#жемчужинка
(выпуск №11)
Música popular brasileira /MPB/
(на обложке Жилберту Жил и Каэтану Велозу)
Пора доставать ещё один козырь из рукава – бразильская популярная музыка. Хоть тут заложен корень "поп", у него скорее идеологическая направленность, чем фактическая. Что говорить, если стандартная куплетно-припевная структура у MPB-исполнителей бывает не всегда. Это и поп, и рок, и блюз, и ритм-н-блюз с фанком, и даже элементы джаза порой заскакивают на огонёк.
Сам термин MPB появился в середине шестидесятых – так называли музыку интеллигентов, преимущественно молодых (студентов и чуть старше). Какое-то время жанр иронично именовали "университетской музыкой". Ребята, трепетно относившиеся к корням, создали новое чисто акустическое звучание, заметно отличавшееся от модной боссановы. Без The Beatles и других героев декады никуда – влияние классического, а чуть позже и психоделического рока очевидно. По этой причине жанр определённое время был не слишком популярен – бразильцы плохо принимали зарубежные влияния. Однако после того как начались разнообразные фестивали, популяризовавшие новое звучание, эта музыка пробилась на радио и ТВ.
Настоящий бум случился в семидесятых. Из-за потрясений внутри страны быт музыкантов очень изменился, многие вынуждены были уехать. Но при этом все хотели высказаться, и MPB стал идеальной музыкальной формой для новой Бразилии. Исполнители "пересобрали" не только боссанову, но и самбу, байан, форро, а также другие местные веяния, соединив их с волной, пришедшей из Британии. Гармоническая сложность, неординарные тексты и истинно бразильский шарм в совокупности обернулись сверх-интересным стилем, вылившимся в настоящее музыкальное движение. Чуть позже от него, в свою очередь, возьмут корни новые жанры типа тропикалии. Сам MPB продолжит развиваться, обретая силу в новых поколениях музыкантов и слушателей. И по сей день в мире огромное количество поклонников жанра.
В сборнике сконцентрировался на золотой эпохе, собрал только семидесятые. Там бесчисленное количество талантов, хотя и позже есть из кого выбрать. Возможно, когда-нибудь сделаю вторую часть для более современных исполнителей.
И напомню о своих текстах о героях тех времён: Эразмо Карлос и Novos Baianos.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №11)
Música popular brasileira /MPB/
(на обложке Жилберту Жил и Каэтану Велозу)
Пора доставать ещё один козырь из рукава – бразильская популярная музыка. Хоть тут заложен корень "поп", у него скорее идеологическая направленность, чем фактическая. Что говорить, если стандартная куплетно-припевная структура у MPB-исполнителей бывает не всегда. Это и поп, и рок, и блюз, и ритм-н-блюз с фанком, и даже элементы джаза порой заскакивают на огонёк.
Сам термин MPB появился в середине шестидесятых – так называли музыку интеллигентов, преимущественно молодых (студентов и чуть старше). Какое-то время жанр иронично именовали "университетской музыкой". Ребята, трепетно относившиеся к корням, создали новое чисто акустическое звучание, заметно отличавшееся от модной боссановы. Без The Beatles и других героев декады никуда – влияние классического, а чуть позже и психоделического рока очевидно. По этой причине жанр определённое время был не слишком популярен – бразильцы плохо принимали зарубежные влияния. Однако после того как начались разнообразные фестивали, популяризовавшие новое звучание, эта музыка пробилась на радио и ТВ.
Настоящий бум случился в семидесятых. Из-за потрясений внутри страны быт музыкантов очень изменился, многие вынуждены были уехать. Но при этом все хотели высказаться, и MPB стал идеальной музыкальной формой для новой Бразилии. Исполнители "пересобрали" не только боссанову, но и самбу, байан, форро, а также другие местные веяния, соединив их с волной, пришедшей из Британии. Гармоническая сложность, неординарные тексты и истинно бразильский шарм в совокупности обернулись сверх-интересным стилем, вылившимся в настоящее музыкальное движение. Чуть позже от него, в свою очередь, возьмут корни новые жанры типа тропикалии. Сам MPB продолжит развиваться, обретая силу в новых поколениях музыкантов и слушателей. И по сей день в мире огромное количество поклонников жанра.
В сборнике сконцентрировался на золотой эпохе, собрал только семидесятые. Там бесчисленное количество талантов, хотя и позже есть из кого выбрать. Возможно, когда-нибудь сделаю вторую часть для более современных исполнителей.
И напомню о своих текстах о героях тех времён: Эразмо Карлос и Novos Baianos.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №12)
Japanese New Age
(на обложке Китаро)
Сделали небольшой перерыв на финал ЛЧ, пора возвращаться. Встречаем лето со сборником абсолютного чилла.
Спокойствие, умиротворённость, дзен – всё это ассоциируется у нас с Японией, и потому логично, что жанр музыки, призванный успокаивать, зародился именно в Стране восходящего солнца. Удивительно только то, что сотворено это было, так сказать, не японским разумом. Американский джазмен Тони Скотт, разочаровавшись в начале шестидесятых развитием своего профильного жанра (в бибопе тех лет задвинули на второй план его любимый кларнет), начал гастролировать по Южной и Восточной Азии. Япония оказалась ему особенно мила. Соприкосновение с местными традициями и выступления в храмах вместе с японскими музыкантами вылились в запись Music for Zen Meditation – первого альбома в стиле нью-эйдж. Кларнет Скотта, кото Шиничи Юидзе и сякухати Ходзан Ямамото закружились в сладком танце импровизации, и таким образом мир впервые узнал о новом музыкальном течении.
Японцы с присущей им выдержкой не торопились развиваться в этом направлении. Пока группы типа Popol Vuh не отказывали себе в нью-эйдж экспериментах, популяризуя новое звучание в Европе, азиаты были ориентированы на рок и электронику. Дело сдвинулось с мёртвой точки с появлением движения Kankyō Ongaku – этим термином описывали эмбиент и нью-эйдж, возникшие после взлёта экономики в стране в конце семидесятых. Взяв за основу полевые записи и сэмплы винтажных синтезаторов, композиторы стали воссоздавать в своих работах атмосферу чистого и спокойного города. Потом эта музыка использовалась на выставках, конференциях, ТВ и радио. Японцы оказались мастерами такого непринуждённого, чистого и лёгкого звука. Царство минимализма.
В восьмидесятые с появлением Китаро началась новая эра нью-эйджа. Длинноволосый мужчина, похожий на шамана, сделал эту музыку одухотворённой. Из обычного фонового саунда жанр превратился в выражение ценностей, духовного роста и культурной эволюции. Китаро не просто писал нью-эйдж, а жил им, основав что-то типа школы с новым менталитетом и мировоззрением. Потихоньку к нему стали подтягиваться и другие исполнители, в результате чего случился настоящий музыкальный бум. В восьмидесятые были выпущены лучшие альбомы жанра, и большинство именно в Японии.
