"Угроза убийце"
1927 г.
Рене Магритт
Нью-Йоркский музей современного искусства.
Бельгийский сюрреалист Рене Магритт в своих картинах умел объединять обычные бытовые предметы с совершенно несовместимыми парадоксальными явлениями на уровне психологии. Причем он в каждое свое произведение вкладывал философский смысл, который не сразу поддается расшифровке. Картина “Угроза убийства” написана в период работы художника во многих журналах, для которых он создавал свои неповторимые рисунки.
Это время искусствоведы называют временем появления “истинного Магритта”, когда в его творчестве выработались основные приемы, идеи и стиль самого художника. “Угроза убийства” – это картина полная загадок. Вполне можно сказать, что это целый комедийный детективный сюжет. Несколько действующих лиц в картине можно трактовать по-разному.
В центральной части картины расположен труп жертвы совершенного убийства с отрубленной головой, изнасилованная, так как отсутствует одежда, избитая, о чем говорит кровь из носа и предварительно задушенная полотенцем, которое оставил убийца на шее убиенного. Очень жестокое убийство. Но кто же его совершил? Магритт представляет нам шанс разгадать эту загадку. На подходе в комнату скрываются за стенами предполагаемые убийцы.
Хотя дубинка и сеть в руках этих персонажей скорей всего орудия похищения, чем убийства. Недалеко от жертвы стоит следователь, а может быть это вовсе и не следователь, а сам убийца, не успевший покинуть место происшествия. За окном прячутся три свидетеля или опять же прячущихся убийц.
Безликим действующим лицом в картине является граммофон с пластинкой, на которой тоже возможно записана угроза. Все действующие лица, потенциальные “подозреваемые” на одно лицо. Это так называемый “магриттовский господин”. Этот абсурд является главной задачей художника – обескуражить зрителя.
Кроме этого художник играет со временем, смешивая прошлое настоящее и будущее в своей мизансцене. Эти времена словно уходят в перспективу, которую подчеркивает зловещая труба граммофона. И небольшая нотка романтики – действие происходит в горах, виднеющихся за окном.
Преимущественно серый колорит картины подчеркивает сюжет, его абсурдность и тяжелое восприятие произведения. Но в этом и есть гений Магритта – создать загадку, смутить зрителя и заставить его размышлять.
#РенеМагритт #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
1927 г.
Рене Магритт
Нью-Йоркский музей современного искусства.
Бельгийский сюрреалист Рене Магритт в своих картинах умел объединять обычные бытовые предметы с совершенно несовместимыми парадоксальными явлениями на уровне психологии. Причем он в каждое свое произведение вкладывал философский смысл, который не сразу поддается расшифровке. Картина “Угроза убийства” написана в период работы художника во многих журналах, для которых он создавал свои неповторимые рисунки.
Это время искусствоведы называют временем появления “истинного Магритта”, когда в его творчестве выработались основные приемы, идеи и стиль самого художника. “Угроза убийства” – это картина полная загадок. Вполне можно сказать, что это целый комедийный детективный сюжет. Несколько действующих лиц в картине можно трактовать по-разному.
В центральной части картины расположен труп жертвы совершенного убийства с отрубленной головой, изнасилованная, так как отсутствует одежда, избитая, о чем говорит кровь из носа и предварительно задушенная полотенцем, которое оставил убийца на шее убиенного. Очень жестокое убийство. Но кто же его совершил? Магритт представляет нам шанс разгадать эту загадку. На подходе в комнату скрываются за стенами предполагаемые убийцы.
Хотя дубинка и сеть в руках этих персонажей скорей всего орудия похищения, чем убийства. Недалеко от жертвы стоит следователь, а может быть это вовсе и не следователь, а сам убийца, не успевший покинуть место происшествия. За окном прячутся три свидетеля или опять же прячущихся убийц.
Безликим действующим лицом в картине является граммофон с пластинкой, на которой тоже возможно записана угроза. Все действующие лица, потенциальные “подозреваемые” на одно лицо. Это так называемый “магриттовский господин”. Этот абсурд является главной задачей художника – обескуражить зрителя.
Кроме этого художник играет со временем, смешивая прошлое настоящее и будущее в своей мизансцене. Эти времена словно уходят в перспективу, которую подчеркивает зловещая труба граммофона. И небольшая нотка романтики – действие происходит в горах, виднеющихся за окном.
