Забрать заказ — это как сходить на выставку или в музей, ведь теперь в пунктах выдачи Ozon можно увидеть работы лучших городских художников!
Арт-проект Ozon Ballon предлагает художникам и просто творческим личностям найти свою аудиторию и получить яркий проект в своё портфолио!
Принимается любой вид искусства: мозаика, классическая роспись или даже инсталляция! Работа должна быть визуально связана с брендом.
С тебя дизайн стены, с Ozon — материалы и инструменты. Работы победителей разместят на сайте проекта и в социальных сетях. Каждый финалист получает сертификат для покупок на Ozon и возможность подключения в специальные проекты.
Почитать о проекте и подать заявку на участие
Арт-проект Ozon Ballon предлагает художникам и просто творческим личностям найти свою аудиторию и получить яркий проект в своё портфолио!
Принимается любой вид искусства: мозаика, классическая роспись или даже инсталляция! Работа должна быть визуально связана с брендом.
С тебя дизайн стены, с Ozon — материалы и инструменты. Работы победителей разместят на сайте проекта и в социальных сетях. Каждый финалист получает сертификат для покупок на Ozon и возможность подключения в специальные проекты.
Почитать о проекте и подать заявку на участие
"Вампир"
1895 г.
Эдвард Мунк
Музей Мунка, Осло.
Первоначальное название картины «Любовь и боль» - гораздо тоньше отражает ее настроение. «Вампир» звучит как приговор, без вариантов. Автор этого более позднего названия – друг художника Станислав Пшибышевский. На самом же деле полотно живет гораздо более сложной жизнью.
Невозможно однозначно сказать о сюжетной составляющей картины, да это и нелогично по отношению к Мунку. Не важно, в каких там отношениях находятся изображенные мужчина и женщина, важно прожить вместе с ними весь спектр противоположных, противоречивых и сложных переживаний: отчаянье, страх, наслаждение, жалость, нежность, поглощение, насыщение и так далее, до бесконечности.
«Вампир», как и большинство картин Мунка, является частью огромного «Фриза жизни» и отвечает в этой симфонии за очень сокровенную грань человеческого бытия. Мунк всегда был уверен, что женщина истощает мужчину, лишает его внутренних сил и свободы. Ни один бурный роман не смог убедить его в обратном. При этом именно любовные переживания занимают центральное место во «Фризе жизни».
Вариантов картины художник оставил достаточно для того, чтобы она успела побывать и в частных коллекциях, и на известных аукционах, и в государственных музеях, и в руках похитителей.
В 1988 году картину украли из Музея Мунка, причем один из похитителей тоже попал под нешуточное воздействие норвежского гения. Спустя полгода «Вампира» нашли, похитителя Пала Энгера упекли в тюрьму, но он не успокоился и спустя 8 лет снова пришел за Мунком, только теперь уже за «Криком» в Национальную галерею.
#ЭдвардМунк #Экспрессионизм
@pic_history
1895 г.
Эдвард Мунк
Музей Мунка, Осло.
Первоначальное название картины «Любовь и боль» - гораздо тоньше отражает ее настроение. «Вампир» звучит как приговор, без вариантов. Автор этого более позднего названия – друг художника Станислав Пшибышевский. На самом же деле полотно живет гораздо более сложной жизнью.
Невозможно однозначно сказать о сюжетной составляющей картины, да это и нелогично по отношению к Мунку. Не важно, в каких там отношениях находятся изображенные мужчина и женщина, важно прожить вместе с ними весь спектр противоположных, противоречивых и сложных переживаний: отчаянье, страх, наслаждение, жалость, нежность, поглощение, насыщение и так далее, до бесконечности.
«Вампир», как и большинство картин Мунка, является частью огромного «Фриза жизни» и отвечает в этой симфонии за очень сокровенную грань человеческого бытия. Мунк всегда был уверен, что женщина истощает мужчину, лишает его внутренних сил и свободы. Ни один бурный роман не смог убедить его в обратном. При этом именно любовные переживания занимают центральное место во «Фризе жизни».
Вариантов картины художник оставил достаточно для того, чтобы она успела побывать и в частных коллекциях, и на известных аукционах, и в государственных музеях, и в руках похитителей.
В 1988 году картину украли из Музея Мунка, причем один из похитителей тоже попал под нешуточное воздействие норвежского гения. Спустя полгода «Вампира» нашли, похитителя Пала Энгера упекли в тюрьму, но он не успокоился и спустя 8 лет снова пришел за Мунком, только теперь уже за «Криком» в Национальную галерею.