Далее нью-эйдж, как и следовало ожидать от набравшего силу течения, проник повсюду. Японские звёзды типа Сусуму Хирасава и Хикару Утада не чурались мешать его с попом, и в девяностые о жанре узнали вообще все, он окончательно вышел из подполья. С одной стороны, звёзды нью-эйджа наконец оказались признаны и урвали свою часть пирога. С другой, масштабная популяризация привела к росту позеров и галимого попсового нью-эйджа, из-за чего от жанра и в наше время большинство людей испытывает боль внизу спины. Ничего не поделаешь, издержки коммерциализации. Но я вам собрал только мякотку, окунувшись в творчество японских творцов от классиков до нашей современницы Итико Аоба. Едва ли сборник получится послушать за раз, он очень длинный, но за пару присестов – вполне.
И почитайте мои тексты о Масакацу Такаги и Рюити Сакамото. Первым я горжусь так-то.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №12)
Japanese New Age
(на обложке Китаро)
Сделали небольшой перерыв на финал ЛЧ, пора возвращаться. Встречаем лето со сборником абсолютного чилла.
Спокойствие, умиротворённость, дзен – всё это ассоциируется у нас с Японией, и потому логично, что жанр музыки, призванный успокаивать, зародился именно в Стране восходящего солнца. Удивительно только то, что сотворено это было, так сказать, не японским разумом. Американский джазмен Тони Скотт, разочаровавшись в начале шестидесятых развитием своего профильного жанра (в бибопе тех лет задвинули на второй план его любимый кларнет), начал гастролировать по Южной и Восточной Азии. Япония оказалась ему особенно мила. Соприкосновение с местными традициями и выступления в храмах вместе с японскими музыкантами вылились в запись Music for Zen Meditation – первого альбома в стиле нью-эйдж. Кларнет Скотта, кото Шиничи Юидзе и сякухати Ходзан Ямамото закружились в сладком танце импровизации, и таким образом мир впервые узнал о новом музыкальном течении.
Японцы с присущей им выдержкой не торопились развиваться в этом направлении. Пока группы типа Popol Vuh не отказывали себе в нью-эйдж экспериментах, популяризуя новое звучание в Европе, азиаты были ориентированы на рок и электронику. Дело сдвинулось с мёртвой точки с появлением движения Kankyō Ongaku – этим термином описывали эмбиент и нью-эйдж, возникшие после взлёта экономики в стране в конце семидесятых. Взяв за основу полевые записи и сэмплы винтажных синтезаторов, композиторы стали воссоздавать в своих работах атмосферу чистого и спокойного города. Потом эта музыка использовалась на выставках, конференциях, ТВ и радио. Японцы оказались мастерами такого непринуждённого, чистого и лёгкого звука. Царство минимализма.
В восьмидесятые с появлением Китаро началась новая эра нью-эйджа. Длинноволосый мужчина, похожий на шамана, сделал эту музыку одухотворённой. Из обычного фонового саунда жанр превратился в выражение ценностей, духовного роста и культурной эволюции. Китаро не просто писал нью-эйдж, а жил им, основав что-то типа школы с новым менталитетом и мировоззрением. Потихоньку к нему стали подтягиваться и другие исполнители, в результате чего случился настоящий музыкальный бум. В восьмидесятые были выпущены лучшие альбомы жанра, и большинство именно в Японии.
Далее нью-эйдж, как и следовало ожидать от набравшего силу течения, проник повсюду. Японские звёзды типа Сусуму Хирасава и Хикару Утада не чурались мешать его с попом, и в девяностые о жанре узнали вообще все, он окончательно вышел из подполья. С одной стороны, звёзды нью-эйджа наконец оказались признаны и урвали свою часть пирога. С другой, масштабная популяризация привела к росту позеров и галимого попсового нью-эйджа, из-за чего от жанра и в наше время большинство людей испытывает боль внизу спины. Ничего не поделаешь, издержки коммерциализации. Но я вам собрал только мякотку, окунувшись в творчество японских творцов от классиков до нашей современницы Итико Аоба. Едва ли сборник получится послушать за раз, он очень длинный, но за пару присестов – вполне.
И почитайте мои тексты о Масакацу Такаги и Рюити Сакамото. Первым я горжусь так-то.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №13)
Irish Folk
(на обложке Мэри О'Хара)
На наших импровизированных радиоволнах снова играет чистое золото – ирландский фолк (или ирландская народная музыка). В этот раз смело отправляю вас на Вики, там довольно хорошая статья о жанре. От себя пару слов.
Ирландцы – гордый и своевольный народ, и музыки это касается не в последнюю очередь. Историки выяснили, что первые сочинения ирландского фольклора берут начало ещё в 18 веке, а в 19-ом были заложены те традиции, которые в немного изменённом виде дошли до наших времён. Во-первых, это язык. Если английский, то со своими фишками (достаточно посмотреть любой ирландский фильм без перевода, чтобы понять уникальность звучания), но начиналось всё с гэльского. Во-вторых, довольно свободная композиционная структура. От спокойных гитарных переборов до гимнов и танцевальной музыки. В-третьих, инструментарий. Он менялся с годами, но всегда оставался узнаваемым. Многие инструменты из-за уникального построения/звукоизвлечения были выделены в свою отдельную семью. Если банджо оно и в Африке банджо, то вот "ирландская флейта" или "ирландский бузуки" – уникальные в своём роде вещи, которым в фолке всегда рады.
До середины 1950-ых ирландская народная музыка пользовалась переменным успехом, не выходя в мейнстрим даже по меркам собственной страны, но начиная с 1955-го стартовал культурный Ренессанс. Познакомиться с шедеврами того времени можно с помощью интересной компиляции, на которой представлены лучшие сочинения британского и ирландского фолка. В 1958 году вышел альбом Мэри О'Хара "Песни Ирландии" – первый LP жанра, ставший известным. В шестидесятых появились The Dubliners, популяризовавшие ещё и шоу-сторону ирландского фолка: их концерты бывали сумасшедшими. Ну а в семидесятых началась золотая эпоха: тогда жанр просочился на все материки, был популярен даже в Австралии. Популярность групп Chieftains, Clannad, а позже Pogues, соединивших фолк с панком, обозначила заинтересованность меломанов в таком интересном и необычном звуке.
В последующие десятилетия ажиотаж спал, но сейчас нарастает новая волна ирландских фолк-героев. Группа Lankum в прошлом году вообще устроила разнос, толкаясь в списках лучших альбомов года с суперзвёздами, но они не единственные, кто сейчас ведёт свою страну вперёд. Представителей всех декад (от семидесятых побольше, само собой) собрал в сборнике, наслаждайтесь.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №13)
Irish Folk
(на обложке Мэри О'Хара)
На наших импровизированных радиоволнах снова играет чистое золото – ирландский фолк (или ирландская народная музыка). В этот раз смело отправляю вас на Вики, там довольно хорошая статья о жанре. От себя пару слов.
