает ощущение силы. Широкие плечи и мускулистые руки немного не вяжутся с обликом пожилого седовласого старика. Возникают ассоциации с силами природы, которые могут быть умиротворенными и благосклонными, как теплая летняя ночь, но также могут быть опасными и сносить все на своем пути во время бури и гроз.
Фигура Пана занимает большую часть полотна и доминирует в его композиции. Ее ритм поддерживается за счет рифмующихся линий, созданных наклоном плеча мифического персонажа, стволов деревьев за ним, кустов и полумесяца на фоне. Основная часть картины выполнена быстрыми, легкими мазками, с которыми контрастируют филигранно написанные пальцы левой руки Пана, локоны его волос и бороды, а также лицо.
Пронзительный взгляд синих глаз оттеняют яркие акценты синего: цветок на переднем плане и проблески водной глади по бокам. Мистическая атмосфера картины завораживает и погружает в стихию летней ночи. Кажется, вот-вот послышится пение сверчков и приветствие просыпающихся перед рассветом птиц. Врубелю особенно хорошо удавалось изображение мифологических и сказочных персонажей («Царевна-лебедь»), и картина «Пан» входит в число его наиболее впечатляющих работ.
#МихаилВрубель #МифологическаяСцена
@pic_history
Музыкант отмечал, что пейзаж на заднем фоне Врубель писал с натуры – именно такой вид открывался с террасы хотылевской усадьбы. Он также вспоминал замечание Репина о том, что плечо сатира смято: «с чем, впрочем, и сам Врубель согласился».
Хотя на картине «Пан» древнегреческий бог скорее напоминает русского лешего. Фигура могучего старика с хитрым прищуром будто вырастает из земли, а несколько берез на заднем фоне только усиливает сходство с героем русских сказок. Видимо, чтобы избежать путаницы и разночтений, художник вложил ему в руку свирель – неизменный атрибут Пана. По преданию, под ее звуки он устраивает шумные пляски в компании задорных нимф.
Несмотря на согнутую, даже несколько сутулую позу Пана, его образ внушает ощущение силы. Широкие плечи и мускулистые руки немного не вяжутся с обликом пожилого седовласого старика. Возникают ассоциации с силами природы, которые могут быть умиротворенными и благосклонными, как теплая летняя ночь, но также могут быть опасными и сносить все на своем пути во время бури и гроз.
Фигура Пана занимает большую часть полотна и доминирует в его композиции. Ее ритм поддерживается за счет рифмующихся линий, созданных наклоном плеча мифического персонажа, стволов деревьев за ним, кустов и полумесяца на фоне. Основная часть картины выполнена быстрыми, легкими мазками, с которыми контрастируют филигранно написанные пальцы левой руки Пана, локоны его волос и бороды, а также лицо.
Пронзительный взгляд синих глаз оттеняют яркие акценты синего: цветок на переднем плане и проблески водной глади по бокам. Мистическая атмосфера картины завораживает и погружает в стихию летней ночи. Кажется, вот-вот послышится пение сверчков и приветствие просыпающихся перед рассветом птиц. Врубелю особенно хорошо удавалось изображение мифологических и сказочных персонажей («Царевна-лебедь»), и картина «Пан» входит в число его наиболее впечатляющих работ.
#МихаилВрубель #МифологическаяСцена
@pic_history
Превосходный рисунок «Леда и Лебедь», сделанный Теодором Жерико во время короткого пребывания в Италии (1816-1817), – один из редких образцов обращения к эротике в его творчестве. Это может показаться парадоксальным: художник, сутью творчества которого было запечатлеть тело (неважно, человека или лошади), в котором трепещут все нервы и до предела напряжены все мускулы, – этот художник практически не оставил картин любовной тематики. Чисто эротическая тема, столь важная для французского искусства в предыдущем столетии, оставляла Жерико глубоко равнодушным.
К эротике он обратится в Италии. Можно объяснить этот интерес мощным воздействием итальянского искусства, да и просто горячим южным воздухом, пронизанным любовным томлением. Но, взявшись за известный мифологический сюжет, Жерико отказывается трактовать его как любовную историю. Попробуем понять – почему.
