Рубрика «Музеи мира»
Музей Ивана Билибина в Ивангороде
Музей знаменитого художника-графика Ивана Яковлевича Билибина открыли в Ивангороде Ленинградской области в особняке купца Филиппа Яковлевича Пантелеева 30 мая 1980 года. Это единственный в стране музей художника, знаменитого иллюстратора русских сказок Ивана Билибина. Здесь находится крупнейшая в мире коллекция его произведений и личных вещей.
В 1980 году приемный сын Ивана Билибина - Мстислав Николаевич Потоцкий подарил жителям Ивангорода коллекцию произведений живописи, графики, декоративно-прикладного искусства, созданных Иваном Яковлевичем Билибиным и Александрой Васильевной Щекатихиной-Потоцкой, а также работы художников объединения «Мир искусства». Потоцкий хотел, чтобы коллекция не оказалась в запасниках какого-либо крупного музея, а могла быть доступной, причем в одном из русских провинциальных городов. Билибин в Ивангороде бывал и останавливался именно в этом особняке.
Иван Яковлевич родился 16 августа 1876 года в Тарховке Санкт-Петербургской губернии. Русский художник, книжный иллюстратор и театральный оформитель, участник объединения «Мир искусства». Его стиль называли «билибинским», он соединил традиции народного искусства, идущие от лубка, профессионального искусства, древнерусского искусства. Самые известные его работы - иллюстрации к русским сказкам «Василиса Прекрасная», «Сказка о царе Салтане» и «Сказка о золотом петушке», «Сказка о рыбаке и рыбке» Александра Пушкина, оформление спектаклей и балетов.
Про Ивангород, про Петроград, про Россию Билибин не забывал ни в Египте, ни во Франции, где оказался после революции. И мысль о возвращении на Родину все равно была с ним. Да, за рубежом он был востребован, узнаваем. Но не был своим. И Билибин вернулся.
Зная о жизни в Союзе не понаслышке (он переписывается с братом). Зная о репрессиях, о противниках, которые говорили, что Билибин в самое трудное время уехал, а теперь снова будет здесь. И несмотря на свои антибольшевистские плакаты 1917 года. Например, «О том, как немцы большевика на Россию выпускали».
После возвращения в Петроград (он уже Ленинград к тому времени) Билибин работает в Академии художеств, преподает. И неоднократно подтверждает, что студенты не случайно называют своего учителя «Иван-железная рука». Иван Яковлевич никогда не использовал ни рейсфедер, ни циркуль. Применял карандаш, но расписывал работы только кистью. Да, работа ювелирная. Для нее Билибин готовил специальные колонковые, очень качественные кисти, срезал ворс наискосок и тончайшим волоском выводил линии. Ему подражали, но достичь такого мастерства не могли.
Билибин, как и многие люди искусства, продолжал работать в осажденном фашистами Ленинграде. Сейчас в Москве можно увидеть его эскиз открытки «Ледовое побоище», выполненный в блокадном городе. Тогда же, в 1941-м, Билибин отправляет другу Василию Цветкову рисунок, который подписывает так: «Эти бы грибочки да на сковородку со сметанкой. Эх-ма…».
А ведь у Ивана Билибина была возможность покинуть город. Но...«Из осажденной крепости не бегут - ее защищают», - сказал он на это. Человек, ответивший несколькими годами ранее в Париже издателю на предложение сменить свое русское имя, что за него, как за знамя сражаются и умирают, вряд ли мог поступить иначе. В музее, хранится блокадный дневник Ивана Билибина. Несмотря ни на что, Иван Яковлевич до последнего носил белые воротнички, говорил ученикам, что «никогда нельзя опускаться».
Билибин не был ни белым, ни красным. Он был велик сам по себе. Настоящий русский художник. И в наши дни, передать образ Ивана Билибина, его дух и устремления, призван музейный комплекс в русской глубинке. На сегодняшний день здание, приобрело свой исторический облик. Реставраторы завершили работы на наружных коммуникациях, фасаде здания. Видны его истинные цвета - небесно-голубые. Привели в порядок и внутренние интерьеры, отремонтировали столярные заполнения, двери и систему отопления. Ведутся работы по благоустройству прилегающей территории и оснащение музея современным оборудованием.
