Скучали? Бэнкси «отметился» в прибрежных городках Британии
Толстовка с капюшоном и ящик баллончиков с краской — неизменные атрибуты одного из самых известных в мире художников — неуловимого Бэнкси. Бристольский мастер граффити, чьи работы сейчас продаются за миллионы фунтов стерлингов, подтвердил, что немножко «похулиганил» на приморских курортах восточного побережья Англии. Но часть его произведений уже повреждены или уничтожены.
Недавно в ряде провинциальных городков появились свеженькие граффити — например, крыса, попивающая коктейль в шезлонге на пляже, или огромная чайка, нависшая над «коробкой с чипсами» (на самом деле — контейнером со стройматериалами). Сразу же поползли слухи, что это — творение рук Бэнкси. Теперь он это подтвердил.
В Instagram был опубликован клип, проясняющий происхождение рисунков. Видео длительностью чуть более трех минут называется A Great British Spraycation («Великое британское распыление»). В нём показано, как художник-аноним разъезжает в потрепанном автофургоне с переносным холодильником, полным баллончиков с краской.
Скорее всего, Бэнкси таким образом хотел выразить солидарность со многими британцами, которые из-за пандемических нововведений не могут уехать за границу и проводят летние каникулы на родине. «Отпускное турне» художника прошло по пяти городам в Саффолке и Норфолке. Всего он оставил 10 «следов» своего пребывания.
Загорающая в шезлонге крыса появилась на бетонной защитной стене на Северном пляже Лоустофта. В минувшие выходные выяснилось, что кто-то замазал рисунок белой краской — к огромному возмущению городских властей. Они наняли реставраторов в надежде, что те восстановят работу.
Испорчено и граффити с «хватайкой» из игрового автомата, нависшей над всяким, кто сядет на скамейку на берегу моря в Горлестоне. Некий местный художник решил добавить к лаконичной работе своего знаменитого коллеги шесть плюшевых мишек и надпись Banksy Collaboration Emo («Бэнкси в сотрудничестве с Эмо»). А дальше пошло-поехало: кто-то зачеркнул ник Эмо и ниже дописал Эго, потом Эго было зачёркнуто и вновь нанесено. Одному из мишек «пустили кровь» из носа.
А вот рисунок с детьми, которых выбрасывает из надувной лодки из-за невнимательности пьющего взрослого, удалили по инициативе муниципалитета Грейт-Ярмута. Дело в том, что Бэнкси выбрал для неё место, неподалёку от которого три года назад при подобных обстоятельствах погиб ребёнок. Власти решили найти работе менее травмирующую локацию.
В роли «вандалов» выступил и совет Олтон Броуд, пригорода Лоустофта. По его распоряжению убрали кусок металла из композиции «Все мы в одной лодке». Этот фрагмент загораживал водосток, над которым Бэнкси нарисовал трёх мальчиков, играющих в мореплавателей. Железка там могла привести к затоплению участка парка во время дождя. Власти пообещали вернуть всё «как было» когда установится хорошая погода.
А ещё Бэнкси «вручил» стаканчик мороженого статуе Фредерика Сэвиджа, который был мэром города Кингс-Линн в XIX веке. Мало того, он снабдил каменного градоначальника пикантным розовым языком. Муниципалитет не оценил такую редакцию старинного памятника.
Остальные работы остались в сохранности, в том числе и уже упомянутая чайка. Это:
— танцующая пара и мужчина, играющий на аккордеоне, на автобусной остановке в Грейт-Ярмут;
— граффити на миниатюрной конюшне с надписью «Стань большим или иди домой», подписанное Бэнкси и с его «фирменной» крысой, в том же Грейт-Ярмут;
— ребёнок с ломом и замком из песка рядом с разбитой тротуарной плиткой в Лоустофте;
— группа крабов-отшельников, один из которых нацепил раковину и поднял табличку Luxury rentals only («Только дорогая аренда»).
Эти работы контрастируют с творчеством Бэнкси последних лет. Он стал делать откровенно политические комментарии — поднял кампанию против плохого отношения к мигрантами, выступал против Брексита и радикального исламизма, а также подверг критике приоритеты международного арт-рынка.
#новостиИОК
@pic_history
Толстовка с капюшоном и ящик баллончиков с краской — неизменные атрибуты одного из самых известных в мире художников — неуловимого Бэнкси. Бристольский мастер граффити, чьи работы сейчас продаются за миллионы фунтов стерлингов, подтвердил, что немножко «похулиганил» на приморских курортах восточного побережья Англии. Но часть его произведений уже повреждены или уничтожены.
Недавно в ряде провинциальных городков появились свеженькие граффити — например, крыса, попивающая коктейль в шезлонге на пляже, или огромная чайка, нависшая над «коробкой с чипсами» (на самом деле — контейнером со стройматериалами). Сразу же поползли слухи, что это — творение рук Бэнкси. Теперь он это подтвердил.
В Instagram был опубликован клип, проясняющий происхождение рисунков. Видео длительностью чуть более трех минут называется A Great British Spraycation («Великое британское распыление»). В нём показано, как художник-аноним разъезжает в потрепанном автофургоне с переносным холодильником, полным баллончиков с краской.
Скорее всего, Бэнкси таким образом хотел выразить солидарность со многими британцами, которые из-за пандемических нововведений не могут уехать за границу и проводят летние каникулы на родине. «Отпускное турне» художника прошло по пяти городам в Саффолке и Норфолке. Всего он оставил 10 «следов» своего пребывания.
Загорающая в шезлонге крыса появилась на бетонной защитной стене на Северном пляже Лоустофта. В минувшие выходные выяснилось, что кто-то замазал рисунок белой краской — к огромному возмущению городских властей. Они наняли реставраторов в надежде, что те восстановят работу.
Испорчено и граффити с «хватайкой» из игрового автомата, нависшей над всяким, кто сядет на скамейку на берегу моря в Горлестоне. Некий местный художник решил добавить к лаконичной работе своего знаменитого коллеги шесть плюшевых мишек и надпись Banksy Collaboration Emo («Бэнкси в сотрудничестве с Эмо»). А дальше пошло-поехало: кто-то зачеркнул ник Эмо и ниже дописал Эго, потом Эго было зачёркнуто и вновь нанесено. Одному из мишек «пустили кровь» из носа.
А вот рисунок с детьми, которых выбрасывает из надувной лодки из-за невнимательности пьющего взрослого, удалили по инициативе муниципалитета Грейт-Ярмута. Дело в том, что Бэнкси выбрал для неё место, неподалёку от которого три года назад при подобных обстоятельствах погиб ребёнок. Власти решили найти работе менее травмирующую локацию.
