Картины великих художников с разницей в 10 лет.
Борис Кустодиев: 1910 vs. 1920
1910 — "Гулянье"
Кустодиев плодовит, энергичен, востребован. Он только что избран членом Академии художеств, его зовут преподавать в Московское училище живописи, с распростертыми объятьями встречают в возродившемся «Мире искусства». Пишет Кустодиев благостно и аполитично, как никогда. В его картинах — «русская ярмарка, пестрядина, «глазастые» ситцы, варварская «драка красок», все то, что по меткому определению Александра Бенуа, представляет «его сферу и его радость».
1920 — "Большевик"
Для Кустодиева время сомнений, разочарований и потерь. Восторженно встретив революцию 1917 года, он вскоре разуверился в большевиках, но остался на родине и был вынужден «сотрудничать». Кустодиев живет впроголодь, причем не хватает художнику не только хлеба и дров. «Стосковался по людям, по театру, по музыке — всего этого я лишен» — жалуется он в письме театральному режиссеру Василию Лужскому. Из-за опухоли спинного мозга Кустодиев вот уже восемь лет как прикован к инвалидному креслу.
Неудивительно, что типичный «кустодиевский лубок» наливается подлинной драмой. Это тоже своего рода «гулянье». Только теперь вместо «расфуфыренных девок и лихих парней» по улицам бродит угрюмый революционный голем. Кустодиев — человек прямой и искренний — едва ли отдает себе отчет в том, какой эффект производит эта бесхитростная агитка. Скорее всего, он сам не понимает, почему его «Большевик» композиционно цитирует небезызвестный рисунок из журнала «Жупел».
Борис Кустодиев: 1910 vs. 1920
1910 — "Гулянье"
Кустодиев плодовит, энергичен, востребован. Он только что избран членом Академии художеств, его зовут преподавать в Московское училище живописи, с распростертыми объятьями встречают в возродившемся «Мире искусства». Пишет Кустодиев благостно и аполитично, как никогда. В его картинах — «русская ярмарка, пестрядина, «глазастые» ситцы, варварская «драка красок», все то, что по меткому определению Александра Бенуа, представляет «его сферу и его радость».
1920 — "Большевик"
Для Кустодиева время сомнений, разочарований и потерь. Восторженно встретив революцию 1917 года, он вскоре разуверился в большевиках, но остался на родине и был вынужден «сотрудничать». Кустодиев живет впроголодь, причем не хватает художнику не только хлеба и дров. «Стосковался по людям, по театру, по музыке — всего этого я лишен» — жалуется он в письме театральному режиссеру Василию Лужскому. Из-за опухоли спинного мозга Кустодиев вот уже восемь лет как прикован к инвалидному креслу.
Неудивительно, что типичный «кустодиевский лубок» наливается подлинной драмой. Это тоже своего рода «гулянье». Только теперь вместо «расфуфыренных девок и лихих парней» по улицам бродит угрюмый революционный голем. Кустодиев — человек прямой и искренний — едва ли отдает себе отчет в том, какой эффект производит эта бесхитростная агитка. Скорее всего, он сам не понимает, почему его «Большевик» композиционно цитирует небезызвестный рисунок из журнала «Жупел».
"Пикник"
1870-е
Джеймс Тиссо
Тейт Британия, Лондон.
«Пикник» — это более поздний вариант названия картины Джеймса Тиссо. Изначально она называлась «Holyday», то есть «праздник», но такую версию уже практически не используют.
И это действительно пикник, а вовсе не праздник. Элегантный, утонченный, слегка утомляющий свежим воздухом и обилием чая, но это просто перекус на свежем воздухе с неспешными разговорами возле пруда.
Чаепитие друзей не является фантазией автора, оно было написано на пленэре в саду лондонского дома Тиссо. Время ранней мягкой осени, пожалуй, один из лучших моментов для таких любителей светописания, как хозяин дома. Гости и возлюбленная автора — Кэтлин Ньютон, смотрящая в сторону и как бы отсутствующая в главной сцене, могут позволить себе быть одетыми на свежем воздухе относительно легко, и чувствовать себя расслабленно. Листья каштанов желтеют теплыми земляными оттенками и придают всей картине едва осязаемый теплый золотой отблеск. Она сквозит светом, несмотря на тени, окутавшие сад и темную неподвижную воду пруда.
