"Срывайте розы поскорее"
1909 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
«Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно.
Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века:
Срывайте розы поскорей,
Подвластно всё старенью,
Цветы, что ныне всех милей,
Назавтра станут тенью.
Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах.
На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора:
Отбросьте скромность, и наряд
Оденьте подвенечный;
Пройдёт весна и сей обряд
Вам ждать, быть может, вечно.
Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов.
Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту.
Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
1909 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
«Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно.
Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века:
Срывайте розы поскорей,
Подвластно всё старенью,
Цветы, что ныне всех милей,
Назавтра станут тенью.
Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах.
На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора:
Отбросьте скромность, и наряд
Оденьте подвенечный;
Пройдёт весна и сей обряд
Вам ждать, быть может, вечно.
Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов.
Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту.
Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
"Магический круг"
1886 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Тейт Британия, Лондон.
«Магический круг» - работа кисти Уотерхауса, выполненная в 1886 году. Она приходится на самый центр его творческого пути и является концентрацией всей художественной идеи автора.
Тема магии, волшебства и потустороннего мира — одна из доминирующих в живописи Уотерхауса наравне с его знаменитыми женскими образами. Женщина и магия для него практически идентичны, обе они обладают необъяснимой силой, обе властны решать судьбы. «Магический круг» замыкает в себе эти два столпа, образуя собирательный, но при этом индивидуальный облик волшебницы. И в этом еще одна особенность картины — это не литературный персонаж и не иллюстрация к поэме, пьесе или роману.
«Магический круг» Уотерхауса изнутри
Картина пронизана ориентальными мотивами — это одно из ранних увлечений Уотерхауса. В центре композиции во весь рост изображена женщина возле кипящего котла с зельем. Очевидно она волшебница, пророчица или жрица. Женщина очерчивает на песке тонкой тростью магический круг вокруг себя, при этом делает это легко, будто трость движется сама собой, продолжая линию руки. В левой руке волшебница держит серп, который также как и магический круг, и блестящий золотом котел, образует окружность и придает особый ритм композиции. В Древнем Востоке серп был неотъемлемым символом царской власти, а в античности обозначал разделение мира живых и мертвых. Это характеризует волшебницу как властительницу не только реального мира, но и сверхъестественного. Округлые линии противопоставлены резко вертикальному, практически недвижимому дыму, исходящему из котла.
Лицо женщины зритель может разглядеть с трудом: оно обращено в сторону поднимающегося столбом пара. Приталенное платье придает роковому образу мягкость и грациозность. Черные волосы убраны в беспорядочную прическу, которая отдаленно напоминает образы римских матрон. Впечатление дополняет характерный профиль, который можно встретить на античных вазах. Выпущенные вперед угольные пряди наводят ассоциации на манеру женщин укладывать волосы еще во времена дохристианской Англии. Платье искусно украшено ромбовидным узором на манжетах и вышивкой с изображением воинов вдоль подола. Шею колдуньи обвивает тяжелое ожерелье в виде змеи — символа мудрости и хитрости. Талия женщины стянута широким тканевым кушаком, за которым можно с удивлением обнаружить цветы. Белые цветы также лежат возле огня.
Магический круг — это концентрация волшебства и защита от враждебных сил. Внутри него замкнута вся энергия женщины: она сама, ее волшебное зелье, то есть сила и власть над людьми и будущим, а также цветы, обозначающие чистоту, молодость и красоту.
За пределами круга
То, что происходит за пределами круга, заслуживает отдельного внимания, потому что также полно символического смысла. На данный момент, то, что находится за чертой — враждебно и лишнее. И именно за ней находятся все самые общеизвестные символы зла, магии и смерти: череп, черные вороны, и лягушка, застывшая на грани окружности, но не смеющая перепрыгнуть ее.
Продумав композицию картины именно таким образом, Уотерхаус делает круг центром женской сущности, сосредоточием силы и молодости, оставляя все худшее за его пределами, хотя бы на момент колдовства.
