Историю этого и других портретов, как всегда, можно найти на нашем втором канале @p0rtraits.
"Древний ужас"
1908 г.
Леон Бакст
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Для написания картины “Древний ужас”, Лев Бакст несколько раз посещал Грецию. Каждый раз при посещении этой страны с древней историей, он выносил для себя новую идею для своего будущего шедевра. Так как искусство Греции непрерывно развивается с незапамятных времен, на полотне Леона Бакста, невзирая на временные рамки мирно сосуществуют и памятники культуры древней эгейской культуры, и произведения искусства Классической Греции.
Центральным композиционным объектом стала статуя богини Афродиты, держащей в руке голубя. За ее спиной видна катастрофа, уносящая некую цивилизацию в небытие.
Что же хотел рассказать миру художник этой картиной? Произведение задумывалось во время первой русской революции 1905 года, когда люди, привыкшие к однообразной, размеренной жизни, сталкивались со множеством новых явлений и понятий. Может быть художник хотел показать неотвратимость гибели старого уклада для обретения новых идеалов и целей?
Судьба картины “Древний ужас” подтвердила ее шедевральность: в 1909 году она экспонировалась в Париже, в следующем она получает золотую медаль на выставке в Брюсселе. И для самого Льва Бакста она оказалась поворотной – много раз он пытался написать что-то подобное, но каждый раз его замыслам не суждено было сбыться, теперь он создавал только декорации для спектаклей. Кроме того, полотно “Древний ужас” положило начало новому направлению в живописи – неоклассицизму, очень болезненно встреченному критиками того времени.
#ЛеонБакст #АллегорическаяCцена #Модерн
1908 г.
Леон Бакст
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Для написания картины “Древний ужас”, Лев Бакст несколько раз посещал Грецию. Каждый раз при посещении этой страны с древней историей, он выносил для себя новую идею для своего будущего шедевра. Так как искусство Греции непрерывно развивается с незапамятных времен, на полотне Леона Бакста, невзирая на временные рамки мирно сосуществуют и памятники культуры древней эгейской культуры, и произведения искусства Классической Греции.
Центральным композиционным объектом стала статуя богини Афродиты, держащей в руке голубя. За ее спиной видна катастрофа, уносящая некую цивилизацию в небытие.
Что же хотел рассказать миру художник этой картиной? Произведение задумывалось во время первой русской революции 1905 года, когда люди, привыкшие к однообразной, размеренной жизни, сталкивались со множеством новых явлений и понятий. Может быть художник хотел показать неотвратимость гибели старого уклада для обретения новых идеалов и целей?
Судьба картины “Древний ужас” подтвердила ее шедевральность: в 1909 году она экспонировалась в Париже, в следующем она получает золотую медаль на выставке в Брюсселе. И для самого Льва Бакста она оказалась поворотной – много раз он пытался написать что-то подобное, но каждый раз его замыслам не суждено было сбыться, теперь он создавал только декорации для спектаклей. Кроме того, полотно “Древний ужас” положило начало новому направлению в живописи – неоклассицизму, очень болезненно встреченному критиками того времени.
#ЛеонБакст #АллегорическаяCцена #Модерн
"Антиб утром"
1888 г.
Клод Моне
Частная коллекция.
“Антиб утром” – прекрасная картина известного на весь мир французского художника Клода Моне. Моне является ярким представителем и одним из основателей импрессионизма. Отличительной чертой его произведений является их легкость и воздушность, они выполнены очень плавными мазками.
Многие его картины выполнены в достаточно ярких цветах.
Антиб – небольшой курортный городок, находящийся на юго-востоке Франции, отличающийся своей неописуемой красотой. Яркие мастерски подобранные цвета, в которых выполнен пейзаж, сразу же привлекают к картине внимание зрителя. На переднем плане изображен участок скалы, на котором растут дерево и несколько кустарников. Листва на растениях сияет золотом в лучах рассвета.
С это скалы открывается бесподобный вид на Антиб, который расположен вдалеке, на берегу моря.
Нежные и плавные переходы оттенков листвы, бирюзовые морские просторы, солнце, отражающееся в каждой частичке пейзажа – все это не может оставить зрителя равнодушным, такой вид греет душу. Если внимательно рассмотреть картину, можно увидеть, что изображенные объекты не имеют контура. Моне использовал свой собственный метод для такого воздушного эффекта, он накладывал мазок за мазком, делая тем самым границы предметов немного размытыми, таким же образом он добивался плавных переходов между различными цветами.
