"Звездная ночь над Роной"
Сентябрь 1888 г.
Винсент Ван Гог
Музей д’Орсе, Париж.
В конце 80-х годов Ван Гог переехал в Арль в поисках вдохновения, а также для реализации своего проекта «мастерской Юга». В этот период происходит окончательное формирование творческой манеры художника, полностью раскрывается ее своеобразие. Здесь, под теплым южным солнцем, Ван Гог создает картины, в которых старается максимально точно передать особенности местной природы, ее суть, а также наиболее полно использует цвет как средство выражения своих идей.
В 1888 году живописец посылает своему другу Бошу набросок произведения, на котором изображена набережная ночного Арля. Позднее эта картина Винсента Ван Гога получила название «Звездная ночь над Роной». Это полотно является ярким примером постимпрессионистской живописи и настоящим шедевром, не менее великолепным, чем другие работы мастера, написанные в этот период его жизни.
Сюжет произведения незамысловат, но приятен: ночной город, набережная, залитая светом фонарей, неспешно прогуливающаяся, по-видимому, немолодая пара. Однако первое, что бросается в глаза — это потрясающее ночное небо, усыпанное крупными звездами. Игра множества оттенков, от бледно-голубого до иссиня-черного, сообщает необходимую глубину и объем этой части картины. Звезды на небосклоне изображены слишком большими: их сияние перекликается с искусственным светом фонарей. Художник словно противопоставляет мир, созданный людьми, таинственному бесконечному космосу, подчеркивая как схожесть, так и различия между ними.
Полотно выдержано в приятной глазу сине-желтой гамме: такое сочетание считается одним из самых ярких в живописи. Однако преобладание на картине Винсента Ван Гога «Звездная ночь над Роной» синего цвета и его оттенков сообщает произведению спокойствие и умиротворенность, приуменьшая воздействие энергичного золотого и желтого. Этим произведение отличается от более поздних картин Ван Гога, многим из которых свойственно тревожное и гнетущее настроение.
Преувеличение и декоративность, использование цвета как инструмента для передачи своей основной мысли, вдумчивое изображение состояния окружающего мира — основные особенности позднего творчества живописца, характерные также для нового направления в искусстве, получившего название постимпрессионизм.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Сентябрь 1888 г.
Винсент Ван Гог
Музей д’Орсе, Париж.
В конце 80-х годов Ван Гог переехал в Арль в поисках вдохновения, а также для реализации своего проекта «мастерской Юга». В этот период происходит окончательное формирование творческой манеры художника, полностью раскрывается ее своеобразие. Здесь, под теплым южным солнцем, Ван Гог создает картины, в которых старается максимально точно передать особенности местной природы, ее суть, а также наиболее полно использует цвет как средство выражения своих идей.
В 1888 году живописец посылает своему другу Бошу набросок произведения, на котором изображена набережная ночного Арля. Позднее эта картина Винсента Ван Гога получила название «Звездная ночь над Роной». Это полотно является ярким примером постимпрессионистской живописи и настоящим шедевром, не менее великолепным, чем другие работы мастера, написанные в этот период его жизни.
Сюжет произведения незамысловат, но приятен: ночной город, набережная, залитая светом фонарей, неспешно прогуливающаяся, по-видимому, немолодая пара. Однако первое, что бросается в глаза — это потрясающее ночное небо, усыпанное крупными звездами. Игра множества оттенков, от бледно-голубого до иссиня-черного, сообщает необходимую глубину и объем этой части картины. Звезды на небосклоне изображены слишком большими: их сияние перекликается с искусственным светом фонарей. Художник словно противопоставляет мир, созданный людьми, таинственному бесконечному космосу, подчеркивая как схожесть, так и различия между ними.
Полотно выдержано в приятной глазу сине-желтой гамме: такое сочетание считается одним из самых ярких в живописи. Однако преобладание на картине Винсента Ван Гога «Звездная ночь над Роной» синего цвета и его оттенков сообщает произведению спокойствие и умиротворенность, приуменьшая воздействие энергичного золотого и желтого. Этим произведение отличается от более поздних картин Ван Гога, многим из которых свойственно тревожное и гнетущее настроение.
Преувеличение и декоративность, использование цвета как инструмента для передачи своей основной мысли, вдумчивое изображение состояния окружающего мира — основные особенности позднего творчества живописца, характерные также для нового направления в искусстве, получившего название постимпрессионизм.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
"Ирисы в вазе"
1890 г.
Винсент Ван Гог
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Непризнанный при жизни, непонятый своими современниками, Винсент Ван Гог на сегодняшний день считается величайшим художником-постимпрессионистом, поражающим ценителей своим ярчайшим талантом, неповторимостью изобразительных методов и огромным наследием. Всего за десять лет деятельности живописца им создано около тысячи картин и столько же рисунков. «Действительность — вот истинная основа подлинной поэзии», — слова самого мастера, которые и определили его творческое кредо.
Картина Ван Гога «Ирисы в вазе» написана за несколько месяцев до его смерти в апреле 1890 года во время пребывания художника в лечебнице для душевнобольных. В те дни, когда болезнь отступала, одинокий гений работал не прекращая. В этот период он был сконцентрирован на написании пейзажей и натюрмортов.
Практически одновременно он создает два холста с ирисами в вазе: один на розовом фоне, другой на желтом. Тонко чувствующий живописец показывал, насколько сильны эмоциональные возможности разных цветовых решений одного сюжета, насколько по-разному могут восприниматься изображенные предметы исходя из того, контрастируют они с общим фоном или гармонируют с ним. Винсент Ван Гог изобразил «Ирисы в вазе», подчеркивая гармонию зеленого, фиолетового и розового. Следует отметить, что спустя годы краски на холсте поблекли и выцвели. Розовый фон сменился почти белым, а фиолетовые оттенки ирисов утратили свою глубину, сместившись ближе к голубому. Художник печально отмечал, что картины выцветают подобно цветам. Время подтвердило его утверждение.
