"Сирин и Алконост. Песнь радости и печали"
1896 г.
Виктор Михайлович Васнецов
Государственная Третьяковская галерея.

В основе сюжета картины Виктора Васнецова «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали» лежат образы, созданные средневековой народной фантазией, а более глубокие истоки восходят к восточной и греческой мифологиям. Сирин и Алконост в византийских и русских средневековых легендах – райские птицы. Алконост – воплощение радости, Сирин воплощает печаль и горе. В русском народном творчестве – лубках, росписях деревянной домашней утвари, прялок, дверец шкафов – изображения Сирина и Алконоста были традиционным сюжетом.

Гамаюн – это мифическая дохристианская птица с человеческой головой, пришедшая в русскую культуру из Ирана. Именно этим образом вдохновлялся бренд ювелирных украшений NÁNA, при создании своего первого арт-объекта кольца ГАМАЮН. Минималистичная птица из серебра и эмали отсылает к деревянной резьбе XVIII-XIX, русскому лубку и керамике.

Бренд NÁNA сохраняет культурные коды и воплощает их в украшениях. О том, как можно модернизировать древнерусские рясны и колты и носить на себе «артефакт» в повседневной жизни читайте на странице коллекции ДУША.

"Смерть Касагемаса"
1901 г.
Пабло Пикассо
Музей Пикассо, Париж.

Молодой каталанский художник Карлос Касагемас был ближайшим другом Пабло Пикассо в богемной Барселоне. Не удивительно, что именно он стал спутником Пикассо в первой поездке в Париж на рубеже веков. Но если для Пикассо это путешествие было первым крошечным шагом к будущей мировой славе, для Касагемаса оно стало началом конца. В Париже Карлос страстно влюбился в юную натурщицу по имени Жермен. Очевидно, эти чувства не были взаимными, Касагемас погрузился в глубокую депрессию и стал часто говорить о самоубийстве.

@pic_history

Рождественские праздники Пикассо и Касагемас провели в Барселоне, а затем отправились в Малагу навестить родственников Пабло. Карлос, однако, здесь надолго не задержался – он вернулся в Барселону, а оттуда снова в Париж. Но Жермен продолжала отвергать его чувства. 17 февраля 1901 года Касагемас организовал ужин в одном из парижских кафе, на который пригласил свою возлюбленную и нескольких друзей. После нескольких порций вина и абсента Карлос в последний раз предложил Жермен выйти за него. Когда девушка вновь ответила ему отказом, он выхватил пистолет и выстрелил в нее. Пуля прошла мимо, Касагемас приставил дуло к правому виску и выстрелил снова. Он умер в больнице тем же вечером.

Картина «Смерть Касагемаса» стала точкой отсчета «голубого» периода в творчестве Пабло Пикассо. Во многих работах следующих нескольких лет художник будет оплакивать своего друга, хоть и не всегда настолько очевидно. Пикассо вернулся в Париж в мае 1901 года, снял ту же студию, которую они делили с Касагемасом, и побывал в кафе, где Карлос совершил самоубийство. И, в конце концов (это было вполне в духе Пикассо), завел роман с Жермен. Она оставалась частью его жизни на протяжении многих лет и была одной из моделей, позировавших ему для «Авиньонских девиц».

Существует теория, согласно которой Пикассо считал Касагемаса в некотором смысле родственной душой Винсента Ван Гога. Как раз на те годы, когда молодой испанец приехал покорять Париж, пришелся первый взрыв популярности Ван Гога, начали впервые публиковаться его письма к брату. И в ранних парижских работах Пикассо вполне отчетливо просматривается влияние голландского художника. В «Смерти Касагемаса» это не только палитра, имитирующая вангоговские «Автопортрет в серой фетровой шляпе» и «Кресло Поля Гогена». Эксперты считают, что композиция картины Пикассо повторяет маленький рисунок, сделанный доктором Гаше, который изображает Ван Гога на смертном одре.

@pic_history

#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм

"Суд Соломона"
1617 г.
Питер Пауль Рубенс
Национальная галерея Дании, Копенгаген.

👀 Смотреть в высоком качестве

@pic_history x @paintings_collection

"Ветряная мельница близ Гааги"
1882 г.
Винсент Ван Гог
Частная коллекция.

