"Великая война"
1964 г.
Рене Магритт
«Великая война» - одна из работ цикла, посвященного скрытому и видимому, как и знаменитые «Сын человеческий» и «Человек в котелке», созданные в том же 1964 году. Эти сюрреалистические работы Магритта предлагают зрителю множество трактовок, основанных как на содержании работ, так и на их названиях, играющих роль своеобразных ключей для расшифровки загадок художника.
На картине мы видим состоятельную даму, одетую в изящное белое платье, стоящую перед кирпичной стеной на фоне океана. Используя прием, часто встречающийся в его работах, Магритт помещает меньший объект перед большим, маскируя часть объекта на заднем плане. В этой работе Магритт помещает букет сирени перед лицом женщины, скрывая ее личность от зрителя, заставляя, тем самым, задаться вопросом – не являются ли ее дорогая одежда, изысканная сумочка, украшенная бисером и вышивкой, шляпа с перьями, вычурный парасоль более значимыми, чем ее лицо?
Искусствовед Патрик Вальдберг, близкий к сюрреалистам, приводит такие слова Магритта: «Интересное в этих картинах – это внезапно ворвавшееся в наше сознание присутствие открытого видимого и скрытого видимого, которые в природе никогда друг от друга не отделяются. Видимое всегда прячет за собой еще одно видимое. Мои картины просто выявляют такое положение вещей непосредственным и неожиданным образом. Между тем, что мир предлагает нам как видимое, и тем, что это данное видимое под собой прячет, разыгрывается некое действие. Это действие – зримо, и оно – как борьба, и потому название «Великая война» воспроизводит его содержание с достаточной точностью».
Хотя картина, изображающая женщину, является именее известной, чем связанная с ней работа «Сын человеческий», ее трактовки так же разнообразны. Название «Великая война», очевидно, отсылает к кровопролитным событиям XX века: скрывая лицо женщины прекрасным букетом, художник словно намекает, что лицо войны может быть куда более чудовищно, чем ее одеяние, сотканное из обещаний и обманчивых надежд, а сама война – обезличенное насилие, разрушающее привычный уклад жизни и человеческие судьбы.
Важную роль в понимании этой работы играет и наряд женщины: когда солдат умирал на фронте, помолвленный с девушкой, она оставалась, по сути, вечной невестой, вдовой в белом. Букет фиалок - символ невинности и нежности, словно букет невесты, - усиливает это впечатление. Скрывая лицо, этот букет словно прячет скорбь и траур от посторонних глаз, оставляя лишь символичное напоминание о том, чего может лишить война. Мы ничего не знаем ни об этой женщине, ни о мужчине, которому она была обещана – только о том, что произошло с ними.
Само название цветов фиалки (viollette – фр.) ассоциативно намекает на насилие (viol, violence – фр.), которым является война и которое, видимо, навсегда разлучило возлюбленных. Магритт написал эту работу за три года до смерти, будучи уже немолодым мужчиной, пережившим ужасы двух мировых войн.
Возможно, художник выразил свою скорбь об этих событиях метафорически изобразив невесту с уже ненужным свадебным букетом, обреченную оставаться в белом свадебном платье, одной на пирсе, идущем вдоль пустынного моря.
#РенеМагритт #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
@pic_history
1964 г.
Рене Магритт
«Великая война» - одна из работ цикла, посвященного скрытому и видимому, как и знаменитые «Сын человеческий» и «Человек в котелке», созданные в том же 1964 году. Эти сюрреалистические работы Магритта предлагают зрителю множество трактовок, основанных как на содержании работ, так и на их названиях, играющих роль своеобразных ключей для расшифровки загадок художника.
На картине мы видим состоятельную даму, одетую в изящное белое платье, стоящую перед кирпичной стеной на фоне океана. Используя прием, часто встречающийся в его работах, Магритт помещает меньший объект перед большим, маскируя часть объекта на заднем плане. В этой работе Магритт помещает букет сирени перед лицом женщины, скрывая ее личность от зрителя, заставляя, тем самым, задаться вопросом – не являются ли ее дорогая одежда, изысканная сумочка, украшенная бисером и вышивкой, шляпа с перьями, вычурный парасоль более значимыми, чем ее лицо?
Искусствовед Патрик Вальдберг, близкий к сюрреалистам, приводит такие слова Магритта: «Интересное в этих картинах – это внезапно ворвавшееся в наше сознание присутствие открытого видимого и скрытого видимого, которые в природе никогда друг от друга не отделяются. Видимое всегда прячет за собой еще одно видимое. Мои картины просто выявляют такое положение вещей непосредственным и неожиданным образом. Между тем, что мир предлагает нам как видимое, и тем, что это данное видимое под собой прячет, разыгрывается некое действие. Это действие – зримо, и оно – как борьба, и потому название «Великая война» воспроизводит его содержание с достаточной точностью».
Хотя картина, изображающая женщину, является именее известной, чем связанная с ней работа «Сын человеческий», ее трактовки так же разнообразны. Название «Великая война», очевидно, отсылает к кровопролитным событиям XX века: скрывая лицо женщины прекрасным букетом, художник словно намекает, что лицо войны может быть куда более чудовищно, чем ее одеяние, сотканное из обещаний и обманчивых надежд, а сама война – обезличенное насилие, разрушающее привычный уклад жизни и человеческие судьбы.
Важную роль в понимании этой работы играет и наряд женщины: когда солдат умирал на фронте, помолвленный с девушкой, она оставалась, по сути, вечной невестой, вдовой в белом. Букет фиалок - символ невинности и нежности, словно букет невесты, - усиливает это впечатление. Скрывая лицо, этот букет словно прячет скорбь и траур от посторонних глаз, оставляя лишь символичное напоминание о том, чего может лишить война. Мы ничего не знаем ни об этой женщине, ни о мужчине, которому она была обещана – только о том, что произошло с ними.
Само название цветов фиалки (viollette – фр.) ассоциативно намекает на насилие (viol, violence – фр.), которым является война и которое, видимо, навсегда разлучило возлюбленных. Магритт написал эту работу за три года до смерти, будучи уже немолодым мужчиной, пережившим ужасы двух мировых войн.
Возможно, художник выразил свою скорбь об этих событиях метафорически изобразив невесту с уже ненужным свадебным букетом, обреченную оставаться в белом свадебном платье, одной на пирсе, идущем вдоль пустынного моря.