Музей Ивана Билибина в Ивангороде
Музей знаменитого художника-графика Ивана Яковлевича Билибина открыли в Ивангороде Ленинградской области в особняке купца Филиппа Яковлевича Пантелеева 30 мая 1980 года. Это единственный в стране музей художника, знаменитого иллюстратора русских сказок Ивана Билибина. Здесь находится крупнейшая в мире коллекция его произведений и личных вещей.
В 1980 году приемный сын Ивана Билибина - Мстислав Николаевич Потоцкий подарил жителям Ивангорода коллекцию произведений живописи, графики, декоративно-прикладного искусства, созданных Иваном Яковлевичем Билибиным и Александрой Васильевной Щекатихиной-Потоцкой, а также работы художников объединения «Мир искусства». Потоцкий хотел, чтобы коллекция не оказалась в запасниках какого-либо крупного музея, а могла быть доступной, причем в одном из русских провинциальных городов. Билибин в Ивангороде бывал и останавливался именно в этом особняке.
Иван Яковлевич родился 16 августа 1876 года в Тарховке Санкт-Петербургской губернии. Русский художник, книжный иллюстратор и театральный оформитель, участник объединения «Мир искусства». Его стиль называли «билибинским», он соединил традиции народного искусства, идущие от лубка, профессионального искусства, древнерусского искусства. Самые известные его работы - иллюстрации к русским сказкам «Василиса Прекрасная», «Сказка о царе Салтане» и «Сказка о золотом петушке», «Сказка о рыбаке и рыбке» Александра Пушкина, оформление спектаклей и балетов.
Про Ивангород, про Петроград, про Россию Билибин не забывал ни в Египте, ни во Франции, где оказался после революции. И мысль о возвращении на Родину все равно была с ним. Да, за рубежом он был востребован, узнаваем. Но не был своим. И Билибин вернулся.
Зная о жизни в Союзе не понаслышке (он переписывается с братом). Зная о репрессиях, о противниках, которые говорили, что Билибин в самое трудное время уехал, а теперь снова будет здесь. И несмотря на свои антибольшевистские плакаты 1917 года. Например, «О том, как немцы большевика на Россию выпускали».
После возвращения в Петроград (он уже Ленинград к тому времени) Билибин работает в Академии художеств, преподает. И неоднократно подтверждает, что студенты не случайно называют своего учителя «Иван-железная рука». Иван Яковлевич никогда не использовал ни рейсфедер, ни циркуль. Применял карандаш, но расписывал работы только кистью. Да, работа ювелирная. Для нее Билибин готовил специальные колонковые, очень качественные кисти, срезал ворс наискосок и тончайшим волоском выводил линии. Ему подражали, но достичь такого мастерства не могли.
Билибин, как и многие люди искусства, продолжал работать в осажденном фашистами Ленинграде. Сейчас в Москве можно увидеть его эскиз открытки «Ледовое побоище», выполненный в блокадном городе. Тогда же, в 1941-м, Билибин отправляет другу Василию Цветкову рисунок, который подписывает так: «Эти бы грибочки да на сковородку со сметанкой. Эх-ма…».
А ведь у Ивана Билибина была возможность покинуть город. Но...«Из осажденной крепости не бегут - ее защищают», - сказал он на это. Человек, ответивший несколькими годами ранее в Париже издателю на предложение сменить свое русское имя, что за него, как за знамя сражаются и умирают, вряд ли мог поступить иначе. В музее, хранится блокадный дневник Ивана Билибина. Несмотря ни на что, Иван Яковлевич до последнего носил белые воротнички, говорил ученикам, что «никогда нельзя опускаться».
Билибин не был ни белым, ни красным. Он был велик сам по себе. Настоящий русский художник. И в наши дни, передать образ Ивана Билибина, его дух и устремления, призван музейный комплекс в русской глубинке. На сегодняшний день здание, приобрело свой исторический облик. Реставраторы завершили работы на наружных коммуникациях, фасаде здания. Видны его истинные цвета - небесно-голубые. Привели в порядок и внутренние интерьеры, отремонтировали столярные заполнения, двери и систему отопления. Ведутся работы по благоустройству прилегающей территории и оснащение музея современным оборудованием.