Дочь этолийского царя Леда родила яйцо, из которого появится Елена, прекраснейшая из женщин. По другой версии, из яйца произошли близнецы Кастор и Полидевк. Это случилось после того, как Ледой овладел бог Зевс, принявший облик лебедя. По сути, «Леда и Лебедь» Жерико – это набросок. Один из эскизов, которые художник, с его временами нечеловеческой трудоспособностью, производил десятками, если не сотнями. Кстати, именно в стремительной порывистости эскиза зачастую наиболее ярко проявляется индивидуальность мастера. Однако законченность и нетривиальная трактовка сюжета выводят «Леду и Лебедя» за рамки простого эскиза.
В период пребывания в Италии Жерико на время охладевает к традиционной масляной технике и начинает экспериментировать, не ограничивая себя в материалах. Для «Леды и Лебедя» он использует сразу несколько техник. Их каталожное описание выглядит следующим образом: «черный карандаш, коричневая тушь, голубая акварель, белая гуашь».
«Леда и Лебедь» уже появлялись во французской живописи до Жерико. Сюжет, например, неоднократно использовал мастер рококо Франсуа Буше, трактуя его то в безобидно-пасторальном духе, а то и в почти порнографическом. Ни то, ни другое не могло привлечь Жерико. Его ориентиром для творческого диалога стал Микеланджело. Сохранились воспоминания о посещении Теодором Жерико Сикстинской капеллы. Рассказывают, он вышел оттуда, весь дрожа. Потрясение было настолько сильным, что спровоцировало горячку. Для Жерико Микеланджело надолго стал властителем дум, а гравюра с его несохранившейся картины «Леда и Лебедь», вполне вероятно, могла послужить источником для рисунка. Французскому художнику была глубоко сродни мощная телесная пластика Микеланджело, однако сама трактовка сюжета отличается не просто существенно – кардинально.
Огромный лебедь с рисунка Жерико, агрессивно изогнув шею и растопырив крылья, нависает над бёдрами распростёртой Леды. Растения на заднем плане охвачены дыханием бури. Мы будто слышит завывание ветра и зловещее шипение лебедя, которого женщина пытается оттолкнуть. Жерико подчеркивает, как напряжены её мышцы в готовности к поединку – причем едва ли любовному. И если «Леда и Лебедь» Микеланджело, с зажатой между ног Леды птицей и их сближенными в поцелуе головами, говорит о непреодолимом сладострастии, то «Леда и Лебедь» Жерико буквально вопиет о насилии и сопротивлении.
#ТеодорЖерико #МифологическаяСцена #Романтизм
@pic_history
К эротике он обратится в Италии. Можно объяснить этот интерес мощным воздействием итальянского искусства, да и просто горячим южным воздухом, пронизанным любовным томлением. Но, взявшись за известный мифологический сюжет, Жерико отказывается трактовать его как любовную историю. Попробуем понять – почему.
Дочь этолийского царя Леда родила яйцо, из которого появится Елена, прекраснейшая из женщин. По другой версии, из яйца произошли близнецы Кастор и Полидевк. Это случилось после того, как Ледой овладел бог Зевс, принявший облик лебедя. По сути, «Леда и Лебедь» Жерико – это набросок. Один из эскизов, которые художник, с его временами нечеловеческой трудоспособностью, производил десятками, если не сотнями. Кстати, именно в стремительной порывистости эскиза зачастую наиболее ярко проявляется индивидуальность мастера. Однако законченность и нетривиальная трактовка сюжета выводят «Леду и Лебедя» за рамки простого эскиза.
В период пребывания в Италии Жерико на время охладевает к традиционной масляной технике и начинает экспериментировать, не ограничивая себя в материалах. Для «Леды и Лебедя» он использует сразу несколько техник. Их каталожное описание выглядит следующим образом: «черный карандаш, коричневая тушь, голубая акварель, белая гуашь».
«Леда и Лебедь» уже появлялись во французской живописи до Жерико. Сюжет, например, неоднократно использовал мастер рококо Франсуа Буше, трактуя его то в безобидно-пасторальном духе, а то и в почти порнографическом. Ни то, ни другое не могло привлечь Жерико. Его ориентиром для творческого диалога стал Микеланджело. Сохранились воспоминания о посещении Теодором Жерико Сикстинской капеллы. Рассказывают, он вышел оттуда, весь дрожа. Потрясение было настолько сильным, что спровоцировало горячку. Для Жерико Микеланджело надолго стал властителем дум, а гравюра с его несохранившейся картины «Леда и Лебедь», вполне вероятно, могла послужить источником для рисунка. Французскому художнику была глубоко сродни мощная телесная пластика Микеланджело, однако сама трактовка сюжета отличается не просто существенно – кардинально.