В роли «вандалов» выступил и совет Олтон Броуд, пригорода Лоустофта. По его распоряжению убрали кусок металла из композиции «Все мы в одной лодке». Этот фрагмент загораживал водосток, над которым Бэнкси нарисовал трёх мальчиков, играющих в мореплавателей. Железка там могла привести к затоплению участка парка во время дождя. Власти пообещали вернуть всё «как было» когда установится хорошая погода.
А ещё Бэнкси «вручил» стаканчик мороженого статуе Фредерика Сэвиджа, который был мэром города Кингс-Линн в XIX веке. Мало того, он снабдил каменного градоначальника пикантным розовым языком. Муниципалитет не оценил такую редакцию старинного памятника.
Остальные работы остались в сохранности, в том числе и уже упомянутая чайка. Это:
— танцующая пара и мужчина, играющий на аккордеоне, на автобусной остановке в Грейт-Ярмут;
— граффити на миниатюрной конюшне с надписью «Стань большим или иди домой», подписанное Бэнкси и с его «фирменной» крысой, в том же Грейт-Ярмут;
— ребёнок с ломом и замком из песка рядом с разбитой тротуарной плиткой в Лоустофте;
— группа крабов-отшельников, один из которых нацепил раковину и поднял табличку Luxury rentals only («Только дорогая аренда»).
Эти работы контрастируют с творчеством Бэнкси последних лет. Он стал делать откровенно политические комментарии — поднял кампанию против плохого отношения к мигрантами, выступал против Брексита и радикального исламизма, а также подверг критике приоритеты международного арт-рынка.
#новостиИОК
@pic_history
YouTube
Banksy - A Great British Spraycation 2021
Banksy on holiday
Испания заплатила 115,4 млн долларов за право выставлять уникальную коллекцию ещё 15 лет
Министерство культуры Испании официально подписало договор с вдовой барона Тиссена-Борнемиссы, испанской светской львицей и коллекционером Кармен Серверой на аренду её коллекции. За право выставлять шедевры в Мадриде в течение следующих 15 лет государство заплатило 97,5 миллиона евро (115,4 миллиона долларов). Собрание включает более 300 произведений Пикассо, Матисса, Моне, Каналетто и других художников. Соглашение также предоставляет правительству «преимущественные права на приобретение» всей коллекции или её части.
Барон Ханс Генрих Тиссен-Борнемиса де Касон получил обширную коллекцию живописи европейских мастеров XIV—XIX веков в наследство от отца. За свою жизнь он пополнил её ещё примерно полутора тысячами полотен начала XX века. В 1992 году предприниматель выставил значительную часть этих сокровищ в музее своего имени, а спустя ещё год продал их правительству Испании за 338 миллионов долларов.
Оставшиеся шедевры барон оставил разным членам своей семьи, но большинство отписал последней из пяти своих жён — модели Кармен Сервере, обладательнице титула «Мисс Испания» 1961 года. Она также собирала свою коллекцию, основой которой стали картины XIX — начала XX веков. После смерти мужа в 2002 году вдова подписала с испанским государством соглашение об аренде своего собрания на 15 лет. Эти шедевры, включая работы Фрагонара, Курбе, Ренуара, Дега, Гогена и других, также были переданы в Музей Тиссена-Борнемиссы. Однако срок договора истёк в 2017 году, и с тех пор судьба коллекции висела на волоске.
Многолетние переговоры, за время которых сменилось четыре министра культуры, завершились в январе этого года. Однако официальное подписание откладывалось, поскольку осложнялось налоговым резидентством Кармен Серверы (она живёт в налоговой ведении Андорры) и распределением прав собственности на коллекцию между ней и её сыном Борхой Тиссеном. Все сроки вышли ещё 15 июля, и Испания поспешила выпустить особый королевский указ. Он позволил государству дать определённые гарантии в отношении собрания. В том числе о том, что картины останутся вместе и будут стабильно находиться в поле зрения. Другие вопросы касались их безопасности, страхования и ответственности в случае вреда.
Коллекция Серверы теперь будет выставлена в Мадриде до 2036 года. Её предоставят во временное пользование Фонду коллекции Тиссена-Борнемисы. Соглашение окончательно подтверждает, что в страну вернётся шедевр Гогена «Былые времена (Mata mua)». Кармен Сервера вывезла его из страны во время карантина в 2020 году. Это вызвало опасения, что баронесса может выставить картину на продажу, хотя ранее в интервью El País она заверила, что намерена вернуть полотно, как только контракт будет подписан.
#новостиИОК
@pic_history
Министерство культуры Испании официально подписало договор с вдовой барона Тиссена-Борнемиссы, испанской светской львицей и коллекционером Кармен Серверой на аренду её коллекции. За право выставлять шедевры в Мадриде в течение следующих 15 лет государство заплатило 97,5 миллиона евро (115,4 миллиона долларов). Собрание включает более 300 произведений Пикассо, Матисса, Моне, Каналетто и других художников. Соглашение также предоставляет правительству «преимущественные права на приобретение» всей коллекции или её части.
Барон Ханс Генрих Тиссен-Борнемиса де Касон получил обширную коллекцию живописи европейских мастеров XIV—XIX веков в наследство от отца. За свою жизнь он пополнил её ещё примерно полутора тысячами полотен начала XX века. В 1992 году предприниматель выставил значительную часть этих сокровищ в музее своего имени, а спустя ещё год продал их правительству Испании за 338 миллионов долларов.
Оставшиеся шедевры барон оставил разным членам своей семьи, но большинство отписал последней из пяти своих жён — модели Кармен Сервере, обладательнице титула «Мисс Испания» 1961 года. Она также собирала свою коллекцию, основой которой стали картины XIX — начала XX веков. После смерти мужа в 2002 году вдова подписала с испанским государством соглашение об аренде своего собрания на 15 лет. Эти шедевры, включая работы Фрагонара, Курбе, Ренуара, Дега, Гогена и других, также были переданы в Музей Тиссена-Борнемиссы. Однако срок договора истёк в 2017 году, и с тех пор судьба коллекции висела на волоске.
Многолетние переговоры, за время которых сменилось четыре министра культуры, завершились в январе этого года. Однако официальное подписание откладывалось, поскольку осложнялось налоговым резидентством Кармен Серверы (она живёт в налоговой ведении Андорры) и распределением прав собственности на коллекцию между ней и её сыном Борхой Тиссеном. Все сроки вышли ещё 15 июля, и Испания поспешила выпустить особый королевский указ. Он позволил государству дать определённые гарантии в отношении собрания. В том числе о том, что картины останутся вместе и будут стабильно находиться в поле зрения. Другие вопросы касались их безопасности, страхования и ответственности в случае вреда.