На этом полотне взгляд приковывает пышный букет ирисов в бледно-голубой вазе. Пастельные холодные тона изображения легки и воздушны, на картине нет игры светотени. Именно к этому Винсент Ван Гог и стремился – к гармонии и покою, располагая умиротворяющие прохладные фиолетовые пятна ирисов по всему холсту. Он тщательно выписал лепестки, передавая их нежность, подчеркивая их прекрасную недолговечность, изобразив увядание отдельных цветов в букете.
Символично, что великий мастер живописи так больше и не возвратился к ярким и едким краскам, предпочитая в последние месяцы жизни писать в мягких, глухих пастельных тонах. На картине Ван Гога «Ирисы...», как и на последующих за ней, отражено внутреннее состояние художника. На полотнах проступают характерные черты неустойчивых психических состояний живописца, отзвуки его метаний между душевным подъемом и отчаяньем.
Несмотря на то, что на рисунке, помимо свежих и полных жизни ирисов, присутствуют и такие, которых уже коснулось увядание, невзирая на всю символичность грустного посыла о быстротечности красоты, эта работа гения воспринимается легко и без негатива. Нежность и гармония оттенков, четкость линий натюрморта дарят созерцающему приятное расслабление.
После трагического ухода живописца картину Ван Гога «Ирисы в вазе» передали его матери, и она принадлежала ей до самой ее смерти в 1908 году. Сейчас выдающееся творение находится в музее Метрополитен в Нью-Йорке.
#ВанГог #Постимпрессионизм #Натюрморт
@pic_history
1890 г.
Винсент Ван Гог
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Непризнанный при жизни, непонятый своими современниками, Винсент Ван Гог на сегодняшний день считается величайшим художником-постимпрессионистом, поражающим ценителей своим ярчайшим талантом, неповторимостью изобразительных методов и огромным наследием. Всего за десять лет деятельности живописца им создано около тысячи картин и столько же рисунков. «Действительность — вот истинная основа подлинной поэзии», — слова самого мастера, которые и определили его творческое кредо.
Картина Ван Гога «Ирисы в вазе» написана за несколько месяцев до его смерти в апреле 1890 года во время пребывания художника в лечебнице для душевнобольных. В те дни, когда болезнь отступала, одинокий гений работал не прекращая. В этот период он был сконцентрирован на написании пейзажей и натюрмортов.
Практически одновременно он создает два холста с ирисами в вазе: один на розовом фоне, другой на желтом. Тонко чувствующий живописец показывал, насколько сильны эмоциональные возможности разных цветовых решений одного сюжета, насколько по-разному могут восприниматься изображенные предметы исходя из того, контрастируют они с общим фоном или гармонируют с ним. Винсент Ван Гог изобразил «Ирисы в вазе», подчеркивая гармонию зеленого, фиолетового и розового. Следует отметить, что спустя годы краски на холсте поблекли и выцвели. Розовый фон сменился почти белым, а фиолетовые оттенки ирисов утратили свою глубину, сместившись ближе к голубому. Художник печально отмечал, что картины выцветают подобно цветам. Время подтвердило его утверждение.
На этом полотне взгляд приковывает пышный букет ирисов в бледно-голубой вазе. Пастельные холодные тона изображения легки и воздушны, на картине нет игры светотени. Именно к этому Винсент Ван Гог и стремился – к гармонии и покою, располагая умиротворяющие прохладные фиолетовые пятна ирисов по всему холсту. Он тщательно выписал лепестки, передавая их нежность, подчеркивая их прекрасную недолговечность, изобразив увядание отдельных цветов в букете.
Символично, что великий мастер живописи так больше и не возвратился к ярким и едким краскам, предпочитая в последние месяцы жизни писать в мягких, глухих пастельных тонах. На картине Ван Гога «Ирисы...», как и на последующих за ней, отражено внутреннее состояние художника. На полотнах проступают характерные черты неустойчивых психических состояний живописца, отзвуки его метаний между душевным подъемом и отчаяньем.
Несмотря на то, что на рисунке, помимо свежих и полных жизни ирисов, присутствуют и такие, которых уже коснулось увядание, невзирая на всю символичность грустного посыла о быстротечности красоты, эта работа гения воспринимается легко и без негатива. Нежность и гармония оттенков, четкость линий натюрморта дарят созерцающему приятное расслабление.
После трагического ухода живописца картину Ван Гога «Ирисы в вазе» передали его матери, и она принадлежала ей до самой ее смерти в 1908 году. Сейчас выдающееся творение находится в музее Метрополитен в Нью-Йорке.
#ВанГог #Постимпрессионизм #Натюрморт
@pic_history
"Ботинки"
Ноябрь 1886 г.
Винсент Ван Гог
Музей Винсента Ван Гога, Амстердам.
Винсент часто находил вдохновение, наблюдая за суровой жизнью простых людей: крестьян, рабочих. Их тяжелый быт, повседневные заботы и мимолетный отдых не раз становились сюжетами для его произведений. Серия работ, посвященных обуви, служит продолжением этой темы, впервые поднятой живописцем еще в «голландский период». Однако картина Ван Гога «Ботинки» или, как ее еще называют, "Башмаки" необычна именно тем, что ее герои практически оживают, сообщая зрителю подробности своей нелегкой жизни. Они выглядят не менее уставшими и разбитыми, чем, вероятно, сбросивший их владелец. Художник не пытался приукрасить действительность, правдиво и честно изображая грязные старые башмаки. Колорит полотна, довольно монотонный и однообразный, подчеркивает этот эффект.
Ван Гогу, как и многим его современникам, был свойственен символизм. Различные символы широко использовались импрессионистами и постимпрессионистами как реакция на реализм и натурализм в искусстве. Для Винсента было особенно важно выразить свои эмоции через произведение, воззвать к чувствам зрителя. На картине Ван Гога «Ботинки» изображенные предметы символизируют тяжкий труд и беспросветное существование, однако у самого мастера они, возможно, ассоциировались с его собственной жизнью.
