Рубрика «Что? Где? Когда?»
Выставка Любовь в авангарде. Матюшин и Гуро.
История Матюшина и Гуро — это история отечественного искусства первой трети XX века, со всеми ее крутыми виражами и метаморфозами. Вместе с тем, это история большой любви — трогательная и вдохновляющая. Михаил Матюшин и Елена Гуро занимают особое место среди авангардистов. Они стояли у истоков самого направления, стали основателями его органической ветви, экспериментировали в области синтеза искусств и оказали влияние на многих современников.
В центре «Зотов» создали оазис авангарда, где творческий тандем действовал без границ. Выставка основана на произведениях художников, в которых много жизни и непосредственности. Они делали скетчи друг с другом за повседневными занятиями и писали картины, пробовали разные стили. Любовь к искусству стала основой для пары, они познакомились в рисовальной студии эксцентричного преподавателя Яна Ционглинского. Основная деятельность у Матюшина и Гуро располагалась в области искусства, но некоторые отличия всё же были.
Михаил Матюшин – старший из авангардистов, основатель «Союза молодёжи», участвовал в создании «Победы над солнцем» (предвосхитив эклектику и минимализм в музыке), был скрипачом в Придворном оркестре. В 40 лет стал композитором, его авангардные произведения можно послушать в комфортных уголках стильной экспозиции.
Елена Гуро была поэтом, прозаиком и драматургом. Вот, например, строки, передающие её ощущение Михаила:
«Ветрогон, сумасброд, летатель,
создаватель весенних бурь,
мыслей взбудараженных ваятель,
гонящий лазурь!
Слушай, ты, безумный искатель,
мчись, несись,
проносись нескованный
опьянитель бурь».
Вместе они находили вдохновение не только друг в друге, но и в природе. Матюшин и Гуро были основателями органической ветви авангарда. Стараясь прочувствовать природные циклы, художники создали интересное прочтение пейзажей, а также книгу «Осенний сон». После смерти Елены Михаил разработал концепцию «Зор-Вед» («зрение» + «ведание»), теорию расширенного смотрения, при которой художники могли «захватывать изображение по бокам и даже пытаясь почувствовать его затылком». При этом Матюшин концентрировался на характеристиках цвета, которые станут основой для беспредметных картин.
Выставка «Любовь в авангарде. Михаил Матюшин и Елена Гуро» продлится до 25 мая. Она посвящена двум важнейшим фигурам русского авангарда и их взаимовлиянию — в творчестве и в жизни. Экспозиция целиком построена на работах великой пары, объединяя их живописные, скульптурные и графические произведения, аудиозаписи музыки Матюшина и актерского чтения поэзии Гуро, рукописи, фотографии и книжные издания.
Проект появился в результате обширной научной работы в рамках грантовой программы Центра «Зотов» — куратор Сергей Уваров стал одним из победителей с исследованием «Творчество Михаила Матюшина в контексте эпохи конструктивизма». Зрители увидят ряд рисунков и акварелей из архивов пары, которые прежде не выставлялись, и крайне редко экспонируемые произведения из музейных собраний (авторство и датировка некоторых были уточнены), услышат специально записанные музыкальные сочинения Матюшина, восстановленные по рукописям. Также в преддверии выставки Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства провел реставрацию единственной сохранившейся до наших дней «прямоугольной» конструктивистской скрипки художника, благодаря чему посетители могут услышать ее звучание.
Выставка поделена на пять разделов: «Он и Она», «Органика», «Будетляне», «Осенний сон» и «После смерти». В каждом из них находится комната для прослушивания музыкальных произведений Михаила Матюшина, отражающих тему раздела. Также в экспозиции можно проникнуться пронзительной лирикой Елены Гуро благодаря авторскому чтению стихотворений от художницы Вари Павловой (Lisokot).
Дополняет разделы выставки интерактивная зона, где посетители могут создать открытку, которая позволит опробовать на практике творческие методы художников: соединить уникальную цветовую систему Матюшина и поэзию Гуро.