Возлежащий, словно шах, мужчина, судя по необычной шапочке на его голове, член известного крикетного клуба «I Zingari». Из крошечного молочника ему подливает молоко в чашку молодая, полная жизни девушка, чей тщательно подобранный наряд игриво «разбавляют» ее длинные волнистые волосы цвета каштана.
Картина завлекает зрителя не только манящим скрытым светом, общим настроением расслабленности аристократического досуга, но и деталями. Тетушка в удобном кресле устроилась у ствола дерева, а у ее ног внимательно слушающие девочка и рыжебородый мужчина, подперший голову рукой. Возможно, она рассказывает что-то интересное, да и правила приличия обязывают выслушивать старшую особу. За деревом можно разглядеть мужчину, также члена клуба, и фрагмент дамской шляпы, так что вероятно он приятно коротает время. На той стороне пруда кавалер, развлекает даму разговорами.
Этот пикник совмещает в себе обыденность жизни и приятное некаждодневное событие. Это быстрый, но внимательный взгляд на одну из житейских сцен, так любимыми импрессионистами. Сам выбор темы возможно был продиктован влиянием «Завтрака на траве» Мане. Но речь идет только о сюжете, провокация не свойственна Тиссо, и он остается верен британской сдержанности.
«Пикник» был создан как продолжение или, возможно, дополнение к картине «Выздоровление», написанной в том же саду с того же ракурса. В будущем картины были разделены и никогда не выставлялись вместе.
«Пикник» приобрела Галерея Тейт в 1928 году.
Не забывайте, что комментарии находятся сверху, там где картинка.
#ДжеймсТиссо
1870-е
Джеймс Тиссо
Тейт Британия, Лондон.
«Пикник» — это более поздний вариант названия картины Джеймса Тиссо. Изначально она называлась «Holyday», то есть «праздник», но такую версию уже практически не используют.
И это действительно пикник, а вовсе не праздник. Элегантный, утонченный, слегка утомляющий свежим воздухом и обилием чая, но это просто перекус на свежем воздухе с неспешными разговорами возле пруда.
Чаепитие друзей не является фантазией автора, оно было написано на пленэре в саду лондонского дома Тиссо. Время ранней мягкой осени, пожалуй, один из лучших моментов для таких любителей светописания, как хозяин дома. Гости и возлюбленная автора — Кэтлин Ньютон, смотрящая в сторону и как бы отсутствующая в главной сцене, могут позволить себе быть одетыми на свежем воздухе относительно легко, и чувствовать себя расслабленно. Листья каштанов желтеют теплыми земляными оттенками и придают всей картине едва осязаемый теплый золотой отблеск. Она сквозит светом, несмотря на тени, окутавшие сад и темную неподвижную воду пруда.
Возлежащий, словно шах, мужчина, судя по необычной шапочке на его голове, член известного крикетного клуба «I Zingari». Из крошечного молочника ему подливает молоко в чашку молодая, полная жизни девушка, чей тщательно подобранный наряд игриво «разбавляют» ее длинные волнистые волосы цвета каштана.
Картина завлекает зрителя не только манящим скрытым светом, общим настроением расслабленности аристократического досуга, но и деталями. Тетушка в удобном кресле устроилась у ствола дерева, а у ее ног внимательно слушающие девочка и рыжебородый мужчина, подперший голову рукой. Возможно, она рассказывает что-то интересное, да и правила приличия обязывают выслушивать старшую особу. За деревом можно разглядеть мужчину, также члена клуба, и фрагмент дамской шляпы, так что вероятно он приятно коротает время. На той стороне пруда кавалер, развлекает даму разговорами.
Этот пикник совмещает в себе обыденность жизни и приятное некаждодневное событие. Это быстрый, но внимательный взгляд на одну из житейских сцен, так любимыми импрессионистами. Сам выбор темы возможно был продиктован влиянием «Завтрака на траве» Мане. Но речь идет только о сюжете, провокация не свойственна Тиссо, и он остается верен британской сдержанности.
«Пикник» был создан как продолжение или, возможно, дополнение к картине «Выздоровление», написанной в том же саду с того же ракурса. В будущем картины были разделены и никогда не выставлялись вместе.
«Пикник» приобрела Галерея Тейт в 1928 году.
Не забывайте, что комментарии находятся сверху, там где картинка.