Ирландцы – гордый и своевольный народ, и музыки это касается не в последнюю очередь. Историки выяснили, что первые сочинения ирландского фольклора берут начало ещё в 18 веке, а в 19-ом были заложены те традиции, которые в немного изменённом виде дошли до наших времён. Во-первых, это язык. Если английский, то со своими фишками (достаточно посмотреть любой ирландский фильм без перевода, чтобы понять уникальность звучания), но начиналось всё с гэльского. Во-вторых, довольно свободная композиционная структура. От спокойных гитарных переборов до гимнов и танцевальной музыки. В-третьих, инструментарий. Он менялся с годами, но всегда оставался узнаваемым. Многие инструменты из-за уникального построения/звукоизвлечения были выделены в свою отдельную семью. Если банджо оно и в Африке банджо, то вот "ирландская флейта" или "ирландский бузуки" – уникальные в своём роде вещи, которым в фолке всегда рады.
До середины 1950-ых ирландская народная музыка пользовалась переменным успехом, не выходя в мейнстрим даже по меркам собственной страны, но начиная с 1955-го стартовал культурный Ренессанс. Познакомиться с шедеврами того времени можно с помощью интересной компиляции, на которой представлены лучшие сочинения британского и ирландского фолка. В 1958 году вышел альбом Мэри О'Хара "Песни Ирландии" – первый LP жанра, ставший известным. В шестидесятых появились The Dubliners, популяризовавшие ещё и шоу-сторону ирландского фолка: их концерты бывали сумасшедшими. Ну а в семидесятых началась золотая эпоха: тогда жанр просочился на все материки, был популярен даже в Австралии. Популярность групп Chieftains, Clannad, а позже Pogues, соединивших фолк с панком, обозначила заинтересованность меломанов в таком интересном и необычном звуке.
В последующие десятилетия ажиотаж спал, но сейчас нарастает новая волна ирландских фолк-героев. Группа Lankum в прошлом году вообще устроила разнос, толкаясь в списках лучших альбомов года с суперзвёздами, но они не единственные, кто сейчас ведёт свою страну вперёд. Представителей всех декад (от семидесятых побольше, само собой) собрал в сборнике, наслаждайтесь.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №14)
Tunisian Metal
(на обложке мои любимки Myrath)
Cказал А, говорю Б. Myrath настолько любимы автором этого канала, что когда-то пробудили к изучению всей тяжёлой сцены Туниса. Настал момент поделиться и с вами.
Вообще метал не только в Тунисе, но и во всей Африке лишь набирает разгон. В восьмидесятые, когда уже успели расплодиться всякие экстрим-сабжанры, а хэви так и вовсе переживал вторую волну популярности, на Чёрном континенте не было фактически ничего. Только в ЮАР что-то зачиналось, но очень робко. Люди только до студий добрались по-человечески, хотели скорее родными традициями делиться, чем заморские апроприировать. В девяностых в Алжире и той же ЮАР начали появляться группы, а ближе к концу декады стали подключаться экзотические страны типа Ботсваны и Маврикия. Учитывая политические склоки, у ребят всегда были поводы для агрессии. Однако полноценное метал-движение стартовало только в нулевых. С наступлением нового века африканская музыка в принципе сделала большой шаг вперёд, и метала это тоже коснулось. Некоторые, как Seether, переехали в США и смогли завоевать там массовую популярность. Большинство же осталось дома, так как амбиции местных тяжёлых групп не идут за пределы собственного континента.
И по сей день в некоторых маленьких странах Африки метала просто нет. Взять какую-нибудь Эритрею или Чад – местные музыканты вообще не заинтересованы развивать эту сцену. Но Тунис государство покрупнее, поэтому с него и спрос иной. Как я писал в рецензии, действительно интересных групп маловато, но если поскрести по сусекам – на сборник накапливается. И радует жанровый разброс! Прог, симфо, фолк, дум, блэк, дэт, металкор, дэтграйнд – есть, из чего выбрать. Большинство групп выпустило главные альбомы в последние 5-6 лет. Если некоторые африканские гиганты типа Сенегала никогда не будут ассоциироваться с металом (славятся другим), то Тунис посредством фестивалей и появления новых коллективов потихоньку встаёт с колен и уже заслуживает такой сборник.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №14)
Tunisian Metal
(на обложке мои любимки Myrath)
Cказал А, говорю Б. Myrath настолько любимы автором этого канала, что когда-то пробудили к изучению всей тяжёлой сцены Туниса. Настал момент поделиться и с вами.
Вообще метал не только в Тунисе, но и во всей Африке лишь набирает разгон. В восьмидесятые, когда уже успели расплодиться всякие экстрим-сабжанры, а хэви так и вовсе переживал вторую волну популярности, на Чёрном континенте не было фактически ничего. Только в ЮАР что-то зачиналось, но очень робко. Люди только до студий добрались по-человечески, хотели скорее родными традициями делиться, чем заморские апроприировать. В девяностых в Алжире и той же ЮАР начали появляться группы, а ближе к концу декады стали подключаться экзотические страны типа Ботсваны и Маврикия. Учитывая политические склоки, у ребят всегда были поводы для агрессии. Однако полноценное метал-движение стартовало только в нулевых. С наступлением нового века африканская музыка в принципе сделала большой шаг вперёд, и метала это тоже коснулось. Некоторые, как Seether, переехали в США и смогли завоевать там массовую популярность. Большинство же осталось дома, так как амбиции местных тяжёлых групп не идут за пределы собственного континента.
И по сей день в некоторых маленьких странах Африки метала просто нет. Взять какую-нибудь Эритрею или Чад – местные музыканты вообще не заинтересованы развивать эту сцену. Но Тунис государство покрупнее, поэтому с него и спрос иной. Как я писал в рецензии, действительно интересных групп маловато, но если поскрести по сусекам – на сборник накапливается. И радует жанровый разброс! Прог, симфо, фолк, дум, блэк, дэт, металкор, дэтграйнд – есть, из чего выбрать. Большинство групп выпустило главные альбомы в последние 5-6 лет. Если некоторые африканские гиганты типа Сенегала никогда не будут ассоциироваться с металом (славятся другим), то Тунис посредством фестивалей и появления новых коллективов потихоньку встаёт с колен и уже заслуживает такой сборник.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №15)
Argentinean Blues
(на обложке Pappo's Blues)
Сегодня снова по экзотике. Южноамериканская серия рубрики и отсутствие блюза до сей поры вынудили поскрести по сусекам и собрать вам нечто неожиданное.