Преимущественно серый колорит картины подчеркивает сюжет, его абсурдность и тяжелое восприятие произведения. Но в этом и есть гений Магритта – создать загадку, смутить зрителя и заставить его размышлять.
#РенеМагритт #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
"Старый гитарист"
1904 г.
Пабло Пикассо
Чикагский институт искусств.
“Голубой период” – самая пронзительная страница творчества Пабло Пикассо, не только из-за событий ему предшествующих, но и ввиду особенности техники мастера, а также выбранного доминирующего колорита. Холодный, даже ледяной синий во всех своих вариациях становится главенствующим цветом.
“Старый гитарист” является одной из показательных работ, и по технике, и по сюжету, и по силе трагедии. Мы видим седого оборванца, находящего утешение в старенькой гитаре. Одежда его напоминает лохмотья, а тело настолько истощало, что вытянутые худые пальцы рук некоторыми критиками воспринимаются как дань уважения Эль Греко.
Угловатую фигуру живописец нарочно поместил в замкнутое тесное пространство, еще и вывернув ее в неудобную позу. Все это подчеркивает человеческие страдания и чувство безысходности, а также нестерпимое одиночество. Оторвав взгляд от странных рук, первое, что обращает на себя внимание глаза старца.
Они слепы. Эта трагическая краска также была не единожды применена Пикассо.
В картинах “Завтрак слепого”, “Мальчик и нищий”, “Селестина” герои смотрят на зрителя невидящими или почти невидящими глазами. Все это оказывает невероятно сильное воздействие и находит эмоциональный отклик. Картину не раз сравнивали со своеобразным автопортретом, причем она не является отображением внешности автора, а скорее его тяжелого внутреннего состояния в связи с утратой близкого человека.
Не так давно ученые Чикаго просветили картину на рентгене, и увидели, что первым на холсте появился совсем другой сюжет – женщина, кормящая грудью. Впоследствии автор создал на ее месте слепого старика в голубых тонах, однако, контуры лица предыдущей героини до сих можно различить за левым ухом гитариста.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
1904 г.
Пабло Пикассо
Чикагский институт искусств.
“Голубой период” – самая пронзительная страница творчества Пабло Пикассо, не только из-за событий ему предшествующих, но и ввиду особенности техники мастера, а также выбранного доминирующего колорита. Холодный, даже ледяной синий во всех своих вариациях становится главенствующим цветом.
“Старый гитарист” является одной из показательных работ, и по технике, и по сюжету, и по силе трагедии. Мы видим седого оборванца, находящего утешение в старенькой гитаре. Одежда его напоминает лохмотья, а тело настолько истощало, что вытянутые худые пальцы рук некоторыми критиками воспринимаются как дань уважения Эль Греко.
Угловатую фигуру живописец нарочно поместил в замкнутое тесное пространство, еще и вывернув ее в неудобную позу. Все это подчеркивает человеческие страдания и чувство безысходности, а также нестерпимое одиночество. Оторвав взгляд от странных рук, первое, что обращает на себя внимание глаза старца.
Они слепы. Эта трагическая краска также была не единожды применена Пикассо.
В картинах “Завтрак слепого”, “Мальчик и нищий”, “Селестина” герои смотрят на зрителя невидящими или почти невидящими глазами. Все это оказывает невероятно сильное воздействие и находит эмоциональный отклик. Картину не раз сравнивали со своеобразным автопортретом, причем она не является отображением внешности автора, а скорее его тяжелого внутреннего состояния в связи с утратой близкого человека.
Не так давно ученые Чикаго просветили картину на рентгене, и увидели, что первым на холсте появился совсем другой сюжет – женщина, кормящая грудью. Впоследствии автор создал на ее месте слепого старика в голубых тонах, однако, контуры лица предыдущей героини до сих можно различить за левым ухом гитариста.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
"Н. А. Некрасов в период "Последних песен"
1879 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
Заказ портрета русского классика Николая Алексеевича Некрасова поступил Крамскому от Павла Третьякова – великий меценат хотел собрать у себя портреты всех выдающихся людей своего времени, и, разумеется, не обошел известного поэта, редактора, публициста стороной.
В 1875 году у Некрасова обнаружилась неизлечимая болезнь – рак кишечника, а к 1877 году стало понятно, что дни его сочтены. Тогда-то Павел Третьяков и сделал срочный заказ Крамскому.