На заднем плане картины силуэт гор плавно сливается с ярким утренним небом. Листва растений, отражающая в каждом своем листочке солнечный свет, прекрасно сочетается с цветом неба. Такие сочетания делают полотно легким и атмосферным.
Все это делает пейзаж живым, листва деревьев будто колышется от дующего с моря ветра, а солнечные лучи создают миллионы бликов, отражаясь от нее.
Все полотно насквозь пропитано солнцем, оно повсюду, в городе, в горах, в море, весь этот южный воздух наполнен его теплом. Солнце заставляет даже самые холодные цвета, как например в море, казаться теплее. Этот пейзаж как будто переносит зрителя в тот маленький райский кусочек Франции, заставляет его почувствовать радость и тепло, которое излучает каждая частичка этого места.
#КлодМоне #Пейзаж #Импрессионизм
1888 г.
Клод Моне
Частная коллекция.
“Антиб утром” – прекрасная картина известного на весь мир французского художника Клода Моне. Моне является ярким представителем и одним из основателей импрессионизма. Отличительной чертой его произведений является их легкость и воздушность, они выполнены очень плавными мазками.
Многие его картины выполнены в достаточно ярких цветах.
Антиб – небольшой курортный городок, находящийся на юго-востоке Франции, отличающийся своей неописуемой красотой. Яркие мастерски подобранные цвета, в которых выполнен пейзаж, сразу же привлекают к картине внимание зрителя. На переднем плане изображен участок скалы, на котором растут дерево и несколько кустарников. Листва на растениях сияет золотом в лучах рассвета.
С это скалы открывается бесподобный вид на Антиб, который расположен вдалеке, на берегу моря.
Нежные и плавные переходы оттенков листвы, бирюзовые морские просторы, солнце, отражающееся в каждой частичке пейзажа – все это не может оставить зрителя равнодушным, такой вид греет душу. Если внимательно рассмотреть картину, можно увидеть, что изображенные объекты не имеют контура. Моне использовал свой собственный метод для такого воздушного эффекта, он накладывал мазок за мазком, делая тем самым границы предметов немного размытыми, таким же образом он добивался плавных переходов между различными цветами.
На заднем плане картины силуэт гор плавно сливается с ярким утренним небом. Листва растений, отражающая в каждом своем листочке солнечный свет, прекрасно сочетается с цветом неба. Такие сочетания делают полотно легким и атмосферным.
Все это делает пейзаж живым, листва деревьев будто колышется от дующего с моря ветра, а солнечные лучи создают миллионы бликов, отражаясь от нее.
Все полотно насквозь пропитано солнцем, оно повсюду, в городе, в горах, в море, весь этот южный воздух наполнен его теплом. Солнце заставляет даже самые холодные цвета, как например в море, казаться теплее. Этот пейзаж как будто переносит зрителя в тот маленький райский кусочек Франции, заставляет его почувствовать радость и тепло, которое излучает каждая частичка этого места.
#КлодМоне #Пейзаж #Импрессионизм
"Смерть и Жизнь"
1915 г.
Густав Климт
Музей Леопольда, Вена.
«Жизнь и Смерть» — аллегорическое произведение, на создание которого Густав Климт потратил 8 лет, с 1908 по 1916 гг. Оно повествует нам о вечном противостоянии между жизнью во всех ее проявлениях и смертью, ждущей своего часа поодаль. Вся композиция состоит из трех условных частей: на левой стороне художник поместил фигуру Смерти, на правой — группу людей, символизирующих собой Жизнь. Темное пространство между левой и правой частью картины отделяет их друг от друга, словно удерживая мрачного жреца и не давая ему раньше времени приблизиться к живым.
Для противопоставления своих персонажей Густав Климт использует как цвет, так и форму: Жизнь и Смерть на его картине узнаваемы с первого взгляда. Правый угол полотна сияет всеми цветами радуги, оттененными золотом. В этом своеобразном лоскутном коконе, символизирующем Жизнь, зритель видит лица безмятежно спящих детей и матерей, умиротворенно прижимающих их к себе, фигуры мужчины и женщины, слившихся в объятии, а также старуху, погрузившуюся в свои мысли. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке.
Смерть на картине Климта «Жизнь и Смерть» представлена одинокой, чуть сгорбленной фигурой, наблюдающей за праздником Жизни со стороны. Ее скелет скрыт под бесформенным одеянием, украшенным черными крестами, кругами и прямоугольниками темно-зеленого и фиолетового цвета — зрителю виден лишь череп, который слегка подался вперед, будто Смерть смотрит на происходящее с интересом и не прочь принять в этом участие. Ей известно, что однажды настанет ее час и она постепенно заберет всех — и молодых, и старых. Но пока она может лишь выжидать, угрожающе занеся свой смертоносный жезл.
