"Сизиф"
1549 г.
Тициан Вечеллио
Национальный музей Прадо, Мадрид.
У Девкалиона был внук Эол, сын которого, Сизиф, основатель Коринфа, был самый хитрый из всех смертных. Однажды он открыл местопребывание Зевса речному богу Асону. За его обещание провести реку на Коринфскую возвышенность. Асон сдержал свое слово, и забил из скалы известный источник Пирены.
Зевс решил наказать вероломного Сизифа и послал к нему Танатоса. Но хитрый царь заковал ее в крепкие цепи, так что ни один человек в стране не мог умереть. Наконец, пришел бог войны Арес и освободил Смерть, Сизифа же низверг в преисподнюю. Но и здесь Сизиф сумел обмануть богов.
Он запретил своей жене совершать по нем погребальные жертвы. Отсутствие их возмутило все подземное царство, и Персефона позволила Сизифу возвратиться на землю, чтобы напомнить нерадивой супруге о ее обязанностях.
Вернувшись в свое королевство, хитрый король и не думал о возвращении в преисподнюю и снова весело зажил в своем роскошном дворце. Однажды, когда он сидел за столом, наслаждаясь богатыми яствами, к нему неожиданно вошла Смерть и вернула его назад, в преисподнюю. Там его постигаю наказание: он должен был втаскивать на высокую гору громадную мраморную глыбу.
Лишь только он достигал вершины и пробовал укрепить там камень, тот срывался и снова катился вниз, и несчастный преступник снова напрасно принимался за свою тяжелую работу. И это длилось века… До сих пор еще бесплодная, напрасная работа называется “Сизифовой”.
Поздний Тициан развернуто ставит проблемы колористической гармонии в живописи, а также и проблему создания выразительной техники свободного и точного живописного мазка. Мазок приобретает особое значение, он не только передает фактуру материала, но его движение лепит саму форму – пластику предмета. Огромное достоинство творческого языка позднего Тициана в том, что структура мазка дает образец реалистического единства художественного и психологического момента.
Фактурно и выразительно вылеплена освещенная последними закатными лучами солнца атлетическая фигура, мускулистое тело намертво слилось с каменной глыбой, не уступая ей в твердости. Создается просто физическое ощущение остановки течения времени и нескончаемости тяжелого бесполезного труда античного героя.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
1549 г.
Тициан Вечеллио
Национальный музей Прадо, Мадрид.
У Девкалиона был внук Эол, сын которого, Сизиф, основатель Коринфа, был самый хитрый из всех смертных. Однажды он открыл местопребывание Зевса речному богу Асону. За его обещание провести реку на Коринфскую возвышенность. Асон сдержал свое слово, и забил из скалы известный источник Пирены.
Зевс решил наказать вероломного Сизифа и послал к нему Танатоса. Но хитрый царь заковал ее в крепкие цепи, так что ни один человек в стране не мог умереть. Наконец, пришел бог войны Арес и освободил Смерть, Сизифа же низверг в преисподнюю. Но и здесь Сизиф сумел обмануть богов.
Он запретил своей жене совершать по нем погребальные жертвы. Отсутствие их возмутило все подземное царство, и Персефона позволила Сизифу возвратиться на землю, чтобы напомнить нерадивой супруге о ее обязанностях.
Вернувшись в свое королевство, хитрый король и не думал о возвращении в преисподнюю и снова весело зажил в своем роскошном дворце. Однажды, когда он сидел за столом, наслаждаясь богатыми яствами, к нему неожиданно вошла Смерть и вернула его назад, в преисподнюю. Там его постигаю наказание: он должен был втаскивать на высокую гору громадную мраморную глыбу.
Лишь только он достигал вершины и пробовал укрепить там камень, тот срывался и снова катился вниз, и несчастный преступник снова напрасно принимался за свою тяжелую работу. И это длилось века… До сих пор еще бесплодная, напрасная работа называется “Сизифовой”.
Поздний Тициан развернуто ставит проблемы колористической гармонии в живописи, а также и проблему создания выразительной техники свободного и точного живописного мазка. Мазок приобретает особое значение, он не только передает фактуру материала, но его движение лепит саму форму – пластику предмета. Огромное достоинство творческого языка позднего Тициана в том, что структура мазка дает образец реалистического единства художественного и психологического момента.
Фактурно и выразительно вылеплена освещенная последними закатными лучами солнца атлетическая фигура, мускулистое тело намертво слилось с каменной глыбой, не уступая ей в твердости. Создается просто физическое ощущение остановки течения времени и нескончаемости тяжелого бесполезного труда античного героя.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
"Персей спасает Андромеду"
1510-е
Пьеро ди Козимо
Галерея Уффици, Флоренция.
Флорентийский художник Пьеро ди Козимо соединил в своем творчестве гармоничные, одухотворенные образы Высокого Возрождения с любовью к подробному изображению окружающего мира, которую воспринял от нидерландских живописцев. В представленной картине, написанной в поздний период творчества, мастер использовал древнегреческий миф о Персее, спасающем Андромеду.
Возвращаясь после победы над горгоной Медузой, герой увидел девушку, привязанную к скале. Это была Андромеда, которую жители ее родной страны принесли в жертву морскому чудовищу, пожиравшему людей, ради избавления от него. Персей в своих крылатых сандалиях и волшебном шлеме, делавшем его невидимым, изображен на картине дважды – летящим над морем и стоящим на спине чудовища, замахивающимся мечом.
Слева мучается Андромеда и прячутся, закрываясь плащами, испуганные люди, а справа народ веселится и машет лавровыми ветвями, славя героя. Включение в композицию разных по времени событий и их напоминающая сказку трактовка свидетельствуют об еще неизжитых традициях предыдущего столетия – кватроченто, но мягкие очертания фигур и распахнутый вдали пейзаж говорят о том, что данное произведение создавалось в эпоху Высокого Возрождения.
#ПьероДиКозимо #МифологическаяCцена #Возрождение
1510-е
Пьеро ди Козимо
Галерея Уффици, Флоренция.
Флорентийский художник Пьеро ди Козимо соединил в своем творчестве гармоничные, одухотворенные образы Высокого Возрождения с любовью к подробному изображению окружающего мира, которую воспринял от нидерландских живописцев. В представленной картине, написанной в поздний период творчества, мастер использовал древнегреческий миф о Персее, спасающем Андромеду.
Возвращаясь после победы над горгоной Медузой, герой увидел девушку, привязанную к скале. Это была Андромеда, которую жители ее родной страны принесли в жертву морскому чудовищу, пожиравшему людей, ради избавления от него. Персей в своих крылатых сандалиях и волшебном шлеме, делавшем его невидимым, изображен на картине дважды – летящим над морем и стоящим на спине чудовища, замахивающимся мечом.
Слева мучается Андромеда и прячутся, закрываясь плащами, испуганные люди, а справа народ веселится и машет лавровыми ветвями, славя героя. Включение в композицию разных по времени событий и их напоминающая сказку трактовка свидетельствуют об еще неизжитых традициях предыдущего столетия – кватроченто, но мягкие очертания фигур и распахнутый вдали пейзаж говорят о том, что данное произведение создавалось в эпоху Высокого Возрождения.
#ПьероДиКозимо #МифологическаяCцена #Возрождение
"Пир богов" (совместно с Джованни Беллини)
1529 г.