Художник принялся за работу, решив написать больного писателя, лежащим в подушках, на что получил решительный отказ у заказчика – не может великий классик предстать в такой вот немощной позе. “Великий борец”, как тогда называли Некрасова, должен быть изображен соответственно. Крамской выполнил волю заказчика и создал погрудный портрет, который был принят Третьяковым.
Однако по завершении заказа Крамской принимается писать полотно в соответствии со своим творческим замыслом, которое войдет в мировую художественную культуру, как “Портрет Некрасова в период “Последних песен”. Картину так и не увидел портретируемый – заканчивал ее живописец, когда Некрасова уже не было в живых.
Вначале картина должна было изобиловать многими вещами и мелочами, которые любил Некрасов. Так, например, пространство полотна должно было вмещать шкаф с оружием, как напоминание об охотничьем увлечении, любимую собаку поэта. Однако вскоре Крамской уберет “лишние” детали, мешающие восприятию героического образа, сделав картину больше по формату, нежели задумывал ее изначально.
Внимательно рассмотрев картину можно многое рассказать о ее герое – по правому краю произведения можно заметить бюст Белинского, которого Некрасов чтил всю жизнь, как своего учителя и выдающегося человека, а вон на столике тома “Современника”, журнала, которому поэт посвятил значительную часть жизни, портреты Мицкевича и Добролюбова говорят о его интересах и убеждениях.
У Крамского получился удивительный потрет, сочетающий в себе и камерность и истинное величие, даже монументальность. Мы видим Большого человека, выдающегося деятеля литературного слова, которого измучила болезнь. Его физические силы на исходе и об этом говорит буквально все в его облике, но при этом душевная мощь еще светиться, не иссякнув на краю могилы.
Живописец поставил ложную датировку в углу полотна – 3 марта. Именно в этот день Некрасов прочитал Крамскому свое стихотворение “Баюшки-баю”, которое глубоко поразило живописца и стало пророческим для писателя.
#ИванКрамской #Портрет #Реализм
1879 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
Заказ портрета русского классика Николая Алексеевича Некрасова поступил Крамскому от Павла Третьякова – великий меценат хотел собрать у себя портреты всех выдающихся людей своего времени, и, разумеется, не обошел известного поэта, редактора, публициста стороной.
В 1875 году у Некрасова обнаружилась неизлечимая болезнь – рак кишечника, а к 1877 году стало понятно, что дни его сочтены. Тогда-то Павел Третьяков и сделал срочный заказ Крамскому.
Художник принялся за работу, решив написать больного писателя, лежащим в подушках, на что получил решительный отказ у заказчика – не может великий классик предстать в такой вот немощной позе. “Великий борец”, как тогда называли Некрасова, должен быть изображен соответственно. Крамской выполнил волю заказчика и создал погрудный портрет, который был принят Третьяковым.
Однако по завершении заказа Крамской принимается писать полотно в соответствии со своим творческим замыслом, которое войдет в мировую художественную культуру, как “Портрет Некрасова в период “Последних песен”. Картину так и не увидел портретируемый – заканчивал ее живописец, когда Некрасова уже не было в живых.
Вначале картина должна было изобиловать многими вещами и мелочами, которые любил Некрасов. Так, например, пространство полотна должно было вмещать шкаф с оружием, как напоминание об охотничьем увлечении, любимую собаку поэта. Однако вскоре Крамской уберет “лишние” детали, мешающие восприятию героического образа, сделав картину больше по формату, нежели задумывал ее изначально.
Внимательно рассмотрев картину можно многое рассказать о ее герое – по правому краю произведения можно заметить бюст Белинского, которого Некрасов чтил всю жизнь, как своего учителя и выдающегося человека, а вон на столике тома “Современника”, журнала, которому поэт посвятил значительную часть жизни, портреты Мицкевича и Добролюбова говорят о его интересах и убеждениях.
У Крамского получился удивительный потрет, сочетающий в себе и камерность и истинное величие, даже монументальность. Мы видим Большого человека, выдающегося деятеля литературного слова, которого измучила болезнь. Его физические силы на исходе и об этом говорит буквально все в его облике, но при этом душевная мощь еще светиться, не иссякнув на краю могилы.
Живописец поставил ложную датировку в углу полотна – 3 марта. Именно в этот день Некрасов прочитал Крамскому свое стихотворение “Баюшки-баю”, которое глубоко поразило живописца и стало пророческим для писателя.