Примечательно, что, выбирая «модель» для этой работы, художник приобрел поношенную обувь на рынке. Поскольку ботинки были слишком чистыми, Ван Гог надел их и долго гулял по улице, пока они не приобрели драматический и более соответствующий его идее вид. Таким образом, можно сказать, что на картине переплетаются сюжеты двух историй, прекрасно дополняющих друг друга.
#ВанГог #Постимпрессионизм
Ноябрь 1886 г.
Винсент Ван Гог
Музей Винсента Ван Гога, Амстердам.
Винсент часто находил вдохновение, наблюдая за суровой жизнью простых людей: крестьян, рабочих. Их тяжелый быт, повседневные заботы и мимолетный отдых не раз становились сюжетами для его произведений. Серия работ, посвященных обуви, служит продолжением этой темы, впервые поднятой живописцем еще в «голландский период». Однако картина Ван Гога «Ботинки» или, как ее еще называют, "Башмаки" необычна именно тем, что ее герои практически оживают, сообщая зрителю подробности своей нелегкой жизни. Они выглядят не менее уставшими и разбитыми, чем, вероятно, сбросивший их владелец. Художник не пытался приукрасить действительность, правдиво и честно изображая грязные старые башмаки. Колорит полотна, довольно монотонный и однообразный, подчеркивает этот эффект.
Ван Гогу, как и многим его современникам, был свойственен символизм. Различные символы широко использовались импрессионистами и постимпрессионистами как реакция на реализм и натурализм в искусстве. Для Винсента было особенно важно выразить свои эмоции через произведение, воззвать к чувствам зрителя. На картине Ван Гога «Ботинки» изображенные предметы символизируют тяжкий труд и беспросветное существование, однако у самого мастера они, возможно, ассоциировались с его собственной жизнью.
Примечательно, что, выбирая «модель» для этой работы, художник приобрел поношенную обувь на рынке. Поскольку ботинки были слишком чистыми, Ван Гог надел их и долго гулял по улице, пока они не приобрели драматический и более соответствующий его идее вид. Таким образом, можно сказать, что на картине переплетаются сюжеты двух историй, прекрасно дополняющих друг друга.
#ВанГог #Постимпрессионизм
"Пара ботинок"
Август 1888 г.
Винсент Ван Гог
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
В 1886 году начался новый период творческой жизни Ван Гога, один из самых плодотворных и значимых для становления его как художника. Он покинул Антверпен, поняв, что дальнейшее творческое развитие в Голландии невозможно, и переехал в Париж. Знакомство с импрессионистами и посещение художественной студии, изучение японской живописи наложили свой отпечаток на творчество живописца. В его картинах появились яркие сочные цвета и особая манера передачи воздушного пространства. Ван Гог окончательно ушел от реализма, свойственного голландской школе живописи.
Здесь была написана знаменитая серия работ, посвященная обуви, преимущественно, бедняков. Имеющая непосредственное отношение к этому циклу картина Ван Гога «Пара ботинок», относится к арлезианскому периоду. Создавая полотна, изображающие рваную стоптанную обувь бедняков, Винсент обращается к одной из своих излюбленных тем: жизни простых людей, их тяжелому быту. Кроме того, многие исследователи рассматривают все его произведения как отражение внутреннего мира художника. Неизвестно, чьи башмаки изображены на картине Ван Гога «Пара ботинок»: кого-то из жителей Арля, купленные на блошином рынке или принадлежавшие ему самому. Но они вполне могут служить символом лишений и страданий носившего их человека. Далеко не новые, принявшие форму ног своего владельца, покрытые изломами, как морщинами, ботинки явно только что сняты и небрежно брошены на пол. Судя по всему, их владелец долго бродил под дождем или по влажной траве: об этом свидетельствует лужа, натекшая на пол. Их невозможно рассматривать как просто предмет, безликий и неодушевленный, поскольку они являются свидетелями, пусть и молчаливыми, всего, что случилось за день с их хозяином.
Натюрморты с обувью сюжетно перекликаются с известной картиной художника «Едоки картофеля», продолжают ее тему: есть ощущение, что поношенные ботинки принадлежат героям именно этого полотна. Картина же Ван Гога, созданная в Арле, скорее более личная, имеющая непосредственное отношение к самому живописцу: «Пара ботинок» написана в другой манере и иной обстановке. Это произведение заметно отличается от первых в этой серии: явно прослеживается влияние импрессионизма, живописец использует приемы и знания, полученные во время пребывания в Париже.
Скорее всего, фоном для этого натюрморта стал пол в «Желтом доме» — несостоявшемся проекте Винсента, ставшим еще одним разочарованием в его жизни. Идея создания мастерской на юге, в Провансе, провалилась. Самое печальное, что ее обсуждение с Гогеном, которому предназначалась главная роль в будущей студии, закончилось ссорой, увечьем и дальнейшим пребыванием Винсента в лечебнице. Все эти события случились после написания картины Ван Гога «Пара ботинок», однако ее можно рассматривать как символическое полотно: ботинки, снятые после тяжелого трудового дня, проделали вместе с хозяином долгий путь, но неизвестно, была ли эта дорога выбрана правильно.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Август 1888 г.
Винсент Ван Гог
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
В 1886 году начался новый период творческой жизни Ван Гога, один из самых плодотворных и значимых для становления его как художника. Он покинул Антверпен, поняв, что дальнейшее творческое развитие в Голландии невозможно, и переехал в Париж. Знакомство с импрессионистами и посещение художественной студии, изучение японской живописи наложили свой отпечаток на творчество живописца. В его картинах появились яркие сочные цвета и особая манера передачи воздушного пространства. Ван Гог окончательно ушел от реализма, свойственного голландской школе живописи.