Тициан Вечеллио
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
Пир богов является картиной, написанной маслом, итальянским мастером эпохи Возрождения, Джованни Беллини. Однако, Доссо Досси и Тициан известны существенными дополнениями к деталям ландшафта. Это одна из немногих картин на мифологическую тему этого венецианского художника.
Завершенная в 1514 году, она является последней его крупной работой.
На сегодняшний день работа находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия. Там ее считают “одной из величайших картин эпохи Возрождения в Соединенных Штатах”. Картина является первым крупным изображением сцены “Пира богов” в искусстве эпохи Возрождения.
Картина показывает случай с попыткой изнасилования Лотис. Она был нимфой писал Овидий, дочерью Нептуна. Во время фестиваля в честь Либера, на котором она присутствовала, Приапа пытался изнасиловать ее, пока та спала, но неожиданно была разбужена ослом и убежала, оставив Приапа в замешательстве.
На картине присутствуют многие персонажи из греческого пантеона и мифологического бестиария.
Около 1598 года картина была конфискована и доставлены в Риме кардиналом Ипполито Альдобрандини в качестве папского легата.
“Пир богов” был выставлен в 1856 году, в Британском институте в Лондоне. Так же он приезжал в Вашингтоне, побывал в Венеции в 1990 году, в Лондоне и Мадриде в 2003 году, а также в Вене в 2006 году,
Картина была тщательно исследована в 1985 году, был проведен обширный анализ пигмента в ходе очистки и сохранившегося работы над картиной. Все три художника, Беллини, Доссо и Тициан использованы пигменты, доступные в тот период времени, в числе которых были: природный ультрамарин, свинцово-оловянно-желтый, малахит, ярь – медянка и киноварь. Пир богов является одним из немногих примеров использования аурипигмента и реальгаром в масляной итальянской живописи эпохи Возрождения.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
1529 г.
Тициан Вечеллио
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
Пир богов является картиной, написанной маслом, итальянским мастером эпохи Возрождения, Джованни Беллини. Однако, Доссо Досси и Тициан известны существенными дополнениями к деталям ландшафта. Это одна из немногих картин на мифологическую тему этого венецианского художника.
Завершенная в 1514 году, она является последней его крупной работой.
На сегодняшний день работа находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия. Там ее считают “одной из величайших картин эпохи Возрождения в Соединенных Штатах”. Картина является первым крупным изображением сцены “Пира богов” в искусстве эпохи Возрождения.
Картина показывает случай с попыткой изнасилования Лотис. Она был нимфой писал Овидий, дочерью Нептуна. Во время фестиваля в честь Либера, на котором она присутствовала, Приапа пытался изнасиловать ее, пока та спала, но неожиданно была разбужена ослом и убежала, оставив Приапа в замешательстве.
На картине присутствуют многие персонажи из греческого пантеона и мифологического бестиария.
Около 1598 года картина была конфискована и доставлены в Риме кардиналом Ипполито Альдобрандини в качестве папского легата.
“Пир богов” был выставлен в 1856 году, в Британском институте в Лондоне. Так же он приезжал в Вашингтоне, побывал в Венеции в 1990 году, в Лондоне и Мадриде в 2003 году, а также в Вене в 2006 году,
Картина была тщательно исследована в 1985 году, был проведен обширный анализ пигмента в ходе очистки и сохранившегося работы над картиной. Все три художника, Беллини, Доссо и Тициан использованы пигменты, доступные в тот период времени, в числе которых были: природный ультрамарин, свинцово-оловянно-желтый, малахит, ярь – медянка и киноварь. Пир богов является одним из немногих примеров использования аурипигмента и реальгаром в масляной итальянской живописи эпохи Возрождения.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
"Сон приближается"
1931 г.
Сальвадор Дали
Частная коллекция.
Небо уже окрасилось густой синевой, на нем зажглись первые звезды, но горизонт еще подсвечен розоватым закатом. Или это рассвет? Зрителю предоставляется возможность решить этот вопрос самому. Ночное небо выцветает, розовеет на восходе, звезды исчезают. Пейзаж исполнен покоя.
Неподвижна гладь моря, безмолвны небеса. На берегу, в нескольких шагах от воды, стоит обнаженный человек. Он смотрит в сторону моря, где в воде виднеются подсвеченные зарей утесы. Или еще дальше – туда, где в море врезается скалистый мыс.
Человек расслаблен, в непринужденной позе его сквозит умиротворение; он органично вписывается в этот идиллический пейзаж. Значительную часть картины занимает небосвод, но небо на этом полотне – не просто пустое пространство. Оно прорисовано динамичными скругленными мазками, привнося движение в этот застывший в предрассветной дреме мирок.
По дуге небосклона, как по орбите, скользят два облачка. Они, словно в противовес остальным деталям ландшафта, ничуть не призрачны, не эфемерны. Напротив, они материальны, выпуклы и двигаются очень явно и целеустремленно, напоминая хищных птиц или пару самолетов-истребителей. На берегу возвышается башня: узкая, цилиндрической формы, с единственным окошком наверху. Ее поверхность изрезана трещинами, из-под облупившейся штукатурки проглядывает кирпичная кладка.
На основание башни отбрасывают тень два высоких кипариса. И башня, и кипарисы эти еще не раз появятся на холстах Дали. В частности, на картине “Всадник по имени смерть”, которая будет написана десятилетием позже. Общие мотивы превращают эти два полотна в комплементарную пару. Сон и смерть, Гипнос и Танатос. Кипарис издревле являлся символом смерти, скорби, траура. Высокая башня, устремленная к небесам, наводит на мысль о предутреннем эротическом сновидении.
На переднем плане высится огромная кровать. Она застелена белой простыней, покрывало ниспадает складками, похожими на волны. По покрывалу, как по полю, бродят птицы. Подушка в изголовье смутно напоминает формой морскую раковину. Благодаря всем этим деталям кровать, даже такая циклопическая, не выглядит на холсте чужеродным элементом.
#СальвадорДали #МифологическаяCцена #Сюрреализм
1931 г.
Сальвадор Дали
Частная коллекция.
Небо уже окрасилось густой синевой, на нем зажглись первые звезды, но горизонт еще подсвечен розоватым закатом. Или это рассвет? Зрителю предоставляется возможность решить этот вопрос самому. Ночное небо выцветает, розовеет на восходе, звезды исчезают. Пейзаж исполнен покоя.
Неподвижна гладь моря, безмолвны небеса. На берегу, в нескольких шагах от воды, стоит обнаженный человек. Он смотрит в сторону моря, где в воде виднеются подсвеченные зарей утесы. Или еще дальше – туда, где в море врезается скалистый мыс.
Человек расслаблен, в непринужденной позе его сквозит умиротворение; он органично вписывается в этот идиллический пейзаж. Значительную часть картины занимает небосвод, но небо на этом полотне – не просто пустое пространство. Оно прорисовано динамичными скругленными мазками, привнося движение в этот застывший в предрассветной дреме мирок.
По дуге небосклона, как по орбите, скользят два облачка. Они, словно в противовес остальным деталям ландшафта, ничуть не призрачны, не эфемерны. Напротив, они материальны, выпуклы и двигаются очень явно и целеустремленно, напоминая хищных птиц или пару самолетов-истребителей. На берегу возвышается башня: узкая, цилиндрической формы, с единственным окошком наверху. Ее поверхность изрезана трещинами, из-под облупившейся штукатурки проглядывает кирпичная кладка.
