Картина «Всадница» была написана Карлом Брюлловым по заказу графини Юлии Самойловой в 1832 году. В каком городе это произошло?
Anonymous Quiz
18%
В Париже
41%
В Санкт-Петербурге
41%
В Милане
"Бордель"
Октябрь 1888 г.
Винсент Ван Гог
Фонд Барнса, Филадельфия.
Наверное, не будет преувеличением, если сказать, что Винсент Ван Гог был завсегдатаем борделей. В некоторые периоды жизни художника женщины легкого поведения были едва ли не единственными, к кому он мог обратиться в поисках поддержки и понимания. И получить их, пусть даже и за деньги. Частые визиты к проституткам, конечно, печальным образом сказались на состоянии здоровья Винсента, однако эти женщины зачастую помогали ему в работе, становясь его натурщицами. Картина «Бордель» была написана осенью 1888 года, когда Ван Гог жил в Арле. И, вероятнее всего, работница именно этого заведения сыграла немаловажную роль в судьбе художника.
Как известно, в истории с отрезанным ухом Ван Гога фигурировала некая проститутка Рошель, которой художник то ли отправил, то ли даже лично принес свой кровавый «презент». Существует мнение, что эта женщина была главной причиной размолвки двух художников, поскольку Винсент испытывал к Рошель нежную привязанность, а любвеобильный Гоген этим пренебрег. Возможно, с помощью такого экстравагантного подарка Ван Гог хотел продемонстрировать женщине всю глубину своих чувств.
Можно предположить, что на картине «Бордель» изображено то самое место, где работала Рошель, ведь Арль все же был маленьким городом, и подобных заведений в нем вряд ли было много. С помощью довольно скупых выразительных средств Ван Гогу удалось передать интимную и немного зловещую атмосферу, царящую в борделе. В одном из писем Тео, рассказывая о другом своем полотне – «Ночное кафе» - художник пишет, что хотел «выразить пагубную страсть, которая движет людьми, с помощью красного и зеленого цвета». Но если в «Ночном кафе» преобладал красный цвет, то здесь первую скрипку играет зеленый. Словно постепенно наступающие сумерки, этот цвет поглощает картины на стенах, столики и одежду героев, превращает лица в лишенные индивидуальности маски. Остаются только яркие детали, не поддающиеся этой обезличивающей «болотистой» атмосфере – вроде золотисто-теплой лампы на стене или ярко-красного мазка губ женщины на переднем плане.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Октябрь 1888 г.
Винсент Ван Гог
Фонд Барнса, Филадельфия.
Наверное, не будет преувеличением, если сказать, что Винсент Ван Гог был завсегдатаем борделей. В некоторые периоды жизни художника женщины легкого поведения были едва ли не единственными, к кому он мог обратиться в поисках поддержки и понимания. И получить их, пусть даже и за деньги. Частые визиты к проституткам, конечно, печальным образом сказались на состоянии здоровья Винсента, однако эти женщины зачастую помогали ему в работе, становясь его натурщицами. Картина «Бордель» была написана осенью 1888 года, когда Ван Гог жил в Арле. И, вероятнее всего, работница именно этого заведения сыграла немаловажную роль в судьбе художника.
Как известно, в истории с отрезанным ухом Ван Гога фигурировала некая проститутка Рошель, которой художник то ли отправил, то ли даже лично принес свой кровавый «презент». Существует мнение, что эта женщина была главной причиной размолвки двух художников, поскольку Винсент испытывал к Рошель нежную привязанность, а любвеобильный Гоген этим пренебрег. Возможно, с помощью такого экстравагантного подарка Ван Гог хотел продемонстрировать женщине всю глубину своих чувств.