#ГуставКлимт #АллегорическаяCцена #Модерн
1915 г.
Густав Климт
Музей Леопольда, Вена.
«Жизнь и Смерть» — аллегорическое произведение, на создание которого Густав Климт потратил 8 лет, с 1908 по 1916 гг. Оно повествует нам о вечном противостоянии между жизнью во всех ее проявлениях и смертью, ждущей своего часа поодаль. Вся композиция состоит из трех условных частей: на левой стороне художник поместил фигуру Смерти, на правой — группу людей, символизирующих собой Жизнь. Темное пространство между левой и правой частью картины отделяет их друг от друга, словно удерживая мрачного жреца и не давая ему раньше времени приблизиться к живым.
Для противопоставления своих персонажей Густав Климт использует как цвет, так и форму: Жизнь и Смерть на его картине узнаваемы с первого взгляда. Правый угол полотна сияет всеми цветами радуги, оттененными золотом. В этом своеобразном лоскутном коконе, символизирующем Жизнь, зритель видит лица безмятежно спящих детей и матерей, умиротворенно прижимающих их к себе, фигуры мужчины и женщины, слившихся в объятии, а также старуху, погрузившуюся в свои мысли. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке.
Смерть на картине Климта «Жизнь и Смерть» представлена одинокой, чуть сгорбленной фигурой, наблюдающей за праздником Жизни со стороны. Ее скелет скрыт под бесформенным одеянием, украшенным черными крестами, кругами и прямоугольниками темно-зеленого и фиолетового цвета — зрителю виден лишь череп, который слегка подался вперед, будто Смерть смотрит на происходящее с интересом и не прочь принять в этом участие. Ей известно, что однажды настанет ее час и она постепенно заберет всех — и молодых, и старых. Но пока она может лишь выжидать, угрожающе занеся свой смертоносный жезл.
#ГуставКлимт #АллегорическаяCцена #Модерн
"Драка крестьян при игре в карты"
Адриан Броувер
Некоторые его полотна могут вызвать мысли о карикатуре. Однако при внимательном рассмотрении становится понято, что это лишь доведенное до большой точности воспроизведение бытовых ситуаций. В картинах мастера нет преднамеренного осуждения героев через высмеивание. Он просто писал окружавшую его жизнь.
Адриан Броувер
Некоторые его полотна могут вызвать мысли о карикатуре. Однако при внимательном рассмотрении становится понято, что это лишь доведенное до большой точности воспроизведение бытовых ситуаций. В картинах мастера нет преднамеренного осуждения героев через высмеивание. Он просто писал окружавшую его жизнь.
"Три девушки на причале"
1903 г.
Эдвард Мунк
Частная коллекция.
К своим излюбленным мотивам Мунк возвращается всю жизнь. Картина “Девушки на мосту” – одна из восемнадцати живописных версий этой темы, созданных в период с 1899 по 1935 год. Сцена встречи девушек неизменно разыгрывается н мосту, соединяющем берега фьорда Осло. Если кто-то посетит это место в наше время, то заметит, что с тех пор там ничего не изменилось.
Над фьордом он обнаружит тот же мост, за которым вверх тянется та же дорога, теряющаяся среди тех же домов, укрытых тенью все тех же вековых лип.
Картина, датированная 1935 годом, композиционно напоминает предыдущие версии, от которых, тем не менее, радикально отличается с формальной точки зрения: здесь художник использует совершенно новую, нетипичную для себя цветовую гамму. Фигуры обведены темным контуром. Воплощение основного мотива близко версии 1903 года.
Огромная зеленая крона липы отражается в коричневатой воде. Насыщенные краски и таинственная, но, вместе с тем, спокойная атмосфера обнаруживает характерный стиль мастера.
Версия 1902 года также представляет пейзаж с высоким горизонтом, что, впрочем, почти незаметно, поскольку Мунк “разбил” завышенную линию горизонта фигурой молодой женщины, представленной анфас и со спокойной улыбкой двигающейся навстречу зрителю. Эта центральная фигура несет важную функциональную нагрузку с точки зрения не только композиции, но и эмоционального строя картины: она создает особое жизнерадостное настроение, подчеркивающееся нежно-голубы оттенком платья.