Монохромная пустыня и отвесные скалы выполнены размытыми мазками, нечеткими, порой резкими линиями. И казалось бы, окружающий волшебницу пейзаж не должен привлекать никакого внимания. Весь центр и идейный и композиционный — это она. Но это не совсем так. В пейзаже есть то, что не бросается в глаза, но вызывает интерес, потому что героиня картины на ней совсем не одна. Вдалеке можно разглядеть пещеру, в которой ютятся люди, а у входа в нее женскую фигуру со светильником в руке. Разглядеть ее практически невозможно из-за импрессионистичной манеры письма. Ее голову покрывает островерхий капюшон, но становится совершенно очевидно, что она пристально смотрит на волшебницу. Люди ждут результата магических действий, они верят этой женщине, и возможно их жизнь зависит от ее слов.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
1886 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Тейт Британия, Лондон.
«Магический круг» - работа кисти Уотерхауса, выполненная в 1886 году. Она приходится на самый центр его творческого пути и является концентрацией всей художественной идеи автора.
Тема магии, волшебства и потустороннего мира — одна из доминирующих в живописи Уотерхауса наравне с его знаменитыми женскими образами. Женщина и магия для него практически идентичны, обе они обладают необъяснимой силой, обе властны решать судьбы. «Магический круг» замыкает в себе эти два столпа, образуя собирательный, но при этом индивидуальный облик волшебницы. И в этом еще одна особенность картины — это не литературный персонаж и не иллюстрация к поэме, пьесе или роману.
«Магический круг» Уотерхауса изнутри
Картина пронизана ориентальными мотивами — это одно из ранних увлечений Уотерхауса. В центре композиции во весь рост изображена женщина возле кипящего котла с зельем. Очевидно она волшебница, пророчица или жрица. Женщина очерчивает на песке тонкой тростью магический круг вокруг себя, при этом делает это легко, будто трость движется сама собой, продолжая линию руки. В левой руке волшебница держит серп, который также как и магический круг, и блестящий золотом котел, образует окружность и придает особый ритм композиции. В Древнем Востоке серп был неотъемлемым символом царской власти, а в античности обозначал разделение мира живых и мертвых. Это характеризует волшебницу как властительницу не только реального мира, но и сверхъестественного. Округлые линии противопоставлены резко вертикальному, практически недвижимому дыму, исходящему из котла.
Лицо женщины зритель может разглядеть с трудом: оно обращено в сторону поднимающегося столбом пара. Приталенное платье придает роковому образу мягкость и грациозность. Черные волосы убраны в беспорядочную прическу, которая отдаленно напоминает образы римских матрон. Впечатление дополняет характерный профиль, который можно встретить на античных вазах. Выпущенные вперед угольные пряди наводят ассоциации на манеру женщин укладывать волосы еще во времена дохристианской Англии. Платье искусно украшено ромбовидным узором на манжетах и вышивкой с изображением воинов вдоль подола. Шею колдуньи обвивает тяжелое ожерелье в виде змеи — символа мудрости и хитрости. Талия женщины стянута широким тканевым кушаком, за которым можно с удивлением обнаружить цветы. Белые цветы также лежат возле огня.
Магический круг — это концентрация волшебства и защита от враждебных сил. Внутри него замкнута вся энергия женщины: она сама, ее волшебное зелье, то есть сила и власть над людьми и будущим, а также цветы, обозначающие чистоту, молодость и красоту.
За пределами круга
То, что происходит за пределами круга, заслуживает отдельного внимания, потому что также полно символического смысла. На данный момент, то, что находится за чертой — враждебно и лишнее. И именно за ней находятся все самые общеизвестные символы зла, магии и смерти: череп, черные вороны, и лягушка, застывшая на грани окружности, но не смеющая перепрыгнуть ее.
Продумав композицию картины именно таким образом, Уотерхаус делает круг центром женской сущности, сосредоточием силы и молодости, оставляя все худшее за его пределами, хотя бы на момент колдовства.