#ДжеймсТиссо
«Утраченный шедевр» Леонардо до сих пор не найден, потому что его не существовало
Учёные годами пытаются найти «утраченный шедевр» Леонардо да Винчи, но теперь ряд экспертов уверенно заявляет, что поиск не увенчается успехом, потому что работы вообще не существует. Четыре итальянских искусствоведа представили в галерее Уффици исследование, согласно которому фреска «Битва при Ангиари» не скрывается на стене флорентийской старой ратуши Палаццо Веккьо. Их заявление противоречит результатам многолетнего труда исследователя Маурицио Серачини. Он выступает за высокотехнологичный научный анализ, который предположительно выявит присутствие картины.
Ключевым аргументом, который сейчас представили четверо экспертов, стала подготовительная техника Леонардо. Они говрят, что при создании фрески в 1503 году художник использовал слой левкаса и масла, на котором не держалась краска.
«Эта технология считалась частью картины, однако на самом деле была лишь подготовкой стены к покраске. Поскольку она не увенчалась успехом, Леонардо так и не приступил к работе. Это означает, что „Битва“ существовала лишь в виде подготовительного картона, а не готовой фрески», — заявила искусствовед Франческа Фиорани.
Широкая публика заинтересовалась возможным местонахождением «Битвы при Ангиари» в 2002 году, когда Серачини обнаружил полость за картиной Джорджо Вазари «Битва при Марчиано» и предположил, что там могла быть фреска Леонардо. Учёный с помощью сложных технологий попытался «увидеть», что находится под работой Вазари.
Сейчас в мире насчитывается лишь два десятка картин, приписанных Леонардо да Винчи. И обнаружение «Битвы при Ангиари» могло бы серьёзно повлиять на наши знания о художнике. Хотя сегодня искусствоведы считают, что свидетельств существования картины слишком мало, вряд ли это остановит тех, кто пытается её найти.
Так, Маурицио Серачини планирует продолжить свои исследования и раскрыть новые секреты фрески. «Что плохого в поисках невероятного шедевра и почему мы не можем получить окончательный ответ с помощью науки? Почему бы не продолжить использование неинвазивных технологий, пока у нас не будет убедительных доказательств?», — сказал он.
Ниже: Копия "Битвы при Ангиари", Питер Пауль Рубенс.
#новостиИОК
Учёные годами пытаются найти «утраченный шедевр» Леонардо да Винчи, но теперь ряд экспертов уверенно заявляет, что поиск не увенчается успехом, потому что работы вообще не существует. Четыре итальянских искусствоведа представили в галерее Уффици исследование, согласно которому фреска «Битва при Ангиари» не скрывается на стене флорентийской старой ратуши Палаццо Веккьо. Их заявление противоречит результатам многолетнего труда исследователя Маурицио Серачини. Он выступает за высокотехнологичный научный анализ, который предположительно выявит присутствие картины.
Ключевым аргументом, который сейчас представили четверо экспертов, стала подготовительная техника Леонардо. Они говрят, что при создании фрески в 1503 году художник использовал слой левкаса и масла, на котором не держалась краска.
«Эта технология считалась частью картины, однако на самом деле была лишь подготовкой стены к покраске. Поскольку она не увенчалась успехом, Леонардо так и не приступил к работе. Это означает, что „Битва“ существовала лишь в виде подготовительного картона, а не готовой фрески», — заявила искусствовед Франческа Фиорани.
Широкая публика заинтересовалась возможным местонахождением «Битвы при Ангиари» в 2002 году, когда Серачини обнаружил полость за картиной Джорджо Вазари «Битва при Марчиано» и предположил, что там могла быть фреска Леонардо. Учёный с помощью сложных технологий попытался «увидеть», что находится под работой Вазари.
Сейчас в мире насчитывается лишь два десятка картин, приписанных Леонардо да Винчи. И обнаружение «Битвы при Ангиари» могло бы серьёзно повлиять на наши знания о художнике. Хотя сегодня искусствоведы считают, что свидетельств существования картины слишком мало, вряд ли это остановит тех, кто пытается её найти.
Так, Маурицио Серачини планирует продолжить свои исследования и раскрыть новые секреты фрески. «Что плохого в поисках невероятного шедевра и почему мы не можем получить окончательный ответ с помощью науки? Почему бы не продолжить использование неинвазивных технологий, пока у нас не будет убедительных доказательств?», — сказал он.
Ниже: Копия "Битвы при Ангиари", Питер Пауль Рубенс.
#новостиИОК
На картине Василия Перова изображены парижские...
Anonymous Quiz
53%
Тряпичники
38%
Башмачники
10%
Буфетчики
"Возвращение блудного сына"
1668 г.