#РенеМагритт #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
@pic_history
"Три возраста женщины"
1905 г.
Густав Климт
Национальная галерея современного искусства, Рим.
Полотно, нежное, теплое, странное – “Три возраста женщины”, написано не менее эпатажным, чем его картины, художником – модернистом Густавом Климтом в 1905 году. Впервые эти Женщины были предложены на всеобщее обозрение в 1908 году среди прочих работ автора и тут же были приобретены Римской Национальной галереей современного искусства.
Помимо интереснейшего сюжета с яркой аллегорией и олицетворением быстротечности жизни, в картине стерт эротизм в том смысле, какой вкладывал Климт в каждую особь женского пола, создавая свой собственный – третий пол климтовских созданий, эротичных, манящих, порой угловатых и несуразных.
“Три возраста женщины” описывались неоднократно и критиками, и знатоками, и зрителями, но в нюансах впечатление от просмотра было схожим – картина символична, отражает три состояния женщины, как колыбели всего человечества, здесь есть и метаморфоза перерождения, и “порча” оболочки, и скорбь об утрате прожитых лет, и наивная глупость юности, и безмятежный сон начала… Картина Климта имеет не только глубокий подтекст, она трудоемка в исполнении, сложна по технике живописи и многослойна. Помимо женского трио – ребенок, юность, старость, – в изображении завуалирован фаллический символ.
Видимо, как неотъемлемая часть зачатия жизни и продолжения рода человеческого.
Интересен подбор цветового решения каждой из ипостасей. Костлявая старость с мертвенно-бледной кожей, сухой и прозрачной до синевы вен на руках. Эти сухие волосы, рука, прикрывающая заплаканные глаза, утраченная упругость тела вперемешку с пшенично – голубой рябью морщин… Умирающая женщина – неизбежный конец бывшего начала. А вот промежуточное течение жизни – юность, молодость, свежесть в облике рыжеволосой девушки.
Она гладкая, как простыня, белая, без грубых штрихов. Сонная Она, бережет ту, что спит безмятежным младенческим сном. Молодость еще помнит детство, только-только шагнув в зрелую жизнь тонкой босою ногой.
И дитя, девочка, крошечная и незащищенная – ее тело обнажено, девственно – чисто, каким и должно быть начало новой жизни.
Три фазы человеческой жизни воплощены Климтом в живописном полотне и легко узнаваемы. Несмотря на дробление юности и старости, все циклы жизни связаны и женским началом, и спокойствием персонажей – это повествование о неизбежности и цикличности жизни и смерти, живописное и яркое. Фрагмент “Три возраста женщины” был взят для украшения аверса монеты достоинством в 50 евро 2003 года, выпущенной в Италии. Эта памятная монета из чистого золота, символична современной “низкой” оценке человеческой жизни в денежном эквиваленте, когда опыт и житейская мудрость ничего не стоят при жизни и так ценны при ее завершении.
Но за деньги не купишь жизнь, остается плакать, вспоминать и жалеть…
#ГуставКлимт #АллегорическаяСцена #Модерн
@pic_history
1905 г.
Густав Климт
Национальная галерея современного искусства, Рим.
Полотно, нежное, теплое, странное – “Три возраста женщины”, написано не менее эпатажным, чем его картины, художником – модернистом Густавом Климтом в 1905 году. Впервые эти Женщины были предложены на всеобщее обозрение в 1908 году среди прочих работ автора и тут же были приобретены Римской Национальной галереей современного искусства.
Помимо интереснейшего сюжета с яркой аллегорией и олицетворением быстротечности жизни, в картине стерт эротизм в том смысле, какой вкладывал Климт в каждую особь женского пола, создавая свой собственный – третий пол климтовских созданий, эротичных, манящих, порой угловатых и несуразных.
“Три возраста женщины” описывались неоднократно и критиками, и знатоками, и зрителями, но в нюансах впечатление от просмотра было схожим – картина символична, отражает три состояния женщины, как колыбели всего человечества, здесь есть и метаморфоза перерождения, и “порча” оболочки, и скорбь об утрате прожитых лет, и наивная глупость юности, и безмятежный сон начала… Картина Климта имеет не только глубокий подтекст, она трудоемка в исполнении, сложна по технике живописи и многослойна. Помимо женского трио – ребенок, юность, старость, – в изображении завуалирован фаллический символ.
Видимо, как неотъемлемая часть зачатия жизни и продолжения рода человеческого.
Интересен подбор цветового решения каждой из ипостасей. Костлявая старость с мертвенно-бледной кожей, сухой и прозрачной до синевы вен на руках. Эти сухие волосы, рука, прикрывающая заплаканные глаза, утраченная упругость тела вперемешку с пшенично – голубой рябью морщин… Умирающая женщина – неизбежный конец бывшего начала. А вот промежуточное течение жизни – юность, молодость, свежесть в облике рыжеволосой девушки.
Она гладкая, как простыня, белая, без грубых штрихов. Сонная Она, бережет ту, что спит безмятежным младенческим сном. Молодость еще помнит детство, только-только шагнув в зрелую жизнь тонкой босою ногой.
И дитя, девочка, крошечная и незащищенная – ее тело обнажено, девственно – чисто, каким и должно быть начало новой жизни.
Три фазы человеческой жизни воплощены Климтом в живописном полотне и легко узнаваемы. Несмотря на дробление юности и старости, все циклы жизни связаны и женским началом, и спокойствием персонажей – это повествование о неизбежности и цикличности жизни и смерти, живописное и яркое. Фрагмент “Три возраста женщины” был взят для украшения аверса монеты достоинством в 50 евро 2003 года, выпущенной в Италии. Эта памятная монета из чистого золота, символична современной “низкой” оценке человеческой жизни в денежном эквиваленте, когда опыт и житейская мудрость ничего не стоят при жизни и так ценны при ее завершении.
Но за деньги не купишь жизнь, остается плакать, вспоминать и жалеть…
#ГуставКлимт #АллегорическаяСцена #Модерн
@pic_history
"Железнодорожный вокзал в Перпиньяне"
1965 г.
Сальвадор Дали
Музей Людвига, Кёльн.
«Железнодорожный вокзал в Перпиньяне» – сюрреалистическая картина Сальвадора Дали с не менее сюрреалистичной историей. Художнику часто приходилось бывать в Перпиньяне – французском райцентре с сотней тысяч жителей недалеко от границы с Испанией. Там находился ближайший вокзал, откуда Дали с Галой, жители рыбацкой деревушки Порт-Льигат, отправляли поездом картины на большую землю.