На основание башни отбрасывают тень два высоких кипариса. И башня, и кипарисы эти еще не раз появятся на холстах Дали. В частности, на картине “Всадник по имени смерть”, которая будет написана десятилетием позже. Общие мотивы превращают эти два полотна в комплементарную пару. Сон и смерть, Гипнос и Танатос. Кипарис издревле являлся символом смерти, скорби, траура. Высокая башня, устремленная к небесам, наводит на мысль о предутреннем эротическом сновидении.
На переднем плане высится огромная кровать. Она застелена белой простыней, покрывало ниспадает складками, похожими на волны. По покрывалу, как по полю, бродят птицы. Подушка в изголовье смутно напоминает формой морскую раковину. Благодаря всем этим деталям кровать, даже такая циклопическая, не выглядит на холсте чужеродным элементом.
#СальвадорДали #МифологическаяCцена #Сюрреализм
"Шабаш ведьм"
1798 г.
Франсиско Гойя
Музей Лазаро Гальдиано, Мадрид.
Это одна из шести картин, созданных по заказу герцога Осуна для украшения его имения. В центре полотна – мистический и пугающий образ дьявола в виде огромного козла в окружении женщин с уродливыми лицами. Ведьмы угодливо предлагают в жертву дьяволу двух младенцев.
Возможно, таким метафоричным образом Гойя выразил свое негодование по поводу суеверий необразованного общества. Согбенные позы изображенных подле козла указывают на поклонение сатане – абсурдной становится жизнь людей, если они готовы расстаться со своим потомством. Нет ничего страшнее, чем порабощенный человеческий разум.
#ФрансискоГойя #МифологическаяCцена #Романтизм
1798 г.
Франсиско Гойя
Музей Лазаро Гальдиано, Мадрид.
Это одна из шести картин, созданных по заказу герцога Осуна для украшения его имения. В центре полотна – мистический и пугающий образ дьявола в виде огромного козла в окружении женщин с уродливыми лицами. Ведьмы угодливо предлагают в жертву дьяволу двух младенцев.
Возможно, таким метафоричным образом Гойя выразил свое негодование по поводу суеверий необразованного общества. Согбенные позы изображенных подле козла указывают на поклонение сатане – абсурдной становится жизнь людей, если они готовы расстаться со своим потомством. Нет ничего страшнее, чем порабощенный человеческий разум.
#ФрансискоГойя #МифологическаяCцена #Романтизм
"Пряхи, или Миф об Арахне"
1650-е
Диего Веласкес
Национальный музей Прадо, Мадрид.
Одна собирает упавшие нитки на пол, другая – та, которая с закатанными рукавами, прядет новое произведение искусства. Скорей всего, закатанными рукавами художник хотел показать увлеченность процессом работы. Напротив женщины с закатанными рукавами, сидит, очевидно, пожилая ткачиха, лениво ведущая беседу с молодой подсобницей.
Возле старой женщины, словно чувствуя жизненный опыт и идущее от нее добро, у ее ног расположилась домашняя кошка. Веласкес изобразил обычное рабочее место без прикрас и пафоса.
Никаких театральных движений, только точные и уверенные движения ткачих. По количеству света в комнате можно предположить, что работницы задержались до позднего вечера. Об их уставшем виде также говорит отвлеченность от работы пожилой женщины и подсобницы, позволивших в конце дня немного поболтать.
Несколько слов нужно сказать о гобелене на заднем фоне.
Художник изобразил момент гнева Господнего, когда он превратил в ползучего гада Арахну. Некоторые историки считают, что этим моментом Веласкес хотел раскрыть политическую игру Испании, которая всецело повелевает людьми. Таким образом, картина относится к лучшим произведениям искусства того времени.
#ДиегоВеласкес #МифологическаяCцена #Барокко
1650-е
Диего Веласкес
Национальный музей Прадо, Мадрид.
Одна собирает упавшие нитки на пол, другая – та, которая с закатанными рукавами, прядет новое произведение искусства. Скорей всего, закатанными рукавами художник хотел показать увлеченность процессом работы. Напротив женщины с закатанными рукавами, сидит, очевидно, пожилая ткачиха, лениво ведущая беседу с молодой подсобницей.
Возле старой женщины, словно чувствуя жизненный опыт и идущее от нее добро, у ее ног расположилась домашняя кошка. Веласкес изобразил обычное рабочее место без прикрас и пафоса.
Никаких театральных движений, только точные и уверенные движения ткачих. По количеству света в комнате можно предположить, что работницы задержались до позднего вечера. Об их уставшем виде также говорит отвлеченность от работы пожилой женщины и подсобницы, позволивших в конце дня немного поболтать.
Несколько слов нужно сказать о гобелене на заднем фоне.
Художник изобразил момент гнева Господнего, когда он превратил в ползучего гада Арахну. Некоторые историки считают, что этим моментом Веласкес хотел раскрыть политическую игру Испании, которая всецело повелевает людьми. Таким образом, картина относится к лучшим произведениям искусства того времени.
#ДиегоВеласкес #МифологическаяCцена #Барокко
"Русалки"
1871 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
Русалочьи посиделки под лунным светом.
На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова.
Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами.
Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве.
#ИванКрамской #МифологическаяCцена #Реализм
1871 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
Русалочьи посиделки под лунным светом.
На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова.
Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами.
Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве.
#ИванКрамской #МифологическаяCцена #Реализм
"Похищение дочерей Левкиппа"
1618 г.
Питер Пауль Рубенс
Старая Пинакотека, Мюнхен.
Кастор и Полидевк крадут невест своих двоюродных братьев прямо со свадьбы
Братья Кастор и Полидевк, сыновья Леды и Зевса, прославились и дали название созвездию Близнецы совсем не за тот поступок, который изображает Рубенс. Главная их добродетель, приведшая достаточно сомнительных персонажей в историю, – настоящая братская любовь и самоотдача.
Здесь, у Рубенса, они еще не подозревают о тех испытаниях, в которых им придется друг друга поддерживать и вытягивать с того света, пока они думают только об одном – о мести. Кастор и Полидевк крадут невест своих двоюродных братьев прямо со свадьбы, не потому, что девушки им нравятся, а потому, что сильно рассорились с братьями. Это потом близнецам придется отвечать за свою подлость: один погибнет, второй, бессмертный, поделится своим бессмертием с братом - и оба, наполовину бессмертные, будут жить то на Олимпе, то в Аиде, через день.
Рубенс – художник эпохи барокко, ему братская любовь не интересна, потому что из нее не построишь страстной, закрученной в круг стремительной композиции, ему интересна битва и противостояние.
Он писал быстро и широко, предпочитал огромные полотна – только так монументальность его фигур (мудрых, статных стариков, мускулистых мощных мужчин с загорелой кожей, округлых, парящих женщин) получала нужный размах. Аллегорические, мифические существа, герои старых легенд, исторические персонажи, вездесущие амуры – «язык древних настолько глубоко проник в систему его художественного мышления, что он мог “разговаривать” на нем без малейшего фламандского акцента».
#ПитерРубенс #МифологическаяCцена #Барокко
1618 г.