Словосочетание "аргентинский блюз" существует как нечто иллюзорное, и я почти уверен, что даже в самой стране так не говорят. Ни одного известного блюзмена страна за всю историю нам не дала. То ли дело блюз-рок! Когда в шестидесятые в США прошёл ренессанс блюза, и жанр обрёл второе дыхание, отголоски полетели на все материки. В начале семидесятых в Аргентине появилась масса интересных блюз-рок групп, музыка которых до сих пор ценна даже за пределами материка. Я вспомню о всех них, когда доберусь до аргентинского рока, но и сейчас сборник был бы куцым без тех героев. Переслушал самые выдающиеся альбомы и выбрал, так сказать, "самые блюзовые" вещи того периода. Сюда же добавить Memphis La Blusera и Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota – это уже восьмидесятые, но концепция та же.
Далее, с девяностых по наше время, лишь случайные всплески. Но, что удивительно, именно в девяностые некоторые аргентинцы отважились играть чистый блюз. Их единицы, но всё-таки. Отбирая песни для сборника, неплохо так протащился от саунда тех лет. Ребята знают толк в медленной гитарной атмосфере раздумий и переживаний. Думаю, в сравнении с остальными странами материка, аргентинский блюз не просто имеет право на существование, но и выделяется своей аутентичностью. Нельзя сказать, что это нечто супер-уникальное (да и о чём в контексте блюза можно такое сказать после шестидесятых?), но звучит очень недурно. Всем поклонникам жанра строго рекомендую оценить.
Слушать: Youtube
(выпуск №15)
Argentinean Blues
(на обложке Pappo's Blues)
Сегодня снова по экзотике. Южноамериканская серия рубрики и отсутствие блюза до сей поры вынудили поскрести по сусекам и собрать вам нечто неожиданное.
Словосочетание "аргентинский блюз" существует как нечто иллюзорное, и я почти уверен, что даже в самой стране так не говорят. Ни одного известного блюзмена страна за всю историю нам не дала. То ли дело блюз-рок! Когда в шестидесятые в США прошёл ренессанс блюза, и жанр обрёл второе дыхание, отголоски полетели на все материки. В начале семидесятых в Аргентине появилась масса интересных блюз-рок групп, музыка которых до сих пор ценна даже за пределами материка. Я вспомню о всех них, когда доберусь до аргентинского рока, но и сейчас сборник был бы куцым без тех героев. Переслушал самые выдающиеся альбомы и выбрал, так сказать, "самые блюзовые" вещи того периода. Сюда же добавить Memphis La Blusera и Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota – это уже восьмидесятые, но концепция та же.
Далее, с девяностых по наше время, лишь случайные всплески. Но, что удивительно, именно в девяностые некоторые аргентинцы отважились играть чистый блюз. Их единицы, но всё-таки. Отбирая песни для сборника, неплохо так протащился от саунда тех лет. Ребята знают толк в медленной гитарной атмосфере раздумий и переживаний. Думаю, в сравнении с остальными странами материка, аргентинский блюз не просто имеет право на существование, но и выделяется своей аутентичностью. Нельзя сказать, что это нечто супер-уникальное (да и о чём в контексте блюза можно такое сказать после шестидесятых?), но звучит очень недурно. Всем поклонникам жанра строго рекомендую оценить.
Слушать: Youtube
#жемчужинка
(выпуск №16)
Mexican Rock
(на обложке Café Tacvba)
Моё увлечение мексиканским роком началось с конкретного концерта. В рамках игры на музыкальную тематику я с товарищами обменивался интересными вещицами разных стран мира, и подруга прислала песню группы Zoé в живом исполнении. Вечно буду ей благодарен за это. Во-первых, тогда я узнал, что знаменитые MTV Unplugged проводятся не только в США. Во-вторых, песня была в самое сердце. В-третьих, это был едва ли не первый раз, когда я увидел такое инструментальное разнообразие на рок-концерте. Я не концертный гик, можно простить.
Дискография группы была изучена с лупой в руках ("зацепились" тогда и Hello Seahorse!, чья потрясающая вокалистка Денис Гутьеррес тоже засветилась на концерте на бэке). Тогда я ожидал чего-то невероятного и великого, а получил просто очень хорошую группу, что со временем стала любимой. Концерт лежит целиком на Youtube, очень рекомендую. Zoé приоткрыли мне дверь, ну а дальше я сам послушал кучку альбомов, попытался откусить по чуть-чуть из разных направлений. Остался доволен.
Учитывая, что гитара всегда присутствовала в музыке мексиканских композиторов, от академистов до фолка начала XX века, рок не мог не стать знаменитым в этой стране. Народный инструмент, что не говори. Есть классическая семиструнка, есть шестиструнка 'bajo sexto', есть уменьшенная 'requinto', и все популярны в разных частях страны. Как только первые записи Элвиса протиснулись на виниле в Мексику, все местные похватали инструменты и начали подражать Королю. Получалось средне, с середины пятидесятых до конца шестидесятых рок в Мексике был преимущественно в андеграунде. Но вот когда "свой" чувак Карлос Сантана произвёл фуррор на Вудстоке, всё по-настоящему завертелось. Блюз- и психоделик-рок с аккуратно вплетёнными местными традициями в семидесятые получили массовое признание.
Высокая политизированность текстов привела к тому, что правительство запретило рок в стране (причём запрет распространялся и на приезд зарубежных исполнителей), но подпольные концерты и даже фестивали никуда не делись. В восьмидесятые же всё началось с новой силой и больше не останавливалось. Нет ни одного значимого рок-направления, что не имеет в Мексике своего интересного представителя. Выделить можно поп- и альт-рок. Почитать о всех можно в довольно неплохой статье на Вики. Для сборника собрал вам, так сказать, geek-approved исполнителей, по чуть-чуть из каждой декады, начиная с семидесятых. Старину Карлоса брать не стал, сконцентрировавшись на чуть менее знаменитых. Мировых звёзд мексиканский рок не породил, но в этой рубрике на канале другая система ценностей.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
(выпуск №16)
Mexican Rock
(на обложке Café Tacvba)
Моё увлечение мексиканским роком началось с конкретного концерта. В рамках игры на музыкальную тематику я с товарищами обменивался интересными вещицами разных стран мира, и подруга прислала песню группы Zoé в живом исполнении. Вечно буду ей благодарен за это. Во-первых, тогда я узнал, что знаменитые MTV Unplugged проводятся не только в США. Во-вторых, песня была в самое сердце. В-третьих, это был едва ли не первый раз, когда я увидел такое инструментальное разнообразие на рок-концерте. Я не концертный гик, можно простить.
Дискография группы была изучена с лупой в руках ("зацепились" тогда и Hello Seahorse!, чья потрясающая вокалистка Денис Гутьеррес тоже засветилась на концерте на бэке). Тогда я ожидал чего-то невероятного и великого, а получил просто очень хорошую группу, что со временем стала любимой. Концерт лежит целиком на Youtube, очень рекомендую. Zoé приоткрыли мне дверь, ну а дальше я сам послушал кучку альбомов, попытался откусить по чуть-чуть из разных направлений. Остался доволен.