Сам факт создания 18 вариантов картины, представляющей женщин или девушек на мосту, можно объяснить самыми разными обстоятельствами. Во-первых, некоторые из них были написаны по заказу частных коллекционеров, желавших иметь в домашней экспозиции картину. Во-вторых, Мунк после получения заказа создавал сразу две версии, после чего клиент выбирал для себя ту, которая нравилась ему больше, а другую художник оставлял себе.
Бывало и так, что мастеру очень не хотелось расставаться с той или иной картиной, но поскольку все-таки приходилось отдавать ее заказчику, Мунк писал ее новую версию для себя. Следует лишь заметить, что каждое из этих восемнадцати полотен имеет собственную живописную концепцию, отличную от других: художник ни разу не повторился.
#ЭдвардМунк #ЖанроваяCцена #Экспрессионизм
1903 г.
Эдвард Мунк
Частная коллекция.
К своим излюбленным мотивам Мунк возвращается всю жизнь. Картина “Девушки на мосту” – одна из восемнадцати живописных версий этой темы, созданных в период с 1899 по 1935 год. Сцена встречи девушек неизменно разыгрывается н мосту, соединяющем берега фьорда Осло. Если кто-то посетит это место в наше время, то заметит, что с тех пор там ничего не изменилось.
Над фьордом он обнаружит тот же мост, за которым вверх тянется та же дорога, теряющаяся среди тех же домов, укрытых тенью все тех же вековых лип.
Картина, датированная 1935 годом, композиционно напоминает предыдущие версии, от которых, тем не менее, радикально отличается с формальной точки зрения: здесь художник использует совершенно новую, нетипичную для себя цветовую гамму. Фигуры обведены темным контуром. Воплощение основного мотива близко версии 1903 года.
Огромная зеленая крона липы отражается в коричневатой воде. Насыщенные краски и таинственная, но, вместе с тем, спокойная атмосфера обнаруживает характерный стиль мастера.
Версия 1902 года также представляет пейзаж с высоким горизонтом, что, впрочем, почти незаметно, поскольку Мунк “разбил” завышенную линию горизонта фигурой молодой женщины, представленной анфас и со спокойной улыбкой двигающейся навстречу зрителю. Эта центральная фигура несет важную функциональную нагрузку с точки зрения не только композиции, но и эмоционального строя картины: она создает особое жизнерадостное настроение, подчеркивающееся нежно-голубы оттенком платья.
Сам факт создания 18 вариантов картины, представляющей женщин или девушек на мосту, можно объяснить самыми разными обстоятельствами. Во-первых, некоторые из них были написаны по заказу частных коллекционеров, желавших иметь в домашней экспозиции картину. Во-вторых, Мунк после получения заказа создавал сразу две версии, после чего клиент выбирал для себя ту, которая нравилась ему больше, а другую художник оставлял себе.
Бывало и так, что мастеру очень не хотелось расставаться с той или иной картиной, но поскольку все-таки приходилось отдавать ее заказчику, Мунк писал ее новую версию для себя. Следует лишь заметить, что каждое из этих восемнадцати полотен имеет собственную живописную концепцию, отличную от других: художник ни разу не повторился.
#ЭдвардМунк #ЖанроваяCцена #Экспрессионизм
"Гребцы"
1879 г.
Гюстав Кайботт
Частная коллекция.
Во второй половине семидесятых годов Кайботт проводит летние месяцы за городом на реке. Его интересы в то время вполне естественно обращаются к водным видам спорта, а в его творчестве появляется новая тема: гребля. С точки зрения стилистики картины этого периода напоминают рассмотренные выше полотна.
Художник создает редко встречающееся в работах других мастеров напряжение между передним планом и глубиной картины, которое он особенно убедительно передает в “Гребцах”. Как пишет Варнедо, “вследствие удачного иллюзионистического приема руки первого гребца, кажется, почти касаются края полотна и вытягиваются в нашем направлении, как в трехмерном фильме.
Этому впечатляющему движению, направленному вперед, соответствует такое же выразительное движение вглубь. По правде говоря, это движение настолько же вглубь, как и ввысь, так как сходящиеся борта лодки образуют равносторонний треугольник, отделяющийся от поверхности воды, а прямая, которая проходит вдоль левой ноги первого гребца и направляет наш взгляд к носу, практически совпадает с вертикальной осью композиции”.
Поразительный осязаемый эффект близости, которого Кайботт добивается в этой картине, является его собственным мастерским достижением. Достойна восхищения также живописная техника художника: отражения света и натуральность дерева лодки очень эффектны, сокращения ракурсов рук и ног гребцов выполнены в соответствии с самым строгим требованием перспективы, а спокойное волнение воды передано сочными, точечными мазками кисти, такими характерными для импрессионистов.