Огромный лебедь с рисунка Жерико, агрессивно изогнув шею и растопырив крылья, нависает над бёдрами распростёртой Леды. Растения на заднем плане охвачены дыханием бури. Мы будто слышит завывание ветра и зловещее шипение лебедя, которого женщина пытается оттолкнуть. Жерико подчеркивает, как напряжены её мышцы в готовности к поединку – причем едва ли любовному. И если «Леда и Лебедь» Микеланджело, с зажатой между ног Леды птицей и их сближенными в поцелуе головами, говорит о непреодолимом сладострастии, то «Леда и Лебедь» Жерико буквально вопиет о насилии и сопротивлении.
#ТеодорЖерико #МифологическаяСцена #Романтизм
@pic_history
Об исторической ценности аллегорий Рейнолдса
Историческую живопись художник считал высшим из художественных жанров. Следует иметь в виду, что в XVIII в. под историческими нередко подразумевались сюжеты на мифологические темы, в живописи широко использовались античные аллегории. Смысл иносказания, заключенного в картине «Младенец Геракл, удушающий змей», сам Джошуа Рейнолдс изложил в письме к Григорию Потёмкину: недетская сила маленького Геракла очень напоминает мощь молодого Российского государства.
И в Британии, и в России сам факт того, что полотно было заказано российской императрицей главе Королевской Академии художеств, рассматривался как дипломатический прорыв, как свидетельство укрепления связей между двумя крупнейшими империями. Символично, что даже корабль, доставивший в Петербург «Младенца Геракла, удушающего змей» в 1788 году, назывался «Дружба». Известно, что Екатерина назначила за картину цену в 1500 гиней и в знак признательности презентовала Рейнолдсу табакерку, украшенную своим портретом и осыпанную бриллиантами.
Художественные достоинства картины Рейнолдса «Младенец Геракл, удушающий змей»
Оставаясь до конца своих дней страстным поклонником классической итальянской живописи, Рейнолдс многое унаследовал от неё: в частности, умение тщательно выстроить многофигурную композицию и способность посредством разработанной системы жестов и поз «разыграть» драматургические отношения между персонажами, как это можно наблюдать в «Младенце Геракле, удушающем змей». Теплый красно-коричневый колорит (к сожалению, до наших дней в первоначальном виде не сохранившийся) и мастерская светотеневая моделировка объемов являются наиболее сильными художественными аспектами картины.
Прототипы персонажей картины Рейнолдса
Нередко Рейнолдс изображает на своих аллегорических полотнах реальных персонажей в антураже мифологических обстоятельств. «Младенец Геракл…» в этом смысле тоже не стал исключением. Так, богиня Гера на его картине имеет узнаваемое лицо британской трагической актрисы Сары Сиддонс (ранее Рейнолдс уже писал её в образе музы Трагедии), а прорицатель Тиресий напоминает друга Рейнолдса, литературного критика эпохи Просвещения, «английского Вольтера» Сэмюэля Джонсона, замечательные характерные портреты которого Рейнолдс также писал неоднократно.
#ДжошуаРейнолдс #МифологическаяСцена #Барокко
@pic_history
Историческую живопись художник считал высшим из художественных жанров. Следует иметь в виду, что в XVIII в. под историческими нередко подразумевались сюжеты на мифологические темы, в живописи широко использовались античные аллегории. Смысл иносказания, заключенного в картине «Младенец Геракл, удушающий змей», сам Джошуа Рейнолдс изложил в письме к Григорию Потёмкину: недетская сила маленького Геракла очень напоминает мощь молодого Российского государства.
И в Британии, и в России сам факт того, что полотно было заказано российской императрицей главе Королевской Академии художеств, рассматривался как дипломатический прорыв, как свидетельство укрепления связей между двумя крупнейшими империями. Символично, что даже корабль, доставивший в Петербург «Младенца Геракла, удушающего змей» в 1788 году, назывался «Дружба». Известно, что Екатерина назначила за картину цену в 1500 гиней и в знак признательности презентовала Рейнолдсу табакерку, украшенную своим портретом и осыпанную бриллиантами.