Учитывая, что гитара всегда присутствовала в музыке мексиканских композиторов, от академистов до фолка начала XX века, рок не мог не стать знаменитым в этой стране. Народный инструмент, что не говори. Есть классическая семиструнка, есть шестиструнка 'bajo sexto', есть уменьшенная 'requinto', и все популярны в разных частях страны. Как только первые записи Элвиса протиснулись на виниле в Мексику, все местные похватали инструменты и начали подражать Королю. Получалось средне, с середины пятидесятых до конца шестидесятых рок в Мексике был преимущественно в андеграунде. Но вот когда "свой" чувак Карлос Сантана произвёл фуррор на Вудстоке, всё по-настоящему завертелось. Блюз- и психоделик-рок с аккуратно вплетёнными местными традициями в семидесятые получили массовое признание.
Высокая политизированность текстов привела к тому, что правительство запретило рок в стране (причём запрет распространялся и на приезд зарубежных исполнителей), но подпольные концерты и даже фестивали никуда не делись. В восьмидесятые же всё началось с новой силой и больше не останавливалось. Нет ни одного значимого рок-направления, что не имеет в Мексике своего интересного представителя. Выделить можно поп- и альт-рок. Почитать о всех можно в довольно неплохой статье на Вики. Для сборника собрал вам, так сказать, geek-approved исполнителей, по чуть-чуть из каждой декады, начиная с семидесятых. Старину Карлоса брать не стал, сконцентрировавшись на чуть менее знаменитых. Мировых звёзд мексиканский рок не породил, но в этой рубрике на канале другая система ценностей.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №17)
Chinese Pop /C-Pop, Mandopop, Cantopop/
(на обложке конечно же Фэй Вонг)
Сегодня у нас снова Азия и путешествие в ещё одну потрясающую со всех точек зрения страну. Думаю, если хорошо порыться, в Китае можно отыскать даже кантри, но начнём с самого традиционного культурного движения, зародившегося ещё до появления рок-н-ролла.
Как только в Китай привезли первые джазовые пластинки, местные музыканты сразу взялись за дело и начали совмещать западные веяния с народными музыкальными традициями. Был даже конкретный человек, – Ли Цзиньхуэй, – который сделал огромный вклад в популяризацию нового звучания среди всех слоёв населения, особенно молодёжи. Различные типы музыки, исполняемой на мандаринском и других китайских диалектах, выделились в отдельный жанр шидайцюй. Всё это случилось в начале 1920-ых, и именно шидайцюй можно считать предвестником си-попа. Эта музыка играла на тогдашних танцполах, транслировалась по частным радиостанциям и в целом была достаточно модной. Так было до конца сороковых.
Когда была основана Китайская Народная Республика, власть имущие сравнили жанр с порнографией и стали частично его запрещать. Несколько декад си-поп переживал смутные времена: он то был политической приманкой для марионеток (выполнял сугубо пропагандистскую цель), то действительно опускался на ужасный уровень в плане качества, то снова становился модным, и так по кругу. В списках типа "100 лучших си-поп артистов всех времён" почти нет представителей того времени. Лишь к середине восьмидесятых ситуация успокоилась, и жанр обрёл те очертания, по которым мы знаем его сейчас. Уже без джаза, но со всякоразными другими примесями, от фолка и блюза до современного r&b.
Гонения жанра начиная с пятидесятых привели ещё и к выделению сабжанров, и сформированная тогда категоризация дошла до наших времён. Если общим термином си-поп обычно обозначают всю около-поп музыку на китайском языке и его диалектах, то мандопоп, кантопоп, тай-поп и хаккапоп – течения внутри си-попа, названные в честь соответственных языковых культур. Если у меня в рубрике была привязка к жанру, сегодня в подборке было бы много тайцев, немного малазийцев и даже японцам место нашлось бы. Китайский язык очень популярен, и тот же мандопоп исполняют по всей Азии. Однако у меня привязка к государству, поэтому из всего многообразия жанра выбрал только знаменитых китайцев и китаянок.
Классическое звучание си-попа, сформированное к середине восьмидесятых, это богатые духовые аранжировки, медленные или среднетемповые композиции, выведенный в миксе наверх вокал и чувственность в каждом звуке. Очень кинематографичная, осенняя музыка, идеально подходящая для того, чтобы сидеть у окна и смотреть, как капли дождя стучат по оконной раме. Королевой мандопопа стала потрясающе красивая (особенно в "Чунгкингском экспрессе" ммм) Фэй Вонг, которая все девяностые и нулевые успешно совмещала карьеру певицы и актрисы. Всего у неё под 30 альбомов, но если захочется с чего-то начать, берите Fúzào 1996 года. В 2010-ых под влиянием кей-попа, ставшего не внутриазиатским, а общемировым трендом, си-поп также убыстрился и стал напоминать электропоп. Эта музыка нравится мне куда меньше, но и в ней есть интересные имена. Всё собрал в сборничек. Надо отметить, что в китайской музыке практически нет поп-групп, а также женщин куда больше, чем мужчин. И, естественно, все эти люди потрясающе выглядят.
Слушать/смотреть: Youtube
(выпуск №17)
Chinese Pop /C-Pop, Mandopop, Cantopop/
(на обложке конечно же Фэй Вонг)
Сегодня у нас снова Азия и путешествие в ещё одну потрясающую со всех точек зрения страну. Думаю, если хорошо порыться, в Китае можно отыскать даже кантри, но начнём с самого традиционного культурного движения, зародившегося ещё до появления рок-н-ролла.
Как только в Китай привезли первые джазовые пластинки, местные музыканты сразу взялись за дело и начали совмещать западные веяния с народными музыкальными традициями. Был даже конкретный человек, – Ли Цзиньхуэй, – который сделал огромный вклад в популяризацию нового звучания среди всех слоёв населения, особенно молодёжи. Различные типы музыки, исполняемой на мандаринском и других китайских диалектах, выделились в отдельный жанр шидайцюй. Всё это случилось в начале 1920-ых, и именно шидайцюй можно считать предвестником си-попа. Эта музыка играла на тогдашних танцполах, транслировалась по частным радиостанциям и в целом была достаточно модной. Так было до конца сороковых.
Когда была основана Китайская Народная Республика, власть имущие сравнили жанр с порнографией и стали частично его запрещать. Несколько декад си-поп переживал смутные времена: он то был политической приманкой для марионеток (выполнял сугубо пропагандистскую цель), то действительно опускался на ужасный уровень в плане качества, то снова становился модным, и так по кругу. В списках типа "100 лучших си-поп артистов всех времён" почти нет представителей того времени. Лишь к середине восьмидесятых ситуация успокоилась, и жанр обрёл те очертания, по которым мы знаем его сейчас. Уже без джаза, но со всякоразными другими примесями, от фолка и блюза до современного r&b.