Здесь была написана знаменитая серия работ, посвященная обуви, преимущественно, бедняков. Имеющая непосредственное отношение к этому циклу картина Ван Гога «Пара ботинок», относится к арлезианскому периоду. Создавая полотна, изображающие рваную стоптанную обувь бедняков, Винсент обращается к одной из своих излюбленных тем: жизни простых людей, их тяжелому быту. Кроме того, многие исследователи рассматривают все его произведения как отражение внутреннего мира художника. Неизвестно, чьи башмаки изображены на картине Ван Гога «Пара ботинок»: кого-то из жителей Арля, купленные на блошином рынке или принадлежавшие ему самому. Но они вполне могут служить символом лишений и страданий носившего их человека. Далеко не новые, принявшие форму ног своего владельца, покрытые изломами, как морщинами, ботинки явно только что сняты и небрежно брошены на пол. Судя по всему, их владелец долго бродил под дождем или по влажной траве: об этом свидетельствует лужа, натекшая на пол. Их невозможно рассматривать как просто предмет, безликий и неодушевленный, поскольку они являются свидетелями, пусть и молчаливыми, всего, что случилось за день с их хозяином.
Натюрморты с обувью сюжетно перекликаются с известной картиной художника «Едоки картофеля», продолжают ее тему: есть ощущение, что поношенные ботинки принадлежат героям именно этого полотна. Картина же Ван Гога, созданная в Арле, скорее более личная, имеющая непосредственное отношение к самому живописцу: «Пара ботинок» написана в другой манере и иной обстановке. Это произведение заметно отличается от первых в этой серии: явно прослеживается влияние импрессионизма, живописец использует приемы и знания, полученные во время пребывания в Париже.
Скорее всего, фоном для этого натюрморта стал пол в «Желтом доме» — несостоявшемся проекте Винсента, ставшим еще одним разочарованием в его жизни. Идея создания мастерской на юге, в Провансе, провалилась. Самое печальное, что ее обсуждение с Гогеном, которому предназначалась главная роль в будущей студии, закончилось ссорой, увечьем и дальнейшим пребыванием Винсента в лечебнице. Все эти события случились после написания картины Ван Гога «Пара ботинок», однако ее можно рассматривать как символическое полотно: ботинки, снятые после тяжелого трудового дня, проделали вместе с хозяином долгий путь, но неизвестно, была ли эта дорога выбрана правильно.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
"Пара башмаков"
1887 г.
Винсент Ван Гог
Балтиморский художественный музей.
Всю жизнь Винсент Ван Гог ходил пешком. Не всегда ради собственного удовольствия, но при этом каждая такая прогулка привносила в его жизнь нечто важное и полезное. В детстве нелюдимый Винсент много бродил по окрестностям, наблюдая за природой и пополняя свою коллекцию насекомых. В юности, когда переехал в Лондон и стал работать в местном подразделении «Гупиль и Ко», каждый день ходил пешком на работу и обратно. И хотя в то время прогулки по Лондону были не из самых приятных, они позволяли Ван Гогу лучше узнать город, наблюдать за его жителями и чувствовать себя одним из них.
Когда там же, в Лондоне, Винсент пережил первую в своей жизни любовную драму, лишился работы у Гупиля и решил посвятить себя религии, он совершил первое длительное путешествие пешком. Три дня понадобилось Ван Гогу, чтобы дойти из Лондона до Айлворта, где он получил работу учителя в школе для мальчиков. И хотя для страдающего от безденежья Винсента это была скорее вынужденная «прогулка», он был даже рад и воображал себя паломником, идущим на богомолье. Со временем его религиозный пыл иссяк, а финансовое положение только ухудшилось. И следующее пешее путешествие стало еще более длительным (из Боринажа в Брюссель) и еще менее комфортным. Но у Ван Гога уже была новая цель и новое предназначение: он понял, что хочет стать художником.
Пройдет еще несколько лет и будет пережито еще немало трагедий, прежде чем Винсент решит перебраться в столицу европейского искусства и обретет собственный художественный «голос». И одной из вех на пути к этому новому творческому видению, на пути к «Подсолнухам» и «Звездной ночи», стала серия картин, изображающих старые и потрепанные башмаки. Они стали одним из самых узнаваемых образов в творчестве художника и ярким символом непростых и долгих поисков самого себя.
Пару потертых башмаков Винсент купил на парижском блошином рынке только лишь для того, чтобы использовать их в натюрморте. Однако они показались ему недостаточно изношенными, поэтому, прежде чем приступить к первой картине, Ван Гог надел их и долго ходил под дождем. Только тогда они стали достойны того, чтобы их нарисовать. За время жизни в Париже он создал несколько натюрмортов с живописной парой обуви. Примечательно, что самое первое из этих полотен, которое хранится в Музее Ван Гога в Амстердаме, Винсент в целях экономии написал поверх другой картины – вида из окна парижской квартиры Тео.
#ВанГог #Импрессионизм
@pic_history
1887 г.
Винсент Ван Гог
Балтиморский художественный музей.
Всю жизнь Винсент Ван Гог ходил пешком. Не всегда ради собственного удовольствия, но при этом каждая такая прогулка привносила в его жизнь нечто важное и полезное. В детстве нелюдимый Винсент много бродил по окрестностям, наблюдая за природой и пополняя свою коллекцию насекомых. В юности, когда переехал в Лондон и стал работать в местном подразделении «Гупиль и Ко», каждый день ходил пешком на работу и обратно. И хотя в то время прогулки по Лондону были не из самых приятных, они позволяли Ван Гогу лучше узнать город, наблюдать за его жителями и чувствовать себя одним из них.
Когда там же, в Лондоне, Винсент пережил первую в своей жизни любовную драму, лишился работы у Гупиля и решил посвятить себя религии, он совершил первое длительное путешествие пешком. Три дня понадобилось Ван Гогу, чтобы дойти из Лондона до Айлворта, где он получил работу учителя в школе для мальчиков. И хотя для страдающего от безденежья Винсента это была скорее вынужденная «прогулка», он был даже рад и воображал себя паломником, идущим на богомолье. Со временем его религиозный пыл иссяк, а финансовое положение только ухудшилось. И следующее пешее путешествие стало еще более длительным (из Боринажа в Брюссель) и еще менее комфортным. Но у Ван Гога уже была новая цель и новое предназначение: он понял, что хочет стать художником.