Со временем художник заметил необычную закономерность: всякий раз, когда он оказывался в этом месте, его начинали одолевать великие мысли: одна гениальнее другой. А 19 сентября 1963 года он и вовсе постиг там устройство вселенной. «Оказалось, что вселенная, будучи одной из самых ограниченных вещей из всего сущего, по своей структуре, соблюдая все-все пропорции, точь-в-точь похожа на Перпиньянский вокзал, – написал Дали в книге «Дневник одного гения». – По сути дела, единственное отличие состоит в том, что на месте билетных касс во вселенной разместилась бы та самая загадочная скульптура, чья высеченная из камня копия вот уже несколько дней не дает мне покоя».
Спустя два года после «космогонического экстаза», как называл Дали свое тогдашнее прозрение, он написал картину «Железнодорожный вокзал в Перпиньяне». Это монументальное полотно размером почти 3 на 4 метра, на котором он, по своему обыкновению, ухитрился разместить все лучшее сразу. Венчает симметричную композицию фигура самого художника с распростертыми руками, плюс еще одна почти такая же расположена в самом центре картины.
Нашлось место и для Галы – внизу, на мешке с картошкой, спиной к зрителю. На заднем плане просматривается фигура распятого Христа в терновом венке, а по обе стороны от него Дали написал узнаваемых персонажей с картины «Анжелюс» Жана-Франсуа Милле. Они будто оплакивают Христа, подобно Марии Магдалине и апостолу Иоанну у подножия распятия.
С этим полотном французского художника Дали связывает многолетняя история. Впервые он увидел ее репродукцию в девятилетнем возрасте, после чего буквально потерял покой. «Эта картина вызывала во мне беспричинный страх, такой пронзительный, что воспоминание о двух неподвижных силуэтах сопровождало меня в течение многих лет, вызывая одно и то же чувство подавленности и тревоги», – рассказывал он. Дошло до того, что спустя много лет Дали обратился к администрации Лувра, где хранилась работа, с просьбой провести ее анализ.
Интуиция не подвела художника: под красочным слоем с картошкой, над которой молятся крестьяне, изначально был изображен детский гроб, что в корне меняло смысл всей картины и объясняло трагические позы персонажей. Эта история настолько впечатлила Дали, что он вновь и вновь воспроизводит ее на своих работах: исследователи его творчества насчитали несколько десятков прямых и косвенных отсылок к «Анжелюсу» в творчестве испанского сюрреалиста.
На картине «Железнодорожный вокзал в Перпиньяне» персонажи Милле изображены несколько раз, а мешки с картошкой на ней сразу не так просто сосчитать. В сцене, где крестьянская пара грузит мешок на телегу, он и вовсе трансформируется в женский силуэт, прижимающийся к мужскому. Над этими забавами с участием картошки парит железнодорожный вагон, напоминая о том, что вообще-то картина посвящена железнодорожной станции. И не какой-нибудь, а центру мира, по версии Сальвадора Дали.
Жители французского городка были чрезвычайно польщены таким вниманием мэтра. В знак почтения (и на радость туристам) они поместили на крышу вокзала статую Дали в такой же позе, как на этой картине. Позже она была перемещена в центр Перпиньяна, откуда художник и поныне взирает на станцию, принесшую ему столько замечательных открытий.
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
@pic_history
1965 г.
Сальвадор Дали
Музей Людвига, Кёльн.
«Железнодорожный вокзал в Перпиньяне» – сюрреалистическая картина Сальвадора Дали с не менее сюрреалистичной историей. Художнику часто приходилось бывать в Перпиньяне – французском райцентре с сотней тысяч жителей недалеко от границы с Испанией. Там находился ближайший вокзал, откуда Дали с Галой, жители рыбацкой деревушки Порт-Льигат, отправляли поездом картины на большую землю.
Со временем художник заметил необычную закономерность: всякий раз, когда он оказывался в этом месте, его начинали одолевать великие мысли: одна гениальнее другой. А 19 сентября 1963 года он и вовсе постиг там устройство вселенной. «Оказалось, что вселенная, будучи одной из самых ограниченных вещей из всего сущего, по своей структуре, соблюдая все-все пропорции, точь-в-точь похожа на Перпиньянский вокзал, – написал Дали в книге «Дневник одного гения». – По сути дела, единственное отличие состоит в том, что на месте билетных касс во вселенной разместилась бы та самая загадочная скульптура, чья высеченная из камня копия вот уже несколько дней не дает мне покоя».
Спустя два года после «космогонического экстаза», как называл Дали свое тогдашнее прозрение, он написал картину «Железнодорожный вокзал в Перпиньяне». Это монументальное полотно размером почти 3 на 4 метра, на котором он, по своему обыкновению, ухитрился разместить все лучшее сразу. Венчает симметричную композицию фигура самого художника с распростертыми руками, плюс еще одна почти такая же расположена в самом центре картины.
Нашлось место и для Галы – внизу, на мешке с картошкой, спиной к зрителю. На заднем плане просматривается фигура распятого Христа в терновом венке, а по обе стороны от него Дали написал узнаваемых персонажей с картины «Анжелюс» Жана-Франсуа Милле. Они будто оплакивают Христа, подобно Марии Магдалине и апостолу Иоанну у подножия распятия.
С этим полотном французского художника Дали связывает многолетняя история. Впервые он увидел ее репродукцию в девятилетнем возрасте, после чего буквально потерял покой. «Эта картина вызывала во мне беспричинный страх, такой пронзительный, что воспоминание о двух неподвижных силуэтах сопровождало меня в течение многих лет, вызывая одно и то же чувство подавленности и тревоги», – рассказывал он. Дошло до того, что спустя много лет Дали обратился к администрации Лувра, где хранилась работа, с просьбой провести ее анализ.
Интуиция не подвела художника: под красочным слоем с картошкой, над которой молятся крестьяне, изначально был изображен детский гроб, что в корне меняло смысл всей картины и объясняло трагические позы персонажей. Эта история настолько впечатлила Дали, что он вновь и вновь воспроизводит ее на своих работах: исследователи его творчества насчитали несколько десятков прямых и косвенных отсылок к «Анжелюсу» в творчестве испанского сюрреалиста.