Гонения жанра начиная с пятидесятых привели ещё и к выделению сабжанров, и сформированная тогда категоризация дошла до наших времён. Если общим термином си-поп обычно обозначают всю около-поп музыку на китайском языке и его диалектах, то мандопоп, кантопоп, тай-поп и хаккапоп – течения внутри си-попа, названные в честь соответственных языковых культур. Если у меня в рубрике была привязка к жанру, сегодня в подборке было бы много тайцев, немного малазийцев и даже японцам место нашлось бы. Китайский язык очень популярен, и тот же мандопоп исполняют по всей Азии. Однако у меня привязка к государству, поэтому из всего многообразия жанра выбрал только знаменитых китайцев и китаянок.
Классическое звучание си-попа, сформированное к середине восьмидесятых, это богатые духовые аранжировки, медленные или среднетемповые композиции, выведенный в миксе наверх вокал и чувственность в каждом звуке. Очень кинематографичная, осенняя музыка, идеально подходящая для того, чтобы сидеть у окна и смотреть, как капли дождя стучат по оконной раме. Королевой мандопопа стала потрясающе красивая (особенно в "Чунгкингском экспрессе" ммм) Фэй Вонг, которая все девяностые и нулевые успешно совмещала карьеру певицы и актрисы. Всего у неё под 30 альбомов, но если захочется с чего-то начать, берите Fúzào 1996 года. В 2010-ых под влиянием кей-попа, ставшего не внутриазиатским, а общемировым трендом, си-поп также убыстрился и стал напоминать электропоп. Эта музыка нравится мне куда меньше, но и в ней есть интересные имена. Всё собрал в сборничек. Надо отметить, что в китайской музыке практически нет поп-групп, а также женщин куда больше, чем мужчин. И, естественно, все эти люди потрясающе выглядят.
Слушать/смотреть: Youtube
#жемчужинка
(выпуск №18)
New Zealand Rock
(на обложке The Chills)
Я развиваю рубрику, чередуя материки, и это третий раз, когда мы заглядываем в Океанию. Думаю, не стоит так частить. Следующий заход сделаю месяца через 3.
Рок в Новой Зеландии, как и у братушек австралийцев, появился вскоре после начала "Британского вторжения". Есть редкие примеры (группа Howard Morrison Quartet, например), когда ещё в конце пятидесятых музыканты пытались смешать рок-н-ролл звучание с традиционной музыкой народа маори, но это не возымело никакого успеха. Начиная с 1964 года стали появляться мод-группы, потом гаражный рок, ну а позже появились психоделические и поп-рок формации. Всё, что писалось в Новой Зеландии, начиная от тех лет вплоть до конца семидесятых, фактически ничем не отличалось от британского рока тех лет. Всё то же самое, только куда менее талантливо. Сейчас тот период вспоминают редко, и в сборник его представителей я брать не стал. Ребятам нужно было как-то встрепенуться, поймать волну, и это получилось сделать в начале восьмидесятых.
Под влиянием панка, нью-вэйва и экспериментальщины типа The Velvet Underground в городе Данидин (второй по величине город на Южном острове в Новой Зеландии, административный центр региона Отаго) произошёл всплеск интереса к року. Десятки молодых (и не только) групп совместными усилиями выработали своё звучание: жужжащие гитары, невнятный вокал, не слишком качественный микс (порой из-за нехватки мастеров звука) и обильная реверберация. Это было похоже на джэнгл-поп, тогда же развивавшийся в США, но всё же новозеландцы звучали по-особенному. Вскоре жанр выделили в отдельное культурное движение и назвали в честь города – данидин-саунд.
Подавляющее большинство релизов было издано на независимом лейбле Flying Nun Records. Музыка распространялась посредством всяких подпольных клубов, студенческих радиостанций и хождений записей по рукам. Позже критики отметят, что популяризация данидин-саунда повлияла на развитие инди-рока как популярного жанра. В противовес данидин-саунду в Окленде развивалась панк-рок сцена (а чуть позже стали появляться и нойз-рок группы, также ставшие заметным явлением). Вскоре новозеландские исполнители засветились на радио в США и Европе, и у данидин-саунда появились поклонники по всему миру. R.E.M., Yo La Tengo и Pavement – лишь небольшой список групп, вдохновлённых жанром.
Запала хватило лет на 10, а потом новозеландский рок опять вернулся в режим various. Данидин-саунд релизы выходят и в наше время, но уже не пользуются большой популярностью. Из современной сцены можно выделить талантливого Коннана Мокасина и любимчиков критиков The Beths. Собрал вам всех лучших ребят Данидина и добавил щепотку тех, кто блеснул позже. Удивительно, что почти на все хиты восьмидесятых есть клипы.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
(выпуск №18)
New Zealand Rock
(на обложке The Chills)
Я развиваю рубрику, чередуя материки, и это третий раз, когда мы заглядываем в Океанию. Думаю, не стоит так частить. Следующий заход сделаю месяца через 3.
Рок в Новой Зеландии, как и у братушек австралийцев, появился вскоре после начала "Британского вторжения". Есть редкие примеры (группа Howard Morrison Quartet, например), когда ещё в конце пятидесятых музыканты пытались смешать рок-н-ролл звучание с традиционной музыкой народа маори, но это не возымело никакого успеха. Начиная с 1964 года стали появляться мод-группы, потом гаражный рок, ну а позже появились психоделические и поп-рок формации. Всё, что писалось в Новой Зеландии, начиная от тех лет вплоть до конца семидесятых, фактически ничем не отличалось от британского рока тех лет. Всё то же самое, только куда менее талантливо. Сейчас тот период вспоминают редко, и в сборник его представителей я брать не стал. Ребятам нужно было как-то встрепенуться, поймать волну, и это получилось сделать в начале восьмидесятых.
Под влиянием панка, нью-вэйва и экспериментальщины типа The Velvet Underground в городе Данидин (второй по величине город на Южном острове в Новой Зеландии, административный центр региона Отаго) произошёл всплеск интереса к року. Десятки молодых (и не только) групп совместными усилиями выработали своё звучание: жужжащие гитары, невнятный вокал, не слишком качественный микс (порой из-за нехватки мастеров звука) и обильная реверберация. Это было похоже на джэнгл-поп, тогда же развивавшийся в США, но всё же новозеландцы звучали по-особенному. Вскоре жанр выделили в отдельное культурное движение и назвали в честь города – данидин-саунд.
Подавляющее большинство релизов было издано на независимом лейбле Flying Nun Records. Музыка распространялась посредством всяких подпольных клубов, студенческих радиостанций и хождений записей по рукам. Позже критики отметят, что популяризация данидин-саунда повлияла на развитие инди-рока как популярного жанра. В противовес данидин-саунду в Окленде развивалась панк-рок сцена (а чуть позже стали появляться и нойз-рок группы, также ставшие заметным явлением). Вскоре новозеландские исполнители засветились на радио в США и Европе, и у данидин-саунда появились поклонники по всему миру. R.E.M., Yo La Tengo и Pavement – лишь небольшой список групп, вдохновлённых жанром.