#ЭдвардМунк #Экспрессионизм
@pic_history
Одиннадцатилетняя дочь какого русского мецената изображена на картине Валентина Серова «Девочка с персиками»?
Anonymous Quiz
73%
Саввы Мамонтова
21%
Павла Третьякова
5%
Алексея Бахрушина
"Сон"
1910 г.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
«Сон» Кузьмы Петрова-Водкина поднял в Петербурге волну отчаянных споров, которые не утихали несколько лет. Илья Репин был оскорблен картиной настолько, что написал письмо в редакцию газеты «Биржевые ведомости», поместил юного выскочку в позорную компанию с Гогеном и Матиссом и обвинил в рабском подражании западным влияниям. Псевдонимы, анонимы, насмешники один за другим публиковали статьи и сыпали остротами: «…кирпичный юноша спит, а перед ним стоят две женщины - одна лилового цвета, другая тоже кирпичного. Бедный, когда он проснется!» Александр Бенуа не считал картину лучшей, но ценил в ней цветовой аккорд. Споры постепенно перемещались с фигуры молодого художника и его скандальной картины на разговоры об искусстве вообще и об искусстве в России. А Петров-Водкин понимал, что каждая новая работа, которую он теперь решится представить публике, будет пристально высматриваться из обоих враждующих лагерей. Можно не сомневаться, дозорные глаз не сводят и оповестят о любом признаке художественного неспокойствия.
И каждый писавший о «Сне», конечно, пытался его трактовать в символическом ключе.
Безжизненный, опустошенный пейзаж с тревожным вулканом, фигура юноши, спящего в страшно неудобной позе прямо на голых камнях, две обнаженные женские фигуры, очевидно отличающиеся выражением лиц, поз, наконец, цветом кожи. Истоки композиции находили в «Сне рыцаря» Рафаэля - и это не случайное направление поиска. Петров-Водкин успел насмотреться на живопись итальянского Возрождения, пожить в Париже, дослушать «усталые, прекрасно начатые, песни Гогена и Сезанна», успел поучиться в Мюнхене с Кандинским, успел, наконец, разозлиться на все Дворцы искусств, которые так ловко оторвали его от земли и унесли в умозрительные поиски. Молился в ночной африканской пустыне о том, чтоб вселенная приняла его назад, раскрыла глаза и сердце для своих тайн.
Вернувшись из художественных и мистических паломничеств, Петров-Водкин и пишет почти сразу «Сон». И с его слов, скорее всего, Александр Бенуа будет объяснять смысл сюжета так: «На обновленной земле спит человеческий гений, поэтическое сознание. Пробуждение его стерегут две богини, вечно сопутствующие творчеству. Розовая, юная, робкая, болезненная Красота и крепкое, смуглое, здоровое Уродство. В их объятиях, в их общении гений найдет полноту понимания жизни, смысл вещей». Это толкование стало каноническим - до такой степени, что данное самим художником объяснение критики считают выдумкой и позднейшей мистификацией. Говорят, придумал Петров-Водкин, талантливый литератор, картине пророческий смысл задним числом. Неудивительно, что после потрясений войны и революции художнику смысл картины казался совсем другим: он уже видел в собственной юношеской работе моральный и политический анабиоз, паралич, в котором пребывало общество после 1905 года, состояние ожидания, застоя, оцепенения.
Символическая, философская картина, не связанная названием с именами действующих лиц, и не должна трактоваться однозначно. В ней возможны все смыслы, которые отыщет критик и зритель - произведение живое, меняется и откликается на эмоции и переживания новых людей, доживших до пророческих перемен. Любое предрассветное состояние, любое крепкое забвение, бездействие накануне пробуждения и обретения истины, полноты мира, неизбежно сложного выбора - все подойдет.
