Рубрика "Биография художника"
Амедео Модильяни
Амедео Модильяни родился в Ливорно 12 июля 1884 года в семье евреев-сефардов. Отец, горный инженер, управлял угольными шахтами и лесными угодьями семейных владения. Из-за кризиса в металлургии, семья оказалась на грани банкротства незадолго до рождения Амедео. Рождение младенца спасло Модильяни от окончательного разорения. В те времена действовал древний закон, который запрещал кредиторам забирать постель беременной женщины. А поскольку их приход в дом Модильяни совпал с началом родов у Евгении, то семья сложила все оставшиеся ценности ей на кровать.
Амедео с детства рисовал и считал себя художником, но мать поначалу не придавала этому значения. Когда в 14 лет подросток заболел брюшным тифом, то в бреду говорил только о картинах мастера живописи итальянского Возрождения Гульельмо Микели в Палаццо Питти во Флоренции. Евгения пообещала сыну свозить его во Флоренцию, а также отдала на обучение в мастерскую Микели.
Став самым младшим среди учеников наставника, Амедео быстро определился с интересовавшими его сюжетами. Главным направлением творчества во время ученичества у Модильяни стали не пейзажи, как у его мастера, а обнаженная натура. По словам его сокурсников, когда подросток не был занят рисованием обнаженного тела, он занимался соблазнением горничных.
В 16 лет Модильяни заболел туберкулезом. Чтобы восстановить здоровье, мать увезла сына на остров Капри, и уроки были временно приостановлены. Путешествуя по Италии, мальчик знакомился с произведениями выдающихся живописцев. Во Флоренции начинающий художник поступил в школу живописи, а спустя год перебрался в Венецию, где стал студентом «Свободной школы обнаженной натуры» Академии изящных искусств. Модильяни был хорош собой и быстро влился в богемную жизнь. Вскоре он вместо уроков начал проводить время в сомнительных кварталах города и употреблять наркотические вещества.
В 1906 году Амедео с помощью матери перебрался в Париж. Публика в то время увлекалась кубизмом, поэтому работы, выставлявшиеся Модильяни на продажу, не пользовались спросом. Поселившийся в дорогих апартаментах, молодой человек был вынужден вскоре съехать на дешевую съемную квартиру, где писал картины на заказ.
В 1914 году, когда мужчины уходили на фронт Первой мировой войны, живописца не призвали в армию по состоянию здоровья. Амедео остался в Париже и написал портреты своих друзей-художников, среди которых были Жак Липшиц, Пабло Пикассо, Хаим Сутин и другие знаменитости того времени. Эти картины сделали широко известным и Модильяни.
Произведения художника несут отпечаток уникальной авторской манеры. Он не прорисовывает глаза и это одна из его особенностей, а изображаемые им люди, кажется, вместо лица имеют плоскую маску, за которой скрывается индивидуальность. Чтобы увидеть ее, у картины стоит задержаться. В поздний период творчества мастер добавлял округлости вытянутым овалам лиц. Работая не с пространством, а с натурой, Модильяни создавал печальные, трогательные образы и увлекался визуализацией обнаженной натуры, сочетая гармонию цвета и линии. Самыми знаменитыми произведениями автора в этом направлении стали «Обнаженная, сидящая на диване» и «Лежащая обнаженная с голубой подушкой».
Вдохновение мастеру приносили переживаемые им чувства. Главную любовь своей жизни Жанну Эбютерн он неоднократно изображал на полотнах. Одной из последних работ живописца стала картина «Жанна Эбютерн в красной шали». На ней возлюбленная мастера представлена в ожидании второго ребенка. В произведениях, посвященных ей, переданы высокая степень чувственности, восхищение натурщицей и любовь.
Фортуна улыбнулась Модильяни перед смертью. Его работы наконец привлекли внимание критиков, которые стали называть автора «начинающим художником, подающим надежды». Амедео на тот момент было 35 лет. Но он совершенно не следил за своим ухудшающимся здоровьем. И смерть опередила его славу. В январе 1920 года туберкулез, алкоголь и наркотики окончательно подточили его силы.