Запала хватило лет на 10, а потом новозеландский рок опять вернулся в режим various. Данидин-саунд релизы выходят и в наше время, но уже не пользуются большой популярностью. Из современной сцены можно выделить талантливого Коннана Мокасина и любимчиков критиков The Beths. Собрал вам всех лучших ребят Данидина и добавил щепотку тех, кто блеснул позже. Удивительно, что почти на все хиты восьмидесятых есть клипы.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №19)
Nigerian R&B /Afro-Funk, Jazz-Funk, Synth Funk, Boogie/
(на обложке Burna Boy и Rema)
В рубрике ещё ни разу не было ритм-н-блюза, пора исправляться. Если современный r&b – вещь массовая, которую не составит труда собрать по любой более-менее крупной стране, а классический r&b – явление исключительно американское, то промежуточный этап до пришествия Принса и Майкла Джексона, в котором выделяются соул и фанк, за пределами UK и US сформировался в отдельное движение только у избранных. Нигерия – одна из ключевых стран афро-фанка, важного и очень модного жанра на материке, популярность которого простирается от семидесятых до наших дней.
Фанк появился во второй половине шестидесятых и почти мгновенно стал популярен в Нигерии. Причин тому несколько, основные – близость по духу местным музыкантам тех лет и возможность бесшовного внедрения внутрь музыкальных традиций. Что поделаешь, ребята любят танцевать, и ранний фанк обескураживал в плане отвлечения от всех мирских забот. Начиная с XVI века нигерийцы искали в музыке успокоения, с каждым веком разработав целый комплекс народных жанров, однако именно с популяризацией фанка связана заинтересованность в местной музыке людей далеко за пределами Африки. Чуть позже всё это выльется в афробит, о котором как-нибудь в другой раз. Есть огромное количество разнообразных компиляций, позволяющих проникнуться той эпохой. Я бы рекомендовал серию от лейбла Strut. Переслушав всё это, можно экзамен по нигерийской музыке сдавать.
Если Фелу Кути знает большинство меломанов, то Бабатунде Олатунджи, Джони Хаструпа и Уильяма Ониибора скорее избранные. А меж тем эти ребята в семидесятые тоже писали отличные вещи, и даже немного внедряли в фанк электронику. Если говорить начистоту, нигерийский фанк имеет больше соприкосновений с этно-культурой, чем с фанком как таковым, но раз ребята решили назвать себя так, почему бы не рассмотреть их наследие как отдельное движение. В классическом виде мы всегда услышим богатые на национальные инструменты (особенно ударные) аранжировки, фактически полное отсутствие формы и иногда вовлечение энергичного MC. Слушать такую музыку с каменным лицом и без движений – задача со звёздочкой.
Примерно до середины восьмидесятых афро-фанк имел вес на местной сцене, а потом окончательно уступил место другим жанрам. Ренессанс случился во второй половине 2010-ых, когда молодые исполнители, вспомнив о своих корнях, совместными усилиями запустили новую r&b волну в стране. Она куда более американо-ориентирована, но было бы странно видеть иное положение дел. Современные нигерийцы попадают в топ Billboard, номинируются на Грэмми и записывают фиты с Селеной Гомес и Little Simz. А ещё нужно отметить два сабжанра, за последние годы выделившиеся в гиковских кругах – афробитс и альте. Очень люблю как саунд семидесятых, так и современный, более минималистичный стиль. Горячо рекомендую.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №19)
Nigerian R&B /Afro-Funk, Jazz-Funk, Synth Funk, Boogie/
(на обложке Burna Boy и Rema)
В рубрике ещё ни разу не было ритм-н-блюза, пора исправляться. Если современный r&b – вещь массовая, которую не составит труда собрать по любой более-менее крупной стране, а классический r&b – явление исключительно американское, то промежуточный этап до пришествия Принса и Майкла Джексона, в котором выделяются соул и фанк, за пределами UK и US сформировался в отдельное движение только у избранных. Нигерия – одна из ключевых стран афро-фанка, важного и очень модного жанра на материке, популярность которого простирается от семидесятых до наших дней.
Фанк появился во второй половине шестидесятых и почти мгновенно стал популярен в Нигерии. Причин тому несколько, основные – близость по духу местным музыкантам тех лет и возможность бесшовного внедрения внутрь музыкальных традиций. Что поделаешь, ребята любят танцевать, и ранний фанк обескураживал в плане отвлечения от всех мирских забот. Начиная с XVI века нигерийцы искали в музыке успокоения, с каждым веком разработав целый комплекс народных жанров, однако именно с популяризацией фанка связана заинтересованность в местной музыке людей далеко за пределами Африки. Чуть позже всё это выльется в афробит, о котором как-нибудь в другой раз. Есть огромное количество разнообразных компиляций, позволяющих проникнуться той эпохой. Я бы рекомендовал серию от лейбла Strut. Переслушав всё это, можно экзамен по нигерийской музыке сдавать.
Если Фелу Кути знает большинство меломанов, то Бабатунде Олатунджи, Джони Хаструпа и Уильяма Ониибора скорее избранные. А меж тем эти ребята в семидесятые тоже писали отличные вещи, и даже немного внедряли в фанк электронику. Если говорить начистоту, нигерийский фанк имеет больше соприкосновений с этно-культурой, чем с фанком как таковым, но раз ребята решили назвать себя так, почему бы не рассмотреть их наследие как отдельное движение. В классическом виде мы всегда услышим богатые на национальные инструменты (особенно ударные) аранжировки, фактически полное отсутствие формы и иногда вовлечение энергичного MC. Слушать такую музыку с каменным лицом и без движений – задача со звёздочкой.
Примерно до середины восьмидесятых афро-фанк имел вес на местной сцене, а потом окончательно уступил место другим жанрам. Ренессанс случился во второй половине 2010-ых, когда молодые исполнители, вспомнив о своих корнях, совместными усилиями запустили новую r&b волну в стране. Она куда более американо-ориентирована, но было бы странно видеть иное положение дел. Современные нигерийцы попадают в топ Billboard, номинируются на Грэмми и записывают фиты с Селеной Гомес и Little Simz. А ещё нужно отметить два сабжанра, за последние годы выделившиеся в гиковских кругах – афробитс и альте. Очень люблю как саунд семидесятых, так и современный, более минималистичный стиль. Горячо рекомендую.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №20)
Romanian Popcorn
(на обложке Эдвард Майя и Вика Жигулина)
Почему бы на юбилейном выпуске не сделать перерыв от хорошей музыки и не послушать немного отъявленного дерьма? ☺️ guilty pleasure вошёл в чат.