Питер Пауль Рубенс
Старая Пинакотека, Мюнхен.
Кастор и Полидевк крадут невест своих двоюродных братьев прямо со свадьбы
Братья Кастор и Полидевк, сыновья Леды и Зевса, прославились и дали название созвездию Близнецы совсем не за тот поступок, который изображает Рубенс. Главная их добродетель, приведшая достаточно сомнительных персонажей в историю, – настоящая братская любовь и самоотдача.
Здесь, у Рубенса, они еще не подозревают о тех испытаниях, в которых им придется друг друга поддерживать и вытягивать с того света, пока они думают только об одном – о мести. Кастор и Полидевк крадут невест своих двоюродных братьев прямо со свадьбы, не потому, что девушки им нравятся, а потому, что сильно рассорились с братьями. Это потом близнецам придется отвечать за свою подлость: один погибнет, второй, бессмертный, поделится своим бессмертием с братом - и оба, наполовину бессмертные, будут жить то на Олимпе, то в Аиде, через день.
Рубенс – художник эпохи барокко, ему братская любовь не интересна, потому что из нее не построишь страстной, закрученной в круг стремительной композиции, ему интересна битва и противостояние.
Он писал быстро и широко, предпочитал огромные полотна – только так монументальность его фигур (мудрых, статных стариков, мускулистых мощных мужчин с загорелой кожей, округлых, парящих женщин) получала нужный размах. Аллегорические, мифические существа, герои старых легенд, исторические персонажи, вездесущие амуры – «язык древних настолько глубоко проник в систему его художественного мышления, что он мог “разговаривать” на нем без малейшего фламандского акцента».
#ПитерРубенс #МифологическаяCцена #Барокко
"Медуза"
1597 г.
Микеланджело Меризи де Караваджо
Галерея Уффици, Флоренция.
Сюжеты из древнегреческой мифологии были весьма популярны среди живописцев эпохи Позднего Возрождения. Одним из персонажей этих мифов, привлекших к себе внимание таких именитых мастеров, как Рубенс и Леонардо да Винчи, была Медуза Горгона — чудовище со змеями вместо волос, обрамлявшими женское лицо. Согласно легенде, любое живое существо, взглянувшее Медузе в глаза, тотчас обращалось в камень. Такая способность не оставляла шансов ее врагам и делала Горгону практически неуязвимой. И только Персей, выполнявший задание царя Полидекта, сумел перехитрить монстра: он напал на Медузу, глядя на ее отражение в своем медном щите, и отрубил ей голову.
Оказалось, что даже после смерти Медуза была опасна: ее мертвые глаза не утратили своей силы и по-прежнему могли превратить любого в каменное изваяние. Именно такой мы видим ее на картине Караваджо, где изображена отрубленная голова Медузы — побежденной, но продолжающей нести смерть.
Заказ на создание этого полотна Караваджо получил в 1597 году от кардинала Франческо Дель Монте, который задумал преподнести герцогу Медичи необычный подарок: картину на сюжет из Овидия, написанную на круглом щите. Художник с увлечением принялся за работу: возможно, его подстегивало чувство соперничества с великим Леонардо, который также пытался перенести на холст события из античного мифа. Картину «Медуза Горгона», описание которой мы предлагаем вам прочесть, Караваджо написал в рекордно короткий срок: спустя год в 1598 г. это произведение было подарено герцогу.
Как известно, художник писал свои полотна без предварительных набросков: рентгеновский анализ холстов не находит на них следов от карандаша или угля. Голова Медузы, написанная Караваджо на холсте, натянутом на круглый деревянный щит, была также создана без единого эскиза — так считалось вплоть до конца ХХ века. Некоторое сомнение у искусствоведов вызывал тот факт, что в одной частной коллекции была практически точная копия картины «Медуза Горгона», однако проверить ее подлинность сумели только в 90-х годах прошлого столетия.
Анализ показал, что Караваджо все же сделал пробный вариант картины: им и оказалась голова Медузы, нарисованная на щите меньшего диаметра. Под слоем краски отчетливо видны наброски углем, поверх которых мастер наложил легкий этюд кисточкой. Специалистам удалось увидеть то, что было скрыто от досужих глаз: картина-набросок углем предполагала, что Медуза Горгона будет изображена в виде гротескной театральной маски, но затем художник предпочел придать чудовищу человеческие черты.
Чтобы изобразить на выпуклой поверхности щита красивое женское лицо, художник использовал популярные в те времена приемы копирования при помощи зеркала и стекла. Для современников Караваджо картина «Медуза Горгона» была несомненным шедевром, несмотря на мрачные тона, потоки крови и драматический сюжет. Сегодня этот шедевр изобразительного искусства украшает собой галерею Уффици во Флоренции.
#Микеланджело #МифологическаяCцена #Барокко
1597 г.
Микеланджело Меризи де Караваджо
Галерея Уффици, Флоренция.
Сюжеты из древнегреческой мифологии были весьма популярны среди живописцев эпохи Позднего Возрождения. Одним из персонажей этих мифов, привлекших к себе внимание таких именитых мастеров, как Рубенс и Леонардо да Винчи, была Медуза Горгона — чудовище со змеями вместо волос, обрамлявшими женское лицо. Согласно легенде, любое живое существо, взглянувшее Медузе в глаза, тотчас обращалось в камень. Такая способность не оставляла шансов ее врагам и делала Горгону практически неуязвимой. И только Персей, выполнявший задание царя Полидекта, сумел перехитрить монстра: он напал на Медузу, глядя на ее отражение в своем медном щите, и отрубил ей голову.
Оказалось, что даже после смерти Медуза была опасна: ее мертвые глаза не утратили своей силы и по-прежнему могли превратить любого в каменное изваяние. Именно такой мы видим ее на картине Караваджо, где изображена отрубленная голова Медузы — побежденной, но продолжающей нести смерть.
Заказ на создание этого полотна Караваджо получил в 1597 году от кардинала Франческо Дель Монте, который задумал преподнести герцогу Медичи необычный подарок: картину на сюжет из Овидия, написанную на круглом щите. Художник с увлечением принялся за работу: возможно, его подстегивало чувство соперничества с великим Леонардо, который также пытался перенести на холст события из античного мифа. Картину «Медуза Горгона», описание которой мы предлагаем вам прочесть, Караваджо написал в рекордно короткий срок: спустя год в 1598 г. это произведение было подарено герцогу.
Как известно, художник писал свои полотна без предварительных набросков: рентгеновский анализ холстов не находит на них следов от карандаша или угля. Голова Медузы, написанная Караваджо на холсте, натянутом на круглый деревянный щит, была также создана без единого эскиза — так считалось вплоть до конца ХХ века. Некоторое сомнение у искусствоведов вызывал тот факт, что в одной частной коллекции была практически точная копия картины «Медуза Горгона», однако проверить ее подлинность сумели только в 90-х годах прошлого столетия.
Анализ показал, что Караваджо все же сделал пробный вариант картины: им и оказалась голова Медузы, нарисованная на щите меньшего диаметра. Под слоем краски отчетливо видны наброски углем, поверх которых мастер наложил легкий этюд кисточкой. Специалистам удалось увидеть то, что было скрыто от досужих глаз: картина-набросок углем предполагала, что Медуза Горгона будет изображена в виде гротескной театральной маски, но затем художник предпочел придать чудовищу человеческие черты.