На картине «Железнодорожный вокзал в Перпиньяне» персонажи Милле изображены несколько раз, а мешки с картошкой на ней сразу не так просто сосчитать. В сцене, где крестьянская пара грузит мешок на телегу, он и вовсе трансформируется в женский силуэт, прижимающийся к мужскому. Над этими забавами с участием картошки парит железнодорожный вагон, напоминая о том, что вообще-то картина посвящена железнодорожной станции. И не какой-нибудь, а центру мира, по версии Сальвадора Дали.
Жители французского городка были чрезвычайно польщены таким вниманием мэтра. В знак почтения (и на радость туристам) они поместили на крышу вокзала статую Дали в такой же позе, как на этой картине. Позже она была перемещена в центр Перпиньяна, откуда художник и поныне взирает на станцию, принесшую ему столько замечательных открытий.
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
@pic_history
"Пир королей"
1913 г.
Павел Филонов
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картиной «Пир королей» на протяжении девяти дней было прикрыто тело Павла Филонова – в блокадном Ленинграде не только еды было не достать, но и досок. Наконец Союз советских художников выделил девять досок, из которых и был сколочен гроб для создателя аналитического искусства. От этой последней подачки «изосволочи», как Филонов именовал сие объединение, ему уклониться не удалось.
В следующем году начнется Первая мировая война. Кажется, что «Пир королей», написанный в 1913-м, предрекает её. Близкий друг Филонова поэт-футурист Велимир Хлебников говорил о картине: «Пир трупов, пир мести». Согласно принципам аналитического искусства, нет смысла изображать некий «сюжет», потому что это всегда остановка, мертвый слепок. Картина должна запечатлевать метаморфозы, изображать движение – но не внешнее перемещение в пространстве, как у футуристов, а внутреннее, скорее движение во времени, стадии некоего процесса. Кажется, «Пир королей» демонстрирует нам процесс разложения...
Это окончательный вариант картины, был еще и другой «Пир королей», похожий сюжет в более светлых тонах. А главное различие, пожалуй, в том, что в первой версии короли еще явно и очевидно живы, и, похоже, между ними происходит некий разговор. Второй «Пир королей» кажется пиром мертвецов, от картины исходит гнетущее ощущение безмолвия. Разговорам там не место.
Общий тон картины – кроваво-красный. Кажется, что всё происходит в подземелье, создана атмосфера жертвоприношения. У стола изображено 11 фигур, в том числе двое под столом и один – некто вроде гомункула – на столе. В верхнем левом углу обращают на себя внимание три самые величественные фигуры, среди них – женщина. Она написана в чуть более светлых тонах, не такая кровавая. Могла бы считаться проблеском в этом адском мареве, но нет, ее позу копирует шут, сидящий под столом, и тем самым снижает и уничтожает возможность «луча света» в этом царстве.
Фигуры по обе стороны от женщины изображены со скрещенными на груди руками. Примечательно, что в первой версии «Пира» тоже есть одна женская фигура – гротескно изображенная старуха на переднем плане в одной руке держит кубок, второй тянется к винограду. Искушение?
Стол кажется жертвенным аналоем. Центральное место занимает рыба – в христианстве символизирующая самого Христа. «Бог умер», впору согласиться с Ницше, глядя на эту «Тайную вечерю». Многие исследователи видят в картине символ «антивечери», антипричастия.
Две из фигур – один возле тройки (троицы?) «главных», второй в правом углу – изображены с закрытыми глазами. Мертвы? Мертвецки пьяны? Но на веселую пирушку происходящее похоже менее всего. Вспомним, что Филонов изображает процесс, голографически включающий в каждом моменте всё, что было до и будет после. Когда-то все эти короли были живы. Мы задумываемся, не мертвы ли двое из них, и в этот момент за столом оказывается смерть – даже если остальные живы, это ненадолго. Несмотря на очевидные аналогии с жертвоприношением, ни овцы, ни барана, которые были бы предназначены на заклание, мы не видим. Единственное животное – собака, свернувшаяся у ног шута. О дьявольской символике образа собаки достаточно известно. Итого, на картине 12 существ. Причем они изображены в состоянии оцепенения, ожидания. Кто 13-й? Не его ли приветствует поднятым бокалом фигура справа, под троном которой свернулся пёс?
«Пир королей» отсылает зрителя как к иконам, так и к поэтике полотен Босха. Сам Филонов говорил, что его картины в день «страшного суда искусства» станут той соломинкой, которая решит участь человечества, а в манифесте «Сделанные картины» писал, что люди будут приходить к его полотнам, как к иконам.
#ПавелФилонов #АллегорическаяСцена
@pic_history
1913 г.
Павел Филонов
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картиной «Пир королей» на протяжении девяти дней было прикрыто тело Павла Филонова – в блокадном Ленинграде не только еды было не достать, но и досок. Наконец Союз советских художников выделил девять досок, из которых и был сколочен гроб для создателя аналитического искусства. От этой последней подачки «изосволочи», как Филонов именовал сие объединение, ему уклониться не удалось.
В следующем году начнется Первая мировая война. Кажется, что «Пир королей», написанный в 1913-м, предрекает её. Близкий друг Филонова поэт-футурист Велимир Хлебников говорил о картине: «Пир трупов, пир мести». Согласно принципам аналитического искусства, нет смысла изображать некий «сюжет», потому что это всегда остановка, мертвый слепок. Картина должна запечатлевать метаморфозы, изображать движение – но не внешнее перемещение в пространстве, как у футуристов, а внутреннее, скорее движение во времени, стадии некоего процесса. Кажется, «Пир королей» демонстрирует нам процесс разложения...
Это окончательный вариант картины, был еще и другой «Пир королей», похожий сюжет в более светлых тонах. А главное различие, пожалуй, в том, что в первой версии короли еще явно и очевидно живы, и, похоже, между ними происходит некий разговор. Второй «Пир королей» кажется пиром мертвецов, от картины исходит гнетущее ощущение безмолвия. Разговорам там не место.
Общий тон картины – кроваво-красный. Кажется, что всё происходит в подземелье, создана атмосфера жертвоприношения. У стола изображено 11 фигур, в том числе двое под столом и один – некто вроде гомункула – на столе. В верхнем левом углу обращают на себя внимание три самые величественные фигуры, среди них – женщина. Она написана в чуть более светлых тонах, не такая кровавая. Могла бы считаться проблеском в этом адском мареве, но нет, ее позу копирует шут, сидящий под столом, и тем самым снижает и уничтожает возможность «луча света» в этом царстве.