Можно предположить, что на картине «Бордель» изображено то самое место, где работала Рошель, ведь Арль все же был маленьким городом, и подобных заведений в нем вряд ли было много. С помощью довольно скупых выразительных средств Ван Гогу удалось передать интимную и немного зловещую атмосферу, царящую в борделе. В одном из писем Тео, рассказывая о другом своем полотне – «Ночное кафе» - художник пишет, что хотел «выразить пагубную страсть, которая движет людьми, с помощью красного и зеленого цвета». Но если в «Ночном кафе» преобладал красный цвет, то здесь первую скрипку играет зеленый. Словно постепенно наступающие сумерки, этот цвет поглощает картины на стенах, столики и одежду героев, превращает лица в лишенные индивидуальности маски. Остаются только яркие детали, не поддающиеся этой обезличивающей «болотистой» атмосфере – вроде золотисто-теплой лампы на стене или ярко-красного мазка губ женщины на переднем плане.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Как изначально называлась картина Васнецова «Алёнушка»?
Anonymous Quiz
14%
«Дурочка Алёнушка»
47%
«Сирота»
39%
«Алёнушка на пруду»
"Автопортрет с обезьянкой"
1940 г.
Фрида Кало
Творчество Фриды Кало, одной из самых эпатажных художниц ХХ столетия, привлекает внимание ценителей искусства своей самобытностью и игрой красок. Нелегкая судьба Фриды наложила отпечаток не только на ее манеру рисования, но и на выбор сюжетов для картин. После страшной автокатастрофы, надолго приковавшей ее к постели, Кало принимает решение обучиться изобразительному искусству. Свои картины она писала на подрамнике, который крепился к кровати.
Излюбленным жанром Фриды стал автопортрет: подолгу разглядывая себя в зеркале и анализируя собственные физические и душевные страдания, она переносила увиденное на холст. Так появилась картина Фриды Кало «Автопортрет с обезьянкой», с описанием которой мы предлагаем вам познакомиться.
На полотне изображена молодая женщина с обезьянкой, выглядывающей из-за ее правого плеча. Фоном для моделей служат густые заросли кустарника с крупными темно-зелеными листьями. Можно предположить, что «Автопортрет с обезьянкой» — это скорее парадная картина, так как себя Фрида Кало нарисовала в нарядной одежде, украшенной золотой каймой. Выражение лица женщины строгое и торжественное, взгляд обращен на зрителя, но при этом устремлен внутрь себя. Ее роскошные черные волосы уложены в причудливую прическу, которую украшает ярко-красная лента, словно оберег обвившаяся вокруг шеи Фриды и связывающая ее с обезьянкой. Животное обхватило свою хозяйку лапками, будто ища у нее защиты.
В картине Фриды Кало «Автопортрет с обезьянкой», как и в других произведениях этой художницы, есть свой символизм. Спустя 2 года после аварии она познакомилась с известным художником Диего Риверой, который был старшее ее почти в два раза. Их отношения были очень сложными: Ривера часто отсутствовал дома, давая Фриде поводы для ревности. Свои душевные терзания художница выплескивала на холст, изображая себя в окружении домашних любимцев — обезьянки Чангито и собачки Сеньора Ксолотля. Лента, украшающая прическу и тянущаяся к животным, символизировала не только связь между ними и хозяйкой, соединяя их вместе, но и подчеркивала одиночество Фриды Кало.
«Автопортрет с обезьянкой», написанный в 1940 году в жанре фолк-арт, — одно из таких полотен, повествующих зрителю об одинокой, но так и не утратившей силу духа женщине. Искусствоведы, поклонники таланта художницы и истинные знатоки искусства считают эту картину одним из лучших автопортретов Кало, созданных ею в зрелый период творчества.
#ФридаКало #Портрет
@pic_history
1940 г.
Фрида Кало
Творчество Фриды Кало, одной из самых эпатажных художниц ХХ столетия, привлекает внимание ценителей искусства своей самобытностью и игрой красок. Нелегкая судьба Фриды наложила отпечаток не только на ее манеру рисования, но и на выбор сюжетов для картин. После страшной автокатастрофы, надолго приковавшей ее к постели, Кало принимает решение обучиться изобразительному искусству. Свои картины она писала на подрамнике, который крепился к кровати.
Излюбленным жанром Фриды стал автопортрет: подолгу разглядывая себя в зеркале и анализируя собственные физические и душевные страдания, она переносила увиденное на холст. Так появилась картина Фриды Кало «Автопортрет с обезьянкой», с описанием которой мы предлагаем вам познакомиться.