Выставка Любовь в авангарде. Матюшин и Гуро.
История Матюшина и Гуро — это история отечественного искусства первой трети XX века, со всеми ее крутыми виражами и метаморфозами. Вместе с тем, это история большой любви — трогательная и вдохновляющая. Михаил Матюшин и Елена Гуро занимают особое место среди авангардистов. Они стояли у истоков самого направления, стали основателями его органической ветви, экспериментировали в области синтеза искусств и оказали влияние на многих современников.
В центре «Зотов» создали оазис авангарда, где творческий тандем действовал без границ. Выставка основана на произведениях художников, в которых много жизни и непосредственности. Они делали скетчи друг с другом за повседневными занятиями и писали картины, пробовали разные стили. Любовь к искусству стала основой для пары, они познакомились в рисовальной студии эксцентричного преподавателя Яна Ционглинского. Основная деятельность у Матюшина и Гуро располагалась в области искусства, но некоторые отличия всё же были.
Михаил Матюшин – старший из авангардистов, основатель «Союза молодёжи», участвовал в создании «Победы над солнцем» (предвосхитив эклектику и минимализм в музыке), был скрипачом в Придворном оркестре. В 40 лет стал композитором, его авангардные произведения можно послушать в комфортных уголках стильной экспозиции.
Елена Гуро была поэтом, прозаиком и драматургом. Вот, например, строки, передающие её ощущение Михаила:
«Ветрогон, сумасброд, летатель,
создаватель весенних бурь,
мыслей взбудараженных ваятель,
гонящий лазурь!
Слушай, ты, безумный искатель,
мчись, несись,
проносись нескованный
опьянитель бурь».
Вместе они находили вдохновение не только друг в друге, но и в природе. Матюшин и Гуро были основателями органической ветви авангарда. Стараясь прочувствовать природные циклы, художники создали интересное прочтение пейзажей, а также книгу «Осенний сон». После смерти Елены Михаил разработал концепцию «Зор-Вед» («зрение» + «ведание»), теорию расширенного смотрения, при которой художники могли «захватывать изображение по бокам и даже пытаясь почувствовать его затылком». При этом Матюшин концентрировался на характеристиках цвета, которые станут основой для беспредметных картин.
Выставка «Любовь в авангарде. Михаил Матюшин и Елена Гуро» продлится до 25 мая. Она посвящена двум важнейшим фигурам русского авангарда и их взаимовлиянию — в творчестве и в жизни. Экспозиция целиком построена на работах великой пары, объединяя их живописные, скульптурные и графические произведения, аудиозаписи музыки Матюшина и актерского чтения поэзии Гуро, рукописи, фотографии и книжные издания.
Проект появился в результате обширной научной работы в рамках грантовой программы Центра «Зотов» — куратор Сергей Уваров стал одним из победителей с исследованием «Творчество Михаила Матюшина в контексте эпохи конструктивизма». Зрители увидят ряд рисунков и акварелей из архивов пары, которые прежде не выставлялись, и крайне редко экспонируемые произведения из музейных собраний (авторство и датировка некоторых были уточнены), услышат специально записанные музыкальные сочинения Матюшина, восстановленные по рукописям. Также в преддверии выставки Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства провел реставрацию единственной сохранившейся до наших дней «прямоугольной» конструктивистской скрипки художника, благодаря чему посетители могут услышать ее звучание.
Выставка поделена на пять разделов: «Он и Она», «Органика», «Будетляне», «Осенний сон» и «После смерти». В каждом из них находится комната для прослушивания музыкальных произведений Михаила Матюшина, отражающих тему раздела. Также в экспозиции можно проникнуться пронзительной лирикой Елены Гуро благодаря авторскому чтению стихотворений от художницы Вари Павловой (Lisokot).
Дополняет разделы выставки интерактивная зона, где посетители могут создать открытку, которая позволит опробовать на практике творческие методы художников: соединить уникальную цветовую систему Матюшина и поэзию Гуро.