Фигуры по обе стороны от женщины изображены со скрещенными на груди руками. Примечательно, что в первой версии «Пира» тоже есть одна женская фигура – гротескно изображенная старуха на переднем плане в одной руке держит кубок, второй тянется к винограду. Искушение?
Стол кажется жертвенным аналоем. Центральное место занимает рыба – в христианстве символизирующая самого Христа. «Бог умер», впору согласиться с Ницше, глядя на эту «Тайную вечерю». Многие исследователи видят в картине символ «антивечери», антипричастия.
Две из фигур – один возле тройки (троицы?) «главных», второй в правом углу – изображены с закрытыми глазами. Мертвы? Мертвецки пьяны? Но на веселую пирушку происходящее похоже менее всего. Вспомним, что Филонов изображает процесс, голографически включающий в каждом моменте всё, что было до и будет после. Когда-то все эти короли были живы. Мы задумываемся, не мертвы ли двое из них, и в этот момент за столом оказывается смерть – даже если остальные живы, это ненадолго. Несмотря на очевидные аналогии с жертвоприношением, ни овцы, ни барана, которые были бы предназначены на заклание, мы не видим. Единственное животное – собака, свернувшаяся у ног шута. О дьявольской символике образа собаки достаточно известно. Итого, на картине 12 существ. Причем они изображены в состоянии оцепенения, ожидания. Кто 13-й? Не его ли приветствует поднятым бокалом фигура справа, под троном которой свернулся пёс?
«Пир королей» отсылает зрителя как к иконам, так и к поэтике полотен Босха. Сам Филонов говорил, что его картины в день «страшного суда искусства» станут той соломинкой, которая решит участь человечества, а в манифесте «Сделанные картины» писал, что люди будут приходить к его полотнам, как к иконам.
#ПавелФилонов #АллегорическаяСцена
@pic_history
«Портрет леди Венеции Дигби, олицетворяющей Благоразумие» – картина для Ван Дейка нетипичная и очень интригующая. Представленное в Национальной портретной галерее (Лондон) изображение леди Дигби вызывает неизменное недоумение у большинства. Те, кто знаком с творчеством Ван Дейка, задаются вопросом, почему он вдруг прибегает к аллегории – жанру живописи, к которому всегда был равнодушен? У тех же, кто сталкивается с Ван Дейком впервые, вопрос гораздо элементарнее и вместе с тем правомернее: почему героиня полотна, осеняемая тремя купидонами, грубо попирает ногой четвёртого? Должно же быть какое-то объяснение этому неожиданному и бесцеремонному жесту?
В 1632 году фламандский живописец, уроженец Антверпена Антонис Ван Дейк ступил на английскую землю, чтобы стать живописцем короля. Вслед за монаршим семейством к Ван Дейку выстраивается большая очередь из британских аристократов, желавших заполучить портрет в его непревзойдённо элегантном исполнении. Художник был выходцем из купеческого сословия, но мечтал принадлежать к кругу аристократов. В Англии это удалось осуществить: Ван Дейк получил рыцарское достоинство и дворянский титул, женился на королевской фрейлине и приобрёл друзей среди дворян, принадлежащих к древним фамилиям. Одним из них стал для Ван Дейка молодой человек, именовавшийся Кенелм лорд Дигби. Личность одарённая, мореплаватель, дипломат и беллетрист, он был обаятелен, весел и покровительствовал Ван Дейку.
При всех неоспоримых достоинствах, у благородного лорда Дигби существовала одна слабость – его жена. Венеция Дигби была сказочно хороша собой, но очень легкомысленна. Вступая в брак, Дигби знал о её «весёлой» молодости, но был слишком влюблён, чтобы внимать голосу рассудка. По слухам, и после свадьбы леди Дигби не изменила себе – в том смысле, что стала изменять мужу. Не то чтобы это было явно, но, во всяком случае, пересуды о беспорядочных связях Венеции при дворе не прекращались.
В 1633 году леди Венеция во цвете лет неожиданно скончалась. Кенелм Дигби был вне себя от горя. Желая поддержать друга, Ван Дейк пишет посмертный портрет его супруги: даже в гробу, обитом черным атласом, и в белоснежном саване леди Дигби прекрасна! Но и это было слабым утешением вдовцу. Теперь, когда жену уже не вернуть, лорда Дигби больше всего беспокоит его честное имя. И он уговаривает Ван Дейка написать картину, которая со всей силой искусства смогла бы обелить подмоченную репутацию леди Дигби. Так на свет появился «Портрет леди Венеции Дигби, олицетворяющей Благоразумие».
Кенелм Дигби лично советовал Ван Дейку, какие символы и аллегории хорошо бы использовать на картине. Голуби символизируют супружескую верность леди Дигби, змея – её мудрость. Полуобнаженный человек с маской на затылке – это аллегорическая фигура двуличия, раздавленная моральным превосходством Венеции. Ну, а купидон, олицетворяющий любовные соблазны, оказывается растоптан добродетельными ножками леди Дигби.
#АнтонисВанДейк #АллегорическаяСцена #Барокко
@pic_history
В 1632 году фламандский живописец, уроженец Антверпена Антонис Ван Дейк ступил на английскую землю, чтобы стать живописцем короля. Вслед за монаршим семейством к Ван Дейку выстраивается большая очередь из британских аристократов, желавших заполучить портрет в его непревзойдённо элегантном исполнении. Художник был выходцем из купеческого сословия, но мечтал принадлежать к кругу аристократов. В Англии это удалось осуществить: Ван Дейк получил рыцарское достоинство и дворянский титул, женился на королевской фрейлине и приобрёл друзей среди дворян, принадлежащих к древним фамилиям. Одним из них стал для Ван Дейка молодой человек, именовавшийся Кенелм лорд Дигби. Личность одарённая, мореплаватель, дипломат и беллетрист, он был обаятелен, весел и покровительствовал Ван Дейку.
При всех неоспоримых достоинствах, у благородного лорда Дигби существовала одна слабость – его жена. Венеция Дигби была сказочно хороша собой, но очень легкомысленна. Вступая в брак, Дигби знал о её «весёлой» молодости, но был слишком влюблён, чтобы внимать голосу рассудка. По слухам, и после свадьбы леди Дигби не изменила себе – в том смысле, что стала изменять мужу. Не то чтобы это было явно, но, во всяком случае, пересуды о беспорядочных связях Венеции при дворе не прекращались.