🔥22🙏7❤5
Ценность Дзен в том, что тебе становится легко и спокойно. Понятно, что у этого есть эффекты для всех окружающих, но тебе настолько хорошо, что тебя хотя бы не надо лечить и выводить из депрессии. Ты становишься человеком, который, как минимум, не портит жизнь другим.
@ppiskarev
#НейроДзен #CityZen #МастерБо
@ppiskarev
#НейроДзен #CityZen #МастерБо
❤42🔥10
Рубрика «Что? Где? Когда?»
Выставка «Страна Кустодия»
Государственная Третьяковская галерея представляет монографическую выставку Бориса Михайловича Кустодиева (1878–1927) – одного из крупнейших русских живописцев первой четверти XX века.
Творчество Бориса Кустодиева многогранно: он работал как станковист, сценограф, увлекался скульптурой, свободно владел разнообразными графическими техниками и приемами рисования. Художник писал портреты современников, пейзажи и жанровые произведения, запечатлевая жизнь и колорит России, особенности национального характера, быт и праздники русской провинции. В своем искусстве он соединил традиции реализма с импрессионизмом и символизмом, обогатив их элементами русского фольклора и народного искусства. К середине 1900-х годов художник создал неповторимый стиль и собственную живописную Россию. С удивительной любовью и точностью он смог передать колорит, отразить национальный характер и создать целую живописную вселенную – «Страну Кустодию».
Экспозиция разделена на несколько тематических блоков: «Семья», «Страна Кустодия» и «Театр». В разделе «Семья» представлены портреты жены художника Юлии Евстафьевны, его детей и брата. Образ супруги стал символом женственности и гармонии в творчестве Кустодиева, а его любимая дочь с раннего возраста плавно перемещалась из одной картины в другую, взрослея и меняясь, но всегда оставаясь олицетворением нежности и любви. В этом разделе можно увидеть «Портрет Ю.Е. Кустодиевой с дочерью Ириной», на котором художник запечатлел свою жену и трехлетнюю дочь в их светлой гостиной с зелеными обоями, а также наполненную отцовской любовью картину «Японская кукла». Кустодиев с характерной для него виртуозностью передаёт атмосферу семейного счастья и бережное внимательное отношение к близким и любимым людям.
Яркими красками изобилует раздел, названный «Страна Кустодия». Здесь каждая работа пронизана радостным и позитивным настроением. Знаменитые «кустодиевские купчихи», ярмарки и балаганы, оживлённые улицы и уютные городские пейзажи, зимние гулянья и праздники «на широкую руку», богато накрытые столы и разгорячённые самовары воплощают дух времени и атмосферу русской жизни начала XX века. «Кустодиев видел Русь другими глазами, чем я, — его глаза были куда ласковей и мягче» - писал о его работах Е.И. Замятин – друг художника, с которым они познакомились, совместно работая над созданием книги «Русь». По-настоящему любящими свою страну были несомненно сердце и душа Кустодиева. Трудно вообразить, что столь наполненные жизненной силой и энергией русские образы создавались в инвалидном кресле, куда приковала художника тяжёлая болезнь.
Отдельное место в экспозиции занимает цикл «Русские типы», где художник воспевает русских красавиц – величественных и жизнерадостных героинь его полотен. Впервые практически в полном составе будут показаны эскизы Кустодиева к спектаклю «Блоха» (по рассказу Николая Лескова «О тульском косом Левше и о стальной блохе») для Второго Московского художественного академического театра и Большого драматического театра в Ленинграде – вершины в театрально-декорационной деятельности мастера. Выставка даст возможность по-новому взглянуть на творчество выдающегося художника и оценить уникальный талант Бориса Кустодиева.
На открытии экспозиции куратор проекта Ольга Дмитриевна Атрощенко отметила: «Эта выставка создавалась в рекордно короткие сроки, но Кустодиев вдохновил нас всех по-новому взглянуть на его творчество».