Художественные достоинства картины Рейнолдса «Младенец Геракл, удушающий змей»
Оставаясь до конца своих дней страстным поклонником классической итальянской живописи, Рейнолдс многое унаследовал от неё: в частности, умение тщательно выстроить многофигурную композицию и способность посредством разработанной системы жестов и поз «разыграть» драматургические отношения между персонажами, как это можно наблюдать в «Младенце Геракле, удушающем змей». Теплый красно-коричневый колорит (к сожалению, до наших дней в первоначальном виде не сохранившийся) и мастерская светотеневая моделировка объемов являются наиболее сильными художественными аспектами картины.
Прототипы персонажей картины Рейнолдса
Нередко Рейнолдс изображает на своих аллегорических полотнах реальных персонажей в антураже мифологических обстоятельств. «Младенец Геракл…» в этом смысле тоже не стал исключением. Так, богиня Гера на его картине имеет узнаваемое лицо британской трагической актрисы Сары Сиддонс (ранее Рейнолдс уже писал её в образе музы Трагедии), а прорицатель Тиресий напоминает друга Рейнолдса, литературного критика эпохи Просвещения, «английского Вольтера» Сэмюэля Джонсона, замечательные характерные портреты которого Рейнолдс также писал неоднократно.
#ДжошуаРейнолдс #МифологическаяСцена #Барокко
@pic_history
Telegram
История одной картины
"Портрет Сары Сиддонс в виде музы Трагедии"
1784 г.
Джошуа Рейнолдс
Библиотека, художественное собрание и ботанические сады Хантингтона, Калифорния.
1784 г.
Джошуа Рейнолдс
Библиотека, художественное собрание и ботанические сады Хантингтона, Калифорния.
«Жертвоприношение» написано в сложный для художника год – 1909-й. Чюрленис живёт в Петербурге, работает, по его словам, «24-25 часов в сутки» и чувствует себя глубоко одиноким и непонятым. Не всё гладко и в отношениях с боготворимой им женой: София Кимантайте оставляет мужа и возвращается в Литву.
В это время впервые дала о себе знать душевная болезнь Чюрлёниса, которая всего через пару лет, в 1911-м году, приведет его к гибели. Но в 1909 художник еще в состоянии бороться с одолевающей его депрессией и писать. Картины этого периода выполнены в предельно скупой, хотя и тонко нюансированной цветовой гамме. Их сюжеты – мрачные и таинственные, не поддающиеся однозначному истолкованию.
Мистики уверены, что Чюрлёнис был способен улавливать тонкие планы бытия (кстати, какое-то время он увлекался гипнозом), воочию видеть многомерность мироздания, ощущать в полной мере борьбу ангельского и демонического начал. Это особенно чувствуется в «Жертвоприношение». В центре полотна, на покрытом звездами ступенчатом зиккурате, – фигура ангела. Опутываемый клубами темного дыма, поднимающегося с земли, он взирает на небо, словно вопрошая о том, какой жертвы от него потребуют. Картина полна обострённой тревоги, неотступных страшных предчувствий.
Как и большинство работ Чюрлёниса, «Жертвоприношение» хранится в Национальном художественном музее (Каунас), носящем с 1944-го года имя художника.
Особой проблемой является сохранность произведений Чюрлёниса, в том числе и «Жертвоприношения». В большинстве случаев художник писал пастелью и темперными красками. Он даже разработал собственную технику, при которой темпера сильно разводилась и наносилась слоями, подобно акварельным краскам. Работы, исполненные в подобной технике, к сожалению, очень уязвимы: на их состояние негативно влияют избыток света и перепады температур. Вот почему многие оригиналы Чюрлёниса не подлежат транспортировке и даже на самых серьезных выставках могут быть представлены лишь факсимильные копии картин художника. Первые факсимиле были заказаны ценителями творчества Чюрлениса еще в 1938-м. Сейчас качество репродукций год от года растёт. Так, например, итальянские факсимиле 1997 года считаются специалистами одними из лучших, поскольку наиболее полно передают мельчайшие особенности оригиналов.
@pic_history
#МикалоюсЧюрлёнис #МифологическаяСцена #Символизм
В это время впервые дала о себе знать душевная болезнь Чюрлёниса, которая всего через пару лет, в 1911-м году, приведет его к гибели. Но в 1909 художник еще в состоянии бороться с одолевающей его депрессией и писать. Картины этого периода выполнены в предельно скупой, хотя и тонко нюансированной цветовой гамме. Их сюжеты – мрачные и таинственные, не поддающиеся однозначному истолкованию.