#РубрикаБиографияХудожника
#Арт
Амедео Модильяни
«Когда я познаю твою душу, я смогу нарисовать твои глаза» Амедео Модильяни
Амедео Модильяни родился в Ливорно 12 июля 1884 года в семье евреев-сефардов. Отец, горный инженер, управлял угольными шахтами и лесными угодьями семейных владения. Из-за кризиса в металлургии, семья оказалась на грани банкротства незадолго до рождения Амедео. Рождение младенца спасло Модильяни от окончательного разорения. В те времена действовал древний закон, который запрещал кредиторам забирать постель беременной женщины. А поскольку их приход в дом Модильяни совпал с началом родов у Евгении, то семья сложила все оставшиеся ценности ей на кровать.
Амедео с детства рисовал и считал себя художником, но мать поначалу не придавала этому значения. Когда в 14 лет подросток заболел брюшным тифом, то в бреду говорил только о картинах мастера живописи итальянского Возрождения Гульельмо Микели в Палаццо Питти во Флоренции. Евгения пообещала сыну свозить его во Флоренцию, а также отдала на обучение в мастерскую Микели.
Став самым младшим среди учеников наставника, Амедео быстро определился с интересовавшими его сюжетами. Главным направлением творчества во время ученичества у Модильяни стали не пейзажи, как у его мастера, а обнаженная натура. По словам его сокурсников, когда подросток не был занят рисованием обнаженного тела, он занимался соблазнением горничных.
В 16 лет Модильяни заболел туберкулезом. Чтобы восстановить здоровье, мать увезла сына на остров Капри, и уроки были временно приостановлены. Путешествуя по Италии, мальчик знакомился с произведениями выдающихся живописцев. Во Флоренции начинающий художник поступил в школу живописи, а спустя год перебрался в Венецию, где стал студентом «Свободной школы обнаженной натуры» Академии изящных искусств. Модильяни был хорош собой и быстро влился в богемную жизнь. Вскоре он вместо уроков начал проводить время в сомнительных кварталах города и употреблять наркотические вещества.
В 1906 году Амедео с помощью матери перебрался в Париж. Публика в то время увлекалась кубизмом, поэтому работы, выставлявшиеся Модильяни на продажу, не пользовались спросом. Поселившийся в дорогих апартаментах, молодой человек был вынужден вскоре съехать на дешевую съемную квартиру, где писал картины на заказ.
В 1914 году, когда мужчины уходили на фронт Первой мировой войны, живописца не призвали в армию по состоянию здоровья. Амедео остался в Париже и написал портреты своих друзей-художников, среди которых были Жак Липшиц, Пабло Пикассо, Хаим Сутин и другие знаменитости того времени. Эти картины сделали широко известным и Модильяни.
Произведения художника несут отпечаток уникальной авторской манеры. Он не прорисовывает глаза и это одна из его особенностей, а изображаемые им люди, кажется, вместо лица имеют плоскую маску, за которой скрывается индивидуальность. Чтобы увидеть ее, у картины стоит задержаться. В поздний период творчества мастер добавлял округлости вытянутым овалам лиц. Работая не с пространством, а с натурой, Модильяни создавал печальные, трогательные образы и увлекался визуализацией обнаженной натуры, сочетая гармонию цвета и линии. Самыми знаменитыми произведениями автора в этом направлении стали «Обнаженная, сидящая на диване» и «Лежащая обнаженная с голубой подушкой».
Вдохновение мастеру приносили переживаемые им чувства. Главную любовь своей жизни Жанну Эбютерн он неоднократно изображал на полотнах. Одной из последних работ живописца стала картина «Жанна Эбютерн в красной шали». На ней возлюбленная мастера представлена в ожидании второго ребенка. В произведениях, посвященных ей, переданы высокая степень чувственности, восхищение натурщицей и любовь.
Фортуна улыбнулась Модильяни перед смертью. Его работы наконец привлекли внимание критиков, которые стали называть автора «начинающим художником, подающим надежды». Амедео на тот момент было 35 лет. Но он совершенно не следил за своим ухудшающимся здоровьем. И смерть опередила его славу. В январе 1920 года туберкулез, алкоголь и наркотики окончательно подточили его силы.