Монохромная пустыня и отвесные скалы выполнены размытыми мазками, нечеткими, порой резкими линиями. И казалось бы, окружающий волшебницу пейзаж не должен привлекать никакого внимания. Весь центр и идейный и композиционный — это она. Но это не совсем так. В пейзаже есть то, что не бросается в глаза, но вызывает интерес, потому что героиня картины на ней совсем не одна. Вдалеке можно разглядеть пещеру, в которой ютятся люди, а у входа в нее женскую фигуру со светильником в руке. Разглядеть ее практически невозможно из-за импрессионистичной манеры письма. Ее голову покрывает островерхий капюшон, но становится совершенно очевидно, что она пристально смотрит на волшебницу. Люди ждут результата магических действий, они верят этой женщине, и возможно их жизнь зависит от ее слов.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
Картина Уотерхауса «Офелия» 1910 года: трансформация художественного образа
На поздней работе перед зрителем предстает совершенно другая Офелия.
На первом плане картины — героиня в полный рост, опирающаяся о плакучую иву — символ смерти в средневековой Европе. Она тянется ветвями к воде, так же, как и Офелия устремлена к водному потоку. Сходство между деревом и женщиной добавляют драматичные складки платья и особый рельеф коры, которые усиливают общее ощущение тревоги.
Сам образ Офелии резко контрастирует с отчаянным выражением ее лица. Платье смело можно назвать ярким и праздничным: оно благородного синего оттенка с золотой вышивкой на груди и подолом, так же оформленным золотом. Сочетание синего и золотого говорит о знатном происхождении Офелии, ее приближенности к королевскому двору. Зритель может разглядеть нижнее платье героини, которое является важной частью всего костюма. Это ярко-оранжевые узкие рукава и подол, прикрывающий золотые туфли. Официальная одежда дочери дворянина, как оболочка, под которой прячется истинная ее натура — страстная и порывистая. Художник не упускает ни одного момента, где за внешними деталями можно было бы разглядеть внутреннее содержание.
В живописи Уотерхауса цветы всегда несут на себе смысловую нагрузку, являясь знаком не только красоты и женственности, но и скоротечности всего земного. На волосах героини и в складках подола — только что собранные цветы. Яркий мак, своим цветом перекликающийся с нижним платьем Офелии и ее румянцем, символизирует сон и смерть. Ромашка же, напротив, считается обозначением долголетия, девственности и чистой возвышенной любви.
Кожа Офелии, ее румянец и яркие губы говорят о ее молодости и гармонично сочетаются с окружающим летним пейзажем: цветущей малиной у самого берега, яркими лютиками в зеленой траве. Одежда женщины, и окружающий ее сад, никак не соответствуют выражению глубокого страдания на ее лице и тому будущему, о котором знает только она и зритель. Две девочки стоят на мосту на заднем плане и с удивлением смотрят на Офелию. Вид благородной дамы в цветах, в отчаянии ступающей к воде, удивляет их.
Ни для зрителя, ни для художника нет ничего важнее лица Офелии. Уотерхаус создает свою собственную дочь Полония и сестру Лаэрта, взяв у Шекспира только канву событий: обезумевшая дворянка, цветы и «трясина смерти». Она выражает целый спектр эмоций, среди которых совершенно очевидны отчаяние, безысходность и решительность. Девушка на картине — это не классический образ безвольной возлюбленной Гамлета, в ней нельзя разглядеть безумие. Взгляд ее сосредоточен, движения четкие и грациозные.
Смерть Офелии у Шекспира — загадка. Ни герои трагедии, ни литературоведы не знают была ли она добровольным решением или же виной несчастного случая. Живописец открывает зрителю не девушку, поющую в бреду, а женщину, идущую на смерть, трагично и осознанно. В этом уникальность картины и особенность эволюции излюбленного женского образа.
Критики отмечали, что этот вариант интереснее и драматичнее двух предыдущих по стилю своего письма, близкого к импрессионизму, и идейному новаторству. Уотерхаус смело отошел от выработанной десятилетиями традиции изображать Офелию юной девой в белом одеянии, заменив ее отчаянно решительной женщиной в идеально скроенном платье.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
На поздней работе перед зрителем предстает совершенно другая Офелия.
На первом плане картины — героиня в полный рост, опирающаяся о плакучую иву — символ смерти в средневековой Европе. Она тянется ветвями к воде, так же, как и Офелия устремлена к водному потоку. Сходство между деревом и женщиной добавляют драматичные складки платья и особый рельеф коры, которые усиливают общее ощущение тревоги.