Мистики уверены, что Чюрлёнис был способен улавливать тонкие планы бытия (кстати, какое-то время он увлекался гипнозом), воочию видеть многомерность мироздания, ощущать в полной мере борьбу ангельского и демонического начал. Это особенно чувствуется в «Жертвоприношение». В центре полотна, на покрытом звездами ступенчатом зиккурате, – фигура ангела. Опутываемый клубами темного дыма, поднимающегося с земли, он взирает на небо, словно вопрошая о том, какой жертвы от него потребуют. Картина полна обострённой тревоги, неотступных страшных предчувствий.
Как и большинство работ Чюрлёниса, «Жертвоприношение» хранится в Национальном художественном музее (Каунас), носящем с 1944-го года имя художника.
Особой проблемой является сохранность произведений Чюрлёниса, в том числе и «Жертвоприношения». В большинстве случаев художник писал пастелью и темперными красками. Он даже разработал собственную технику, при которой темпера сильно разводилась и наносилась слоями, подобно акварельным краскам. Работы, исполненные в подобной технике, к сожалению, очень уязвимы: на их состояние негативно влияют избыток света и перепады температур. Вот почему многие оригиналы Чюрлёниса не подлежат транспортировке и даже на самых серьезных выставках могут быть представлены лишь факсимильные копии картин художника. Первые факсимиле были заказаны ценителями творчества Чюрлениса еще в 1938-м. Сейчас качество репродукций год от года растёт. Так, например, итальянские факсимиле 1997 года считаются специалистами одними из лучших, поскольку наиболее полно передают мельчайшие особенности оригиналов.
@pic_history
#МикалоюсЧюрлёнис #МифологическаяСцена #Символизм
В центре полотна девять муз поют и танцуют под аккомпанемент лиры, на которой слева на картине, играет Аполлон. На вершине композиции картины расположены Марс и Венера и Купидон, который выпустил стрелу в мужа Венеры Вулкана, чтобы предупредить его о неверности жены.
Сложное, аллегорическое содержание картины заставляет зрителя вспомнить сложные хитросплетения греческой мифологии, а конкретно - тайный союз Афродиты с Аресом. Любовь и война, соединившись воедино, породили Страх и Ужас, Эрота и Гармонию. В ярости был супруг Афродиты Гефест, но сделать ничего не смог. Любовникам помогал извечный проказник Олимпа Гермес, да и Аполлон приложил руку к адюльтеру, дав Аресу и Афродите приют на Парнасе.
Всех участников этого неоднозначного происшествия мы видим на картине. Отстраненный Гермес придерживает крылатого Пегаса, готовый начать песню музы, привлеченные игрой Аполлона на кифаре. Вдали видна фигура взбешенного Гефеста, оставившего свою работу в кузнице. Венчают композицию сами виновники скандала: нежная и чувственная Афродита и мужественный, суровый Арес.
Работа перегружена символами и аллегориями, которые до сих пор не разгаданы. Колорит работы богат и разнообразен. Цветовой язык картины не менее интересен. А изображение постели рядом с главными героями, так и вовсе находится на грани приличия для 15 века.
@pic_history
#АндреаМантенья #Возрождение #МифологическаяСцена
Сложное, аллегорическое содержание картины заставляет зрителя вспомнить сложные хитросплетения греческой мифологии, а конкретно - тайный союз Афродиты с Аресом. Любовь и война, соединившись воедино, породили Страх и Ужас, Эрота и Гармонию. В ярости был супруг Афродиты Гефест, но сделать ничего не смог. Любовникам помогал извечный проказник Олимпа Гермес, да и Аполлон приложил руку к адюльтеру, дав Аресу и Афродите приют на Парнасе.
Всех участников этого неоднозначного происшествия мы видим на картине. Отстраненный Гермес придерживает крылатого Пегаса, готовый начать песню музы, привлеченные игрой Аполлона на кифаре. Вдали видна фигура взбешенного Гефеста, оставившего свою работу в кузнице. Венчают композицию сами виновники скандала: нежная и чувственная Афродита и мужественный, суровый Арес.