#РубрикаБиографияХудожника
#Арт
❤35👍8
Рубрика "Современное искусство"
Выставка "Танец XX века. Матисс, Малевич, Дягилев, Кандинский и другие"
Взаимосвязь разных видов искусства давно стала предметом наблюдения и исследования не только узких специалистов. Это закономерно, ведь эпохи отражаются в творчестве неравнодушных — художников, музыкантов, писателей. Параллель между изобразительным искусством и танцем в XX веке проводит выставка “Танец XX века. Матисс, Малевич, Дягилев, Кандинский и другие”.
Здесь раскрываются связи от совпадения хронологии в художественных открытиях до попытки проследить общие основы этих видов искусства.
Танец, по мнению многих художников, является самым совершенным способом выразительности. В XX веке он пережил серьезные трансформации, которые радикально изменили его язык и технику. Одной из ключевых фигур, повлиявших на становление современного танца, была Айседора Дункан. Ее смелые эксперименты и стремление сделать сценическое движение более раскрепощенным заложили основы хореографии XX века. Дункан считала, что танец должен развиваться естественно, исходя из импульсов тела: движение рождается из телесных ощущений, а не из механически заученных форм.
С Айседоры Дункан началась история свободного танца в России. Айседора не просто совершила хореографическую революцию, но и посредством своего искусства создала новый способ миропонимания. Образцом подражания для Дункан послужили рисунки древних фресок и вазописи, и не меньше вдохновения она черпала в природе. Параллельно с этим аналогичные процессы разворачивались и в изобразительном искусстве, где интерес к Античности отразился в неоклассицизме, а вдохновение органическим миром стало центральной линией творчества Михаила Матюшина.
На протяжении XX века танец и изобразительное искусство были связаны не только рефлексией общих исторических и социальных потрясений, но и созданием совместных художественных пространств, начиная с Русских сезонов Дягилева и заканчивая постановками Мерса Каннингема. Художники и танцоры на протяжении всего ХХ столетия пытаются переосмыслить роль времени в танце и изобразительном искусстве. Тему трансформации времени раскрывают футуристические работы Ивана Клюна, Александры Экстер, Казимира Малевича и фрагменты постановок современных хореографов — шведа Матса Эка и израильтянина Охада Нахарина. Танец преодолел свою ограниченность во времени, когда вступил в эпоху технической воспроизводимости и начал существовать в виде фотографии и видеозапись. Это позволило танцу переосмыслить свою природу и перейти в новую форму существования уже в XXI веке.
Экспозиция представляет собой историю сосуществования хореографии и изобразительного искусства, разбита на главы, составленные вне хронологической логики. Она состоит из 10 залов, каждый из которых рассказывает о ключевых точках развития этих отношений: от хореографических экспериментов 1920–1930-х годов и изучении танца как фундаментальной науки в Хорлабе, мастерской Николая Фореггера и балетов Касьяна Голейзовского до практик современных ведущих хореографов и открытий, которые они совершили на пути к переосмыслению ритма в хореографии.
На выставке представлено более 200 уникальных экспонатов: от живописи и графики Сони Делоне, Василия Кандинского и Казимира Малевича до эскизов костюмов и декораций Льва Бакста, Александра Бенуа, Александры Экстер, Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой, Николая Рериха и других. Партнером выставки выступил Большой театр. Проект подготовлен в сотрудничестве с ведущими российскими музеями, среди которых ГМИИ имени Пушкина, Государственный Эрмитаж, Государственный Театральный музей имени Бахрушина, Музей Маяковского, Государственный музей Изобразительных искусств Татарстана и Саратовский художественный музей имени Радищева, и многими другими.
Проходит выставка в Еврейском музее и продлится до 03.08.2025.
Выставка "Танец XX века. Матисс, Малевич, Дягилев, Кандинский и другие"
Взаимосвязь разных видов искусства давно стала предметом наблюдения и исследования не только узких специалистов. Это закономерно, ведь эпохи отражаются в творчестве неравнодушных — художников, музыкантов, писателей. Параллель между изобразительным искусством и танцем в XX веке проводит выставка “Танец XX века. Матисс, Малевич, Дягилев, Кандинский и другие”.
Здесь раскрываются связи от совпадения хронологии в художественных открытиях до попытки проследить общие основы этих видов искусства.