Чтобы изобразить на выпуклой поверхности щита красивое женское лицо, художник использовал популярные в те времена приемы копирования при помощи зеркала и стекла. Для современников Караваджо картина «Медуза Горгона» была несомненным шедевром, несмотря на мрачные тона, потоки крови и драматический сюжет. Сегодня этот шедевр изобразительного искусства украшает собой галерею Уффици во Флоренции.
#Микеланджело #МифологическаяCцена #Барокко
"Градива"
1931 г.
Сальвадор Дали
Частная коллекция.
Композиция «Градива», написанная в 1931 году, объединяет уникальное художественное видение Дали с технической виртуозностью, характерной для его ранних сюрреалистических произведений. Эта полуобнажённая женщина, выписанная в мельчайших подробностях, воплощает мифологическую Градиву – персонаж одноимённого романа Вильгельма Йенсена, изданного в 1902 году.
Герой книги, молодой археолог, одержим женской фигурой с древнеримского барельефа до такой степени, что влюбляется в неё и воображает в реальности. Этот сюжет впоследствии использовал Зигмунд Фрейд в анализе идеализации красоты и представлений о спроецированной и настоящей любви. Дали же ассоциировал Градиву со своей женой Галой. Они познакомились в 1929 году в Кадакесе, куда Гала и её прежний муж Поль Элюар приехали в гости к художнику. Вскоре она стала центром личной и художественной жизни Дали.
До 2018 года картины хранились в семье потомков Тоты де Куэвас де Веры, пока не была продана на аукционе Sotheby's за 2,7 млн фунтов стерлингов (3,7 млн долларов США).
#СальвадорДали #МифологическаяCцена #Сюрреализм
1931 г.
Сальвадор Дали
Частная коллекция.
Композиция «Градива», написанная в 1931 году, объединяет уникальное художественное видение Дали с технической виртуозностью, характерной для его ранних сюрреалистических произведений. Эта полуобнажённая женщина, выписанная в мельчайших подробностях, воплощает мифологическую Градиву – персонаж одноимённого романа Вильгельма Йенсена, изданного в 1902 году.
Герой книги, молодой археолог, одержим женской фигурой с древнеримского барельефа до такой степени, что влюбляется в неё и воображает в реальности. Этот сюжет впоследствии использовал Зигмунд Фрейд в анализе идеализации красоты и представлений о спроецированной и настоящей любви. Дали же ассоциировал Градиву со своей женой Галой. Они познакомились в 1929 году в Кадакесе, куда Гала и её прежний муж Поль Элюар приехали в гости к художнику. Вскоре она стала центром личной и художественной жизни Дали.
До 2018 года картины хранились в семье потомков Тоты де Куэвас де Веры, пока не была продана на аукционе Sotheby's за 2,7 млн фунтов стерлингов (3,7 млн долларов США).
#СальвадорДали #МифологическаяCцена #Сюрреализм
"Венера Урбинская"
1538 г.
Тициан Вечеллио
Галерея Уффици, Флоренция.
История создания «Венеры Урбинской»
Картина написана Тицианом в качестве свадебного подношения для Гвидобальдо делла Ровере, герцога Урбинского, - титулом владельца картины объясняется её название. Для молодого Гвидобальдо по соображениям политики была выбрана в невесты Джулия Варано, на момент создания картины – 10-летняя девочка. «Венера Урбинская» была свадебным подарком в ожидании, когда Джулия подрастёт и в ней окрепнут любовные чувства к супругу. Впрочем, вряд ли Тициан писал «Венеру Урбинскую» с юной Варано. Есть предположение, что его моделью была мать Гвидобальдо, герцогиня Элеонора Гонзага: её портрет работы Тициана датируется тем же 1538-м годом, что и «Венера Урбинская», и некоторое внешнее сходство действительно налицо.
Символы и аллегории в «Венере Урбинской»
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
@pic_history
1538 г.
Тициан Вечеллио
Галерея Уффици, Флоренция.
История создания «Венеры Урбинской»
Картина написана Тицианом в качестве свадебного подношения для Гвидобальдо делла Ровере, герцога Урбинского, - титулом владельца картины объясняется её название. Для молодого Гвидобальдо по соображениям политики была выбрана в невесты Джулия Варано, на момент создания картины – 10-летняя девочка. «Венера Урбинская» была свадебным подарком в ожидании, когда Джулия подрастёт и в ней окрепнут любовные чувства к супругу. Впрочем, вряд ли Тициан писал «Венеру Урбинскую» с юной Варано. Есть предположение, что его моделью была мать Гвидобальдо, герцогиня Элеонора Гонзага: её портрет работы Тициана датируется тем же 1538-м годом, что и «Венера Урбинская», и некоторое внешнее сходство действительно налицо.
Символы и аллегории в «Венере Урбинской»
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
@pic_history
Так искусствоведы пришли к выводу, что «Пряхи» Веласкеса не что иное, как иллюстрация к мифу об Арахне, изложенному Овидием, хотя и выполненная «на современном материале». Но самые пытливые из исследователей двинулись дальше. Они осмелились предположить, что в пожилой женщине за прялкой Веласкес изобразил свою жену Хуану Миранду, на которой женился 19-летним и с которой прожил всю жизнь, а в молодой пряхе, развернутой спиной зрителю, «зашифровал» тайную возлюбленную – итальянскую художницу Фламинию Трива. Возможно, он намекал, что пряхи на картине – античные мойры, плетущие нить его личной судьбы.
#ДиегоВеласкес #МифологическаяCцена #Барокко
@pic_history
#ДиегоВеласкес #МифологическаяCцена #Барокко
@pic_history
"Медуза"
1597 г.
Микеланджело Меризи де Караваджо
Галерея Уффици, Флоренция.
Сюжеты из древнегреческой мифологии были весьма популярны среди живописцев эпохи Позднего Возрождения. Одним из персонажей этих мифов, привлекших к себе внимание таких именитых мастеров, как Рубенс и Леонардо да Винчи, была Медуза Горгона — чудовище со змеями вместо волос, обрамлявшими женское лицо. Согласно легенде, любое живое существо, взглянувшее Медузе в глаза, тотчас обращалось в камень. Такая способность не оставляла шансов ее врагам и делала Горгону практически неуязвимой. И только Персей, выполнявший задание царя Полидекта, сумел перехитрить монстра: он напал на Медузу, глядя на ее отражение в своем медном щите, и отрубил ей голову.
Оказалось, что даже после смерти Медуза была опасна: ее мертвые глаза не утратили своей силы и по-прежнему могли превратить любого в каменное изваяние. Именно такой мы видим ее на картине Караваджо, где изображена отрубленная голова Медузы — побежденной, но продолжающей нести смерть.
Заказ на создание этого полотна Караваджо получил в 1597 году от кардинала Франческо Дель Монте, который задумал преподнести герцогу Медичи необычный подарок: картину на сюжет из Овидия, написанную на круглом щите. Художник с увлечением принялся за работу: возможно, его подстегивало чувство соперничества с великим Леонардо, который также пытался перенести на холст события из античного мифа. Картину «Медуза Горгона», описание которой мы предлагаем вам прочесть, Караваджо написал в рекордно короткий срок: спустя год в 1598 г. это произведение было подарено герцогу.