Рембрандт Харменс ван Рейн
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Во второй половине 1650-х годов Рембрандта постигла вереница неудач. Многочисленные долги разорили его, картины не приносили почти никакого дохода. Заявив о своем банкротстве, художник распродал все имущество и переехал в Амстердам. Он остался без своей коллекции, состоявшей из прекрасных предметов искусства, без верной и любящей жены Хендрикье, которая умерла, будучи отлученной от церкви за внебрачную связь с Рембрандтом, заболел чахоткой его сын Титус, а невестка умерла от отчаяния. Больной, полуослепший, всеми покинутый, не в силах удержать в руке кисть и оттого привязывавший ее бечевкой, художник пишет свой последний шедевр.
Картина Рембрандта «Возвращение блудного сына» была создана незадолго до смерти живописца в 1669 году. На ней изображен финал сюжета из евангельской притчи: младший сын, ушедший некогда из отцовского дома, возвратился, полный раскаяния. Упав на колени перед старым отцом, он уткнулся в его колени, надеясь на прощение. Голова ноши обрита наголо, одежда больше смахивает на рубище нищего, обувь истоптана — весь облик странника говорит о том, что ему довелось многое повидать и пройти через различные испытания.
Отец, тщательно выписанный на картине Рембрандта, склонил голову над несчастным, будто прислушиваясь к его шепоту. Он наклонился над сыном, положив ему руки на плечи; лицо старика выражает чувство печальной радости и прощения. Эти две фигуры — отца и сына — словно стали единым целым, слившись в объятии. Яркий свет падает на них и на фигуру старшего сына, стоящего поодаль и с легкой грустью взирающего на эту сцену. Для Рембрандта эти три персонажа имели свое значение: через «Возвращение блудного сына» он повествует историю собственной жизни, наполненную бурными страстями, поисками, страданиями и надеждой.
Художник неоднократно обращался к этой притче. В ранних набросках живописец по-разному обыгрывал этот сюжет, то обнажая душевные порывы сына, то демонстрируя изумление старика-отца, вызванное неожиданной встречей. В последнем варианте Рембрандта акцент сделан на фигуре отца, излучающей любовь и всепрощение. Искусствоведы полагают, что три основных персонажа картины символизируют самого художника в разные годы его жизни.
Изображенные на полотне второстепенные персонажи словно выступают из тени. Рядом со старшим братом мы видим богато одетого человека в берете, который сидит, закинув ногу на ногу, и с интересом наблюдает за происходящим — предположительно, это еще один брат. На заднем фоне виднеются едва различимые фигуры, которые могут быть слугами господина.
В 1766 году «Возвращение блудного сына» Рембрандта приобрел у герцога де Кадруса князь Голицын, выполнявший поручение Екатерины. Картина была помещена в Эрмитаж, где и находится по сей день.
Не забывайте, что комментарии находятся сверху, там где картинка.
#Рембрандт #ЛитературнаяСцена
1668 г.
Рембрандт Харменс ван Рейн
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Во второй половине 1650-х годов Рембрандта постигла вереница неудач. Многочисленные долги разорили его, картины не приносили почти никакого дохода. Заявив о своем банкротстве, художник распродал все имущество и переехал в Амстердам. Он остался без своей коллекции, состоявшей из прекрасных предметов искусства, без верной и любящей жены Хендрикье, которая умерла, будучи отлученной от церкви за внебрачную связь с Рембрандтом, заболел чахоткой его сын Титус, а невестка умерла от отчаяния. Больной, полуослепший, всеми покинутый, не в силах удержать в руке кисть и оттого привязывавший ее бечевкой, художник пишет свой последний шедевр.
Картина Рембрандта «Возвращение блудного сына» была создана незадолго до смерти живописца в 1669 году. На ней изображен финал сюжета из евангельской притчи: младший сын, ушедший некогда из отцовского дома, возвратился, полный раскаяния. Упав на колени перед старым отцом, он уткнулся в его колени, надеясь на прощение. Голова ноши обрита наголо, одежда больше смахивает на рубище нищего, обувь истоптана — весь облик странника говорит о том, что ему довелось многое повидать и пройти через различные испытания.