Коллекция Серверы теперь будет выставлена в Мадриде до 2036 года. Её предоставят во временное пользование Фонду коллекции Тиссена-Борнемисы. Соглашение окончательно подтверждает, что в страну вернётся шедевр Гогена «Былые времена (Mata mua)». Кармен Сервера вывезла его из страны во время карантина в 2020 году. Это вызвало опасения, что баронесса может выставить картину на продажу, хотя ранее в интервью El País она заверила, что намерена вернуть полотно, как только контракт будет подписан.
#новостиИОК
@pic_history
Девятилетняя тяжба за полотно Кандинского внезапно завершилась
Городской совет Амстердама поставил неожиданную точку в девятилетней судебной тяжбе, потрясшей международный мир искусства. Муниципалитет решил в одностороннем порядке вернуть «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского семье его прежних владельцев-евреев. Полотно оценивается в 20 миллионов евро.
Совет принял решение вопреки вердикту нидерландской комиссии по реституции. Та в 2018 году постановила, что муниципальный музей современного искусства Стеделейк может оставить работу себе, поскольку она была «куплена добросовестно» в октябре 1940-го и имеет «важную историческую ценность». В 2020 году решение комиссии подтвердил и суд в Амстердаме.
Истцы по делу (их имена не называются публично) заявили, что довоенные владельцы «Пейзажа с домами» Роберт Левенштейн и его жена Ирма Кляйн были вынуждены продать его «под принуждением», поскольку их швейная фабрика в Амстердаме больше не могла работать в условиях оккупации. Адвокаты заявителей указали, что 160 гульденов, которые Стеделейк уплатил за картину на аукционе, — это лишь 30 процентов от первоначальной цены, за которую владельцы приобрели её в 1923 году.
Они также отметили, что Всемирная конференция по материальным претензиям евреев к Германии сочла картину украденной.
Это дело стало «лакмусовой бумажкой» для проверки морального авторитета комиссии по реституции, которую создали для рассмотрения исков о произведениях искусства, конфискованных нацистами. А решение суда, вместо того, чтобы положить конец спорам, открыло новую главу в противоречивой истории «Пейзажа с домами».
Представитель истцов назвал приговор «повторным ограблением», пояснив, что «первое было совершено нацистами, а второе — комиссией по реституции совместно с городским судом Амстердама».
На сторону бывших владельцев встал ряд влиятельных политиков. Они указали, что недопустимо учитывать интересы музеев при возврате награбленного искусства и что сохранение произведений искусства на основании их культурной ценности больше не отвечает ожиданиям общества. После этого два члена реституционной комиссии подали в отставку.
Всё шло к повторному рассмотрению дела в суде, и мэр Амстердама Фемке Халсема решила разрубить этот «гордиев узел». Она заявила, что работа будет немедленно возвращена «в интересах исправления ошибок».
#новостиИОК
@pic_history
Городской совет Амстердама поставил неожиданную точку в девятилетней судебной тяжбе, потрясшей международный мир искусства. Муниципалитет решил в одностороннем порядке вернуть «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского семье его прежних владельцев-евреев. Полотно оценивается в 20 миллионов евро.
Совет принял решение вопреки вердикту нидерландской комиссии по реституции. Та в 2018 году постановила, что муниципальный музей современного искусства Стеделейк может оставить работу себе, поскольку она была «куплена добросовестно» в октябре 1940-го и имеет «важную историческую ценность». В 2020 году решение комиссии подтвердил и суд в Амстердаме.
Истцы по делу (их имена не называются публично) заявили, что довоенные владельцы «Пейзажа с домами» Роберт Левенштейн и его жена Ирма Кляйн были вынуждены продать его «под принуждением», поскольку их швейная фабрика в Амстердаме больше не могла работать в условиях оккупации. Адвокаты заявителей указали, что 160 гульденов, которые Стеделейк уплатил за картину на аукционе, — это лишь 30 процентов от первоначальной цены, за которую владельцы приобрели её в 1923 году.
Они также отметили, что Всемирная конференция по материальным претензиям евреев к Германии сочла картину украденной.
Это дело стало «лакмусовой бумажкой» для проверки морального авторитета комиссии по реституции, которую создали для рассмотрения исков о произведениях искусства, конфискованных нацистами. А решение суда, вместо того, чтобы положить конец спорам, открыло новую главу в противоречивой истории «Пейзажа с домами».
Представитель истцов назвал приговор «повторным ограблением», пояснив, что «первое было совершено нацистами, а второе — комиссией по реституции совместно с городским судом Амстердама».
На сторону бывших владельцев встал ряд влиятельных политиков. Они указали, что недопустимо учитывать интересы музеев при возврате награбленного искусства и что сохранение произведений искусства на основании их культурной ценности больше не отвечает ожиданиям общества. После этого два члена реституционной комиссии подали в отставку.
Всё шло к повторному рассмотрению дела в суде, и мэр Амстердама Фемке Халсема решила разрубить этот «гордиев узел». Она заявила, что работа будет немедленно возвращена «в интересах исправления ошибок».
#новостиИОК
@pic_history
Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям
В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре.
Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты.
Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки.
Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда.
По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна.
Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью.
С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм.
Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали.
#новостиИОК
@pic_history
В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре.
Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты.
Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки.
Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда.
По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна.
Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью.
С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм.
Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали.
#новостиИОК
@pic_history
Самоуничтожившаяся картина Бэнкси снова в продаже и стоит в разы дороже
Работа уличного художника Бэнкси, которая сенсационно самоуничтожилась сразу после продажи в 2018 году за 1,4 миллиона долларов, снова выставлена на аукцион. Однако теперь эстимейт «Любви в мусорном баке» составляет от 4 до 6 миллионов фунтов (от 5,5 до 8,3 миллиона долларов). Торги пройдут в лондонском офисе Sotheby’s 14 октября.
Произведение представляет собой наполовину изрезанный шредером холст, на который спреем нанесено изображение девочки, тянущейся за улетающим воздушным шаром в форме сердца. Мы не знаем, специально или случайно она его отпустила. Два года назад работа была выставлена на торги под названием «Девочка с воздушным шаром». Как только анонимный европейский покупатель сделал выигрышную ставку, скрытый измельчитель, который Бэнкси встроил в массивную раму, пришёл в действие — и полотно осталось свисать из каркаса, изрезанное в «лапшу».
Покупательница всё же решила завершить покупку — и это принесёт ей немалый профит, если картина уйдёт за ожидаемую теперь сумму. Алекс Бранчик, глава департамента современного искусства Sotheby’s, охарактеризовал «Любовь в мусорном баке» как «величайшее произведение Бэнкси и настоящую икону новейшей истории искусства, родившуюся из самого зрелищного художественного события XXI века».