Как известно, художник писал свои полотна без предварительных набросков: рентгеновский анализ холстов не находит на них следов от карандаша или угля. Голова Медузы, написанная Караваджо на холсте, натянутом на круглый деревянный щит, была также создана без единого эскиза — так считалось вплоть до конца ХХ века. Некоторое сомнение у искусствоведов вызывал тот факт, что в одной частной коллекции была практически точная копия картины «Медуза Горгона», однако проверить ее подлинность сумели только в 90-х годах прошлого столетия.
Анализ показал, что Караваджо все же сделал пробный вариант картины: им и оказалась голова Медузы, нарисованная на щите меньшего диаметра. Под слоем краски отчетливо видны наброски углем, поверх которых мастер наложил легкий этюд кисточкой. Специалистам удалось увидеть то, что было скрыто от досужих глаз: картина-набросок углем предполагала, что Медуза Горгона будет изображена в виде гротескной театральной маски, но затем художник предпочел придать чудовищу человеческие черты.
Чтобы изобразить на выпуклой поверхности щита красивое женское лицо, художник использовал популярные в те времена приемы копирования при помощи зеркала и стекла. Для современников Караваджо картина «Медуза Горгона» была несомненным шедевром, несмотря на мрачные тона, потоки крови и драматический сюжет. Сегодня этот шедевр изобразительного искусства украшает собой галерею Уффици во Флоренции.
#Микеланджело #МифологическаяCцена #Барокко
1597 г.
Микеланджело Меризи де Караваджо
Галерея Уффици, Флоренция.
Сюжеты из древнегреческой мифологии были весьма популярны среди живописцев эпохи Позднего Возрождения. Одним из персонажей этих мифов, привлекших к себе внимание таких именитых мастеров, как Рубенс и Леонардо да Винчи, была Медуза Горгона — чудовище со змеями вместо волос, обрамлявшими женское лицо. Согласно легенде, любое живое существо, взглянувшее Медузе в глаза, тотчас обращалось в камень. Такая способность не оставляла шансов ее врагам и делала Горгону практически неуязвимой. И только Персей, выполнявший задание царя Полидекта, сумел перехитрить монстра: он напал на Медузу, глядя на ее отражение в своем медном щите, и отрубил ей голову.
Оказалось, что даже после смерти Медуза была опасна: ее мертвые глаза не утратили своей силы и по-прежнему могли превратить любого в каменное изваяние. Именно такой мы видим ее на картине Караваджо, где изображена отрубленная голова Медузы — побежденной, но продолжающей нести смерть.
Заказ на создание этого полотна Караваджо получил в 1597 году от кардинала Франческо Дель Монте, который задумал преподнести герцогу Медичи необычный подарок: картину на сюжет из Овидия, написанную на круглом щите. Художник с увлечением принялся за работу: возможно, его подстегивало чувство соперничества с великим Леонардо, который также пытался перенести на холст события из античного мифа. Картину «Медуза Горгона», описание которой мы предлагаем вам прочесть, Караваджо написал в рекордно короткий срок: спустя год в 1598 г. это произведение было подарено герцогу.
Как известно, художник писал свои полотна без предварительных набросков: рентгеновский анализ холстов не находит на них следов от карандаша или угля. Голова Медузы, написанная Караваджо на холсте, натянутом на круглый деревянный щит, была также создана без единого эскиза — так считалось вплоть до конца ХХ века. Некоторое сомнение у искусствоведов вызывал тот факт, что в одной частной коллекции была практически точная копия картины «Медуза Горгона», однако проверить ее подлинность сумели только в 90-х годах прошлого столетия.
Анализ показал, что Караваджо все же сделал пробный вариант картины: им и оказалась голова Медузы, нарисованная на щите меньшего диаметра. Под слоем краски отчетливо видны наброски углем, поверх которых мастер наложил легкий этюд кисточкой. Специалистам удалось увидеть то, что было скрыто от досужих глаз: картина-набросок углем предполагала, что Медуза Горгона будет изображена в виде гротескной театральной маски, но затем художник предпочел придать чудовищу человеческие черты.
Чтобы изобразить на выпуклой поверхности щита красивое женское лицо, художник использовал популярные в те времена приемы копирования при помощи зеркала и стекла. Для современников Караваджо картина «Медуза Горгона» была несомненным шедевром, несмотря на мрачные тона, потоки крови и драматический сюжет. Сегодня этот шедевр изобразительного искусства украшает собой галерею Уффици во Флоренции.
#Микеланджело #МифологическаяCцена #Барокко
"Русалки"
1871 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
Русалочьи посиделки под лунным светом.
В обширном списке произведений И.Н.Крамского особое место занимает его картина под названием «Русалки». Народная молва окрестила это полотно мистическим, поскольку с ним связаны таинственные случаи, и некоторые из них — с печальным финалом. Но обо всем по порядку.
Являясь почитателем литературного таланта Н.В.Гоголя, Крамской мечтал создать полотно по мотивам его произведений. Художник был, без преувеличения, очарован описаниями украинских ночей и тех мифических существ, которые появлялись под светом луны, пока обычные люди были погружены в сон. Помимо этого, живописец страстно мечтал запечатлеть на полотне удивительное сочетание ночной мглы и струящегося лунного света, озаряющего отдельные предметы. Картина Крамского «Русалки» свидетельствует, что с этой задачей художник отлично справился.
Сюжетом для картины Крамского «Русалки» послужил отрывок из гоголевской «Майской ночи», где автор описывает сон Левка. Художник не ставил перед собой цель точно передать все детали сна, он лишь стремился поделиться со зрителем тем чудесным видением, которое посетило его во время работы над эскизами будущего шедевра.
Картина Крамского «Русалки» наполнена светлой грустью. На переднем плане мы видим группу молодых девушек, облаченных в белые одеяния. Они собрались на берегу старого пруда, чтобы посидеть под лунным светом, спеть свои любимые песни и рассказать друг другу сокровенные тайны. Тонкие фигурки утопленниц застыли в живописных позах, их лица печально-строги. Кое-кто, запрокинув лицо вверх, всматривается в диск полной луны, другие же склонили головы, будто оплакивая свою горькую судьбу. Они словно сияют под светом полной луны, которая освещает лишь небольшие участки — заросли осоки, невысокий холм и старую усадьбу на нем.
На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова.
Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами.
Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве.
#ИванКрамской #МифологическаяCцена #Реализм
@pic_history
1871 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
Русалочьи посиделки под лунным светом.
В обширном списке произведений И.Н.Крамского особое место занимает его картина под названием «Русалки». Народная молва окрестила это полотно мистическим, поскольку с ним связаны таинственные случаи, и некоторые из них — с печальным финалом. Но обо всем по порядку.
Являясь почитателем литературного таланта Н.В.Гоголя, Крамской мечтал создать полотно по мотивам его произведений. Художник был, без преувеличения, очарован описаниями украинских ночей и тех мифических существ, которые появлялись под светом луны, пока обычные люди были погружены в сон. Помимо этого, живописец страстно мечтал запечатлеть на полотне удивительное сочетание ночной мглы и струящегося лунного света, озаряющего отдельные предметы. Картина Крамского «Русалки» свидетельствует, что с этой задачей художник отлично справился.