Погрузиться в мир художника, открыть для себя его уникальную «Страну Кустодию» можно будет до 28 сентября 2025 года в Инженерном корпусе Третьяковской галереи по адресу: г. Москва, Лаврушинский переулок, 12
Выставка «Страна Кустодия»
Государственная Третьяковская галерея представляет монографическую выставку Бориса Михайловича Кустодиева (1878–1927) – одного из крупнейших русских живописцев первой четверти XX века.
Творчество Бориса Кустодиева многогранно: он работал как станковист, сценограф, увлекался скульптурой, свободно владел разнообразными графическими техниками и приемами рисования. Художник писал портреты современников, пейзажи и жанровые произведения, запечатлевая жизнь и колорит России, особенности национального характера, быт и праздники русской провинции. В своем искусстве он соединил традиции реализма с импрессионизмом и символизмом, обогатив их элементами русского фольклора и народного искусства. К середине 1900-х годов художник создал неповторимый стиль и собственную живописную Россию. С удивительной любовью и точностью он смог передать колорит, отразить национальный характер и создать целую живописную вселенную – «Страну Кустодию».
Экспозиция разделена на несколько тематических блоков: «Семья», «Страна Кустодия» и «Театр». В разделе «Семья» представлены портреты жены художника Юлии Евстафьевны, его детей и брата. Образ супруги стал символом женственности и гармонии в творчестве Кустодиева, а его любимая дочь с раннего возраста плавно перемещалась из одной картины в другую, взрослея и меняясь, но всегда оставаясь олицетворением нежности и любви. В этом разделе можно увидеть «Портрет Ю.Е. Кустодиевой с дочерью Ириной», на котором художник запечатлел свою жену и трехлетнюю дочь в их светлой гостиной с зелеными обоями, а также наполненную отцовской любовью картину «Японская кукла». Кустодиев с характерной для него виртуозностью передаёт атмосферу семейного счастья и бережное внимательное отношение к близким и любимым людям.
Яркими красками изобилует раздел, названный «Страна Кустодия». Здесь каждая работа пронизана радостным и позитивным настроением. Знаменитые «кустодиевские купчихи», ярмарки и балаганы, оживлённые улицы и уютные городские пейзажи, зимние гулянья и праздники «на широкую руку», богато накрытые столы и разгорячённые самовары воплощают дух времени и атмосферу русской жизни начала XX века. «Кустодиев видел Русь другими глазами, чем я, — его глаза были куда ласковей и мягче» - писал о его работах Е.И. Замятин – друг художника, с которым они познакомились, совместно работая над созданием книги «Русь». По-настоящему любящими свою страну были несомненно сердце и душа Кустодиева. Трудно вообразить, что столь наполненные жизненной силой и энергией русские образы создавались в инвалидном кресле, куда приковала художника тяжёлая болезнь.
Отдельное место в экспозиции занимает цикл «Русские типы», где художник воспевает русских красавиц – величественных и жизнерадостных героинь его полотен. Впервые практически в полном составе будут показаны эскизы Кустодиева к спектаклю «Блоха» (по рассказу Николая Лескова «О тульском косом Левше и о стальной блохе») для Второго Московского художественного академического театра и Большого драматического театра в Ленинграде – вершины в театрально-декорационной деятельности мастера. Выставка даст возможность по-новому взглянуть на творчество выдающегося художника и оценить уникальный талант Бориса Кустодиева.
На открытии экспозиции куратор проекта Ольга Дмитриевна Атрощенко отметила: «Эта выставка создавалась в рекордно короткие сроки, но Кустодиев вдохновил нас всех по-новому взглянуть на его творчество».
Погрузиться в мир художника, открыть для себя его уникальную «Страну Кустодию» можно будет до 28 сентября 2025 года в Инженерном корпусе Третьяковской галереи по адресу: г. Москва, Лаврушинский переулок, 12
🔥20❤8🤩2👍1🥰1
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Современное искусство — это духовный мир. И есть люди, которых это нервирует. Потому что как же там утверждаться человеку? Нет. В духовном мире человек растождествляется со своим человеческим образом. Он становится просто энергией — прямым посланием о линии, прямым посланием о цвете, прямым посланием о свете, в конце концов.