Работа перегружена символами и аллегориями, которые до сих пор не разгаданы. Колорит работы богат и разнообразен. Цветовой язык картины не менее интересен. А изображение постели рядом с главными героями, так и вовсе находится на грани приличия для 15 века.
@pic_history
#АндреаМантенья #Возрождение #МифологическаяСцена
"Эдип и Сфинкс"
1864 г.
Гюстав Моро
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
👀 Смотреть в высоком качестве
Художник-символист Гюстав Моро обращается в своей картине к древнегреческому мифу о том, как герой и царь Эдип встретил по дороге в Фивы Сфинкса - крылатое чудовище с телом льва и головой женщины, которое всем путникам задавало одну и ту же загадку: «Кто ходит утром на четырех ногах, днем на двух и вечером на трех?» Никто не мог дать ответа, и Сфинкс пожирал их, но Эдип догадался, что это человек в младенчестве, зрелом возрасте и в старости.
У Моро Сфинкс наделен головой прекрасной девушки, с грациозностью кошки он прыгает Эдипу на грудь, отчего вся сцена приобретает особый чувственный оттенок. Но герой смотрит на это существо с интересом и опасением: Сфинкс - воплощение природы, которая вечно задает человеку загадки, и кто знает, разгадает ли он их в очередной раз, а все-таки будет стремиться к познанию.
@pic_history
#ГюставМоро #МифологическаяСцена #Символизм
1864 г.
Гюстав Моро
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
👀 Смотреть в высоком качестве
Художник-символист Гюстав Моро обращается в своей картине к древнегреческому мифу о том, как герой и царь Эдип встретил по дороге в Фивы Сфинкса - крылатое чудовище с телом льва и головой женщины, которое всем путникам задавало одну и ту же загадку: «Кто ходит утром на четырех ногах, днем на двух и вечером на трех?» Никто не мог дать ответа, и Сфинкс пожирал их, но Эдип догадался, что это человек в младенчестве, зрелом возрасте и в старости.
У Моро Сфинкс наделен головой прекрасной девушки, с грациозностью кошки он прыгает Эдипу на грудь, отчего вся сцена приобретает особый чувственный оттенок. Но герой смотрит на это существо с интересом и опасением: Сфинкс - воплощение природы, которая вечно задает человеку загадки, и кто знает, разгадает ли он их в очередной раз, а все-таки будет стремиться к познанию.
@pic_history
#ГюставМоро #МифологическаяСцена #Символизм
"Суд Париса"
1528 г.
Лукас Кранах Старший
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
👀 Смотреть в высоком качестве
В основе картины Лукаса Кранаха Старшего (1472-1553), художника Северного Возрождения, лежит сюжет о том, как троянский царевич Парис выбирает прекраснейшую из богинь. Однако художник основывался не на греческом мифе, а на его обработке, представленной в романе «История разрушения Трои» Гвидо деле Колонне. У этого итальянского сочинителя XIII века Парис - королевский сын, который, заблудившись в лесу, уснул под деревом и увидел во сне явившихся ему трех красавиц-богинь - Геру, Афину и Афродиту и бога Гермеса, предложившего ему совершить свой суд и вручить яблоко победительнице.
У Кранаха Парис изображен рыцарем в латах, перед которым стоят три богини, обнаженные, с гибкими телами. Оттенок куртуазности, который несут в себе все произведения мастера, здесь выражен как самой трактовкой сюжета -рыцарь и дамы, так и жестами персонажей. Обычные для Кранаха яркие холодноватые краски и тщательно выписанные детали придают полотну декоративность.
@pic_history
#КранахСтарший #МифологическаяСцена #Возрождение
1528 г.
Лукас Кранах Старший
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
👀 Смотреть в высоком качестве
В основе картины Лукаса Кранаха Старшего (1472-1553), художника Северного Возрождения, лежит сюжет о том, как троянский царевич Парис выбирает прекраснейшую из богинь. Однако художник основывался не на греческом мифе, а на его обработке, представленной в романе «История разрушения Трои» Гвидо деле Колонне. У этого итальянского сочинителя XIII века Парис - королевский сын, который, заблудившись в лесу, уснул под деревом и увидел во сне явившихся ему трех красавиц-богинь - Геру, Афину и Афродиту и бога Гермеса, предложившего ему совершить свой суд и вручить яблоко победительнице.