На полотне изображена молодая женщина с обезьянкой, выглядывающей из-за ее правого плеча. Фоном для моделей служат густые заросли кустарника с крупными темно-зелеными листьями. Можно предположить, что «Автопортрет с обезьянкой» — это скорее парадная картина, так как себя Фрида Кало нарисовала в нарядной одежде, украшенной золотой каймой. Выражение лица женщины строгое и торжественное, взгляд обращен на зрителя, но при этом устремлен внутрь себя. Ее роскошные черные волосы уложены в причудливую прическу, которую украшает ярко-красная лента, словно оберег обвившаяся вокруг шеи Фриды и связывающая ее с обезьянкой. Животное обхватило свою хозяйку лапками, будто ища у нее защиты.
В картине Фриды Кало «Автопортрет с обезьянкой», как и в других произведениях этой художницы, есть свой символизм. Спустя 2 года после аварии она познакомилась с известным художником Диего Риверой, который был старшее ее почти в два раза. Их отношения были очень сложными: Ривера часто отсутствовал дома, давая Фриде поводы для ревности. Свои душевные терзания художница выплескивала на холст, изображая себя в окружении домашних любимцев — обезьянки Чангито и собачки Сеньора Ксолотля. Лента, украшающая прическу и тянущаяся к животным, символизировала не только связь между ними и хозяйкой, соединяя их вместе, но и подчеркивала одиночество Фриды Кало.
«Автопортрет с обезьянкой», написанный в 1940 году в жанре фолк-арт, — одно из таких полотен, повествующих зрителю об одинокой, но так и не утратившей силу духа женщине. Искусствоведы, поклонники таланта художницы и истинные знатоки искусства считают эту картину одним из лучших автопортретов Кало, созданных ею в зрелый период творчества.
#ФридаКало #Портрет
@pic_history
На улицах какого города происходят события картины Василия Перова «Тройка»?
Anonymous Quiz
39%
Москва
20%
Санкт-Петербург
41%
Новгород
"Автопортрет с подсолнухом"
1632 г.
Антонис ван Дейк
Частная коллекция.
«Автопортрет с подсолнухом» (ок. 1633) – один из самых запоминающихся в творчестве Антониса ван Дейка. В этой картине есть несколько интересных аспектов, которые отличают её от других «селфи» художника.
Ещё с 14-летнего возраста Ван Дейк любил изображать себя глядящим на зрителей из-за плеча, будто удивлённый их присутствием. Одной рукой художник указывает на себя, выставляя напоказ золотую цепь, недавно дарованную высочайшим покровителем – английским королём Карлом I. Палец другой руки остановился на большом подсолнухе, который словно повторяет позу живописца. И человек, и растение выглядят полными жизни: взъерошенные волосы и густые лепестки хорошо подчёркнуты изменчивым светом и окружающей неспокойной атмосферой.
Искусствоведы давно признали, что в этой картине переплетены две темы. Ван Дейк представляет себя идеальным придворным, чья преданность монарху уподобляется природной склонности подсолнуха следовать по пути солнца. В то же время он подводит зрителя к мысли о том, что живопись – это благородное искусство.
Автор книги «Взгляд Ван Дейка» Джон Пикок развивает эти темы, исследуя культурную среду, в которой была создана картина. В частности, он утверждает, что в «Автопортрете» тонко соединены восприятие как реального мира, так и его трансцендентных – то есть недоступных опытному познанию – истин. Такая неоплатоническая идея была центральной доктриной двора Карла I, хорошо подходящей для абсолютизма, который наделял монарха непогрешимой божественной властью.
Карл I и Ван Дейк в чём-то походили друг на друга – оба невысокие, болезненные, но при этом в высшей степени амбициозные. Монарх стремился сосредоточить в своих руках всю полноту власти и объединить Британию под знаком общей религии. Он был буквально одержим идеей заполучить фламандского гения в придворные художники – и когда тот приехал в Лондон в 1632 году, был просто осыпан милостями. Многочисленные королевские заказы, три комнаты во дворце, немалое денежное содержание в 200 фунтов стерлингов, поместье на Темзе и, наконец, знак высочайшей благосклонности – титул рыцаря. Демонстрируя золотую цепь на шее, Ван Дейк напрямую хвастает своим дворянством. Взгляд, который на «Автопортрете с подсолнухом» движется снизу вверх, может означать одновременно и продвижение художника по социальной иерархии, и символ познания божественного.