Картина отправится в предпродажное турне и будет выставлена на всеобщее обозрение в Лондоне, Гонконге, Тайбэе и Нью-Йорке.
Бэнкси, который никогда полностью не раскрывал свою личность, начал карьеру с расписывания зданий в английском Бристоле, и стал одним из самых известных художников в мире. Мотив девочки с воздушным шаром он перерабатывает с начала 2000-х годов. Самый известный публике вариант появился на лондонском мосту Ватерлоо в 2002-м с припиской «Всегда есть надежда». В последующие годы он стал одним из самых любимых произведений искусства у британцев.
После того, как это сентиментальное, почти сахарное изображение уничтожилось не до конца, у критиков возникло множество вопросов. Знал ли Sotheby’s о трюке заранее? Правда ли, что шредер был неисправен, как утверждал потом Бэнкси? Почему изрезанное произведение, которое художник переименовал в «Любовь в мусорном ведре», более ценно, чем оригинал? Но пока влиятельные авторитеты в мире искусства бьются над этими вопросами, «Любовь в мусорном баке» наглядно доказывает, что Бэнкси является непреодолимой культурной силой.
#новостиИОК
@pic_history
Работа уличного художника Бэнкси, которая сенсационно самоуничтожилась сразу после продажи в 2018 году за 1,4 миллиона долларов, снова выставлена на аукцион. Однако теперь эстимейт «Любви в мусорном баке» составляет от 4 до 6 миллионов фунтов (от 5,5 до 8,3 миллиона долларов). Торги пройдут в лондонском офисе Sotheby’s 14 октября.
Произведение представляет собой наполовину изрезанный шредером холст, на который спреем нанесено изображение девочки, тянущейся за улетающим воздушным шаром в форме сердца. Мы не знаем, специально или случайно она его отпустила. Два года назад работа была выставлена на торги под названием «Девочка с воздушным шаром». Как только анонимный европейский покупатель сделал выигрышную ставку, скрытый измельчитель, который Бэнкси встроил в массивную раму, пришёл в действие — и полотно осталось свисать из каркаса, изрезанное в «лапшу».
Покупательница всё же решила завершить покупку — и это принесёт ей немалый профит, если картина уйдёт за ожидаемую теперь сумму. Алекс Бранчик, глава департамента современного искусства Sotheby’s, охарактеризовал «Любовь в мусорном баке» как «величайшее произведение Бэнкси и настоящую икону новейшей истории искусства, родившуюся из самого зрелищного художественного события XXI века».
Картина отправится в предпродажное турне и будет выставлена на всеобщее обозрение в Лондоне, Гонконге, Тайбэе и Нью-Йорке.
Бэнкси, который никогда полностью не раскрывал свою личность, начал карьеру с расписывания зданий в английском Бристоле, и стал одним из самых известных художников в мире. Мотив девочки с воздушным шаром он перерабатывает с начала 2000-х годов. Самый известный публике вариант появился на лондонском мосту Ватерлоо в 2002-м с припиской «Всегда есть надежда». В последующие годы он стал одним из самых любимых произведений искусства у британцев.
После того, как это сентиментальное, почти сахарное изображение уничтожилось не до конца, у критиков возникло множество вопросов. Знал ли Sotheby’s о трюке заранее? Правда ли, что шредер был неисправен, как утверждал потом Бэнкси? Почему изрезанное произведение, которое художник переименовал в «Любовь в мусорном ведре», более ценно, чем оригинал? Но пока влиятельные авторитеты в мире искусства бьются над этими вопросами, «Любовь в мусорном баке» наглядно доказывает, что Бэнкси является непреодолимой культурной силой.
#новостиИОК
@pic_history
Копия «Моны Лизы» из Музея Прадо проливает новый свет на оригинал
Открывшаяся недавно в Музее Прадо выставка, посвящённая копии «Моны Лизы», предлагает неожиданный взгляд на оригинал авторства Леонардо да Винчи. Это первый показ, посвящённый мадридской картине. В некоторых отношениях повторение даёт более полное представление о намерениях художника, чем подлинник из Лувра в Париже.
Прежде кураторы Прадо приписывали копию одному из двух учеников Леонардо, чьи имена нам известны. Но искусствовед Мартин Кемп из Оксфордского университета не разделяет их мнение.
Ещё десять лет назад картина из Прадо считалась просто одной из многочисленных ранних версий «Моны Лизы». Затем консерваторы подтвердили, что её чёрный фон появился позже, а под ним находится пейзаж. Краску удалили, и в 2012 году было объявлено о захватывающем открытии: оригинал Лувра и копия из Прадо имеют схожие подмалёвки. Скорее всего это значит, что они были написаны в студии Леонардо одновременно, то есть картина из Мадрида не была скопирована с полностью завершённого оригинала.
Некоторые части композиции сохранились лучше, чем на подлиннике. Это, например, планки стула, оборка по краю декольте на платье женщины и вуаль вокруг её левой руки. Цвета на копии из Прадо значительно ярче и, вероятнее всего, ближе к оригиналу, поскольку картина из Лувра сильно затемнена обесцветившимся лаком. На копии также виден розовый оттенок губ модели, который упоминал искусствовед XVI века Джорджо Вазари.
Мартин Кемп говорит, что «леди из Прадо передаёт чувство очаровательной тревоги, а не духовное знание, как леонардовская Джоконда».
Одним из ключевых вопросов была дата создания копии «Моны Лизы». На сайте галереи сейчас указан широкий период, как и у оригинала в Лувре — от 1503 года до смерти Леонардо в 1519-м. Однако на выставке значится более узкий временной промежуток — 1507/16 годы.
Также на сайте Прадо по-прежнему написано, что копия принадлежит «одному из учеников Леонардо, вероятно, Салаи или Франческо Мельци». Первый пришёл в студию мастера (и впоследствии стал его вероятным любовником) в 1490 году, а второй присоединился к мастерской примерно в 1506-м. Мартин Кемп ставит под сомнения обе атрибуции. «Подписанная и датированная картина Салаи не имеет ничего общего с копией из Прадо. И у нас нет заслуживающего доверие ядра картин, безусловно приписанных Мельци», — указывает учёный. Судя по всему, Прадо склоняется к этой точке зрения, поскольку в пресс-релизе к выставке не упоминается ни один из этих двух учеников Леонардо.
Интереснее всего то, что Прадо теперь приписывает автору своей «Моны Лизы» две другие картины, которые скопированы с оригиналов Леонардо. Это «Спаситель Мира», которого называют «версией маркиза де Гане» (1505−15), ныне находящийся в частной коллекции, и «Святая Анна» (1508/13) из Музея Хаммера в Лос-Анджелесе.