Сам образ Офелии резко контрастирует с отчаянным выражением ее лица. Платье смело можно назвать ярким и праздничным: оно благородного синего оттенка с золотой вышивкой на груди и подолом, так же оформленным золотом. Сочетание синего и золотого говорит о знатном происхождении Офелии, ее приближенности к королевскому двору. Зритель может разглядеть нижнее платье героини, которое является важной частью всего костюма. Это ярко-оранжевые узкие рукава и подол, прикрывающий золотые туфли. Официальная одежда дочери дворянина, как оболочка, под которой прячется истинная ее натура — страстная и порывистая. Художник не упускает ни одного момента, где за внешними деталями можно было бы разглядеть внутреннее содержание.
В живописи Уотерхауса цветы всегда несут на себе смысловую нагрузку, являясь знаком не только красоты и женственности, но и скоротечности всего земного. На волосах героини и в складках подола — только что собранные цветы. Яркий мак, своим цветом перекликающийся с нижним платьем Офелии и ее румянцем, символизирует сон и смерть. Ромашка же, напротив, считается обозначением долголетия, девственности и чистой возвышенной любви.
Кожа Офелии, ее румянец и яркие губы говорят о ее молодости и гармонично сочетаются с окружающим летним пейзажем: цветущей малиной у самого берега, яркими лютиками в зеленой траве. Одежда женщины, и окружающий ее сад, никак не соответствуют выражению глубокого страдания на ее лице и тому будущему, о котором знает только она и зритель. Две девочки стоят на мосту на заднем плане и с удивлением смотрят на Офелию. Вид благородной дамы в цветах, в отчаянии ступающей к воде, удивляет их.
Ни для зрителя, ни для художника нет ничего важнее лица Офелии. Уотерхаус создает свою собственную дочь Полония и сестру Лаэрта, взяв у Шекспира только канву событий: обезумевшая дворянка, цветы и «трясина смерти». Она выражает целый спектр эмоций, среди которых совершенно очевидны отчаяние, безысходность и решительность. Девушка на картине — это не классический образ безвольной возлюбленной Гамлета, в ней нельзя разглядеть безумие. Взгляд ее сосредоточен, движения четкие и грациозные.
Смерть Офелии у Шекспира — загадка. Ни герои трагедии, ни литературоведы не знают была ли она добровольным решением или же виной несчастного случая. Живописец открывает зрителю не девушку, поющую в бреду, а женщину, идущую на смерть, трагично и осознанно. В этом уникальность картины и особенность эволюции излюбленного женского образа.
Критики отмечали, что этот вариант интереснее и драматичнее двух предыдущих по стилю своего письма, близкого к импрессионизму, и идейному новаторству. Уотерхаус смело отошел от выработанной десятилетиями традиции изображать Офелию юной девой в белом одеянии, заменив ее отчаянно решительной женщиной в идеально скроенном платье.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
Иллюстрация одной строки: сюжет картины «Душа Розы»
Большинство известных работ Уотерхауса — это иллюстрация к литературным или историческим событиям. «Душа Розы» - исключение, но при этом эта работа не является портретом или фантазией автора. Это портрет-впечатление от поэмы Теннисона «Мод», самого знаменитого ее отрывка: «Come into the garden, Maud». В поэме описывается трагическая любовь молодого человека к Мод, дочери богача. Им не суждено быть вместе, смерть и душевная болезнь ждут главных героев, но Уотерхаус выхватывает для зрителя только одну строку и самый светлый образ:
«И пылание розы вошло мне в грудь,
Затопляя душу мою»,
которая по-английски звучит так: «And the soul of the rose went into my blood». В этой строчке и встречается знаменитое словосочетание «soul of the rose», то есть «душа розы», взятое как название картины.
Цвет и символизм в картине Уотерхауса «Душа Розы»
Как и в большинстве картин Уотерхауса, в центре композиции — женская фигура. Фон здесь играет второстепенную роль, не несет никакой смысловой нагрузки, но при этом создает ощущение замкнутости, плена. Каменная стена, к которой прильнула Мод, вдыхая аромат цветущей розы, является ловушкой для женщины, ее преградой на пути к свободе и любви. Она слегка отвернулась от зрителя, давая понять, что полностью погружена в свои мечты и воспоминание.