@pic_history

"Бульвар Капуцинок в Париже"
1873 г.
Клод Моне
ГМИИ имени А. С. Пушкина.

У Клода Моне есть две картины с видом на бульвар Капуцинок. Одна сейчас находится в коллекции музея им. Пушкина в Москве, а вторая - в музее Нельсона-Аткинса в Канзас-сити. И оба музея имеют право надеяться, что именно их «Бульвар» участвовал в самой первой выставке импрессионистов, которая проходила в Париже в 1874 году.

@pic_history

Сейчас уже невозможно разыскать доказательства в пользу одной из картин, но можно легко составить представление о том, как эту картину воспринимали современники. Тот самый арт-критик Луи Леруа из газеты Le Charivari, который смеха ради назвал молодых художников импрессионистами, безжалостно прошелся и по «Бульвару Капуцинок» Клода Моне. Он писал:

«Да вы знаете, в какой технике выполнены эти пятна? В той же самой, что используют маляры, когда подновляют облицовку фонтанов! Шлеп! Блям! Бум! Как легло, так и легло! Это неслыханно! Это ужасно! Меня сейчас удар хватит!»

Злосчастный критик не унимается, его возмущают неразборчивые черные пятна в нижней части картины: «Выходит дело, и я похож на такое же черное пятно, когда прогуливаюсь по бульвару Капуцинок? Гром и молния!» Справедливости ради, Моне действительно искажает перспективу бульвара и с помощью нескольких трюков создает ощущение быстрого, случайного взгляда, брошенного сверху на шумную, многолюдную улицу.

Картина написана с балкона студии фотографа Надара - той самой студии, где позже состоится первая выставка импрессионистов и где Луи Леруа придумает термин «импрессионизм». По сохранившимся фотографиям мы можем предположить, что фото-ателье занимало два верхних этажа 4-этажного здания. И если судить по перспективе, в которой написаны дома на противоположной стороне улицы, то Моне стоял с мольбертом на третьем этаже. Здесь все сходится. Но фиакры и прохожие написаны так, как будто художник как минимум влез на крышу. Если не выше.

Над картинами импрессионистов смеялись и критики, и зрители. Главный упрек и повод для насмешек - недоработанность, эскизность, которую художники-выскочки осмелились выдавать за новую ценность живописи. Достаточно посмотреть на несколько эталонных салонных полотен того времени и сравнить их с «Бульваром Капуцинок», чтобы понимать, в какую ярость приводили критиков новые живописные и композиционные решения молодых художников.

Моне не интересуют люди - он безжалостно обрезает фигуры двух мужчин, стоящих на балконе. От одного из них оставляет только шляпу. На каждого прохожего, гуляющего по бульвару, отводится в лучшем случае три-четыре мазка. Чаще - один. Фиакры тонут в густой золотой реке, которая изображает освещенную солнцем улицу. И один наглый золотой зигзагообразный росчерк брошен практически в центр картины.

Моне интересен только этот световой эффект - большая тень от здания, которая на закате перерезает широкий, залитый солнцем бульвар. И еще ощущение непрерывного движения, которое создается исключительно живописными средствами.

@pic_history

#КлодМоне #Импрессионизм

"Белые розы и персики"
1873 г.
Анри Фантен-Латур
Собрание Фонда Эмиля Бюрле, Цюрих.

@pic_history

"Около дачи"
1894 г.
Иван Иванович Шишкин
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань.

👀 Смотреть в высоком качестве

@pic_history х @paintings_collection

"Скорбящая Мария Магдалина"
1640 г.
Жорж де Латур
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Двух любимых героинь Жоржа де Латура мы видим на его картине «Скорбящая Мария Магдалина». Первая – это свеча: редкое полотно Латура обходится без неё, свеча стала опознавательным знаком, позволяющим «вычислить» художника среди других мастеров тенебросо. Ну, а вторая – разумеется, сама раскаявшаяся библейская блудница.

О том, что Мария Магдалина была предметом творческих медитаций художника, можно судить хотя бы по тому, что до нас дошли четыре (и это не считая копий) различающихся, но всё же очень похожих композиций Латура. На всех четырёх сидящая в темном помещении Магдалина размышляет о бренном в присутствии двух неизменных атрибутов – локального источника света и черепа.

@pic_history