Танец, по мнению многих художников, является самым совершенным способом выразительности. В XX веке он пережил серьезные трансформации, которые радикально изменили его язык и технику. Одной из ключевых фигур, повлиявших на становление современного танца, была Айседора Дункан. Ее смелые эксперименты и стремление сделать сценическое движение более раскрепощенным заложили основы хореографии XX века. Дункан считала, что танец должен развиваться естественно, исходя из импульсов тела: движение рождается из телесных ощущений, а не из механически заученных форм.
С Айседоры Дункан началась история свободного танца в России. Айседора не просто совершила хореографическую революцию, но и посредством своего искусства создала новый способ миропонимания. Образцом подражания для Дункан послужили рисунки древних фресок и вазописи, и не меньше вдохновения она черпала в природе. Параллельно с этим аналогичные процессы разворачивались и в изобразительном искусстве, где интерес к Античности отразился в неоклассицизме, а вдохновение органическим миром стало центральной линией творчества Михаила Матюшина.
На протяжении XX века танец и изобразительное искусство были связаны не только рефлексией общих исторических и социальных потрясений, но и созданием совместных художественных пространств, начиная с Русских сезонов Дягилева и заканчивая постановками Мерса Каннингема. Художники и танцоры на протяжении всего ХХ столетия пытаются переосмыслить роль времени в танце и изобразительном искусстве. Тему трансформации времени раскрывают футуристические работы Ивана Клюна, Александры Экстер, Казимира Малевича и фрагменты постановок современных хореографов — шведа Матса Эка и израильтянина Охада Нахарина. Танец преодолел свою ограниченность во времени, когда вступил в эпоху технической воспроизводимости и начал существовать в виде фотографии и видеозапись. Это позволило танцу переосмыслить свою природу и перейти в новую форму существования уже в XXI веке.
Экспозиция представляет собой историю сосуществования хореографии и изобразительного искусства, разбита на главы, составленные вне хронологической логики. Она состоит из 10 залов, каждый из которых рассказывает о ключевых точках развития этих отношений: от хореографических экспериментов 1920–1930-х годов и изучении танца как фундаментальной науки в Хорлабе, мастерской Николая Фореггера и балетов Касьяна Голейзовского до практик современных ведущих хореографов и открытий, которые они совершили на пути к переосмыслению ритма в хореографии.
На выставке представлено более 200 уникальных экспонатов: от живописи и графики Сони Делоне, Василия Кандинского и Казимира Малевича до эскизов костюмов и декораций Льва Бакста, Александра Бенуа, Александры Экстер, Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой, Николая Рериха и других. Партнером выставки выступил Большой театр. Проект подготовлен в сотрудничестве с ведущими российскими музеями, среди которых ГМИИ имени Пушкина, Государственный Эрмитаж, Государственный Театральный музей имени Бахрушина, Музей Маяковского, Государственный музей Изобразительных искусств Татарстана и Саратовский художественный музей имени Радищева, и многими другими.
Проходит выставка в Еврейском музее и продлится до 03.08.2025.
❤23👍8🔥5
Когда Мастер делает одно движение кистью по листу - на нём остаётся след, отпечаток его энергии. И это несет энергию для всех чувствующих людей.
То же самое происходит, когда Пикассо рисует 70 лет, потом делает один штрих карандашом, и почему-то это стоит больших денег. Потому что он в это искусство погружен тотально, и ничего для него в жизни больше не существует.
Пикассо через искусство становится Мастером и тогда каждый его штрих обладает какой-то другой ценностью.
Кто-то этого не чувствует. А кто-то - очень чувствует. Этих людей мы и называем ценителями искусства, настоящего Арта. Тех, кто чувствует тонкую энергию, отличает натуральное от фальши.
@ppiskarev
#Дзен #НейроАрт #МастерБо
То же самое происходит, когда Пикассо рисует 70 лет, потом делает один штрих карандашом, и почему-то это стоит больших денег. Потому что он в это искусство погружен тотально, и ничего для него в жизни больше не существует.
Пикассо через искусство становится Мастером и тогда каждый его штрих обладает какой-то другой ценностью.
Кто-то этого не чувствует. А кто-то - очень чувствует. Этих людей мы и называем ценителями искусства, настоящего Арта. Тех, кто чувствует тонкую энергию, отличает натуральное от фальши.
@ppiskarev
#Дзен #НейроАрт #МастерБо
🔥35👍17❤15🥰1🤗1