У Кранаха Парис изображен рыцарем в латах, перед которым стоят три богини, обнаженные, с гибкими телами. Оттенок куртуазности, который несут в себе все произведения мастера, здесь выражен как самой трактовкой сюжета -рыцарь и дамы, так и жестами персонажей. Обычные для Кранаха яркие холодноватые краски и тщательно выписанные детали придают полотну декоративность.
@pic_history
#КранахСтарший #МифологическаяСцена #Возрождение
"Души на берегу Ахерона"
1898 г.
Адольф Хиреми-Хиршль
Нижний Бельведер, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
Одна из лучших картин практически забытого венгерского художника, который писал преимущественно на историческую и мифологическую тематику. Центральной фигурой является бог Гермес, во многих религиях ответственный за сопровождение душ умерших в иной мир. В греческой мифологии прозвище бога Гермеса — Психопомп. Его задачей было не свершение суда над умершим, а предоставление безопасного прохода душ умерших в Аид. Вероятно, на картине запечатлен период какой-то очередной войны: погибшие — в основном молодые люди в полном расцвете сил.
В древнегреческой мифологии Ахерон — одна из рек в подземном царстве. В десятой песне «Одиссеи» через нее Харон перевозил в челноке прибывшие тени умерших (по другой версии он перевозил их через Стикс). У ее ворот Геракл нашел Цербера. Из четырех рек Ахерон соответствует воздуху и югу. Считалось, что в Ахерон впадают две реки подземного царства Пирифлегетон (Флегетон) и Кокит/Кокитос (Коцит). Ахерон упоминается в «Энеиде» Вергилия, в «Фарсалии» Лукана и в «Метаморфозах» Овидия. Данте запечатлел его в стихе «Su la trista riviera dAcheronte» («На берегу печального Ахерона»).
@pic_history
#ХиремиХиршль #МифологическаяСцена
1898 г.
Адольф Хиреми-Хиршль
Нижний Бельведер, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
Одна из лучших картин практически забытого венгерского художника, который писал преимущественно на историческую и мифологическую тематику. Центральной фигурой является бог Гермес, во многих религиях ответственный за сопровождение душ умерших в иной мир. В греческой мифологии прозвище бога Гермеса — Психопомп. Его задачей было не свершение суда над умершим, а предоставление безопасного прохода душ умерших в Аид. Вероятно, на картине запечатлен период какой-то очередной войны: погибшие — в основном молодые люди в полном расцвете сил.
В древнегреческой мифологии Ахерон — одна из рек в подземном царстве. В десятой песне «Одиссеи» через нее Харон перевозил в челноке прибывшие тени умерших (по другой версии он перевозил их через Стикс). У ее ворот Геракл нашел Цербера. Из четырех рек Ахерон соответствует воздуху и югу. Считалось, что в Ахерон впадают две реки подземного царства Пирифлегетон (Флегетон) и Кокит/Кокитос (Коцит). Ахерон упоминается в «Энеиде» Вергилия, в «Фарсалии» Лукана и в «Метаморфозах» Овидия. Данте запечатлел его в стихе «Su la trista riviera dAcheronte» («На берегу печального Ахерона»).
@pic_history
#ХиремиХиршль #МифологическаяСцена
Её свадьбу с Кадмом почтили своим присутствием (впервые) все олимпийцы. Сам Аполлон играл на кифаре, Музы — на авлосах, другие же боги славословили счастливцев речами. Гермес подарил Гармонии лиру, Афродита (или Гефест, или Афина) — ожерелье, пеплос и авлосы, Деметра (которая возлегла с Иасионом в поле) — урожай пшеницы, а Электра — священные обряды Великой Матери богов с причитающимися этим обрядам кимвалами, тимпанами и весёлой свитой. Из всех свадебных даров Гармонии наибольшую известность обрело ожерелье (позже известное как Ожерелье Гармонии), принесшее ей (и всем позднейшим обладателям этого украшения) несчастье.
По Нонну, свадьба состоялась либо на Самофракии, либо у озера Тритониды. В Фивах показывали развалины брачного чертога Гармонии и место на площади, где на свадьбе пели Музы, а также три статуи Афродиты, бывшие посвятительным даром Гармонии и сделанные из деревянных украшений на носу корабля Кадма.