В экспозиции более широко исследуется роль прижизненных копий с других произведений из мастерской Да Винчи. Кураторы Прадо не согласны с тем, что к известным версиям «Мадонны с веретеном» (1501/10) приложил руку сам мастер — они заявляют, что это работы его учеников. Национальные галереи Шотландии предоставили для выставки так называемую «Мадонну Баклю», хотя на их сайте всё ещё значится, что эту панель частично написал сам Леонардо. Ещё одно повторение находится в частной коллекции. Дебаты по поводу атрибуции этих произведений далеки от завершения.
#новостиИОК
@pic_history
Открывшаяся недавно в Музее Прадо выставка, посвящённая копии «Моны Лизы», предлагает неожиданный взгляд на оригинал авторства Леонардо да Винчи. Это первый показ, посвящённый мадридской картине. В некоторых отношениях повторение даёт более полное представление о намерениях художника, чем подлинник из Лувра в Париже.
Прежде кураторы Прадо приписывали копию одному из двух учеников Леонардо, чьи имена нам известны. Но искусствовед Мартин Кемп из Оксфордского университета не разделяет их мнение.
Ещё десять лет назад картина из Прадо считалась просто одной из многочисленных ранних версий «Моны Лизы». Затем консерваторы подтвердили, что её чёрный фон появился позже, а под ним находится пейзаж. Краску удалили, и в 2012 году было объявлено о захватывающем открытии: оригинал Лувра и копия из Прадо имеют схожие подмалёвки. Скорее всего это значит, что они были написаны в студии Леонардо одновременно, то есть картина из Мадрида не была скопирована с полностью завершённого оригинала.
Некоторые части композиции сохранились лучше, чем на подлиннике. Это, например, планки стула, оборка по краю декольте на платье женщины и вуаль вокруг её левой руки. Цвета на копии из Прадо значительно ярче и, вероятнее всего, ближе к оригиналу, поскольку картина из Лувра сильно затемнена обесцветившимся лаком. На копии также виден розовый оттенок губ модели, который упоминал искусствовед XVI века Джорджо Вазари.
Мартин Кемп говорит, что «леди из Прадо передаёт чувство очаровательной тревоги, а не духовное знание, как леонардовская Джоконда».
Одним из ключевых вопросов была дата создания копии «Моны Лизы». На сайте галереи сейчас указан широкий период, как и у оригинала в Лувре — от 1503 года до смерти Леонардо в 1519-м. Однако на выставке значится более узкий временной промежуток — 1507/16 годы.
Также на сайте Прадо по-прежнему написано, что копия принадлежит «одному из учеников Леонардо, вероятно, Салаи или Франческо Мельци». Первый пришёл в студию мастера (и впоследствии стал его вероятным любовником) в 1490 году, а второй присоединился к мастерской примерно в 1506-м. Мартин Кемп ставит под сомнения обе атрибуции. «Подписанная и датированная картина Салаи не имеет ничего общего с копией из Прадо. И у нас нет заслуживающего доверие ядра картин, безусловно приписанных Мельци», — указывает учёный. Судя по всему, Прадо склоняется к этой точке зрения, поскольку в пресс-релизе к выставке не упоминается ни один из этих двух учеников Леонардо.
Интереснее всего то, что Прадо теперь приписывает автору своей «Моны Лизы» две другие картины, которые скопированы с оригиналов Леонардо. Это «Спаситель Мира», которого называют «версией маркиза де Гане» (1505−15), ныне находящийся в частной коллекции, и «Святая Анна» (1508/13) из Музея Хаммера в Лос-Анджелесе.
В экспозиции более широко исследуется роль прижизненных копий с других произведений из мастерской Да Винчи. Кураторы Прадо не согласны с тем, что к известным версиям «Мадонны с веретеном» (1501/10) приложил руку сам мастер — они заявляют, что это работы его учеников. Национальные галереи Шотландии предоставили для выставки так называемую «Мадонну Баклю», хотя на их сайте всё ещё значится, что эту панель частично написал сам Леонардо. Ещё одно повторение находится в частной коллекции. Дебаты по поводу атрибуции этих произведений далеки от завершения.
#новостиИОК
@pic_history
Картину Боттичелли выставят на продажу за $40 миллионов
Аукционный дом Sotheby’s выставляет на торги картину одного из величайших художников эпохи Возрождения — «Мужа скорбей» Сандро Боттичелли. Панель станет звёздным лотом на ежегодной распродаже «Неделя мастеров» в Нью-Йорке в январе 2022 года с предварительной оценкой более 40 миллионов долларов. Это один из немногих шедевров мастера, остающийся в частных руках.
«Муж скорбей», выполненный в конце XV — начале XVI века, относится к позднему периоду творчества Боттичелли. Тогда художник находился под сильным влиянием фанатичного доминиканского монаха Джироламо Савонаролы, и в его стиле чётко обозначился христианский символизм и визионерская духовность. Портрет воскресшего Христа сочетает уникальную манеру мастера с потрясающе современным и человечным изображением Иисуса.
Панель появится на торгах после триумфальной продажи «Портрета юноши с медальоном». В январе 2021 года он ушёл за 92,2 млн долларов, что сделало его третьей из самых дорогих работ старых мастеров. Вообще же произведения Боттичелли любого периода — большая редкость на рынке. Его поздние творения очень редко появляются на торгах: сейчас известны только три картины, созданные после 1492 года, которые находятся в частных руках.
«Муж скорбей» сейчас представлен на публичной выставке в Гонконге, где наблюдается всплеск интереса не только к Боттичелли, но и вообще к «голубым фишкам» из числа старых мастеров. В прошлом году в Гонконгском музее искусств с большим успехом прошла выставка «Боттичелли и его эпоха. Шедевры из Уффици». После Дальнего Востока картина отправится во всемирное турне в Лос-Анджелес, Лондон и Дубай, а затем вернётся в Нью-Йорк, где будет показана перед продажей в январе.
Характерные черты «Мужа скорбей» — это строго фронтальное изображение Иисуса и нимб из ангелов, которые держат атрибуты Страстей Христовых. Они написаны в технике «гризайль», с помощью которой плоскому рисунку придаётся объёмность скульптуры. Но в первую очередь зритель видит скрещённые на груди руки Сына Божия с ранами от гвоздей и его пронзительный взгляд, который вызывает в памяти светские образы и придаёт иконе черты портрета.