Пройдет еще несколько лет и будет пережито еще немало трагедий, прежде чем Винсент решит перебраться в столицу европейского искусства и обретет собственный художественный «голос». И одной из вех на пути к этому новому творческому видению, на пути к «Подсолнухам» и «Звездной ночи», стала серия картин, изображающих старые и потрепанные башмаки. Они стали одним из самых узнаваемых образов в творчестве художника и ярким символом непростых и долгих поисков самого себя.
Пару потертых башмаков Винсент купил на парижском блошином рынке только лишь для того, чтобы использовать их в натюрморте. Однако они показались ему недостаточно изношенными, поэтому, прежде чем приступить к первой картине, Ван Гог надел их и долго ходил под дождем. Только тогда они стали достойны того, чтобы их нарисовать. За время жизни в Париже он создал несколько натюрмортов с живописной парой обуви. Примечательно, что самое первое из этих полотен, которое хранится в Музее Ван Гога в Амстердаме, Винсент в целях экономии написал поверх другой картины – вида из окна парижской квартиры Тео.
#ВанГог #Импрессионизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
"Портрет Папаши Танги"
1888 г.
Винсент Ван Гог
Музей Родена, Париж.
Изображенный на этой картине мужчина был весьма известной личностью среди парижских художников. За время жизни во французской столице Винсент Ван Гог написал три портрета Папаши Танги. Второе и третье (описываемое здесь) полотна очень похожи по стилю и композиции, но разительно отличаются от первого, созданного еще до знакомства Винсента с японским искусством.
Картины Парижского периода объединяет одна интересная особенность – все они не похожи друг на друга. Винсент как будто пробует « на вкус» то один стиль, то другой: от реализма – к импрессионизму, затем – к пуантилизму. Он постоянно экспериментирует, сохраняя при этом неуловимую узнаваемость и индивидуальность. Иногда Ван Гог пишет по три картины в день. И здесь стоит поблагодарить Папашу Танги (и, конечно же, Тео, неутомимо снабжавшего брата деньгами).
Жюльен Танги держал лавку на улице Клозель, где продавал краски, кисти и картины. Полотна, которые спустя годы стали стоить целое состояние, доставались ему практически бесплатно. Молодым и сплошь бедным художникам Танги давал неограниченный кредит на приобретение художественных принадлежностей и даже подкармливал их. Лавка Папаши Танги долгое время была единственным местом, где можно было увидеть и купить строго по прейскуранту (большие – сто франков, маленькие – сорок) работы Сезанна. Одним из главных убеждений Танги было: «Художник, который ведет себя достойно, обязательно добьется успеха». Винсенту, который в то время пристрастился к абсенту и довольно редко вел себя достойно, успех явно не грозил, но Папаше Танги эксцентричный голландец нравился. А Ван Гогу, в свою очередь, нравился любой, кто проявлял хоть малейший интерес к его работам. Он с радостью дарил лавочнику свои картины, а взамен получал возможность брать столько красок, сколько ему было нужно.
На втором и третьем портретах Папаши Танги Винсент окружил его восточными эстампами: здесь и Фудзи, и цветущая сакура, и актеры театра кабуки. В этот период Ван Гог как раз увлекся японской живописью, которая наложила отпечаток на все его дальнейшее творчество. Восточные черты приобрело и лицо знаменитого лавочника (его здесь часто сравнивают с добродушным Буддой).
#ВанГог #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
1888 г.
Винсент Ван Гог
Музей Родена, Париж.
Изображенный на этой картине мужчина был весьма известной личностью среди парижских художников. За время жизни во французской столице Винсент Ван Гог написал три портрета Папаши Танги. Второе и третье (описываемое здесь) полотна очень похожи по стилю и композиции, но разительно отличаются от первого, созданного еще до знакомства Винсента с японским искусством.
Картины Парижского периода объединяет одна интересная особенность – все они не похожи друг на друга. Винсент как будто пробует « на вкус» то один стиль, то другой: от реализма – к импрессионизму, затем – к пуантилизму. Он постоянно экспериментирует, сохраняя при этом неуловимую узнаваемость и индивидуальность. Иногда Ван Гог пишет по три картины в день. И здесь стоит поблагодарить Папашу Танги (и, конечно же, Тео, неутомимо снабжавшего брата деньгами).
Жюльен Танги держал лавку на улице Клозель, где продавал краски, кисти и картины. Полотна, которые спустя годы стали стоить целое состояние, доставались ему практически бесплатно. Молодым и сплошь бедным художникам Танги давал неограниченный кредит на приобретение художественных принадлежностей и даже подкармливал их. Лавка Папаши Танги долгое время была единственным местом, где можно было увидеть и купить строго по прейскуранту (большие – сто франков, маленькие – сорок) работы Сезанна. Одним из главных убеждений Танги было: «Художник, который ведет себя достойно, обязательно добьется успеха». Винсенту, который в то время пристрастился к абсенту и довольно редко вел себя достойно, успех явно не грозил, но Папаше Танги эксцентричный голландец нравился. А Ван Гогу, в свою очередь, нравился любой, кто проявлял хоть малейший интерес к его работам. Он с радостью дарил лавочнику свои картины, а взамен получал возможность брать столько красок, сколько ему было нужно.
На втором и третьем портретах Папаши Танги Винсент окружил его восточными эстампами: здесь и Фудзи, и цветущая сакура, и актеры театра кабуки. В этот период Ван Гог как раз увлекся японской живописью, которая наложила отпечаток на все его дальнейшее творчество. Восточные черты приобрело и лицо знаменитого лавочника (его здесь часто сравнивают с добродушным Буддой).
#ВанГог #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
«Работа отвлекает меня намного лучше, чем что-либо другое. Если бы я мог снова ввергнуть себя в неё со всей энергией, это стало бы лучшим средством»
Этот пейзаж 13 ноября 2017 года стал вторым самым дорогим произведением голландского постимпрессиониста. Тем вечером на аукционе Christie’s в Нью-Йорке после ожесточённой четырёхминутной битвы ставок покупатель по телефону выложил за неё 81,3 млн долларов при эстимейте в 50 миллионов. Это всего чуть меньше рекордных 82,5 млн долларов, заплаченных за «Портрет доктора Гаше» (1890) в мае 1990-го.