Позднее, уже в Иллирии, когда Кадм (по его собственной просьбе) был обращён богами в змея, Гармония в отчаянии сорвала с себя одежды и призвала супруга к себе. Кадм, обвив её нагое тело, лизал ей уста и ласкал грудь. Безутешная Гармония обратилась тогда к богам, дабы и её они превратили в змею, что и было исполнено.
@pic_history
#БатистПьерМари #МифологическаяСцена
По Нонну, свадьба состоялась либо на Самофракии, либо у озера Тритониды. В Фивах показывали развалины брачного чертога Гармонии и место на площади, где на свадьбе пели Музы, а также три статуи Афродиты, бывшие посвятительным даром Гармонии и сделанные из деревянных украшений на носу корабля Кадма.
Позднее, уже в Иллирии, когда Кадм (по его собственной просьбе) был обращён богами в змея, Гармония в отчаянии сорвала с себя одежды и призвала супруга к себе. Кадм, обвив её нагое тело, лизал ей уста и ласкал грудь. Безутешная Гармония обратилась тогда к богам, дабы и её они превратили в змею, что и было исполнено.
@pic_history
#БатистПьерМари #МифологическаяСцена
Антилопа была соблазнена Зевсом в облике сатира. {Забеременев от Зевса, явившегося к ней в образе сатира, Антиопа в страхе перед гневом отца бежала из Фив в Сикион, где стала женой царя Эпопея. Никтей перед смертью завещал своему брату Лику насильно вернуть Антиопу в Фивы. Лик отправился в поход на Сикион, убил Эпопея и привёл домой пленённую Антиопу, которая по дороге у подножия горы Киферон разрешилась двойней — Амфионом и Зетом (по приказу Лика они были брошены на произвол судьбы). Антиопа, терпевшая в течение многих лет притеснения со стороны Лика и особенно его супруги Дирки, однажды бежала из Фив и нашла своих сыновей, которых подобрал и воспитал пастух. Узнав мать и услышав о её страданиях, они пошли походом на Фивы, свергли Лика, а Дирку казнили, привязав её к рогам свирепого быка (Apollod. III 5, 5). По другой версии мифа, Дирка сама обнаружила бежавшую Антиопу и поручила Амфиону и Зету, которых она считала сыновьями пастуха, казнить эту женщину. Узнав от пастухов, что обречённая на казнь — их мать, Амфион и Зет освободили Антиопу, а к рогам привязали Дирку.
Встреча Антиопы с сыновьями и последующие события составляли сюжет трагедии Еврипида «Антиопа», сохранившейся фрагментарно. Гибель Дирки изображена в известной скульптурной группе «Фарнезский бык», выполненной скульпторами Аполлонием и Тавриском (середина 2 в. или середина 1 в. до н. э.) (римская копия греческого оригинала хранится в Национальном музее в Неаполе). К теме мифа об Антиопе обращались художники и скульпторы средневековья и нового времени.
Творчество Корреджо относится к этапу Высокого Возрождения, однако демонстрирует постепенное нарастание маньеристических черт. Виртуозность перспективной живописи сочетается у Корреджо с образной эмоциональностью, а диапазон художественных интонаций простирается от идиллической камерности до грандиозной пространственной всеохватности. Малоизвестный при жизни, Корреджо был почитаем мастерами барокко и основоположниками академизма братьями Карраччи.
@pic_history
#АнтониоКорреджо #МифологическаяСцена #Возрождение
Встреча Антиопы с сыновьями и последующие события составляли сюжет трагедии Еврипида «Антиопа», сохранившейся фрагментарно. Гибель Дирки изображена в известной скульптурной группе «Фарнезский бык», выполненной скульпторами Аполлонием и Тавриском (середина 2 в. или середина 1 в. до н. э.) (римская копия греческого оригинала хранится в Национальном музее в Неаполе). К теме мифа об Антиопе обращались художники и скульпторы средневековья и нового времени.
Творчество Корреджо относится к этапу Высокого Возрождения, однако демонстрирует постепенное нарастание маньеристических черт. Виртуозность перспективной живописи сочетается у Корреджо с образной эмоциональностью, а диапазон художественных интонаций простирается от идиллической камерности до грандиозной пространственной всеохватности. Малоизвестный при жизни, Корреджо был почитаем мастерами барокко и основоположниками академизма братьями Карраччи.
@pic_history
#АнтониоКорреджо #МифологическаяСцена #Возрождение