Впервые «Муж скорбей» упоминается в коллекции известной английской оперной певицы Аделаиды Кембл (1814−1879). Она происходила из знаменитой актёрской династии и вместе с мужем — политиком Эдвардом Джоном Сарторисом — была влиятельной фигурой в викторианском Лондоне и в Риме. Позже картина перешла к правнучке Аделаиды, леди Канингем, которая продала её в 1963 году с молотка за 10 тысяч фунтов стерлингов (с учётом инфляции это 178 тыс. фунтов стерлингов или 243 тыс. долларов США в 2021 году). С тех пор панель практически не появлялась на публике. Исключением стала крупная ретроспектива Боттичелли, которая прошла в 2009—2010 годах в Штеделевском художественном институте в немецком Франкфурте.
#новостиИОК
@pic_history
Аукционный дом Sotheby’s выставляет на торги картину одного из величайших художников эпохи Возрождения — «Мужа скорбей» Сандро Боттичелли. Панель станет звёздным лотом на ежегодной распродаже «Неделя мастеров» в Нью-Йорке в январе 2022 года с предварительной оценкой более 40 миллионов долларов. Это один из немногих шедевров мастера, остающийся в частных руках.
«Муж скорбей», выполненный в конце XV — начале XVI века, относится к позднему периоду творчества Боттичелли. Тогда художник находился под сильным влиянием фанатичного доминиканского монаха Джироламо Савонаролы, и в его стиле чётко обозначился христианский символизм и визионерская духовность. Портрет воскресшего Христа сочетает уникальную манеру мастера с потрясающе современным и человечным изображением Иисуса.
Панель появится на торгах после триумфальной продажи «Портрета юноши с медальоном». В январе 2021 года он ушёл за 92,2 млн долларов, что сделало его третьей из самых дорогих работ старых мастеров. Вообще же произведения Боттичелли любого периода — большая редкость на рынке. Его поздние творения очень редко появляются на торгах: сейчас известны только три картины, созданные после 1492 года, которые находятся в частных руках.
«Муж скорбей» сейчас представлен на публичной выставке в Гонконге, где наблюдается всплеск интереса не только к Боттичелли, но и вообще к «голубым фишкам» из числа старых мастеров. В прошлом году в Гонконгском музее искусств с большим успехом прошла выставка «Боттичелли и его эпоха. Шедевры из Уффици». После Дальнего Востока картина отправится во всемирное турне в Лос-Анджелес, Лондон и Дубай, а затем вернётся в Нью-Йорк, где будет показана перед продажей в январе.
Характерные черты «Мужа скорбей» — это строго фронтальное изображение Иисуса и нимб из ангелов, которые держат атрибуты Страстей Христовых. Они написаны в технике «гризайль», с помощью которой плоскому рисунку придаётся объёмность скульптуры. Но в первую очередь зритель видит скрещённые на груди руки Сына Божия с ранами от гвоздей и его пронзительный взгляд, который вызывает в памяти светские образы и придаёт иконе черты портрета.
Впервые «Муж скорбей» упоминается в коллекции известной английской оперной певицы Аделаиды Кембл (1814−1879). Она происходила из знаменитой актёрской династии и вместе с мужем — политиком Эдвардом Джоном Сарторисом — была влиятельной фигурой в викторианском Лондоне и в Риме. Позже картина перешла к правнучке Аделаиды, леди Канингем, которая продала её в 1963 году с молотка за 10 тысяч фунтов стерлингов (с учётом инфляции это 178 тыс. фунтов стерлингов или 243 тыс. долларов США в 2021 году). С тех пор панель практически не появлялась на публике. Исключением стала крупная ретроспектива Боттичелли, которая прошла в 2009—2010 годах в Штеделевском художественном институте в немецком Франкфурте.
#новостиИОК
@pic_history
Картину Дюрера убрали с сайта Лондонской национальной галереи из-за жалобы об антисемитском содержании
Картина Дюрера «Христос среди учителей» (1506) входит в собрание мадридского музея Тиссена-Борнемисы, а в Лондонской национальной галерее она должна появиться на выставке «Приключения Дюрера: путешествия художника эпохи Возрождения», которая откроется 20 ноября. Репродукция картины была размещена на сайте британского музея — среди материалов о предстоящей выставке. Как сообщает издание Jewish News, посетитель сайта Ральф Харрис проинформировал галерею о том, что картина содержит антисемитскую карикатуру, и репродукция вскоре исчезла.
«Мы удалили изображение и сопроводительный текст из нашей онлайн-галереи избранных выставленных работ, поскольку почувствовали, что в этом формате не было достаточного пространства для интерпретации, которая необходима для этой работы», — так пояснил исчезновение работы с сайта представитель Национальной галереи. В учреждении также признали, что эта картина может быть воспринята зрителями как оскорбительная, а потому в текстах и аудиогиде к выставке обещают сделать необходимые акценты на наличии карикатурных изображений антисемитского характера на полотне Дюрера.
На картине показан эпизод из жизни 12-летнего Иисуса, описанный в Евангелии от Луки: «Каждый год родители Его ходили в Иерусалим на праздник Пасхи. И когда Он был двенадцати лет, пришли они также по обычаю в Иерусалим на праздник. Когда же, по окончании дней праздника, возвращались, остался Отрок Иисус в Иерусалиме; и не заметили того Иосиф и Матерь Его, но думали, что Он идет с другими. Пройдя же дневной путь, стали искать Его между родственниками и знакомыми и, не найдя Его, возвратились в Иерусалим, ища Его. Через три дня нашли Его в храме, сидящего посреди учителей, слушающего их и спрашивающего их; все слушавшие Его дивились разуму и ответам Его».
Прежде всего бросается в глаза карикатурность персонажа, изображённого слева от Иисуса. Высказываются предположения, что этот образ может быть связан с рисунками Леонардо да Винчи, изображающими гротескные головы: картину «Христос среди учителей» Дюрер написал во время своего путешествия в Италию.
Проблема антисемитских изображений в изобразительном искусстве Средневековья и Ренессанса — не надуманная. На протяжении веков был сформирован обширный набор визуальных знаков, по которым на картинах и рисунках опознавались иноверцы вообще и иудеи в частности. Известный российский историк и популяризатор науки Михаил Майзульс недавно защитил диссертацию на тему «Иноверцы и еретики в западноевропейской иконографии ХII-ХV вв.: конструирование образа врага», в которой каталогизировал эти «ядовитые» изобразительные приёмы, с помощью которых маркировали иноверцев.
В частности, Михаил Майзульс пишет, что длинный, крючковатый, похожий на клюв хищной птицы, или, наоборот, вздёрнутый и напоминающий пятачок нос стал опознавательным знаком евреев (а также других иноверцев и еретиков). Людей с подчеркнуто неидеальными носами часто можно встретить в произведениях со сценами Страстей Христовых. Среди опознавательных знаков мучителей Христа также — раскрытые рты, агрессивно обнажённые зубы (в то же время Христос и святые обычно принимают самые страшные муки с сомкнутыми устами) и броские головные уборы — остроконечная шляпа «юденхут» или чалма, которой могут быть отмечены любые «иные», не только мусульмане.