Сюжетом для картины Крамского «Русалки» послужил отрывок из гоголевской «Майской ночи», где автор описывает сон Левка. Художник не ставил перед собой цель точно передать все детали сна, он лишь стремился поделиться со зрителем тем чудесным видением, которое посетило его во время работы над эскизами будущего шедевра.
Картина Крамского «Русалки» наполнена светлой грустью. На переднем плане мы видим группу молодых девушек, облаченных в белые одеяния. Они собрались на берегу старого пруда, чтобы посидеть под лунным светом, спеть свои любимые песни и рассказать друг другу сокровенные тайны. Тонкие фигурки утопленниц застыли в живописных позах, их лица печально-строги. Кое-кто, запрокинув лицо вверх, всматривается в диск полной луны, другие же склонили головы, будто оплакивая свою горькую судьбу. Они словно сияют под светом полной луны, которая освещает лишь небольшие участки — заросли осоки, невысокий холм и старую усадьбу на нем.
На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова.
Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами.
Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве.
#ИванКрамской #МифологическаяCцена #Реализм
@pic_history
Кастор и Полидевк крадут невест своих двоюродных братьев прямо со свадьбы
Братья Кастор и Полидевк, сыновья Леды и Зевса, прославились и дали название созвездию Близнецы совсем не за тот поступок, который изображает Рубенс. Главная их добродетель, приведшая достаточно сомнительных персонажей в историю, – настоящая братская любовь и самоотдача.
Здесь, у Рубенса, они еще не подозревают о тех испытаниях, в которых им придется друг друга поддерживать и вытягивать с того света, пока они думают только об одном – о мести. Кастор и Полидевк крадут невест своих двоюродных братьев прямо со свадьбы, не потому, что девушки им нравятся, а потому, что сильно рассорились с братьями. Это потом близнецам придется отвечать за свою подлость: один погибнет, второй, бессмертный, поделится своим бессмертием с братом - и оба, наполовину бессмертные, будут жить то на Олимпе, то в Аиде, через день.
Рубенс – художник эпохи барокко, ему братская любовь не интересна, потому что из нее не построишь страстной, закрученной в круг стремительной композиции, ему интересна битва и противостояние.
Он писал быстро и широко, предпочитал огромные полотна – только так монументальность его фигур (мудрых, статных стариков, мускулистых мощных мужчин с загорелой кожей, округлых, парящих женщин) получала нужный размах. Аллегорические, мифические существа, герои старых легенд, исторические персонажи, вездесущие амуры – «язык древних настолько глубоко проник в систему его художественного мышления, что он мог “разговаривать” на нем без малейшего фламандского акцента».
#ПитерРубенс #МифологическаяCцена #Барокко
@pic_history
Братья Кастор и Полидевк, сыновья Леды и Зевса, прославились и дали название созвездию Близнецы совсем не за тот поступок, который изображает Рубенс. Главная их добродетель, приведшая достаточно сомнительных персонажей в историю, – настоящая братская любовь и самоотдача.
Здесь, у Рубенса, они еще не подозревают о тех испытаниях, в которых им придется друг друга поддерживать и вытягивать с того света, пока они думают только об одном – о мести. Кастор и Полидевк крадут невест своих двоюродных братьев прямо со свадьбы, не потому, что девушки им нравятся, а потому, что сильно рассорились с братьями. Это потом близнецам придется отвечать за свою подлость: один погибнет, второй, бессмертный, поделится своим бессмертием с братом - и оба, наполовину бессмертные, будут жить то на Олимпе, то в Аиде, через день.
Рубенс – художник эпохи барокко, ему братская любовь не интересна, потому что из нее не построишь страстной, закрученной в круг стремительной композиции, ему интересна битва и противостояние.
Он писал быстро и широко, предпочитал огромные полотна – только так монументальность его фигур (мудрых, статных стариков, мускулистых мощных мужчин с загорелой кожей, округлых, парящих женщин) получала нужный размах. Аллегорические, мифические существа, герои старых легенд, исторические персонажи, вездесущие амуры – «язык древних настолько глубоко проник в систему его художественного мышления, что он мог “разговаривать” на нем без малейшего фламандского акцента».
#ПитерРубенс #МифологическаяCцена #Барокко
@pic_history
Рисунок Вазари, колорит – подмастерьев?
Впрочем, даже неподтверждённая рука Вазари не отнимает у работы исторической ценности. Во-первых, картина прекрасно сохранилась: за четыре века она практически не подергалась реставрации, а это свидетельствует о высоком качестве работы, доступном только мастерским титулованных и обеспеченных художников, каким был Вазари. Во-вторых, замечательная резная золоченая рама «Триумфа Вакха», украшенная головами баранов и виноградными гроздьями, не только прекрасно гармонирует с картиной (тоже признак качества), но и, согласно экспертному мнению, создана одновременно с картиной, в 60-70-х годах XVI века. В-третьих, в одном из кабинетов Лувра хранится оригинал рисунка Вазари под названием «Вакханалия», замечательный по точности и прихотливости линий и частично наследуемый в «Триумфе Вакха». Известно, что Вазари, удачно сделавший себе имя и всегда по горло заваленный заказами, часто набрасывал рисунок, а выполнение живописной работы, будучи довольно равнодушным к колористическим изощрениям, доверял художникам своей мастерской.
Что такое Вакханалия и кого мы видим на картине?
Вакханалия – известное со времен античности празднество возделанной нивы, собранного винограда, прославление бога плодородия Вакха. Проводимые под покровом ночи, вакханалии имели характер оргиастический и мистический: вино и кровь растерзанных зверей лились рекой, а охваченные священным безумием с воплями сливались в экстазе.
Вазари берёт традиционных персонажей вакханалий. В центр помещается юноша Вакх. Вокруг него пляшут менады и сатиры. Учитель Вакха Силен упился и рухнул наземь. Как обычно, он показан толстым обрюзгшим стариком с винным сосудом.
«Триумф Вакха» и красота линии
Что замечательно во вполне традиционной трактовке вакханалии на этой картине – так это динамика переплетения линий. Если мы пристальнее присмотримся к тому, как беспокойно, причудливо и нервно змеятся линии человеческих тел, то с удивлением и восхищением заметим, что эти линии – не что иное как извивающиеся виноградные лозы.
#ДжорджоВазари #МифологическаяCцена
@pic_history
Впрочем, даже неподтверждённая рука Вазари не отнимает у работы исторической ценности. Во-первых, картина прекрасно сохранилась: за четыре века она практически не подергалась реставрации, а это свидетельствует о высоком качестве работы, доступном только мастерским титулованных и обеспеченных художников, каким был Вазари. Во-вторых, замечательная резная золоченая рама «Триумфа Вакха», украшенная головами баранов и виноградными гроздьями, не только прекрасно гармонирует с картиной (тоже признак качества), но и, согласно экспертному мнению, создана одновременно с картиной, в 60-70-х годах XVI века. В-третьих, в одном из кабинетов Лувра хранится оригинал рисунка Вазари под названием «Вакханалия», замечательный по точности и прихотливости линий и частично наследуемый в «Триумфе Вакха». Известно, что Вазари, удачно сделавший себе имя и всегда по горло заваленный заказами, часто набрасывал рисунок, а выполнение живописной работы, будучи довольно равнодушным к колористическим изощрениям, доверял художникам своей мастерской.
Что такое Вакханалия и кого мы видим на картине?