В 1633 году леди Венеция во цвете лет неожиданно скончалась. Кенелм Дигби был вне себя от горя. Желая поддержать друга, Ван Дейк пишет посмертный портрет его супруги: даже в гробу, обитом черным атласом, и в белоснежном саване леди Дигби прекрасна! Но и это было слабым утешением вдовцу. Теперь, когда жену уже не вернуть, лорда Дигби больше всего беспокоит его честное имя. И он уговаривает Ван Дейка написать картину, которая со всей силой искусства смогла бы обелить подмоченную репутацию леди Дигби. Так на свет появился «Портрет леди Венеции Дигби, олицетворяющей Благоразумие».
Кенелм Дигби лично советовал Ван Дейку, какие символы и аллегории хорошо бы использовать на картине. Голуби символизируют супружескую верность леди Дигби, змея – её мудрость. Полуобнаженный человек с маской на затылке – это аллегорическая фигура двуличия, раздавленная моральным превосходством Венеции. Ну, а купидон, олицетворяющий любовные соблазны, оказывается растоптан добродетельными ножками леди Дигби.
#АнтонисВанДейк #АллегорическаяСцена #Барокко
@pic_history
Матисс Анри Эмиль Бенуа – известный художник, график, скульптор родом из Франции. Мастер отличался довольно нестандартным стилем – его любимым приемом была передача ощущений при помощи насыщенных цветов и плоского рисунка. Все работы художника очень глубоки по цветовой гамме, его работы то и дело вызывали настоящий фурор на выставках. Любопытно, что интерес к живописному искусству пробудился у него достаточно поздно – в 20 лет. И этот порыв, который охватил художника, так и остался с ним до конца дней.
Знаменитые панно Матисса «Танец» и «Музыка» на выставке Осеннего салона в Париже (1910-й год) стали скандальной сенсацией из-за того, что на картинах довольно реалистично изображены обнаженные люди. «Музыка» (260*389 см) художника Анри Матисса написана маслом на холсте. Нынче работа хранится в Эрмитаже.
На полотне изображены пять человек неопределенного возраста, а вся работа напоминает собой рисунок ребенка. Один из персонажей картины играет на скрипке, второй, сидя рядом, – на флейте, трое других находятся сбоку от них. Небеса на полотне насыщенно-синего, трава – ярко-зеленого, люди – красного цвета. Решение привычно для художника: благодаря контрасту больших по своим размерам областей чистого цвета зарождаются новые «ноты», которые заменяют цветовую гамму. Тона становятся непосредственным сюжетом всей картины.
Достичь гармонии цвета — ключевое задание, которое замечательно выполнено в «Музыке» Анри Матисса: ни одно описание картины не способно передать всю полноту подобранной цветовой гаммы. Сочный пунцовый оттенок отлично сбалансирован тут синим и зеленым. Фигуры очерчивает темный контур, который заполняет краска. Вначале мастер выполнил силуэты мужчин с гениталиями, однако в конце работы скрыл их, видимо, согласно пожеланию заказчика.
Скрипач в «Музыке» Анри Матисса напоминает собой памятник. Его поза очень точна в своих деталях — достичь цели живописцу было не очень сложно, ведь он также играл на этом музыкальном инструменте. Данная картина (как и ее пара – «Танец») была заказана художнику коллекционером из России С.И. Щукиным в 1909 г. Тот просил художника показать в виде аллегории танец и музыку. Мастер ставит перед собой цель – свести данные образы к простым формам. Однако как раз в своей динамике эти парные картины и отличаются. Персонажи «Танца» словно пытаются вырваться за рамки картины, а в «Музыке» художника Анри Матисса все, наоборот, выглядят на редкость статичными. Композиция исполнена покоя, превосходно сбалансирована.
На месте мужчин здесь изображены словно их «эмблемы», которые превращают фигуры в своего рода близнецов. Это создает целостность полотна, не делящегося на отдельные сюжеты. Три человека с правой стороны сидят, согнув колени, и это делает их несколько подобными знакам в нотном ряду. Если рассматривать картину с этой точки зрения, силуэт музыканта со скрипкой выступает здесь в качестве нотного ключа. Это только гипотеза – автор данную картину расшифровать не пожелал.
#АнриМатисс #АллегорическаяСцена #Фовизм
@pic_history
Знаменитые панно Матисса «Танец» и «Музыка» на выставке Осеннего салона в Париже (1910-й год) стали скандальной сенсацией из-за того, что на картинах довольно реалистично изображены обнаженные люди. «Музыка» (260*389 см) художника Анри Матисса написана маслом на холсте. Нынче работа хранится в Эрмитаже.
На полотне изображены пять человек неопределенного возраста, а вся работа напоминает собой рисунок ребенка. Один из персонажей картины играет на скрипке, второй, сидя рядом, – на флейте, трое других находятся сбоку от них. Небеса на полотне насыщенно-синего, трава – ярко-зеленого, люди – красного цвета. Решение привычно для художника: благодаря контрасту больших по своим размерам областей чистого цвета зарождаются новые «ноты», которые заменяют цветовую гамму. Тона становятся непосредственным сюжетом всей картины.
Достичь гармонии цвета — ключевое задание, которое замечательно выполнено в «Музыке» Анри Матисса: ни одно описание картины не способно передать всю полноту подобранной цветовой гаммы. Сочный пунцовый оттенок отлично сбалансирован тут синим и зеленым. Фигуры очерчивает темный контур, который заполняет краска. Вначале мастер выполнил силуэты мужчин с гениталиями, однако в конце работы скрыл их, видимо, согласно пожеланию заказчика.
Скрипач в «Музыке» Анри Матисса напоминает собой памятник. Его поза очень точна в своих деталях — достичь цели живописцу было не очень сложно, ведь он также играл на этом музыкальном инструменте. Данная картина (как и ее пара – «Танец») была заказана художнику коллекционером из России С.И. Щукиным в 1909 г. Тот просил художника показать в виде аллегории танец и музыку. Мастер ставит перед собой цель – свести данные образы к простым формам. Однако как раз в своей динамике эти парные картины и отличаются. Персонажи «Танца» словно пытаются вырваться за рамки картины, а в «Музыке» художника Анри Матисса все, наоборот, выглядят на редкость статичными. Композиция исполнена покоя, превосходно сбалансирована.