Случай с картиной Дюрера — не первый, когда музеям приходится делать специальные пояснения о том, что отражённые в произведениях искусства этические представления прошлого не считаются приемлемыми и даже осуждаются в наши дни. Мысль о том, что не всё изображённое на картине подлежит одобрению, вроде бы очевидная. Но, видимо, сейчас общество находится на том этапе, когда всем будет спокойнее, если эта мысль будет проговариваться во время экскурсий и прописываться в каталогах.
#новостиИОК
@pic_history
Картина Дюрера «Христос среди учителей» (1506) входит в собрание мадридского музея Тиссена-Борнемисы, а в Лондонской национальной галерее она должна появиться на выставке «Приключения Дюрера: путешествия художника эпохи Возрождения», которая откроется 20 ноября. Репродукция картины была размещена на сайте британского музея — среди материалов о предстоящей выставке. Как сообщает издание Jewish News, посетитель сайта Ральф Харрис проинформировал галерею о том, что картина содержит антисемитскую карикатуру, и репродукция вскоре исчезла.
«Мы удалили изображение и сопроводительный текст из нашей онлайн-галереи избранных выставленных работ, поскольку почувствовали, что в этом формате не было достаточного пространства для интерпретации, которая необходима для этой работы», — так пояснил исчезновение работы с сайта представитель Национальной галереи. В учреждении также признали, что эта картина может быть воспринята зрителями как оскорбительная, а потому в текстах и аудиогиде к выставке обещают сделать необходимые акценты на наличии карикатурных изображений антисемитского характера на полотне Дюрера.
На картине показан эпизод из жизни 12-летнего Иисуса, описанный в Евангелии от Луки: «Каждый год родители Его ходили в Иерусалим на праздник Пасхи. И когда Он был двенадцати лет, пришли они также по обычаю в Иерусалим на праздник. Когда же, по окончании дней праздника, возвращались, остался Отрок Иисус в Иерусалиме; и не заметили того Иосиф и Матерь Его, но думали, что Он идет с другими. Пройдя же дневной путь, стали искать Его между родственниками и знакомыми и, не найдя Его, возвратились в Иерусалим, ища Его. Через три дня нашли Его в храме, сидящего посреди учителей, слушающего их и спрашивающего их; все слушавшие Его дивились разуму и ответам Его».
Прежде всего бросается в глаза карикатурность персонажа, изображённого слева от Иисуса. Высказываются предположения, что этот образ может быть связан с рисунками Леонардо да Винчи, изображающими гротескные головы: картину «Христос среди учителей» Дюрер написал во время своего путешествия в Италию.
Проблема антисемитских изображений в изобразительном искусстве Средневековья и Ренессанса — не надуманная. На протяжении веков был сформирован обширный набор визуальных знаков, по которым на картинах и рисунках опознавались иноверцы вообще и иудеи в частности. Известный российский историк и популяризатор науки Михаил Майзульс недавно защитил диссертацию на тему «Иноверцы и еретики в западноевропейской иконографии ХII-ХV вв.: конструирование образа врага», в которой каталогизировал эти «ядовитые» изобразительные приёмы, с помощью которых маркировали иноверцев.
В частности, Михаил Майзульс пишет, что длинный, крючковатый, похожий на клюв хищной птицы, или, наоборот, вздёрнутый и напоминающий пятачок нос стал опознавательным знаком евреев (а также других иноверцев и еретиков). Людей с подчеркнуто неидеальными носами часто можно встретить в произведениях со сценами Страстей Христовых. Среди опознавательных знаков мучителей Христа также — раскрытые рты, агрессивно обнажённые зубы (в то же время Христос и святые обычно принимают самые страшные муки с сомкнутыми устами) и броские головные уборы — остроконечная шляпа «юденхут» или чалма, которой могут быть отмечены любые «иные», не только мусульмане.
Случай с картиной Дюрера — не первый, когда музеям приходится делать специальные пояснения о том, что отражённые в произведениях искусства этические представления прошлого не считаются приемлемыми и даже осуждаются в наши дни. Мысль о том, что не всё изображённое на картине подлежит одобрению, вроде бы очевидная. Но, видимо, сейчас общество находится на том этапе, когда всем будет спокойнее, если эта мысль будет проговариваться во время экскурсий и прописываться в каталогах.
#новостиИОК
@pic_history
Аукционные рекорды для Ван Гога и Кайботта установлены в Нью-Йорке
Три произведения Винсента Ван Гога, написанные в последние годы его жизни, стали «звёздами» на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Их общая стоимость составила 150 миллионов долларов, причём пейзаж «Стога пшеницы» стал рекордсменом среди работ художника на бумаге. А «Молодой человек у окна» Гюстава Кайботта стал самой дорогой картиной в наследии этого французского мастера. Знаковую работу приобрел музей.
В целом на торги были выставлены более двух десятков произведений, охватывающих всю историю импрессионизма. Работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Берты Моризо и других мастеров принесли в общей сложности 332 миллиона долларов. Картины были частью «Коллекции Кокса», названной в честь её владельца — техасского бизнесмена Эда Кокса, который умер в 2020 году.
Музей Гетти в Лос-Анджелесе купил сцену «Молодой человек у окна» Кайботта за 53 миллиона долларов.
Это более чем вдвое превышает предыдущий рекорд, установленный для произведений художника. До этого «чемпионский титул» принадлежал пейзажу «Тропинка вверх», проданному за 22 миллиона долларов в 2019 году.
«Молодой человек у окна» — одна из восьми картин, которые Кайботт отобрал для своего дебюта на Второй выставке импрессионистов в 1876 году. Марсьяль, младший брат художника, писал, что на полотне изображён их средний брат Рене. Он смотрит из окна семейной квартиры на втором этаже дома на углу улиц Миромесниль и Лиссабон в Париже. Резкий контраст между ярким уличным пейзажем и мягким полумраком интерьера сводит главного героя к силуэту на фоне освещённой сцены перед ним.
Обитый плюшем стул на переднем плане предполагает, что молодой человек наслаждался уличными сценами сидя. Но что-то заставило его прервать праздное наблюдение, вскочить и подойти ближе. Возможно, это элегантная молодая женщина, чья миниатюрная фигура заметна на втором плане.