Эту картину Ван Гог написал за год до смерти, в конце лета 1889 года, в приюте для душевнобольных Сен-Поль-де-Мозоль. Туда художник попал в мае того же года после разрушительного нервного срыва, последовавшего за ссорой с Полем Гогеном в маленьком «Жёлтом доме» в Арле. Ван Гог тогда был глубоко расстроен тем, что его брат Тео собирается жениться – художник беспокоился, что это положит конец их тесным отношениям.
Гоген, опасаясь за свою жизнь, сбежал в гостиницу. Полагая, что и друг оставил его навсегда, Ван Гог впал в отчаяние и разрезал левое ухо бритвой. Следующие две недели он провёл в больнице Арля. После очередного срыва преподобный Фредерик Салле, один из немногих друзей художника, предположил ему отправиться в Сен-Поль-де-Мозоль.
В первый месяц пребывания там Ван Гог находился под пристальным наблюдением, не покидая комнаты. «Через окно, забранное железной решёткой, я могу разглядеть пшеничное поле за оградой, – писал он брату, – над которым я вижу, как солнце восходит в зенит».
Пейзаж «Вспаханное поле и пахарь. Сен-Реми» стал первой картиной, написанной после длительного перерыва. Ван Гог начал работу в последние дни августа и завершил 2 сентября. «Вчера я немного начал работать над видом из окна, – писал он брату в те дни. – Работа отвлекает меня намного лучше, чем что-либо другое. Если бы я мог снова ввергнуть себя в неё со всей энергией, это стало бы лучшим средством».
В течение года Ван Гог писал это поле в разное время суток, в разную погоду и на разных этапах посадки и сбора урожая. Несмотря на то, что он не считал серией 13 получившихся полотен, на каждом представлены одни и те же основные элементы: стена, пересекающая верхний край пейзажа, крестьянские постройки и далёкие холмы.
#ВанГог #Пейзаж #Постимпрессионизм
@pic_history
Этот пейзаж 13 ноября 2017 года стал вторым самым дорогим произведением голландского постимпрессиониста. Тем вечером на аукционе Christie’s в Нью-Йорке после ожесточённой четырёхминутной битвы ставок покупатель по телефону выложил за неё 81,3 млн долларов при эстимейте в 50 миллионов. Это всего чуть меньше рекордных 82,5 млн долларов, заплаченных за «Портрет доктора Гаше» (1890) в мае 1990-го.
Эту картину Ван Гог написал за год до смерти, в конце лета 1889 года, в приюте для душевнобольных Сен-Поль-де-Мозоль. Туда художник попал в мае того же года после разрушительного нервного срыва, последовавшего за ссорой с Полем Гогеном в маленьком «Жёлтом доме» в Арле. Ван Гог тогда был глубоко расстроен тем, что его брат Тео собирается жениться – художник беспокоился, что это положит конец их тесным отношениям.
Гоген, опасаясь за свою жизнь, сбежал в гостиницу. Полагая, что и друг оставил его навсегда, Ван Гог впал в отчаяние и разрезал левое ухо бритвой. Следующие две недели он провёл в больнице Арля. После очередного срыва преподобный Фредерик Салле, один из немногих друзей художника, предположил ему отправиться в Сен-Поль-де-Мозоль.
В первый месяц пребывания там Ван Гог находился под пристальным наблюдением, не покидая комнаты. «Через окно, забранное железной решёткой, я могу разглядеть пшеничное поле за оградой, – писал он брату, – над которым я вижу, как солнце восходит в зенит».
Пейзаж «Вспаханное поле и пахарь. Сен-Реми» стал первой картиной, написанной после длительного перерыва. Ван Гог начал работу в последние дни августа и завершил 2 сентября. «Вчера я немного начал работать над видом из окна, – писал он брату в те дни. – Работа отвлекает меня намного лучше, чем что-либо другое. Если бы я мог снова ввергнуть себя в неё со всей энергией, это стало бы лучшим средством».
В течение года Ван Гог писал это поле в разное время суток, в разную погоду и на разных этапах посадки и сбора урожая. Несмотря на то, что он не считал серией 13 получившихся полотен, на каждом представлены одни и те же основные элементы: стена, пересекающая верхний край пейзажа, крестьянские постройки и далёкие холмы.
#ВанГог #Пейзаж #Постимпрессионизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
В 1886 году Винсент навсегда покинул родную страну и перебрался в Париж, «под крыло» к любимому брату Тео. Последний был не слишком рад такому повороту событий, но считал своею обязанностью всегда и во всем поддерживать Винсента. Тео водил брата в богемные заведения, знакомил с молодыми и перспективными художниками и продолжал обеспечивать его всем необходимым для занятий живописью. Вместе братья увлеклись японской живописью и стали с одержимостью скупать гравюры и сувениры. Многие работы Ван Гога того периода носят японский отпечаток, к ним относится и портрет «Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин».
Пышная итальянка Агостина Сегатори, открывшая на бульваре Клиши ресторан-кабаре для художников, была, кроме прочего, музой и натурщицей парижских живописцев, не обремененных богатством. Кроме «фирменных» столиков и стульев в форме тамбуринов кабаре отличала дурная слава, и приличная публика обходила его стороной. Зато для бедных художников «Тамбурин» стал вторым домом. Жгучая южная внешность Агостины позволяла им превращать ее в героиню самых разнообразных экзотических сюжетов. И, конечно, многие из художников были рады завести с женщиной и гораздо более близкие отношения, а она чаще всего благосклонно принимала их ухаживания. Пал жертвой ее чар и Винсент. Зрелая женщина, лицо которой носило отпечаток богатого жизненного опыта, была полностью в его вкусе. У них случился короткий и страстный роман. На одной из картин Ван Гога Агостина изображена полностью обнаженной, бесстыдно раскинувшейся на постели. На готовом полотне лицо размыто, но предварительный набросок не оставляет сомнений в личности натурщицы.