Вся картина выполнена в теплых летних тонах. Это насыщенный зеленый, охра, кирпичный цвет. Особое внимание привлекает яркий рыжий цвет волос героини, которые убраны в прическу античных богинь. Пышная фактура волос и их огненный цвет говорят зрителю о силе ее характера и желания найти возлюбленного: стоит только представить эту копну без лишних шпилек и жемчуга. Цветок перекликается с цветом кожи девушки, отражаясь ярким молодым румянцем на ее щеках. Общему колориту противопоставлена одежда. Это закрытое одеяние холодного синего оттенка с золотым рисунком, и это еще один элемент, тянущий «к земле» легкий силуэт героини. Таким образом, можно увидеть две параллели: цветущие розы — воспоминание о любви, свежее лицо, пылающие волосы молодой женщины и плен, который символизирует каменная стена и царское одеяние.
Произведение почти полностью выполнено мягкими, свободными мазками. Более подробно прописаны важные детали картины — голова женщины, ее руки и сами цветы, что и является смысловым и композиционным центром работы. Все остальное теряет важность и физическую ощутимость за счет воздушного импрессионистичного стиля письма.
«Душа Розы» - это одна из работ серии, написанной в 1908 году и посвященной излюбленной теме английских романтиков — девушкам и цветам ("Срывайте розы поскорее", 1909). Уотерхаус раскрывает в этом, казалось бы, банальном сюжете не только женскую красоту, чувственность, но и скоротечность времени, желание успеть насладиться прекрасным. Картина была приобретена в частную коллекцию на аукционе Christie's в 1981 году.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
Большинство известных работ Уотерхауса — это иллюстрация к литературным или историческим событиям. «Душа Розы» - исключение, но при этом эта работа не является портретом или фантазией автора. Это портрет-впечатление от поэмы Теннисона «Мод», самого знаменитого ее отрывка: «Come into the garden, Maud». В поэме описывается трагическая любовь молодого человека к Мод, дочери богача. Им не суждено быть вместе, смерть и душевная болезнь ждут главных героев, но Уотерхаус выхватывает для зрителя только одну строку и самый светлый образ:
«И пылание розы вошло мне в грудь,
Затопляя душу мою»,
которая по-английски звучит так: «And the soul of the rose went into my blood». В этой строчке и встречается знаменитое словосочетание «soul of the rose», то есть «душа розы», взятое как название картины.
Цвет и символизм в картине Уотерхауса «Душа Розы»
Как и в большинстве картин Уотерхауса, в центре композиции — женская фигура. Фон здесь играет второстепенную роль, не несет никакой смысловой нагрузки, но при этом создает ощущение замкнутости, плена. Каменная стена, к которой прильнула Мод, вдыхая аромат цветущей розы, является ловушкой для женщины, ее преградой на пути к свободе и любви. Она слегка отвернулась от зрителя, давая понять, что полностью погружена в свои мечты и воспоминание.
Вся картина выполнена в теплых летних тонах. Это насыщенный зеленый, охра, кирпичный цвет. Особое внимание привлекает яркий рыжий цвет волос героини, которые убраны в прическу античных богинь. Пышная фактура волос и их огненный цвет говорят зрителю о силе ее характера и желания найти возлюбленного: стоит только представить эту копну без лишних шпилек и жемчуга. Цветок перекликается с цветом кожи девушки, отражаясь ярким молодым румянцем на ее щеках. Общему колориту противопоставлена одежда. Это закрытое одеяние холодного синего оттенка с золотым рисунком, и это еще один элемент, тянущий «к земле» легкий силуэт героини. Таким образом, можно увидеть две параллели: цветущие розы — воспоминание о любви, свежее лицо, пылающие волосы молодой женщины и плен, который символизирует каменная стена и царское одеяние.
Произведение почти полностью выполнено мягкими, свободными мазками. Более подробно прописаны важные детали картины — голова женщины, ее руки и сами цветы, что и является смысловым и композиционным центром работы. Все остальное теряет важность и физическую ощутимость за счет воздушного импрессионистичного стиля письма.