#ПетровВодкин #Модерн
@pic_history
1910 г.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
«Сон» Кузьмы Петрова-Водкина поднял в Петербурге волну отчаянных споров, которые не утихали несколько лет. Илья Репин был оскорблен картиной настолько, что написал письмо в редакцию газеты «Биржевые ведомости», поместил юного выскочку в позорную компанию с Гогеном и Матиссом и обвинил в рабском подражании западным влияниям. Псевдонимы, анонимы, насмешники один за другим публиковали статьи и сыпали остротами: «…кирпичный юноша спит, а перед ним стоят две женщины - одна лилового цвета, другая тоже кирпичного. Бедный, когда он проснется!» Александр Бенуа не считал картину лучшей, но ценил в ней цветовой аккорд. Споры постепенно перемещались с фигуры молодого художника и его скандальной картины на разговоры об искусстве вообще и об искусстве в России. А Петров-Водкин понимал, что каждая новая работа, которую он теперь решится представить публике, будет пристально высматриваться из обоих враждующих лагерей. Можно не сомневаться, дозорные глаз не сводят и оповестят о любом признаке художественного неспокойствия.
И каждый писавший о «Сне», конечно, пытался его трактовать в символическом ключе.
Безжизненный, опустошенный пейзаж с тревожным вулканом, фигура юноши, спящего в страшно неудобной позе прямо на голых камнях, две обнаженные женские фигуры, очевидно отличающиеся выражением лиц, поз, наконец, цветом кожи. Истоки композиции находили в «Сне рыцаря» Рафаэля - и это не случайное направление поиска. Петров-Водкин успел насмотреться на живопись итальянского Возрождения, пожить в Париже, дослушать «усталые, прекрасно начатые, песни Гогена и Сезанна», успел поучиться в Мюнхене с Кандинским, успел, наконец, разозлиться на все Дворцы искусств, которые так ловко оторвали его от земли и унесли в умозрительные поиски. Молился в ночной африканской пустыне о том, чтоб вселенная приняла его назад, раскрыла глаза и сердце для своих тайн.
Вернувшись из художественных и мистических паломничеств, Петров-Водкин и пишет почти сразу «Сон». И с его слов, скорее всего, Александр Бенуа будет объяснять смысл сюжета так: «На обновленной земле спит человеческий гений, поэтическое сознание. Пробуждение его стерегут две богини, вечно сопутствующие творчеству. Розовая, юная, робкая, болезненная Красота и крепкое, смуглое, здоровое Уродство. В их объятиях, в их общении гений найдет полноту понимания жизни, смысл вещей». Это толкование стало каноническим - до такой степени, что данное самим художником объяснение критики считают выдумкой и позднейшей мистификацией. Говорят, придумал Петров-Водкин, талантливый литератор, картине пророческий смысл задним числом. Неудивительно, что после потрясений войны и революции художнику смысл картины казался совсем другим: он уже видел в собственной юношеской работе моральный и политический анабиоз, паралич, в котором пребывало общество после 1905 года, состояние ожидания, застоя, оцепенения.
Символическая, философская картина, не связанная названием с именами действующих лиц, и не должна трактоваться однозначно. В ней возможны все смыслы, которые отыщет критик и зритель - произведение живое, меняется и откликается на эмоции и переживания новых людей, доживших до пророческих перемен. Любое предрассветное состояние, любое крепкое забвение, бездействие накануне пробуждения и обретения истины, полноты мира, неизбежно сложного выбора - все подойдет.
#ПетровВодкин #Модерн
@pic_history
Стало известно, что через несколько лет Музей «Гараж» откроет новое выставочное пространство! Он расположится в павильоне «Шестигранник» в Парке Горького, которое восстановит архитектурное бюро SANAA.
Тесная связь «Гаража» с объектами архитектурного наследия неслучайна — ни одно из зданий Музея не было построено специально. Его первое здание, Бахметьевский гараж, — бывший автобусный парк, нынешнее — здание бывшего ресторана «Времена Года». Не будем забывать и про временный выставочный павильон от Шигеру Бана, и про временные здания летнего кинотеатра на площади Искусств.
Вот как «Шестигранник» выглядел в прошлом и как он будет выглядеть через несколько лет. Обещают, что это не просто еще одно физическое здание, а, скорее, переосмысление пространства и города, и современного музея.
Подробнее о проекте на сайте Музея.
Тесная связь «Гаража» с объектами архитектурного наследия неслучайна — ни одно из зданий Музея не было построено специально. Его первое здание, Бахметьевский гараж, — бывший автобусный парк, нынешнее — здание бывшего ресторана «Времена Года». Не будем забывать и про временный выставочный павильон от Шигеру Бана, и про временные здания летнего кинотеатра на площади Искусств.
Вот как «Шестигранник» выглядел в прошлом и как он будет выглядеть через несколько лет. Обещают, что это не просто еще одно физическое здание, а, скорее, переосмысление пространства и города, и современного музея.