В начале «японского» периода Ван Гог лишь делал копии гравюр, а позже и сам начал писать в этом стиле. Своими работами Винсент очень гордился, и даже устроил выставку в «Тамбурине». Одну из них можно заметить за спиной женщины на этом портрете Агостины. Кроме того, на стуле рядом с ней лежит японский зонтик, вероятнее всего, подаренный Винсентом.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Пышная итальянка Агостина Сегатори, открывшая на бульваре Клиши ресторан-кабаре для художников, была, кроме прочего, музой и натурщицей парижских живописцев, не обремененных богатством. Кроме «фирменных» столиков и стульев в форме тамбуринов кабаре отличала дурная слава, и приличная публика обходила его стороной. Зато для бедных художников «Тамбурин» стал вторым домом. Жгучая южная внешность Агостины позволяла им превращать ее в героиню самых разнообразных экзотических сюжетов. И, конечно, многие из художников были рады завести с женщиной и гораздо более близкие отношения, а она чаще всего благосклонно принимала их ухаживания. Пал жертвой ее чар и Винсент. Зрелая женщина, лицо которой носило отпечаток богатого жизненного опыта, была полностью в его вкусе. У них случился короткий и страстный роман. На одной из картин Ван Гога Агостина изображена полностью обнаженной, бесстыдно раскинувшейся на постели. На готовом полотне лицо размыто, но предварительный набросок не оставляет сомнений в личности натурщицы.
В начале «японского» периода Ван Гог лишь делал копии гравюр, а позже и сам начал писать в этом стиле. Своими работами Винсент очень гордился, и даже устроил выставку в «Тамбурине». Одну из них можно заметить за спиной женщины на этом портрете Агостины. Кроме того, на стуле рядом с ней лежит японский зонтик, вероятнее всего, подаренный Винсентом.
#ВанГог #Постимпрессионизм
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
"Лежащая обнаженная"
1887 г.
Винсент Ван Гог
Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo.
1887 г.
Винсент Ван Гог
Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo.
Совершенно несвойственный сюжет для Ван Гога
Пьета — один из типов католической иконографии Богородицы, который достаточно часто встречается в искусстве Западной Европы. Сцена, изображающая Богоматерь с мертвым Христом на коленях, запечатлена на полотнах многих выдающихся мастеров. Среди них и картина Ван Гога «Пьета» — произведение, сюжет которого совершенно не характерен для художника.
По-итальянски «пьета» означает «жалость». Название полностью соответствует изображению фигуры матери возле мертвого сына, скорбящей и отрешенной. Главным отличием от сцены Оплакивания Христа, имеющей, казалось бы, идентичный сюжет, является количество действующих лиц и положение тела умершего в пространстве. Пьета подразумевает отсутствие свидетелей, а также то, что Христос лежит на коленях Девы Марии.
В картинах Ван Гога, несмотря на глубокие религиозные убеждения живописца, редко находилось место сценам библейской тематики, таким, как Пьета. Право же писать Христа он признавал за очень немногими: по мнению Ван Гога, таким мастерством обладали только Рембрандт, Делакруа и Милле. Свой собственный набросок, посвященный Христу, Винсент Ван Гог уничтожил. Художник, всю жизнь стремившийся к духовности, изучению религиозной концепции и проповедничеству, не нашел сил и возможности идти по наиболее доступному для него пути — передаче своих убеждений через живопись. Однако он в полной мере овладел направлением, наиболее ярко передающим мысли и чувства автора, раскрывающим его индивидуальность — постимпрессионизмом.
Основой для картины Ван Гога «Пьета» послужила одноименная литография с работы кисти Делакруа — живописца, чью работу с цветом Винсент считал гениальной. Поводом к созданию произведения стало для Винсента небольшое происшествие: литография по неосторожности была испачкана краской и маслом. Это расстроило художника и побудило сделать копию.
Сюжет картины Ван Гога «Пьета» полностью идентичен сюжету произведения Делакруа. Однако цветовая гамма, выбранная Винсентом — тревожная, сине-желтая. Подобное сочетание оттенков свидетельствует об эмоциональной подавленности живописца, склонности к депрессиям, ранимости. Именно в таком состоянии, по всей вероятности, Ван Гог находился в последние месяцы своей жизни. «Пьета» написана почти за год до самоубийства художника, но признаки необратимых изменений в психике были заметны уже тогда. Многие исследователи творчества Винсента Ван Гога считают, что в образе Христа на своем единственном религиозном полотне живописец изобразил себя — одинокого, непонятого и страдающего, посвятившего жизнь Богу и искусству.
#ВанГог #РелигиознаяCцена #Постимпрессионизм
@pic_history
Пьета — один из типов католической иконографии Богородицы, который достаточно часто встречается в искусстве Западной Европы. Сцена, изображающая Богоматерь с мертвым Христом на коленях, запечатлена на полотнах многих выдающихся мастеров. Среди них и картина Ван Гога «Пьета» — произведение, сюжет которого совершенно не характерен для художника.
По-итальянски «пьета» означает «жалость». Название полностью соответствует изображению фигуры матери возле мертвого сына, скорбящей и отрешенной. Главным отличием от сцены Оплакивания Христа, имеющей, казалось бы, идентичный сюжет, является количество действующих лиц и положение тела умершего в пространстве. Пьета подразумевает отсутствие свидетелей, а также то, что Христос лежит на коленях Девы Марии.
В картинах Ван Гога, несмотря на глубокие религиозные убеждения живописца, редко находилось место сценам библейской тематики, таким, как Пьета. Право же писать Христа он признавал за очень немногими: по мнению Ван Гога, таким мастерством обладали только Рембрандт, Делакруа и Милле. Свой собственный набросок, посвященный Христу, Винсент Ван Гог уничтожил. Художник, всю жизнь стремившийся к духовности, изучению религиозной концепции и проповедничеству, не нашел сил и возможности идти по наиболее доступному для него пути — передаче своих убеждений через живопись. Однако он в полной мере овладел направлением, наиболее ярко передающим мысли и чувства автора, раскрывающим его индивидуальность — постимпрессионизмом.