Объявляя о покупке «Молодого человека у окна», Музей Гетти назвал картину «шедевром модернистского городского реализма XIX века». Это будет первая работа Кайботта, вошедшая в коллекцию учреждения. Её выставят в 2022-м, и она станет центральным элементом галереи импрессионистов и одной из главных достопримечательностей Центра.
Среди трёх работ Ван Гога, выставленных на аукцион, наибольший интерес у коллекционеров вызвал холст «Деревянные хижины среди оливковых деревьев и кипарисов». За него сражались сразу семь участников.
Победитель выложил за эту работу 71,3 миллиона долларов, и теперь это одно из самых дорогих произведений Ван Гога.
Акварель «Стога пшеницы», выставленная на торги позже, взяла «планку» в 35,9 миллиона долларов и стала самой дорогой работой Винсента на бумаге.
Она подвинула с пьедестала портрет под названием «Мусме», проданный в марте 2021 года за 10,4 миллиона долларов.
«Стога пшеницы», написанные в последний год жизни художника, до Второй мировой войны принадлежали коллекционерам-евреям и затем были конфискованы нацистами. Эд Кокс приобрёл акварель в 1979 году, и сотрудникам Christie’s пришлось изрядно попотеть, чтобы заключить мировое соглашение между наследниками бывших владельцев и нынешним собственником работы.
И «Стога», и «Деревянные хижины» приобрёл один человек — Хьюго Натан, сооснователь консалтинговой фирмы Beaumont Nathan из Лондона.
Превысила все ожидания и ещё одна нетипичная (и, прямо скажем, не самая привлекательная) работа Ван Гога — портрет румяного молодого человека с васильком, зажатым в губах. Предварительная оценка лота составляла всего 5−7 миллионов долларов, но после ожесточенной борьбы победитель, специалист из Нью-Йорка, выложил за неё в шесть раз больше — 46,7 миллиона долларов.
Все 23 лота из «Коллекции Кокса» были проданы за общую сумму в 332 миллиона долларов (с премией), что намного превысило максимальные ожидания. Торги также показали, что интерес к импрессионистам по-прежнему высок, несмотря на заявления скептиков, что они вышли из моды. Значительная часть картин отправилась к коллекционерам из Америки, 35 процентов — в Европу и 13 процентов — в Азию.
#новостиИОК
@pic_history
Три произведения Винсента Ван Гога, написанные в последние годы его жизни, стали «звёздами» на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Их общая стоимость составила 150 миллионов долларов, причём пейзаж «Стога пшеницы» стал рекордсменом среди работ художника на бумаге. А «Молодой человек у окна» Гюстава Кайботта стал самой дорогой картиной в наследии этого французского мастера. Знаковую работу приобрел музей.
В целом на торги были выставлены более двух десятков произведений, охватывающих всю историю импрессионизма. Работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Берты Моризо и других мастеров принесли в общей сложности 332 миллиона долларов. Картины были частью «Коллекции Кокса», названной в честь её владельца — техасского бизнесмена Эда Кокса, который умер в 2020 году.
Музей Гетти в Лос-Анджелесе купил сцену «Молодой человек у окна» Кайботта за 53 миллиона долларов.
Это более чем вдвое превышает предыдущий рекорд, установленный для произведений художника. До этого «чемпионский титул» принадлежал пейзажу «Тропинка вверх», проданному за 22 миллиона долларов в 2019 году.
«Молодой человек у окна» — одна из восьми картин, которые Кайботт отобрал для своего дебюта на Второй выставке импрессионистов в 1876 году. Марсьяль, младший брат художника, писал, что на полотне изображён их средний брат Рене. Он смотрит из окна семейной квартиры на втором этаже дома на углу улиц Миромесниль и Лиссабон в Париже. Резкий контраст между ярким уличным пейзажем и мягким полумраком интерьера сводит главного героя к силуэту на фоне освещённой сцены перед ним.
Обитый плюшем стул на переднем плане предполагает, что молодой человек наслаждался уличными сценами сидя. Но что-то заставило его прервать праздное наблюдение, вскочить и подойти ближе. Возможно, это элегантная молодая женщина, чья миниатюрная фигура заметна на втором плане.
Объявляя о покупке «Молодого человека у окна», Музей Гетти назвал картину «шедевром модернистского городского реализма XIX века». Это будет первая работа Кайботта, вошедшая в коллекцию учреждения. Её выставят в 2022-м, и она станет центральным элементом галереи импрессионистов и одной из главных достопримечательностей Центра.
Среди трёх работ Ван Гога, выставленных на аукцион, наибольший интерес у коллекционеров вызвал холст «Деревянные хижины среди оливковых деревьев и кипарисов». За него сражались сразу семь участников.
Победитель выложил за эту работу 71,3 миллиона долларов, и теперь это одно из самых дорогих произведений Ван Гога.
Акварель «Стога пшеницы», выставленная на торги позже, взяла «планку» в 35,9 миллиона долларов и стала самой дорогой работой Винсента на бумаге.
Она подвинула с пьедестала портрет под названием «Мусме», проданный в марте 2021 года за 10,4 миллиона долларов.
«Стога пшеницы», написанные в последний год жизни художника, до Второй мировой войны принадлежали коллекционерам-евреям и затем были конфискованы нацистами. Эд Кокс приобрёл акварель в 1979 году, и сотрудникам Christie’s пришлось изрядно попотеть, чтобы заключить мировое соглашение между наследниками бывших владельцев и нынешним собственником работы.
И «Стога», и «Деревянные хижины» приобрёл один человек — Хьюго Натан, сооснователь консалтинговой фирмы Beaumont Nathan из Лондона.
Превысила все ожидания и ещё одна нетипичная (и, прямо скажем, не самая привлекательная) работа Ван Гога — портрет румяного молодого человека с васильком, зажатым в губах. Предварительная оценка лота составляла всего 5−7 миллионов долларов, но после ожесточенной борьбы победитель, специалист из Нью-Йорка, выложил за неё в шесть раз больше — 46,7 миллиона долларов.
Все 23 лота из «Коллекции Кокса» были проданы за общую сумму в 332 миллиона долларов (с премией), что намного превысило максимальные ожидания. Торги также показали, что интерес к импрессионистам по-прежнему высок, несмотря на заявления скептиков, что они вышли из моды. Значительная часть картин отправилась к коллекционерам из Америки, 35 процентов — в Европу и 13 процентов — в Азию.
#новостиИОК
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
Рисунок, купленный по случаю за $30, может оказаться оригиналом Дюрера
Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто.
Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера.
У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews.
Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины.
Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт.
Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо».
Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году.
Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации.
#новостиИОК
@pic_history
Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто.
Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера.
У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews.
Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины.
Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт.
Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо».
Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году.
Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации.
#новостиИОК
@pic_history