Подробнее о проекте на сайте Музея.
Сколько существует вариантов картины «Охотники на привале», которые хранятся в разных музеях России и Украины?
Anonymous Quiz
26%
Две
44%
Три
30%
Семь
"Ночное кафе"
Сентябрь 1888 г.
Винсент Ван Гог
Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен.
Картина Винсента Ван Гога «Ночное кафе» отсылает нас к другой его работе с похожим названием – «Ночное кафе в Арле». И, несмотря на то, что два этих полотна были написаны в один и тот же период (более того – в один месяц), они абсолютно, почти диаметрально разные по настроению. Одна из самых знаменитых работ Винсента с летней террасой под звездами пронизана ощущением безмятежности и спокойствия: теплый желтый и оранжевый свет в окнах, чистое высокое небо, прогуливающиеся по улице и сидящие за столиками люди… А в этом «Ночном кафе» картина совсем иная.
Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на интерьер кафе направлен сверху вниз, а перспектива намеренно искажена. Висящие на стене часы показывают начало первого ночи: в это время в подобном заведении едва ли можно было встретить приличную публику. В отличие от людей за столиками летней террасы, некоторые из здешних посетителей, похоже, уснули на месте, выпив лишнего. Да и вся эта сцена выглядит так, будто бы мы смотрим на нее глазами весьма нетрезвого человека. Стены окружают со всех сторон, давят и не дают дышать, и в то же время как будто «разъезжаются».
Но самое главное, что отличает эти две картины – цветовая гамма, которая задает настроение. Несмотря на типичное для арльских работ Ван Гога обилие желтого и ореолы света вокруг ламп, «Ночное кафе» лишено ощущения уюта и спокойствия. В письме брату Винсент писал об этой картине так: «Я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цветов». На самом деле красный цвет довольно редко становился доминирующим в работах художника. И похожий грязноватый кровавый оттенок в следующий раз станет фоном для его «Автопортрета с перевязанным ухом и трубкой». Существует и второй вариант «Ночного кафе», в котором изображение еще более плоское, а цвета – еще более ядовитые.
В «Ночном кафе» Винсент изобразил реально существовавший интерьер маленького привокзального заведения, принадлежавшего супругам Жино. Художник снимал у них комнату, когда только поселился в Арле, и позже написал портреты обоих. Мадам Жино и ее сурового супруга уговорил позировать присоединившийся к Ван Гогу Поль Гоген. И хотя художники работали над портретами мадам Жино одновременно, готовые полотна оказались очень разными. У Ван Гога хозяйка кафе стала воплощением некоего светлого образа задумчивой прекрасной дамы. Гоген же не упустил случая немного поиздеваться над другом и соперником: зная, что Винсенту сложно писать «из головы», он по памяти воспроизвел интерьер кафе, использовал те же красные и зеленые оттенки и поместил на передний план мадам Жино, придав ее образу оттенок порочности.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Сентябрь 1888 г.
Винсент Ван Гог
Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен.
Картина Винсента Ван Гога «Ночное кафе» отсылает нас к другой его работе с похожим названием – «Ночное кафе в Арле». И, несмотря на то, что два этих полотна были написаны в один и тот же период (более того – в один месяц), они абсолютно, почти диаметрально разные по настроению. Одна из самых знаменитых работ Винсента с летней террасой под звездами пронизана ощущением безмятежности и спокойствия: теплый желтый и оранжевый свет в окнах, чистое высокое небо, прогуливающиеся по улице и сидящие за столиками люди… А в этом «Ночном кафе» картина совсем иная.
Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на интерьер кафе направлен сверху вниз, а перспектива намеренно искажена. Висящие на стене часы показывают начало первого ночи: в это время в подобном заведении едва ли можно было встретить приличную публику. В отличие от людей за столиками летней террасы, некоторые из здешних посетителей, похоже, уснули на месте, выпив лишнего. Да и вся эта сцена выглядит так, будто бы мы смотрим на нее глазами весьма нетрезвого человека. Стены окружают со всех сторон, давят и не дают дышать, и в то же время как будто «разъезжаются».