Отец, тщательно выписанный на картине Рембрандта, склонил голову над несчастным, будто прислушиваясь к его шепоту. Он наклонился над сыном, положив ему руки на плечи; лицо старика выражает чувство печальной радости и прощения. Эти две фигуры — отца и сына — словно стали единым целым, слившись в объятии. Яркий свет падает на них и на фигуру старшего сына, стоящего поодаль и с легкой грустью взирающего на эту сцену. Для Рембрандта эти три персонажа имели свое значение: через «Возвращение блудного сына» он повествует историю собственной жизни, наполненную бурными страстями, поисками, страданиями и надеждой.
Художник неоднократно обращался к этой притче. В ранних набросках живописец по-разному обыгрывал этот сюжет, то обнажая душевные порывы сына, то демонстрируя изумление старика-отца, вызванное неожиданной встречей. В последнем варианте Рембрандта акцент сделан на фигуре отца, излучающей любовь и всепрощение. Искусствоведы полагают, что три основных персонажа картины символизируют самого художника в разные годы его жизни.
Изображенные на полотне второстепенные персонажи словно выступают из тени. Рядом со старшим братом мы видим богато одетого человека в берете, который сидит, закинув ногу на ногу, и с интересом наблюдает за происходящим — предположительно, это еще один брат. На заднем фоне виднеются едва различимые фигуры, которые могут быть слугами господина.
В 1766 году «Возвращение блудного сына» Рембрандта приобрел у герцога де Кадруса князь Голицын, выполнявший поручение Екатерины. Картина была помещена в Эрмитаж, где и находится по сей день.
Не забывайте, что комментарии находятся сверху, там где картинка.
#Рембрандт #ЛитературнаяСцена
Картина румынского постимпрессиониста Николае Вермонта называется...
Anonymous Quiz
21%
«Грабитель»
30%
«Почтальон»
49%
«Шпион»
Испанская полиция обнаружила картину Хоакина Сорольи стоимостью 3 миллиона евро
Испанская полиция обнаружила в Брюсселе масштабное полотно «Перед корридой» знаменитого импрессиониста Хоакина Сорольи и «предприняла шаги по его возвращению» на родину. Владелец картины был арестован за попытку нарушить закон о банкротстве.
Представители властей Испании начали расследование в июне прошлого года. Они провели обыск в доме у подозреваемого в поисках произведений искусства, которые полагалось передать суду для слушания по делу о несостоятельности. Среди прочих они искали именно эту картину с изображением сцены подготовки к корриде.
Проверка не увенчалась успехом: ни одна из заявленных работ не была обнаружена, а владелец сказал, что продал их некоей компании около четырех лет назад. Однако дальнейшее расследование показало, что шедевр Сорольи получил разрешение на вывоз из Испании с последующей возможностью продажи. Власти объявили в розыск как само полотно, так и коллекционера.
Следователи обнаружили, что ценное произведение искусства было выставлено на ярмарке в Нью-Йорке. Однако владелец снял картину с продажи, когда понял, что на неё может быть наложен арест. Дальнейшие поиски привели полицию на склад в Брюсселе, где хранилась работа.
Сцена «Перед корридой» размером 2,5×3,7 метра была куплена на аукционе в июне 1990 года. Сейчас она передана посольству Испании в Бельгии.
#новостиИОК
Испанская полиция обнаружила в Брюсселе масштабное полотно «Перед корридой» знаменитого импрессиониста Хоакина Сорольи и «предприняла шаги по его возвращению» на родину. Владелец картины был арестован за попытку нарушить закон о банкротстве.
Представители властей Испании начали расследование в июне прошлого года. Они провели обыск в доме у подозреваемого в поисках произведений искусства, которые полагалось передать суду для слушания по делу о несостоятельности. Среди прочих они искали именно эту картину с изображением сцены подготовки к корриде.
Проверка не увенчалась успехом: ни одна из заявленных работ не была обнаружена, а владелец сказал, что продал их некоей компании около четырех лет назад. Однако дальнейшее расследование показало, что шедевр Сорольи получил разрешение на вывоз из Испании с последующей возможностью продажи. Власти объявили в розыск как само полотно, так и коллекционера.
Следователи обнаружили, что ценное произведение искусства было выставлено на ярмарке в Нью-Йорке. Однако владелец снял картину с продажи, когда понял, что на неё может быть наложен арест. Дальнейшие поиски привели полицию на склад в Брюсселе, где хранилась работа.
Сцена «Перед корридой» размером 2,5×3,7 метра была куплена на аукционе в июне 1990 года. Сейчас она передана посольству Испании в Бельгии.
#новостиИОК