Вакханалия – известное со времен античности празднество возделанной нивы, собранного винограда, прославление бога плодородия Вакха. Проводимые под покровом ночи, вакханалии имели характер оргиастический и мистический: вино и кровь растерзанных зверей лились рекой, а охваченные священным безумием с воплями сливались в экстазе.
Вазари берёт традиционных персонажей вакханалий. В центр помещается юноша Вакх. Вокруг него пляшут менады и сатиры. Учитель Вакха Силен упился и рухнул наземь. Как обычно, он показан толстым обрюзгшим стариком с винным сосудом.
«Триумф Вакха» и красота линии
Что замечательно во вполне традиционной трактовке вакханалии на этой картине – так это динамика переплетения линий. Если мы пристальнее присмотримся к тому, как беспокойно, причудливо и нервно змеятся линии человеческих тел, то с удивлением и восхищением заметим, что эти линии – не что иное как извивающиеся виноградные лозы.
#ДжорджоВазари #МифологическаяCцена
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
"Вакханалия"
1560-е
Джорджо Вазари
1560-е
Джорджо Вазари
Помещение, где женщины заняты пряжей, темновато. Это заставляет вспомнить о ранних бодегонах Веласкеса – бытовых сценках, исполненных в манере Караваджо. А впереди, в смежной комнате, отделённой от нашей двумя массивными ступенями, потоком струится солнечный свет. Ортега-и-Гассет, кстати, полагал, что этот поток света, падающего слева, и есть протагонист (главный герой) картины.
Свет щедро проливается на другую группу женщин в парадных пышных платьях. Рядом с ними располагаются музыкальные инструменты, а вся стена затянута гигантским дорогим гобеленом, изображение которого, при желании, тоже поддаётся расшифровке. Но прежде возникает вопрос: а что общего между этими двумя группками женщин? Чем они связаны? Почему эти два разнородных пространства Веласкес объединил? Причем не просто объединил, а подчинил принципу зеркальности. Композиционно эти группы аналогичны: по две героини справа и слева, а одна – впереди и несколько в глубине.
Но уподоблены группы героинь на первом и втором планах только для того, чтобы тут же их противопоставить. «Здесь работают – там играют, здесь необработанная шерсть – там готовый гобелен, здесь отдёргивают портьеру, чтобы впустить свет, – там все залито светом, здесь крутится колесо прялки – там стоит виолончель, на которой никто не играет. Здесь пространство работы, ремесла, действия, там – созерцания, чистого искусства, - сравнивает искусствовед Марина Торопыгина, - две эти темы – ремесло и искусство – сопоставляются и в то же время как будто отражаются одна в другой».
Однако оказывается, что связь между этими двумя группами персонажей, двумя разнородными мирами – гораздо глубже. Она не просто композиционная, но и смысловая. Дело в том, что, гобелен, который с таким вниманием рассматривают знатные дамы, рассказывает нам о… пряхах. Сравнительно недавно удалось установить, что изображение гобелена написано по мотивам картины Тициана «Похищение Европы». А это сразу же заставляет вспомнить о мифической пряхе Арахне. Согласно античной легенде, Арахна так возгордилась своим умением, что вызвала на поединок саму Афину – не просто богиню мудрости, но еще и изобретательницу веретена. Дерзость Арахны простиралась и дальше: она выткала на полотне эпизод из многочисленных любовных приключений отца Афины Зевса, а именно тот, где он похищает дочку сидонского царя Европу. Афина в назидание превратила Арахну в паука, чтобы ей вечно плести свою паутину (боязнь пауков так и называется – «арахнофобия»).
Так искусствоведы пришли к выводу, что «Пряхи» Веласкеса не что иное, как иллюстрация к мифу об Арахне, изложенному Овидием, хотя и выполненная «на современном материале». Но самые пытливые из исследователей двинулись дальше. Они осмелились предположить, что в пожилой женщине за прялкой Веласкес изобразил свою жену Хуану Миранду, на которой женился 19-летним и с которой прожил всю жизнь, а в молодой пряхе, развернутой спиной зрителю, «зашифровал» тайную возлюбленную – итальянскую художницу Фламинию Трива. Возможно, он намекал, что пряхи на картине – античные мойры, плетущие нить его личной судьбы.
@pic_history
#ДиегоВеласкес #МифологическаяCцена #Барокко
Свет щедро проливается на другую группу женщин в парадных пышных платьях. Рядом с ними располагаются музыкальные инструменты, а вся стена затянута гигантским дорогим гобеленом, изображение которого, при желании, тоже поддаётся расшифровке. Но прежде возникает вопрос: а что общего между этими двумя группками женщин? Чем они связаны? Почему эти два разнородных пространства Веласкес объединил? Причем не просто объединил, а подчинил принципу зеркальности. Композиционно эти группы аналогичны: по две героини справа и слева, а одна – впереди и несколько в глубине.
Но уподоблены группы героинь на первом и втором планах только для того, чтобы тут же их противопоставить. «Здесь работают – там играют, здесь необработанная шерсть – там готовый гобелен, здесь отдёргивают портьеру, чтобы впустить свет, – там все залито светом, здесь крутится колесо прялки – там стоит виолончель, на которой никто не играет. Здесь пространство работы, ремесла, действия, там – созерцания, чистого искусства, - сравнивает искусствовед Марина Торопыгина, - две эти темы – ремесло и искусство – сопоставляются и в то же время как будто отражаются одна в другой».
Однако оказывается, что связь между этими двумя группами персонажей, двумя разнородными мирами – гораздо глубже. Она не просто композиционная, но и смысловая. Дело в том, что, гобелен, который с таким вниманием рассматривают знатные дамы, рассказывает нам о… пряхах. Сравнительно недавно удалось установить, что изображение гобелена написано по мотивам картины Тициана «Похищение Европы». А это сразу же заставляет вспомнить о мифической пряхе Арахне. Согласно античной легенде, Арахна так возгордилась своим умением, что вызвала на поединок саму Афину – не просто богиню мудрости, но еще и изобретательницу веретена. Дерзость Арахны простиралась и дальше: она выткала на полотне эпизод из многочисленных любовных приключений отца Афины Зевса, а именно тот, где он похищает дочку сидонского царя Европу. Афина в назидание превратила Арахну в паука, чтобы ей вечно плести свою паутину (боязнь пауков так и называется – «арахнофобия»).
Так искусствоведы пришли к выводу, что «Пряхи» Веласкеса не что иное, как иллюстрация к мифу об Арахне, изложенному Овидием, хотя и выполненная «на современном материале». Но самые пытливые из исследователей двинулись дальше. Они осмелились предположить, что в пожилой женщине за прялкой Веласкес изобразил свою жену Хуану Миранду, на которой женился 19-летним и с которой прожил всю жизнь, а в молодой пряхе, развернутой спиной зрителю, «зашифровал» тайную возлюбленную – итальянскую художницу Фламинию Трива. Возможно, он намекал, что пряхи на картине – античные мойры, плетущие нить его личной судьбы.
@pic_history
#ДиегоВеласкес #МифологическаяCцена #Барокко
Символы и аллегории в «Венере Урбинской»
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
Telegram
История одной картины
"Спящая Венера"
1510 г.
Джорджоне
Дрезденская картинная галерея.
1510 г.
Джорджоне
Дрезденская картинная галерея.