👍12❤7
Рубрика «Современное искусство»
«НЕВЕСОМОСТЬ» Александр Лабас о скорости, прогрессе и любви
В ноябре 2024 года в Музее «Новый Иерусалим» открылась выставка «Невесомость. Александр Лабас о скорости, прогрессе и любви», посвященная 125-летию со дня рождения художника-авангардиста, лидера Общества художников-станковистов (ОСТ), ближайшего друга Владимира Татлина и Александра Тышлера. Впервые выставка, посвященная Александру Лабасу, не фокусируется на определенной теме, а ставит задачей максимально полно представить разные грани творчества художника через его ключевые работы, созданные в 1920–1930-е годы. Экспозиция заняла основные выставочные залы музея, которые преобразились в тотальную инсталляцию на тему невесомости, хрупкости и сновидений. Атмосферу ирреальности и нематериальности, характерной для художественной манеры Александра Лабас, усиливают абстрактная видеопроекция и сценографические элементы. Экспозицию дополняет оригинальное звуковое сопровождение, созданное музыкальной лабораторией «Антифон».
Александр Лабас – ровесник века, баловень судьбы до середины 1930–х годов, постоянно смотрел на небо и размышлял о том, как будет чувствоваться первый полёт и движение на разных транспортных средствах с характерной скоростью. Его поиски были созвучны времени, но личная интерпретация отличала Александра Лабаса от других. Он не потерял веру в освоение воздушного пространства, даже когда на первом коммерческом рейсе аэроплан дважды падал на пути (все выжили), художник вновь приобрёл авиабилет на обратную дорогу.
Лабас писал картины с дирижаблями на фоне городов, что стало характерной чертой периода 1920–1930–х годов, работал с высокого ракурса при создании пейзажей. В его произведениях считывается интерес к дилеммам: движению и статике, старому и новому. В романтическом прочтении будущего открываются порой неожиданные страницы.
Будучи наследником авангарда, художник-мечтатель добавляет графичности в акварели и живописные полотна. Несмотря на отсутствие четких границ, чувствуется большая точность в передаче неуловимого и витающего в воздухе. В произведениях Лабаса можно заметить лёгкость акварельной манеры и духа (около 40 лет был в забвении при жизни), несмотря на напряжённый период. Он всегда мечтал о небе, о том, как произойдёт покорение космоса, эти мысли питали его воображение. И смотря на его работы в архитектурно выверенном пространстве, посетители также могут почувствовать вдохновение.
На выставке Александра Лабаса в Новом Иерусалиме представлены почти все основные произведения художника 1920-х — нач.1930-х годов, самого яркого и впечатляющего периода его творчества, его ключевые шедевры. Искусство Лабаса особенно актуально сегодня, потому что рассказывает о том, как можно понимать настоящее сквозь призму размышлений о будущем. Это взгляд в будущее и проект строительства нового мира.
Главная тема творчества Александра Лабаса — сотворение нового мира, связанного с развитием техники и городов социальными преобразованиями начала XX века. Однако в отличие от футуристов, классиков итальянской аэроживописи или своих коллег по группе ОСТ, Лабас воспевает не мощь технического прогресса, но саму жизнь — неизвестную, многоликую, завораживающую. Поклонник дирижаблей, самолетов и городских ритмов, он остается подлинным романтиком, увлеченным не техникой или скоростью самой по себе, а неизвестным ранее самоощущением человека в этом новом мире, полном движения и трансформаций. Драматичным ракурсам и резкости художник предпочитает общий план и акварельную недосказанность.
В экспозицию вошли более 150 живописных и графических работ мастера из собраний 18 ведущих музеев России, включая Музей «Новый Иерусалим», Русский музей, Третьяковскую галерею, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Екатеринбургский музей изобразительных искусств и другие, а также из 12 частных коллекций. Межмузейный выставочный проект организован при участии Фонда содействия сохранению творческого наследия художника Александра Лабаса (Лабас-Фонд) и наследницы авторского права художника Ольги Бескиной-Лабас.