Нарциссизм, как свидетельствуют историки, был одной из черт характера Ван Дейка. В отличие от Рембрандта, для которого написание собственных образов было вопросом самопознания и практики, придворный художник Карла I явно любовался собой.
Вместе с тем, Джон Пикок считает, что цепь – не только буквальный знак королевской милости и расположения, но и сочетание двух хорошо узнаваемых мотивов. Это Золотая цепь Гомера, иллюстрирующая связи между царствами земным и божественным, и кольца Платона, которые символизировали энергию вдохновения, охватывающую космос. По словам исследователя, такая иконография, основанная на неоплатонической идее о Вселенной, построенной в виде связанной иерархии, была распространена при дворе Стюартов.
Ещё один объект, на котором стоит остановиться подробнее – подсолнух. То, как Ван Дейк трактует растение, соответствует описаниям в текстах о травах и лекарствах, появившихся вскоре после завоза цветка в Европу в XVI веке. Благодаря яркому внешнему виду и свойству поворачиваться вслед за дневным светилом подсолнух стали широко использовать на геральдических знаках и эмблемах. Цветок быстро наделили человеческой формой и лицом, чувствами и даром зрения – особенно в трактовке иезуитов. Они отождествляли его с человеческой душой, чья любовь к Богу заставляет её обращаться к божественному сиянию.
1632 г.
Антонис ван Дейк
Частная коллекция.
«Автопортрет с подсолнухом» (ок. 1633) – один из самых запоминающихся в творчестве Антониса ван Дейка. В этой картине есть несколько интересных аспектов, которые отличают её от других «селфи» художника.
Ещё с 14-летнего возраста Ван Дейк любил изображать себя глядящим на зрителей из-за плеча, будто удивлённый их присутствием. Одной рукой художник указывает на себя, выставляя напоказ золотую цепь, недавно дарованную высочайшим покровителем – английским королём Карлом I. Палец другой руки остановился на большом подсолнухе, который словно повторяет позу живописца. И человек, и растение выглядят полными жизни: взъерошенные волосы и густые лепестки хорошо подчёркнуты изменчивым светом и окружающей неспокойной атмосферой.
Искусствоведы давно признали, что в этой картине переплетены две темы. Ван Дейк представляет себя идеальным придворным, чья преданность монарху уподобляется природной склонности подсолнуха следовать по пути солнца. В то же время он подводит зрителя к мысли о том, что живопись – это благородное искусство.
Автор книги «Взгляд Ван Дейка» Джон Пикок развивает эти темы, исследуя культурную среду, в которой была создана картина. В частности, он утверждает, что в «Автопортрете» тонко соединены восприятие как реального мира, так и его трансцендентных – то есть недоступных опытному познанию – истин. Такая неоплатоническая идея была центральной доктриной двора Карла I, хорошо подходящей для абсолютизма, который наделял монарха непогрешимой божественной властью.
Карл I и Ван Дейк в чём-то походили друг на друга – оба невысокие, болезненные, но при этом в высшей степени амбициозные. Монарх стремился сосредоточить в своих руках всю полноту власти и объединить Британию под знаком общей религии. Он был буквально одержим идеей заполучить фламандского гения в придворные художники – и когда тот приехал в Лондон в 1632 году, был просто осыпан милостями. Многочисленные королевские заказы, три комнаты во дворце, немалое денежное содержание в 200 фунтов стерлингов, поместье на Темзе и, наконец, знак высочайшей благосклонности – титул рыцаря. Демонстрируя золотую цепь на шее, Ван Дейк напрямую хвастает своим дворянством. Взгляд, который на «Автопортрете с подсолнухом» движется снизу вверх, может означать одновременно и продвижение художника по социальной иерархии, и символ познания божественного.
Нарциссизм, как свидетельствуют историки, был одной из черт характера Ван Дейка. В отличие от Рембрандта, для которого написание собственных образов было вопросом самопознания и практики, придворный художник Карла I явно любовался собой.