И это свет без дуализма, потому что там, на духовных картинах, тени нет. Тень есть у психологов, у психотерапевтов, у психиатров, у прочих тяжёлых людей Постмодерна. А там, в Метамодерне, тени нет — это мир не дуален.
@ppiskarev
#НейроАрт #МетаМодерн
И это свет без дуализма, потому что там, на духовных картинах, тени нет. Тень есть у психологов, у психотерапевтов, у психиатров, у прочих тяжёлых людей Постмодерна. А там, в Метамодерне, тени нет — это мир не дуален.
@ppiskarev
#НейроАрт #МетаМодерн
🔥24❤19👍2🙏2
Рубрика «Музеи мира»
Галерея Тейт, Британия.
Галерея Тейт, одна из самых значительных художественных институций Великобритании, обязана своим возникновением сэру Генри Тейту (1819-1899) - британскому промышленнику, «сахарному королю» и страстному коллекционеру искусства. В 1889 году Тейт предложил передать в дар нации свою коллекцию из 65 картин британских художников XIX века, включая знаменитые работы прерафаэлитов, при условии, что для них будет построено специальное здание.
Строительство галереи началось в 1893 году на месте бывшей тюрьмы Миллбанк в Лондоне по проекту архитектора Сидни Смита. Торжественное открытие состоялось 21 июля 1897 года под названием «Национальная галерея британского искусства». В экспозицию тогда вошли только работы английских художников, родившихся после 1790 года.
Основу первоначальной коллекции составили: картины и скульптуры из личного собрания Генри Тейта, включая «Офелию» Джона Эверетта Милле и «Леди Шалотт» Джона Уильяма Уотерхауса. К ним присоединили произведения из музея Южного Кенсингтона и картины из собрания Вернона, ранее находившиеся в Национальной галерее. Позже Уоттс передал музею 18 своих работ.
В 1910 году произошло знаменательное событие - галерея пополнилась работами Уильяма Тёрнера согласно его завещанию. Сегодня это крупнейшее в мире собрание произведений - около 300 картин маслом и 30000 рисунков и акварелей.
В 1917 году галерея начала формировать коллекцию современных иностранных художников, а в 1923 году текстильный магнат Сэмюэл Курто предоставил 50000 фунтов на приобретение работ импрессионистов и постимпрессионистов. В 1926 году открылся отдел иностранной живописи в новом здании.
Во время Второй мировой войны более 700 произведений были тайно вывезены в замок Манкастер в Камбрии для защиты от бомбардировок. А картина Стэнли Спенсера, которую нельзя было переместить из-за большого размера, была защищена специальной кирпичной стеной.
Основной Тейт, из которого в свое время выделился Тейт Модерн, содержит в себе британское искусство с 1500-х и по сегодняшний день. В изобразительном искусстве Великобритании гораздо меньше имен первой величины, чем в тех же Франции и Италии. При этом, есть несколько особенно значимых периодов.
Конечно, это прекрасные прерафаэлиты. Видеть эти открыточные образы воочию — огромное удовольствие.
Одним из интереснейших авторов, с искусствоведческой точки зрения, является Уильям Тёрнер. Особую ценность представляют его пейзажи переходного периода, когда он двигался от фигуративности к абстракции. Тему красоты природы подхватывают и раскрывают и другие мастера пейзажной живописи. Например, романтик Констебль подчёркивает величие природы в ее обыденности. Кроме того здесь широко представлено историческое британское искусство: портреты тюдоровской эпохи кисти Николаса Хиллиарда, работы Ван Дейка, созданные в Англии, произведения Хогарта, Рейнолдса, Гейнсборо, полотна прерафаэлитов Милле, Россетти.
Есть отдельная группа залов, посвященная британским современным и ультрасовременным художникам. Лондонская школа крайне важна: Трейси Эмин, Дэмиан Хёрст, Мона Хатум, Энтони Гормли.