#ГюставКайботт #ЖанроваяCцена #Импрессионизм
1879 г.
Гюстав Кайботт
Частная коллекция.
Во второй половине семидесятых годов Кайботт проводит летние месяцы за городом на реке. Его интересы в то время вполне естественно обращаются к водным видам спорта, а в его творчестве появляется новая тема: гребля. С точки зрения стилистики картины этого периода напоминают рассмотренные выше полотна.
Художник создает редко встречающееся в работах других мастеров напряжение между передним планом и глубиной картины, которое он особенно убедительно передает в “Гребцах”. Как пишет Варнедо, “вследствие удачного иллюзионистического приема руки первого гребца, кажется, почти касаются края полотна и вытягиваются в нашем направлении, как в трехмерном фильме.
Этому впечатляющему движению, направленному вперед, соответствует такое же выразительное движение вглубь. По правде говоря, это движение настолько же вглубь, как и ввысь, так как сходящиеся борта лодки образуют равносторонний треугольник, отделяющийся от поверхности воды, а прямая, которая проходит вдоль левой ноги первого гребца и направляет наш взгляд к носу, практически совпадает с вертикальной осью композиции”.
Поразительный осязаемый эффект близости, которого Кайботт добивается в этой картине, является его собственным мастерским достижением. Достойна восхищения также живописная техника художника: отражения света и натуральность дерева лодки очень эффектны, сокращения ракурсов рук и ног гребцов выполнены в соответствии с самым строгим требованием перспективы, а спокойное волнение воды передано сочными, точечными мазками кисти, такими характерными для импрессионистов.
#ГюставКайботт #ЖанроваяCцена #Импрессионизм
"Доминирующая кривая"
1936 г.
Василий Кандинский
Василий Кандинский покинул Германию в 1933 году, когда к власти пришли нацисты. Идеологи фашизма резко осуждали новые веяния в живописи, “дегенеративное искусство” подвергалось гонениям, картины уничтожали и запрещали выставлять.
Кандинский эмигрировал во Францию, где и прожил до конца своих дней. В Париже он плодотворно работал, создавая неизъяснимо гармоничные полотна. Работы того периода отмечены светлой палитрой, линии и формы стали более мягкими.
Еще в годы работы в знаменитом Баухаузе Кандинский проявлял интерес к ботанике и зоологии, он живописал крохотные существа и обучал этому своих учеников.
Следы этой увлеченности мы наблюдаем в картине “Доминантная кривая”, в правом верхнем углу плавает схематичный розоватый эмбрион, фигурки в зеленом прямоугольнике напоминают микроскопические морские животные, а органические фигуры парят над небесной синей областью.
Эти плавучие, биоморфные образы, часто представленные в пастельных тонах, можно рассматривать как признаки оптимистичного видения Кандинским мирного будущего и надежды на возрождение послевоенный период. Кандинский не дожил до окончания Второй Мировой войны, но его интуиция художника подсказала, что зло не может властвовать вечно, придут другие времена, жизнь возрождается…
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
1936 г.
Василий Кандинский
Василий Кандинский покинул Германию в 1933 году, когда к власти пришли нацисты. Идеологи фашизма резко осуждали новые веяния в живописи, “дегенеративное искусство” подвергалось гонениям, картины уничтожали и запрещали выставлять.
Кандинский эмигрировал во Францию, где и прожил до конца своих дней. В Париже он плодотворно работал, создавая неизъяснимо гармоничные полотна. Работы того периода отмечены светлой палитрой, линии и формы стали более мягкими.
Еще в годы работы в знаменитом Баухаузе Кандинский проявлял интерес к ботанике и зоологии, он живописал крохотные существа и обучал этому своих учеников.
Следы этой увлеченности мы наблюдаем в картине “Доминантная кривая”, в правом верхнем углу плавает схематичный розоватый эмбрион, фигурки в зеленом прямоугольнике напоминают микроскопические морские животные, а органические фигуры парят над небесной синей областью.
Эти плавучие, биоморфные образы, часто представленные в пастельных тонах, можно рассматривать как признаки оптимистичного видения Кандинским мирного будущего и надежды на возрождение послевоенный период. Кандинский не дожил до окончания Второй Мировой войны, но его интуиция художника подсказала, что зло не может властвовать вечно, придут другие времена, жизнь возрождается…
#ВасилийКандинский #Абстракционизм