Вместе с тем, Джон Пикок считает, что цепь – не только буквальный знак королевской милости и расположения, но и сочетание двух хорошо узнаваемых мотивов. Это Золотая цепь Гомера, иллюстрирующая связи между царствами земным и божественным, и кольца Платона, которые символизировали энергию вдохновения, охватывающую космос. По словам исследователя, такая иконография, основанная на неоплатонической идее о Вселенной, построенной в виде связанной иерархии, была распространена при дворе Стюартов.
Ещё один объект, на котором стоит остановиться подробнее – подсолнух. То, как Ван Дейк трактует растение, соответствует описаниям в текстах о травах и лекарствах, появившихся вскоре после завоза цветка в Европу в XVI веке. Благодаря яркому внешнему виду и свойству поворачиваться вслед за дневным светилом подсолнух стали широко использовать на геральдических знаках и эмблемах. Цветок быстро наделили человеческой формой и лицом, чувствами и даром зрения – особенно в трактовке иезуитов. Они отождествляли его с человеческой душой, чья любовь к Богу заставляет её обращаться к божественному сиянию.
Подсолнух сопровождает героя ещё одного портрета кисти Ван Дейка. Этот цветок художник изобразил рядом с сэром Кенельмом Дигби – своим другом, «виртуозом» философии и естествознания, а также членом-основателем Королевского общества. Пикок рассматривает множество тем, которые объединяют эти две картины. Сравнивая «Автопортрет» и «Портрет Кенельма Дигби», он убедительно показывает, что Ван Дейк был не только знаком с современными ему рассуждениями об искусстве, красоте, знаниях и понятиях идеального придворного. Он был способен развернуть и передать переплетающиеся послания в контексте свои образов. Живописец переформулировал аргумент XVII века о том, что благородство искусства основывается на интеллектуальных навыках, подчеркнув его трансцендентные цели. В этом автопортрете Ван Дейк демонстрирует цели искусства, а не средства.
«Автопортрет с подсолнухом» Антониса ван Дейка входит в частное собрание герцогов Вестминстерских. Этот аристократический дом с 2016 года возглавляет Хью Гросвенор, 7-й герцог Вестминстер – самый молодой миллиардер Великобритании (25 лет на момент унаследования титула) и крёстный отец принца Джорджа Кембриджского, правнука королевы Елизаветы II.
#АнтонисВанДейк #Портрет #Барокко
@pic_history
«Автопортрет с подсолнухом» Антониса ван Дейка входит в частное собрание герцогов Вестминстерских. Этот аристократический дом с 2016 года возглавляет Хью Гросвенор, 7-й герцог Вестминстер – самый молодой миллиардер Великобритании (25 лет на момент унаследования титула) и крёстный отец принца Джорджа Кембриджского, правнука королевы Елизаветы II.
#АнтонисВанДейк #Портрет #Барокко
@pic_history
Forwarded from GIS for YOU
Карты как искусство 2.0
Мы подумали (во второй раз) и решили порадовать Вас нашим спецпроектом «Карты как искусство» к международному дню географических информационных систем (ГИС).
Мы сравниваем работу аналитических и геоинформационных систем с известными произведениями искусства. Правильно будет сказать - смотрим на результаты сбора, анализа и визуализации пространственных и других типов данных в художественной форме.
⚡️Приглашаем на виртуальную выставку:
Мы подумали (во второй раз) и решили порадовать Вас нашим спецпроектом «Карты как искусство» к международному дню географических информационных систем (ГИС).
Мы сравниваем работу аналитических и геоинформационных систем с известными произведениями искусства. Правильно будет сказать - смотрим на результаты сбора, анализа и визуализации пространственных и других типов данных в художественной форме.
⚡️Приглашаем на виртуальную выставку:
Telegraph
Карты как искусство 2.0
Мы подумали (во второй раз) и решили порадовать Вас нашим спецпроектом «Карты как искусство» к международному дню географических информационных систем (ГИС). Мы сравниваем работу аналитических и геоинформационных систем с известными произведениями искусства.…