«Душа Розы» - это одна из работ серии, написанной в 1908 году и посвященной излюбленной теме английских романтиков — девушкам и цветам ("Срывайте розы поскорее", 1909). Уотерхаус раскрывает в этом, казалось бы, банальном сюжете не только женскую красоту, чувственность, но и скоротечность времени, желание успеть насладиться прекрасным. Картина была приобретена в частную коллекцию на аукционе Christie's в 1981 году.
#ДжонУотерхаус
@pic_history
Telegram
История одной картины
Шекспировская Миранда на полотне Уотерхауса
Сюжет пьесы повествует о приключениях волшебника и герцога миланского Просперо и его дочери — юной Миранды. Благодаря родственным перипетиям и борьбе за власть, главная героиня и ее отец на много лет оказываются отшельниками на необитаемом острове. Здесь Просперо доводит свое искусство волшебства до совершенства, чтобы отомстить брату-узурпатору Алонсо. Спустя годы, Просепро насылает бурю на корабль Алонсо, и все, бывшие на судне, погибают. Сыну врага, племяннику Фердинанду удается спастись, и он встречает Миранду. Девушка и юноша влюбляются, но отец Миранды испытывает Фердинанда и скрывает тот факт, что его отец жив. Благодаря магической силе Просеперо, все недоразумения приходят к положительному завершению: брат признает его власть, сын встречается с отцом, и возлюбленные готовятся к свадьбе, благополучно вернувшись в цивилизованный мир.
Художник выбрал для живописного повествования самый трагический и трогательный момент всей пьесы: гибель корабля Алонсо. Миранда — глубоко чувствующая девушка, она поражена болью и бессилием при виде кораблекрушения и гибели людей:
О, как я страдала,
Страданья погибавших разделяя!
Корабль отважный, где, конечно, были
И честные и праведные люди,
Разбился в щепы. В сердце у меня
Звучит их вопль. Увы, они погибли!
Миранда Уотерхауса одиноко стоит на берегу бушующего моря, не в силах оказать помощь тонущему судну. В окружении скал и волн, дочь герцога возвышается, как маяк, крепко стоя на земле, словно каменные глыбы вдоль берега. Переживание и отчаяние девушки зритель видеть не может: она изображена в пол оборота. Но художник передал эмоции шекспировских строк через ее движения и колорит: Миранда удерживает развевающиеся волосы правой рукой, а левую прижимает к сердцу, там где «звучит их вопль» - вопль погибающих. Глубокий синий тон длинного средневекового платья перекликается с оттенком воды, которая бурлит, поднимая песок со дна. Край нижней юбки, манжеты и сумка на поясе резонируют с красно-рыжей копной волос, разбитой мачтой и окружающими стихию утесами. Преобладание этих двух оттенков создает осенний монохромный колорит морского пейзажа, усиливает впечатление неизбежности.
«Миранда и буря»: эволюция образа
Образ Миранды часто привлекал художников, и они иллюстрировали самые разные эпизоды повествования. Но Уотерхаус, следуя своему стремлению изображать эпические моменты, воспользовался только трагическими строками пьесы. Художник не дает зрителю надежды на счастливый конец, нет намека на то, что это не история горя и потери, а история о счастливой любви и волшебстве. Отчаяние героини при виде разбивающегося о рифы судна — единственное, что автор намерен донести и показать, используя для этого свои уникальные художественные приемы.
Шекспировские героини занимают особое место в творчестве Уотерхауса, а образ Миранды первый раз возник еще в начале его карьеры в 1875 году. Это совсем другая картина: буря окончена, и последние слабые волны неспеша накатывают на берег. Босая Миранда сидит на берегу в безвольно-меланхоличной позе, волосы ее убраны и перетянуты лентой, а руки устало сложены на коленях. Пик страданий позади, Миранда слаба и апатична. Восприятие героини на закате жизни художника меняется: на смену печальной и отрешенной нимфы приходит сильная античная богиня в кельтском одеянии с огненными волосами. Именно такой женский образ был востребован и любим зрителями и критиками Уотерхауса.