Но самое главное, что отличает эти две картины – цветовая гамма, которая задает настроение. Несмотря на типичное для арльских работ Ван Гога обилие желтого и ореолы света вокруг ламп, «Ночное кафе» лишено ощущения уюта и спокойствия. В письме брату Винсент писал об этой картине так: «Я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цветов». На самом деле красный цвет довольно редко становился доминирующим в работах художника. И похожий грязноватый кровавый оттенок в следующий раз станет фоном для его «Автопортрета с перевязанным ухом и трубкой». Существует и второй вариант «Ночного кафе», в котором изображение еще более плоское, а цвета – еще более ядовитые.
В «Ночном кафе» Винсент изобразил реально существовавший интерьер маленького привокзального заведения, принадлежавшего супругам Жино. Художник снимал у них комнату, когда только поселился в Арле, и позже написал портреты обоих. Мадам Жино и ее сурового супруга уговорил позировать присоединившийся к Ван Гогу Поль Гоген. И хотя художники работали над портретами мадам Жино одновременно, готовые полотна оказались очень разными. У Ван Гога хозяйка кафе стала воплощением некоего светлого образа задумчивой прекрасной дамы. Гоген же не упустил случая немного поиздеваться над другом и соперником: зная, что Винсенту сложно писать «из головы», он по памяти воспроизвел интерьер кафе, использовал те же красные и зеленые оттенки и поместил на передний план мадам Жино, придав ее образу оттенок порочности.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
Кого изобразил Илья Репин на одной из самых жизнерадостных своих картин, название которой «Стрекоза»?
Anonymous Quiz
12%
Случайно увиденную им девочку
65%
Свою дочь
23%
Дочь своего слуги
Ваш карманный гид по истории искусства
Чтобы понимать искусство, нужно не только знать истории отдельных картин, но и разбираться в стилях и эпохах, терминах и именах.
Это не так сложно, как кажется!
Особенно, если пройти курсы от Синхронизации. Раньше мы уже советовали вам курс «О чём молчат картины» от этого лектория. А недавно ребята снова нас порадовали и выпустили обновленный «Гид по истории искусства». Это большой онлайн-курс, где искусствоведы с опытом работы в крупнейших музеях Москвы рассказывают, как менялись живопись, скульптура и архитектура в разные времена: от Античности до XX века.
Курс состоит из 9 занятий — каждое посвящено конкретному периоду. Сначала вы узнаете всё про Античность и поймёте, почему много столетий подряд художники вдохновлялись этой эпохой. Затем посмотрите на шедевры Средневековья и Ренессанса. А потом пробежитесь по главным работам Франсиско Гойи, Рубенса, Клода Моне и других гениев живописи.
Помимо видеолекций в курсе есть много памяток и статей. Их вы сможете брать в любые музеи мира!
До 1 декабря вы можете купить этот курс со скидкой 30% по промокоду
Переходите по ссылке и покупайте курс дешевле!
Чтобы понимать искусство, нужно не только знать истории отдельных картин, но и разбираться в стилях и эпохах, терминах и именах.
Это не так сложно, как кажется!
Особенно, если пройти курсы от Синхронизации. Раньше мы уже советовали вам курс «О чём молчат картины» от этого лектория. А недавно ребята снова нас порадовали и выпустили обновленный «Гид по истории искусства». Это большой онлайн-курс, где искусствоведы с опытом работы в крупнейших музеях Москвы рассказывают, как менялись живопись, скульптура и архитектура в разные времена: от Античности до XX века.
Курс состоит из 9 занятий — каждое посвящено конкретному периоду. Сначала вы узнаете всё про Античность и поймёте, почему много столетий подряд художники вдохновлялись этой эпохой. Затем посмотрите на шедевры Средневековья и Ренессанса. А потом пробежитесь по главным работам Франсиско Гойи, Рубенса, Клода Моне и других гениев живописи.
Помимо видеолекций в курсе есть много памяток и статей. Их вы сможете брать в любые музеи мира!
До 1 декабря вы можете купить этот курс со скидкой 30% по промокоду
pic10. Промокод можно использовать для всех курсов Синхронизации, а их там много: по живописи, литературе, музыке, истории. Промокод суммируется со скидками на сайте и даёт дополнительную скидку 10%.Переходите по ссылке и покупайте курс дешевле!
Рисунок, купленный по случаю за $30, может оказаться оригиналом Дюрера
Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто.
Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера.
У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews.
Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины.
Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт.
Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо».
Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году.
Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации.
#новостиИОК
@pic_history
Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто.
Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера.
У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews.
Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины.
Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт.
Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо».
Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году.
Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации.
#новостиИОК
@pic_history