Сегодня Tate Britain играет ключевую роль в британской и мировой культуре. И если можно выбрать только один музей с целью изучить искусство Туманного Альбиона, возможно, это тот самый. Музей продолжает развиваться, сохраняя баланс между традицией и новаторством, оставаясь важнейшим центром изучения и популяризации британского искусства в мире.
Для тех, кто пока далеко, у Тейта обширная серия подкастов. Заходите на сайт и наслаждайтесь https://www.tate.org.uk/
Галерея Тейт, Британия.
Галерея Тейт, одна из самых значительных художественных институций Великобритании, обязана своим возникновением сэру Генри Тейту (1819-1899) - британскому промышленнику, «сахарному королю» и страстному коллекционеру искусства. В 1889 году Тейт предложил передать в дар нации свою коллекцию из 65 картин британских художников XIX века, включая знаменитые работы прерафаэлитов, при условии, что для них будет построено специальное здание.
Строительство галереи началось в 1893 году на месте бывшей тюрьмы Миллбанк в Лондоне по проекту архитектора Сидни Смита. Торжественное открытие состоялось 21 июля 1897 года под названием «Национальная галерея британского искусства». В экспозицию тогда вошли только работы английских художников, родившихся после 1790 года.
Основу первоначальной коллекции составили: картины и скульптуры из личного собрания Генри Тейта, включая «Офелию» Джона Эверетта Милле и «Леди Шалотт» Джона Уильяма Уотерхауса. К ним присоединили произведения из музея Южного Кенсингтона и картины из собрания Вернона, ранее находившиеся в Национальной галерее. Позже Уоттс передал музею 18 своих работ.
В 1910 году произошло знаменательное событие - галерея пополнилась работами Уильяма Тёрнера согласно его завещанию. Сегодня это крупнейшее в мире собрание произведений - около 300 картин маслом и 30000 рисунков и акварелей.
В 1917 году галерея начала формировать коллекцию современных иностранных художников, а в 1923 году текстильный магнат Сэмюэл Курто предоставил 50000 фунтов на приобретение работ импрессионистов и постимпрессионистов. В 1926 году открылся отдел иностранной живописи в новом здании.
Во время Второй мировой войны более 700 произведений были тайно вывезены в замок Манкастер в Камбрии для защиты от бомбардировок. А картина Стэнли Спенсера, которую нельзя было переместить из-за большого размера, была защищена специальной кирпичной стеной.
Основной Тейт, из которого в свое время выделился Тейт Модерн, содержит в себе британское искусство с 1500-х и по сегодняшний день. В изобразительном искусстве Великобритании гораздо меньше имен первой величины, чем в тех же Франции и Италии. При этом, есть несколько особенно значимых периодов.
Конечно, это прекрасные прерафаэлиты. Видеть эти открыточные образы воочию — огромное удовольствие.
Одним из интереснейших авторов, с искусствоведческой точки зрения, является Уильям Тёрнер. Особую ценность представляют его пейзажи переходного периода, когда он двигался от фигуративности к абстракции. Тему красоты природы подхватывают и раскрывают и другие мастера пейзажной живописи. Например, романтик Констебль подчёркивает величие природы в ее обыденности. Кроме того здесь широко представлено историческое британское искусство: портреты тюдоровской эпохи кисти Николаса Хиллиарда, работы Ван Дейка, созданные в Англии, произведения Хогарта, Рейнолдса, Гейнсборо, полотна прерафаэлитов Милле, Россетти.
Есть отдельная группа залов, посвященная британским современным и ультрасовременным художникам. Лондонская школа крайне важна: Трейси Эмин, Дэмиан Хёрст, Мона Хатум, Энтони Гормли.
Сегодня Tate Britain играет ключевую роль в британской и мировой культуре. И если можно выбрать только один музей с целью изучить искусство Туманного Альбиона, возможно, это тот самый. Музей продолжает развиваться, сохраняя баланс между традицией и новаторством, оставаясь важнейшим центром изучения и популяризации британского искусства в мире.
Для тех, кто пока далеко, у Тейта обширная серия подкастов. Заходите на сайт и наслаждайтесь https://www.tate.org.uk/
👍14❤8🙏1