«НЕВЕСОМОСТЬ» Александр Лабас о скорости, прогрессе и любви
В ноябре 2024 года в Музее «Новый Иерусалим» открылась выставка «Невесомость. Александр Лабас о скорости, прогрессе и любви», посвященная 125-летию со дня рождения художника-авангардиста, лидера Общества художников-станковистов (ОСТ), ближайшего друга Владимира Татлина и Александра Тышлера. Впервые выставка, посвященная Александру Лабасу, не фокусируется на определенной теме, а ставит задачей максимально полно представить разные грани творчества художника через его ключевые работы, созданные в 1920–1930-е годы. Экспозиция заняла основные выставочные залы музея, которые преобразились в тотальную инсталляцию на тему невесомости, хрупкости и сновидений. Атмосферу ирреальности и нематериальности, характерной для художественной манеры Александра Лабас, усиливают абстрактная видеопроекция и сценографические элементы. Экспозицию дополняет оригинальное звуковое сопровождение, созданное музыкальной лабораторией «Антифон».
Александр Лабас – ровесник века, баловень судьбы до середины 1930–х годов, постоянно смотрел на небо и размышлял о том, как будет чувствоваться первый полёт и движение на разных транспортных средствах с характерной скоростью. Его поиски были созвучны времени, но личная интерпретация отличала Александра Лабаса от других. Он не потерял веру в освоение воздушного пространства, даже когда на первом коммерческом рейсе аэроплан дважды падал на пути (все выжили), художник вновь приобрёл авиабилет на обратную дорогу.
Лабас писал картины с дирижаблями на фоне городов, что стало характерной чертой периода 1920–1930–х годов, работал с высокого ракурса при создании пейзажей. В его произведениях считывается интерес к дилеммам: движению и статике, старому и новому. В романтическом прочтении будущего открываются порой неожиданные страницы.
Будучи наследником авангарда, художник-мечтатель добавляет графичности в акварели и живописные полотна. Несмотря на отсутствие четких границ, чувствуется большая точность в передаче неуловимого и витающего в воздухе. В произведениях Лабаса можно заметить лёгкость акварельной манеры и духа (около 40 лет был в забвении при жизни), несмотря на напряжённый период. Он всегда мечтал о небе, о том, как произойдёт покорение космоса, эти мысли питали его воображение. И смотря на его работы в архитектурно выверенном пространстве, посетители также могут почувствовать вдохновение.
На выставке Александра Лабаса в Новом Иерусалиме представлены почти все основные произведения художника 1920-х — нач.1930-х годов, самого яркого и впечатляющего периода его творчества, его ключевые шедевры. Искусство Лабаса особенно актуально сегодня, потому что рассказывает о том, как можно понимать настоящее сквозь призму размышлений о будущем. Это взгляд в будущее и проект строительства нового мира.
Главная тема творчества Александра Лабаса — сотворение нового мира, связанного с развитием техники и городов социальными преобразованиями начала XX века. Однако в отличие от футуристов, классиков итальянской аэроживописи или своих коллег по группе ОСТ, Лабас воспевает не мощь технического прогресса, но саму жизнь — неизвестную, многоликую, завораживающую. Поклонник дирижаблей, самолетов и городских ритмов, он остается подлинным романтиком, увлеченным не техникой или скоростью самой по себе, а неизвестным ранее самоощущением человека в этом новом мире, полном движения и трансформаций. Драматичным ракурсам и резкости художник предпочитает общий план и акварельную недосказанность.
В экспозицию вошли более 150 живописных и графических работ мастера из собраний 18 ведущих музеев России, включая Музей «Новый Иерусалим», Русский музей, Третьяковскую галерею, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Екатеринбургский музей изобразительных искусств и другие, а также из 12 частных коллекций. Межмузейный выставочный проект организован при участии Фонда содействия сохранению творческого наследия художника Александра Лабаса (Лабас-Фонд) и наследницы авторского права художника Ольги Бескиной-Лабас.
👍11👏5🥰2❤1