#ИванКрамской #Портрет #Реализм
Напоминаем, что больше портретов можно найти в нашем отдельном канале @p0rtraits
Освоить азы рисунка и композиции, поставить руку и развить моторику художника поможет бесплатный курс «Рисование. Точка входа» онлайн-школы дизайна и иллюстрации @bangbangeducation.
За 5 занятий вы научитесь не бояться чистого листа, создавать иллюзию трехмерного пространства, использовать простые формы при построении сложных объектов.
За 5 занятий вы научитесь не бояться чистого листа, создавать иллюзию трехмерного пространства, использовать простые формы при построении сложных объектов.
"Похороны в Орнане"
1850 г.
Гюстав Курбе
Музей д’Орсе, Париж.
Курбе начал писать картину в 1849 году, в тесной мансарде в Орнане. Работа художника вызвала переполох среди местного общества, попавшего в ее герои, – на ней присутствовали многие обитатели этих мест: от мэра и мирового судьи до родственников и друзей Курбе.
Но этот переполох и сравниться не мог со спорами, разгоревшимися после того, как полотно было выставлено в Салоне. Недоумение и непонимание вызвали сами его размеры. Сходились на том, что обычные сельские похороны не должны быть темой столь масштабного произведения.
Один из критиков писал: “Похороны крестьянина могут нас растрогать… Но не следует настолько локализовать это событие”. Однако для реалистов крайне важна была именно такая “локализация”. Курбе создал современный, легко узнаваемый образ, запечатлев на полотне людей и реалии своего времени.
Кроме того, он акцентировал внимание на самом процессе похорон человека, а не на его деяниях или на посмертной участи его души. При этом личность покойного здесь остается анонимной, превращаясь в собирательный образ смерти. Это делает картину осовремененным вариантом очень популярного в Средние века сюжета, известного под названием Пляски Смерти.
#ГюставКурбе #ЖанроваяCцена #Реализм
1850 г.
Гюстав Курбе
Музей д’Орсе, Париж.
Курбе начал писать картину в 1849 году, в тесной мансарде в Орнане. Работа художника вызвала переполох среди местного общества, попавшего в ее герои, – на ней присутствовали многие обитатели этих мест: от мэра и мирового судьи до родственников и друзей Курбе.
Но этот переполох и сравниться не мог со спорами, разгоревшимися после того, как полотно было выставлено в Салоне. Недоумение и непонимание вызвали сами его размеры. Сходились на том, что обычные сельские похороны не должны быть темой столь масштабного произведения.
Один из критиков писал: “Похороны крестьянина могут нас растрогать… Но не следует настолько локализовать это событие”. Однако для реалистов крайне важна была именно такая “локализация”. Курбе создал современный, легко узнаваемый образ, запечатлев на полотне людей и реалии своего времени.
Кроме того, он акцентировал внимание на самом процессе похорон человека, а не на его деяниях или на посмертной участи его души. При этом личность покойного здесь остается анонимной, превращаясь в собирательный образ смерти. Это делает картину осовремененным вариантом очень популярного в Средние века сюжета, известного под названием Пляски Смерти.
#ГюставКурбе #ЖанроваяCцена #Реализм
"Красные кони"
1911 г.
Франц Марк
Художественные музеи Гарварда, Кеймбридж.
Франц Марк – известный немецкий живописец-экспрессионист, основавший вместе с В. Кандинским альманах, а затем и объединение “Синий всадник”. Творческий путь Франца Марка очень неоднозначен, за короткую жизнь им были пройдены очень непохожие друг на друга этапы.
Первоначально источник максимальной приближенности к природе и, следовательно, наивысшей чувственности и искренности он искал в изображениях животных. Именно в этом он находил “…приток свежей крови в природе…”. Поиск новых способов выражения приводит Марка к авангардистам, вместе с которыми он принимает участие в создании журнала “Пан”.
Творческий поиск художника обусловлен желанием проникнуть в суть вещей, увидеть “духовную сторону природы” за границами материальной видимости.
Первоначально Марк стремится уйти от цивилизации в мир дикой природы, но постепенно он и здесь начинает тяготиться обилием плотского. Вырисовываемые реальные образы животных постепенно становятся у него все более и более схематичными. Таким образом осуществляется переход творчества Марка от “сезаннизма к экспрессионизму”.
В конце концов образы животных трансформируются у него в совершенно абстрактные образы, рождающие собственный мир художника.