На месте мужчин здесь изображены словно их «эмблемы», которые превращают фигуры в своего рода близнецов. Это создает целостность полотна, не делящегося на отдельные сюжеты. Три человека с правой стороны сидят, согнув колени, и это делает их несколько подобными знакам в нотном ряду. Если рассматривать картину с этой точки зрения, силуэт музыканта со скрипкой выступает здесь в качестве нотного ключа. Это только гипотеза – автор данную картину расшифровать не пожелал.
#АнриМатисс #АллегорическаяСцена #Фовизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
Другие критики отмечали в «Наемном пастухе» негативную оценку католической церкви, якобы обманом привлекавшую англиканскую паству. И тем не менее, даже среди современных исследователей, свободных в своих суждениях, есть те, кто игнорирует христианский смысл картины, объясняя ее стремлением художника приучить своих зрителей к трудолюбию.
Сам же Хант в своей переписке вскользь упоминал, что он имел имел своей целью не только растолковать притчу Христа, но и показать современным проповедникам, что нужно заниматься своей паствой, а не вдаваться в пустые богословские споры.
#УильямХолманХант #АллегорическаяСцена #Прерафаэлиты
@pic_history
Сам же Хант в своей переписке вскользь упоминал, что он имел имел своей целью не только растолковать притчу Христа, но и показать современным проповедникам, что нужно заниматься своей паствой, а не вдаваться в пустые богословские споры.
#УильямХолманХант #АллегорическаяСцена #Прерафаэлиты
@pic_history
Проект был рассчитан на 14 лет. Но примерно на середине работы итальянская общественность резко возмутилась, что иллюстрировать их национальное достояние пригласили испанца (вообще-то, каталонца, но кого это тогда интересовало?). Правительство не стало спорить с народом, и отменило заказ. Сальвадор Дали, тем не менее, продолжил писать акварели к каждой из ста песен «Комедии» – уж очень ему понравилась идея.
Как говорят мудрые люди: «Пишите не для денег, а для вечности и славы. Тогда и деньги придут. Может быть». К Дали они пришли. Вместе с вечностью и славой. Издатель Ле Эюр Клер заинтересовался работой Сальвадора и вызвался издать «Божественную комедию» с его иллюстрациями. По акварелям в течение 55 месяцев создавались ксилографии: двое мастеров задействовали 3 500 специальных досок, а Дали лично контролировал процесс изготовления пластин. Оригиналы-акварели его иллюстраций сейчас находятся в частных коллекциях в Германии. «Симонисты» в том числе.
Акварель иллюстрирует дантовский «Ад», демонстрируя и личное отношение Сальвадора Дали к греху симонии – продаже церковных должностей. Такому названию грех обязан волхву Симону, который пытался у первоапостолов купить священство.
«Тогда возложили (апостолы) руки на них, и они приняли Духа Святаго. Симон же, увидев, что через возложение рук Апостольских подается Дух Святый, принес им деньги, говоря: дайте и мне власть сию, чтобы тот, на кого я возложу руки, получал Духа Святаго. Но Петр сказал ему: серебро твое да будет в погибель с тобою, потому что ты помыслил дар Божий получить за деньги. Нет тебе в сем части и жребия, ибо сердце твое не право пред Богом. Покайся в сем грехе твоем, и молись Богу: может быть, отпустится тебе помысел сердца твоего; ибо вижу тебя исполненного горькой желчи и в узах неправды. (Деян. 8:17-24)».
«Узы неправды» Дали изобразил огромным валуном, сковавшим тех, кто покупал или пытался купить то, что дается даром и только по Божьей благодати. И хотя корыстолюбие всегда порицалось в христианстве, на деле торговля должностями шла полным ходом. Во время Данте симония переживала очередной расцвет. Сальвадор Дали впечатляюще написал это «ногатое» чудовище, которое предстает пред лирическим героем Данте.
Что же касается собственной религиозности, то о ней Дали говорил: «Я – христианин и католик, но чтобы быть художником ни того, ни другого не требуется».
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
@pic_history
Как говорят мудрые люди: «Пишите не для денег, а для вечности и славы. Тогда и деньги придут. Может быть». К Дали они пришли. Вместе с вечностью и славой. Издатель Ле Эюр Клер заинтересовался работой Сальвадора и вызвался издать «Божественную комедию» с его иллюстрациями. По акварелям в течение 55 месяцев создавались ксилографии: двое мастеров задействовали 3 500 специальных досок, а Дали лично контролировал процесс изготовления пластин. Оригиналы-акварели его иллюстраций сейчас находятся в частных коллекциях в Германии. «Симонисты» в том числе.
Акварель иллюстрирует дантовский «Ад», демонстрируя и личное отношение Сальвадора Дали к греху симонии – продаже церковных должностей. Такому названию грех обязан волхву Симону, который пытался у первоапостолов купить священство.
«Тогда возложили (апостолы) руки на них, и они приняли Духа Святаго. Симон же, увидев, что через возложение рук Апостольских подается Дух Святый, принес им деньги, говоря: дайте и мне власть сию, чтобы тот, на кого я возложу руки, получал Духа Святаго. Но Петр сказал ему: серебро твое да будет в погибель с тобою, потому что ты помыслил дар Божий получить за деньги. Нет тебе в сем части и жребия, ибо сердце твое не право пред Богом. Покайся в сем грехе твоем, и молись Богу: может быть, отпустится тебе помысел сердца твоего; ибо вижу тебя исполненного горькой желчи и в узах неправды. (Деян. 8:17-24)».
«Узы неправды» Дали изобразил огромным валуном, сковавшим тех, кто покупал или пытался купить то, что дается даром и только по Божьей благодати. И хотя корыстолюбие всегда порицалось в христианстве, на деле торговля должностями шла полным ходом. Во время Данте симония переживала очередной расцвет. Сальвадор Дали впечатляюще написал это «ногатое» чудовище, которое предстает пред лирическим героем Данте.
Что же касается собственной религиозности, то о ней Дали говорил: «Я – христианин и католик, но чтобы быть художником ни того, ни другого не требуется».
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
@pic_history
"Аллегория алчности"
1590 г.