Основой для картины Ван Гога «Пьета» послужила одноименная литография с работы кисти Делакруа — живописца, чью работу с цветом Винсент считал гениальной. Поводом к созданию произведения стало для Винсента небольшое происшествие: литография по неосторожности была испачкана краской и маслом. Это расстроило художника и побудило сделать копию.
Сюжет картины Ван Гога «Пьета» полностью идентичен сюжету произведения Делакруа. Однако цветовая гамма, выбранная Винсентом — тревожная, сине-желтая. Подобное сочетание оттенков свидетельствует об эмоциональной подавленности живописца, склонности к депрессиям, ранимости. Именно в таком состоянии, по всей вероятности, Ван Гог находился в последние месяцы своей жизни. «Пьета» написана почти за год до самоубийства художника, но признаки необратимых изменений в психике были заметны уже тогда. Многие исследователи творчества Винсента Ван Гога считают, что в образе Христа на своем единственном религиозном полотне живописец изобразил себя — одинокого, непонятого и страдающего, посвятившего жизнь Богу и искусству.
#ВанГог #РелигиознаяCцена #Постимпрессионизм
@pic_history
Долгое время считалось, что картина «Красные виноградники в Арле», которую Ван Гог написал осенью 1888 года, была единственной работой художника, проданной при его жизни. Однако за последние несколько лет было обнаружено несколько документальных свидетельств того, что Винсент не был таким уж неудачливым и непризнанным, каким его принято изображать.
Согласно информации с официального сайта Музея Ван Гога в Амстердаме, первым покупателем Винсента был его дядя Кор, который заказал племяннику 19 работ с видами Гааги, чтобы поспособствовать его карьере. Вряд ли это можно назвать удачными сделками, но Ван Гогу нередко удавалось обменивать свои картины и рисунки на еду и краски. Кроме того, художник продал несколько работ Папаше Танги – владельцу художественной лавки в Париже и большому ценителю искусства. А позже Тео продал одну картину (предположительно, автопортрет) Винсента в лондонскую галерею.
Но вернемся к «Красным виноградникам». На момент создания этой картины Ван Гог уже жил в Арле не один – к нему присоединился Поль Гоген. И в этой работе, как и во многих других, написанных в тот же период, заметно влияние художественных методов «старшего товарища» Винсента. Художник выразил на полотне все свое восхищение осенними природными красками, когда яркая зелень сменяется более мягкими рыжими, красными и желтыми тонами, и поймал отражение клонящегося к закату солнца в речной воде. Гоген, к слову, написал свою версию «Сбора винограда», поместив на передний план девушку, отдыхающую от работы, и нарядив сборщиц в традиционные бретонские костюмы.
В 1890 году «Красные виноградники в Арле» представили публике на выставке «Двадцатки» в Брюсселе. Здесь работы Винсента, занявшие место рядом с картинами Сезанна, Ренуара, Тулуз-Лотрека и Синьяка, лишили дара речи консервативных критиков и привели в восторг авангардистов. Надо сказать, что на тот момент имя Ван Гога уже было у всех на устах в Париже благодаря статье художественного критика Альбера Орье в газете «Меркюр де Франс», полной восторгов и дифирамбов.
«Красные виноградники в Арле» купила на выставке «Двадцатки» за 400 франков бельгийская импрессионистка и коллекционер Анна Бош. Винсент был дружен с ее братом Эженом, с которым познакомился в Арле летом 1888 года и написал его портрет. В 1906 году Анна Бош продала полотно за 10000 франков, и в том же году его приобрел московский коллекционер И.А. Морозов. После революции коллекция была национализирована, а в 1948-м году - разделена между Эрмитажем и ГМИИ, и «Красные виноградники» оказались в московском музее.
#ВанГог #Пейзаж #Постимпрессионизм
@pic_history
Согласно информации с официального сайта Музея Ван Гога в Амстердаме, первым покупателем Винсента был его дядя Кор, который заказал племяннику 19 работ с видами Гааги, чтобы поспособствовать его карьере. Вряд ли это можно назвать удачными сделками, но Ван Гогу нередко удавалось обменивать свои картины и рисунки на еду и краски. Кроме того, художник продал несколько работ Папаше Танги – владельцу художественной лавки в Париже и большому ценителю искусства. А позже Тео продал одну картину (предположительно, автопортрет) Винсента в лондонскую галерею.
Но вернемся к «Красным виноградникам». На момент создания этой картины Ван Гог уже жил в Арле не один – к нему присоединился Поль Гоген. И в этой работе, как и во многих других, написанных в тот же период, заметно влияние художественных методов «старшего товарища» Винсента. Художник выразил на полотне все свое восхищение осенними природными красками, когда яркая зелень сменяется более мягкими рыжими, красными и желтыми тонами, и поймал отражение клонящегося к закату солнца в речной воде. Гоген, к слову, написал свою версию «Сбора винограда», поместив на передний план девушку, отдыхающую от работы, и нарядив сборщиц в традиционные бретонские костюмы.
В 1890 году «Красные виноградники в Арле» представили публике на выставке «Двадцатки» в Брюсселе. Здесь работы Винсента, занявшие место рядом с картинами Сезанна, Ренуара, Тулуз-Лотрека и Синьяка, лишили дара речи консервативных критиков и привели в восторг авангардистов. Надо сказать, что на тот момент имя Ван Гога уже было у всех на устах в Париже благодаря статье художественного критика Альбера Орье в газете «Меркюр де Франс», полной восторгов и дифирамбов.
«Красные виноградники в Арле» купила на выставке «Двадцатки» за 400 франков бельгийская импрессионистка и коллекционер Анна Бош. Винсент был дружен с ее братом Эженом, с которым познакомился в Арле летом 1888 года и написал его портрет. В 1906 году Анна Бош продала полотно за 10000 франков, и в том же году его приобрел московский коллекционер И.А. Морозов. После революции коллекция была национализирована, а в 1948-м году - разделена между Эрмитажем и ГМИИ, и «Красные виноградники» оказались в московском музее.
#ВанГог #Пейзаж #Постимпрессионизм
@pic_history