Одним из “переходных” полотен Марка является картина “Красные кони”. Некоторая схематичность композиции не уменьшает ощущения реальности изображения – полных внутренней кипучей энергии трех коней. Хотя по стилистике эта работа уже напоминает ритмическую арабеску своей декоративностью, близкой к фовистам и экспрессионистам, это еще “живая” натуральная живопись.
Красный цвет – выражение высшей природной чувственности в ощущении художника. Сила и неудержимость дикой природы Передают пульс жизни, ее искренность в не тронутом человеком виде.
В последующих работах реальные образы животных постепенно наполняются “стеклянной” прозрачностью, линии создают геометрические силуэты. В работе 1914 г. “Борьба форм” Марк уже выступает как абсолютный абстракционист.
Объединение “Синий всадник” было создано в 1911 г. Марком вместе с В. Кандинским и просуществовало до 1914 г. Оригинальное название было придумано сообща основоположниками: и Кандинский, и Марк предпочитали синий цвет; первый находил колоритными всадников, второй всю жизнь обожал лошадей. В определенной степени необходимость в подобном объединении существовала уже несколько лет, однако только отказ официальной выставки “Мюнхенский Сецессион” принять работы авангардистов показал невозможность художников нового направления существовать в рамках “общепринятой” живописи.
Новое искусство выходило за рамки реальности, оно начинало существовать по своим собственным законам в собственном, созданном чутьем и рукой художника мире. Сам Марк писал, что модернисты изображали “вещи, спрятанные под покровом видимости”. Загадка бытия, не познаваемая суть всего интересовала и художников “Синего всадника”. Считается, что первая абстрактная картина была написана другом Марка – В. Кандинским в 1910 г.
Путь художников нового объединения, начавшийся от экспрессионизма, постепенно под влиянием своих лидеров переходит к все более и более бунтарствующим и революционным способам самовыражения и самопоиска, находящихся порой на грани “неискусства”. Работы, выполненные участниками “Синего всадника”, наполнены яркими цветами, символическими и чисто декоративными элементами. Это очень отчетливо проявилось в полотне Марка “Башня синих лошадей”, к сожалению, не сохранившемся и доступном зрителям только на фотографиях.
Если Кандинский развивал эмоциональный, “аморфный” абстрактивизм, то Марк со временем перешел в направление геометрической абстракции. Художник Франц Марк трагически погиб под Верденом в возрасте 36 лет.
#ФранцМарк #Анимализм #Экспрессионизм
1911 г.
Франц Марк
Художественные музеи Гарварда, Кеймбридж.
Франц Марк – известный немецкий живописец-экспрессионист, основавший вместе с В. Кандинским альманах, а затем и объединение “Синий всадник”. Творческий путь Франца Марка очень неоднозначен, за короткую жизнь им были пройдены очень непохожие друг на друга этапы.
Первоначально источник максимальной приближенности к природе и, следовательно, наивысшей чувственности и искренности он искал в изображениях животных. Именно в этом он находил “…приток свежей крови в природе…”. Поиск новых способов выражения приводит Марка к авангардистам, вместе с которыми он принимает участие в создании журнала “Пан”.
Творческий поиск художника обусловлен желанием проникнуть в суть вещей, увидеть “духовную сторону природы” за границами материальной видимости.
Первоначально Марк стремится уйти от цивилизации в мир дикой природы, но постепенно он и здесь начинает тяготиться обилием плотского. Вырисовываемые реальные образы животных постепенно становятся у него все более и более схематичными. Таким образом осуществляется переход творчества Марка от “сезаннизма к экспрессионизму”.
В конце концов образы животных трансформируются у него в совершенно абстрактные образы, рождающие собственный мир художника.
Одним из “переходных” полотен Марка является картина “Красные кони”. Некоторая схематичность композиции не уменьшает ощущения реальности изображения – полных внутренней кипучей энергии трех коней. Хотя по стилистике эта работа уже напоминает ритмическую арабеску своей декоративностью, близкой к фовистам и экспрессионистам, это еще “живая” натуральная живопись.
Красный цвет – выражение высшей природной чувственности в ощущении художника. Сила и неудержимость дикой природы Передают пульс жизни, ее искренность в не тронутом человеком виде.
В последующих работах реальные образы животных постепенно наполняются “стеклянной” прозрачностью, линии создают геометрические силуэты. В работе 1914 г. “Борьба форм” Марк уже выступает как абсолютный абстракционист.