Якопо Лигоцци
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
В 1590 году Лигоцци создал серию сложных аллегорических рисунков из семи смертных грехов (шесть все еще существуют). Эта картина, которая является фрагментом, изображает центральные фигуры аллегории Аварис, рисунок которой находится в Национальной галерее, Вашингтон. Как описано в книгах с эмблемами, Аварис изображается как бледная женщина с сумкой денег. Угрожающий скелет предполагает, что художник был вдохновлен другими представлениями о пороке в любой литературе (возможно, Данте) или изобразительном искусстве.
@pic_history
#ЯкопоЛигоцци #АллегорическаяСцена
1590 г.
Якопо Лигоцци
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
В 1590 году Лигоцци создал серию сложных аллегорических рисунков из семи смертных грехов (шесть все еще существуют). Эта картина, которая является фрагментом, изображает центральные фигуры аллегории Аварис, рисунок которой находится в Национальной галерее, Вашингтон. Как описано в книгах с эмблемами, Аварис изображается как бледная женщина с сумкой денег. Угрожающий скелет предполагает, что художник был вдохновлен другими представлениями о пороке в любой литературе (возможно, Данте) или изобразительном искусстве.
@pic_history
#ЯкопоЛигоцци #АллегорическаяСцена
Живописный жанр аллегории (от греч. ἀλληγορία – иносказание) предполагает, что абстрактные понятия можно выразить посредством конкретных зрительных образов. Аллегория сообщает отвлечённому образу пластическую ясность. И это уже задача не только чисто живописная, но и умозрительная – как, с помощью каких визуальных средств можно передать образ музыки? Для Липпи таким образом служит женская фигура, данная в грациозном развороте, которая свои длинным шарфом опутывает шею лебедю.
Линейное решение фигуры почти идентично рисунку Филиппино Липпи, хранящемуся в Британском музее и изображающему греческую музу любовной поэзии, поэтому «Аллегорию музыки» также иногда называют «Эрато».
По другой версии, в «Аллегории музыки» показаны персонажи античного мифа о рождении Кастора и Поллукса от связи земной женщины Леды и бога Зевса, принявшего облик Лебедя. Крылатые купидоны-путти, без сомнения, могли сопровождать как Эрато в её искусстве, так и Леду в её любовной истории.
Не напоминает ли берлинская «Эрато» Филлипино Липпи нам картину более известную? Так и есть. Произведения Леонардо да Винчи, изображающие Леду и лебедя, появились всего на несколько лет позже «Аллегории музыки», и есть основания полагать, что здесь имеет место прямое влияние: Леонардо мог видеть работу своего старшего коллеги Филиппино.
Кстати, по мысли Леонардо да Винчи, «живопись превосходит музыку и господствует над нею, ибо она не умирает после своего рождения, как несчастная музыка, наоборот, она остается в бытии».
Тематику «Аллегории музыки» Филиппино Липпи поддерживают детали в левой части композиции: позади Эрато оставлены лира, «растущая» из оленьей головы, и сиринга – многоголосая флейта, состоящая из нескольких скреплённых между собой трубок, изобретение и излюбленный инструмент лесного бога Пана.
Но есть в берлинской «Эрато» нечто напоминающее о музыке с гораздо большей выразительной силой, нежели детали предметной наглядности. Это – ритм. То, без чего музыка принципиально не возможна. Ритм – значит, повторение. Взгляните, как регулярно повторяется в ритме линий «Аллегории музыки» мотив завитка: петлями завивается шарф героини, вторя изгибающимся лебединым шеям и изрезанной линии берега. Закручиваются складки розово-пурпурного хитона. Сине-лиловая развевающаяся на ветру накидка – гиматий – напоминает античные рельефы с пляшущими и извивающимися от вина и страсти вакханками, которые художники эпохи Возрождения часто использовали в качестве образца для изображения драпировок. Эти ритмические находки Филиппино со временем найдут продолжение в живописи маньеризма, не случайно Вазари писал, что Липпи «обогатил искусство красотой и нарядностью».
@pic_history
#ФилиппиноЛиппи #АллегорическаяСцена #Возрождение
Линейное решение фигуры почти идентично рисунку Филиппино Липпи, хранящемуся в Британском музее и изображающему греческую музу любовной поэзии, поэтому «Аллегорию музыки» также иногда называют «Эрато».
По другой версии, в «Аллегории музыки» показаны персонажи античного мифа о рождении Кастора и Поллукса от связи земной женщины Леды и бога Зевса, принявшего облик Лебедя. Крылатые купидоны-путти, без сомнения, могли сопровождать как Эрато в её искусстве, так и Леду в её любовной истории.
Не напоминает ли берлинская «Эрато» Филлипино Липпи нам картину более известную? Так и есть. Произведения Леонардо да Винчи, изображающие Леду и лебедя, появились всего на несколько лет позже «Аллегории музыки», и есть основания полагать, что здесь имеет место прямое влияние: Леонардо мог видеть работу своего старшего коллеги Филиппино.
Кстати, по мысли Леонардо да Винчи, «живопись превосходит музыку и господствует над нею, ибо она не умирает после своего рождения, как несчастная музыка, наоборот, она остается в бытии».
Тематику «Аллегории музыки» Филиппино Липпи поддерживают детали в левой части композиции: позади Эрато оставлены лира, «растущая» из оленьей головы, и сиринга – многоголосая флейта, состоящая из нескольких скреплённых между собой трубок, изобретение и излюбленный инструмент лесного бога Пана.
Но есть в берлинской «Эрато» нечто напоминающее о музыке с гораздо большей выразительной силой, нежели детали предметной наглядности. Это – ритм. То, без чего музыка принципиально не возможна. Ритм – значит, повторение. Взгляните, как регулярно повторяется в ритме линий «Аллегории музыки» мотив завитка: петлями завивается шарф героини, вторя изгибающимся лебединым шеям и изрезанной линии берега. Закручиваются складки розово-пурпурного хитона. Сине-лиловая развевающаяся на ветру накидка – гиматий – напоминает античные рельефы с пляшущими и извивающимися от вина и страсти вакханками, которые художники эпохи Возрождения часто использовали в качестве образца для изображения драпировок. Эти ритмические находки Филиппино со временем найдут продолжение в живописи маньеризма, не случайно Вазари писал, что Липпи «обогатил искусство красотой и нарядностью».
@pic_history
#ФилиппиноЛиппи #АллегорическаяСцена #Возрождение