При жизни художника картина выставлялась в Королевской академии художеств. Полотно было приобретено на аукционе Sotheby's 21 ноября 1989 и находится сейчас в частной коллекции.
#ДжонУотерхаус #Прерафаэлиты #ЛитературнаяСцена
@pic_history
Сюжет пьесы повествует о приключениях волшебника и герцога миланского Просперо и его дочери — юной Миранды. Благодаря родственным перипетиям и борьбе за власть, главная героиня и ее отец на много лет оказываются отшельниками на необитаемом острове. Здесь Просперо доводит свое искусство волшебства до совершенства, чтобы отомстить брату-узурпатору Алонсо. Спустя годы, Просепро насылает бурю на корабль Алонсо, и все, бывшие на судне, погибают. Сыну врага, племяннику Фердинанду удается спастись, и он встречает Миранду. Девушка и юноша влюбляются, но отец Миранды испытывает Фердинанда и скрывает тот факт, что его отец жив. Благодаря магической силе Просеперо, все недоразумения приходят к положительному завершению: брат признает его власть, сын встречается с отцом, и возлюбленные готовятся к свадьбе, благополучно вернувшись в цивилизованный мир.
Художник выбрал для живописного повествования самый трагический и трогательный момент всей пьесы: гибель корабля Алонсо. Миранда — глубоко чувствующая девушка, она поражена болью и бессилием при виде кораблекрушения и гибели людей:
О, как я страдала,
Страданья погибавших разделяя!
Корабль отважный, где, конечно, были
И честные и праведные люди,
Разбился в щепы. В сердце у меня
Звучит их вопль. Увы, они погибли!
Миранда Уотерхауса одиноко стоит на берегу бушующего моря, не в силах оказать помощь тонущему судну. В окружении скал и волн, дочь герцога возвышается, как маяк, крепко стоя на земле, словно каменные глыбы вдоль берега. Переживание и отчаяние девушки зритель видеть не может: она изображена в пол оборота. Но художник передал эмоции шекспировских строк через ее движения и колорит: Миранда удерживает развевающиеся волосы правой рукой, а левую прижимает к сердцу, там где «звучит их вопль» - вопль погибающих. Глубокий синий тон длинного средневекового платья перекликается с оттенком воды, которая бурлит, поднимая песок со дна. Край нижней юбки, манжеты и сумка на поясе резонируют с красно-рыжей копной волос, разбитой мачтой и окружающими стихию утесами. Преобладание этих двух оттенков создает осенний монохромный колорит морского пейзажа, усиливает впечатление неизбежности.
«Миранда и буря»: эволюция образа
Образ Миранды часто привлекал художников, и они иллюстрировали самые разные эпизоды повествования. Но Уотерхаус, следуя своему стремлению изображать эпические моменты, воспользовался только трагическими строками пьесы. Художник не дает зрителю надежды на счастливый конец, нет намека на то, что это не история горя и потери, а история о счастливой любви и волшебстве. Отчаяние героини при виде разбивающегося о рифы судна — единственное, что автор намерен донести и показать, используя для этого свои уникальные художественные приемы.
Шекспировские героини занимают особое место в творчестве Уотерхауса, а образ Миранды первый раз возник еще в начале его карьеры в 1875 году. Это совсем другая картина: буря окончена, и последние слабые волны неспеша накатывают на берег. Босая Миранда сидит на берегу в безвольно-меланхоличной позе, волосы ее убраны и перетянуты лентой, а руки устало сложены на коленях. Пик страданий позади, Миранда слаба и апатична. Восприятие героини на закате жизни художника меняется: на смену печальной и отрешенной нимфы приходит сильная античная богиня в кельтском одеянии с огненными волосами. Именно такой женский образ был востребован и любим зрителями и критиками Уотерхауса.
При жизни художника картина выставлялась в Королевской академии художеств. Полотно было приобретено на аукционе Sotheby's 21 ноября 1989 и находится сейчас в частной коллекции.
#ДжонУотерхаус #Прерафаэлиты #ЛитературнаяСцена
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
"Миранда"
1875 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
1875 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.