Объединение “Синий всадник” было создано в 1911 г. Марком вместе с В. Кандинским и просуществовало до 1914 г. Оригинальное название было придумано сообща основоположниками: и Кандинский, и Марк предпочитали синий цвет; первый находил колоритными всадников, второй всю жизнь обожал лошадей. В определенной степени необходимость в подобном объединении существовала уже несколько лет, однако только отказ официальной выставки “Мюнхенский Сецессион” принять работы авангардистов показал невозможность художников нового направления существовать в рамках “общепринятой” живописи.
Новое искусство выходило за рамки реальности, оно начинало существовать по своим собственным законам в собственном, созданном чутьем и рукой художника мире. Сам Марк писал, что модернисты изображали “вещи, спрятанные под покровом видимости”. Загадка бытия, не познаваемая суть всего интересовала и художников “Синего всадника”. Считается, что первая абстрактная картина была написана другом Марка – В. Кандинским в 1910 г.
Путь художников нового объединения, начавшийся от экспрессионизма, постепенно под влиянием своих лидеров переходит к все более и более бунтарствующим и революционным способам самовыражения и самопоиска, находящихся порой на грани “неискусства”. Работы, выполненные участниками “Синего всадника”, наполнены яркими цветами, символическими и чисто декоративными элементами. Это очень отчетливо проявилось в полотне Марка “Башня синих лошадей”, к сожалению, не сохранившемся и доступном зрителям только на фотографиях.
Если Кандинский развивал эмоциональный, “аморфный” абстрактивизм, то Марк со временем перешел в направление геометрической абстракции. Художник Франц Марк трагически погиб под Верденом в возрасте 36 лет.
#ФранцМарк #Анимализм #Экспрессионизм
"Синий дом"
1917 г.
Марк Захарович Шагал
Музей современного искусства, Льеж.
Витебск был любимым городом Шагала, знаковым местом, о котором художник всегда помнил и берёг эти воспоминания. Не случайно, когда живописцу выпала возможность посетить Советский Союз по приглашению Фурцевой, Шагал намеренно отказался от поездки в Витебск – хотел сохранить в душе старый город, город своей юности и первой любви. Полотно «Синий дом», как и многие другие, посвящено известному белорусскому городу.
Пейзаж, воспроизведённый Шагалом, отличается авторской достоверностью и реалистичностью, кроме, пожалуй, собственно синего дома, выписанного на переднем плане. С чем был связан выбор этого колера? Некоторые критики трактуют этот цвет как символ тоски – художник скучал по родному городу. Также можно назвать синий колер цветом воспоминания. Примечательная и цветовая трактовка неба – оно полностью залито золотым маревом, в результате чего город превращается в особенное фантастическое место.
Как во многих работах Шагала, картина несёт отпечаток авторской реальности. Это особенное мироощущение, где обыденность окрашивается в яркие цвета посредством чувств, эмоций и любви. «Париж, ты мой Витебск» - говаривал Шагал, и не было комплимента выше.
#МаркШагал #ГородскойПейзаж #Кубизм
1917 г.
Марк Захарович Шагал
Музей современного искусства, Льеж.
Витебск был любимым городом Шагала, знаковым местом, о котором художник всегда помнил и берёг эти воспоминания. Не случайно, когда живописцу выпала возможность посетить Советский Союз по приглашению Фурцевой, Шагал намеренно отказался от поездки в Витебск – хотел сохранить в душе старый город, город своей юности и первой любви. Полотно «Синий дом», как и многие другие, посвящено известному белорусскому городу.
Пейзаж, воспроизведённый Шагалом, отличается авторской достоверностью и реалистичностью, кроме, пожалуй, собственно синего дома, выписанного на переднем плане. С чем был связан выбор этого колера? Некоторые критики трактуют этот цвет как символ тоски – художник скучал по родному городу. Также можно назвать синий колер цветом воспоминания. Примечательная и цветовая трактовка неба – оно полностью залито золотым маревом, в результате чего город превращается в особенное фантастическое место.
Как во многих работах Шагала, картина несёт отпечаток авторской реальности. Это особенное мироощущение, где обыденность окрашивается в яркие цвета посредством чувств, эмоций и любви. «Париж, ты мой Витебск» - говаривал Шагал, и не было комплимента выше.
#МаркШагал #ГородскойПейзаж #Кубизм