В 9 классе (2005 год) кент подарил мне кассетный плеер. Где-то полтора года после этого я от него не отлипал (потом класс скинулся и подарил мне переносную магнитолу, настала эра дисков). Одной из первых кассет у меня появился третий альбом O-Zone Discozone (что на самом деле больше компиляция, ведь многие песни с него были на предыдущих релизах). Не знаю, что тому предшествовало, ту самую песню про "нума-нума е" я не любил, но как-то так вышло. Как меня разорвало от этой музыки! Особенно очарован был румынским языком. Он показался мне настолько благозвучным, что я даже решил его выучить. Помню расширенные глаза местной библиотекарши, когда я попросил у неё русско-румныский разговорник. Такой нашёлся! Несколько месяцев я походил с ним, в свободное от учёбы время почитывал. Конечно, нифига не выучил, но вот тексты O-Zone помню до сих пор. Суфер мульт дар врей са ма уйсц крези ка тотуль треке…
O-Zone были локальным явлением. Сверкнули, быстро погасли, участники разбежались по соло-проектам. Но каково же было моё удивление, когда всего через пару лет после распада группы румынская музыка стала по-настоящему популярной. Ребята сделали свою версию европопа с аккуратными синтами, органичными клавишными, высоким темпом и зачастую 18+ лирикой – музыка, идеально подходившая для танцполов и попавшая в своё время. По нашему радио Record, которое тогда переживало свой пик, румынский поп был в ходу. За час можно было выцепить штук пять хитов. Звучание стало настолько узнаваемым, что его выделили в отдельный жанр – "румынский попкорн". Почему попкорн? В честь знакового альбома Popcorn от David Deejay и Dony. Он вышел в 2008 году, но многие релизы до него (например, от группы Akcent) сейчас также ассоциируют с попкорном. Интересно, что есть ещё бельгийский попкорн, но это про 1970-80-ые.
Мода прошла довольно быстро, уже в середине 2010-ых попкорн массово выпускать перестали. Однако как явление он остался до сих пор. К примеру, недавний сингл Кеши – это тот самый румынский попкорн. В моменте эту музыку успели оценить даже за пределами Европы, но сейчас к ней отношение как и к какому-нибудь евродэнсу – дух времени, не более. Собрал вам самых известных румын и молдаван, остальные нации для сборника решил не касаться. Умом я конечно понимаю, что всё это не очень здорово звучит, но сердце уже не разлюбит. Шанс, что вы не слышали ничего из подборки, равен примерно нулю.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
(выпуск №20)
Romanian Popcorn
(на обложке Эдвард Майя и Вика Жигулина)
Почему бы на юбилейном выпуске не сделать перерыв от хорошей музыки и не послушать немного отъявленного дерьма? ☺️ guilty pleasure вошёл в чат.
В 9 классе (2005 год) кент подарил мне кассетный плеер. Где-то полтора года после этого я от него не отлипал (потом класс скинулся и подарил мне переносную магнитолу, настала эра дисков). Одной из первых кассет у меня появился третий альбом O-Zone Discozone (что на самом деле больше компиляция, ведь многие песни с него были на предыдущих релизах). Не знаю, что тому предшествовало, ту самую песню про "нума-нума е" я не любил, но как-то так вышло. Как меня разорвало от этой музыки! Особенно очарован был румынским языком. Он показался мне настолько благозвучным, что я даже решил его выучить. Помню расширенные глаза местной библиотекарши, когда я попросил у неё русско-румныский разговорник. Такой нашёлся! Несколько месяцев я походил с ним, в свободное от учёбы время почитывал. Конечно, нифига не выучил, но вот тексты O-Zone помню до сих пор. Суфер мульт дар врей са ма уйсц крези ка тотуль треке…
O-Zone были локальным явлением. Сверкнули, быстро погасли, участники разбежались по соло-проектам. Но каково же было моё удивление, когда всего через пару лет после распада группы румынская музыка стала по-настоящему популярной. Ребята сделали свою версию европопа с аккуратными синтами, органичными клавишными, высоким темпом и зачастую 18+ лирикой – музыка, идеально подходившая для танцполов и попавшая в своё время. По нашему радио Record, которое тогда переживало свой пик, румынский поп был в ходу. За час можно было выцепить штук пять хитов. Звучание стало настолько узнаваемым, что его выделили в отдельный жанр – "румынский попкорн". Почему попкорн? В честь знакового альбома Popcorn от David Deejay и Dony. Он вышел в 2008 году, но многие релизы до него (например, от группы Akcent) сейчас также ассоциируют с попкорном. Интересно, что есть ещё бельгийский попкорн, но это про 1970-80-ые.
Мода прошла довольно быстро, уже в середине 2010-ых попкорн массово выпускать перестали. Однако как явление он остался до сих пор. К примеру, недавний сингл Кеши – это тот самый румынский попкорн. В моменте эту музыку успели оценить даже за пределами Европы, но сейчас к ней отношение как и к какому-нибудь евродэнсу – дух времени, не более. Собрал вам самых известных румын и молдаван, остальные нации для сборника решил не касаться. Умом я конечно понимаю, что всё это не очень здорово звучит, но сердце уже не разлюбит. Шанс, что вы не слышали ничего из подборки, равен примерно нулю.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №21)
Chilean Folk
(на обложке выцепленная в чужом блоге нарисованная картинка, изображающая рядом Виолету и Виктора; увы, реальных совместных фото нет)
Немного попытал вас румынской попсой, пора возвращаться к прекрасному. Чилийский фолк настолько восхитителен, что я когда-то хотел сделать по нему тематическую неделю. Только две проблемы – исполнителей не так много, как в рок-сегменте, и акт блогерского самоубийства, которым оборачивается каждое подобное мероприятие. Так что давайте в укороченном формате. Гарантирую, что вы просто охренеете, если послушаете сборник целиком.
Как и в любой более-менее крупной стране, фолк в Чили появился очень давно. Ещё до обретения независимости, в XVIII веке были первые композиторы, которые отказывались копировать мировые тенденции и шли своим путём. Традиции местного фольклора, связанные с разработкой уникальной музыкальной формы, были заложены уже тогда. В XIX веке таких композиторов стало больше, а также в те годы фолк "пустил ветви" – разделился по географическому признаку. Север, Центр и Юг страны начали обособленное развитие фолк-культуры, характеризовавшееся своими формами, танцами и набором инструментов. Немного почитать об этом можно здесь.
К середине XX века, а если быть точнее к началу 1960-ых, чилийский фолк уже испытывал некоторую стагнацию. Исполнители пятидесятых звучали однообразно, не выполняя никакой социальной функции. Супротив застою появилось движение Nueva canción chilena (Новая чилийская песня), и именно с этого момента можно начинать отсчёт чилийского фолка в том виде, что стал известен нашему поколению. Исполнители NCC стремились восстановить традиционную народную чилийскую музыку, объединив её с социально значимыми текстами и популярными ритмами всей Латинской Америки. Новообразованный жанр объединил под своими знамёнами не только фолк-музыкантов, но и композиторов, поэтов и культурных исследователей. Это было больше, чем просто музыка. Со временем NCC стал показателем народного единства и прогрессивным политическим движением.
Самими яркими представителями NCC были Виолета Парра и Виктор Хара. Также было много интересных групп, углубившихся в широкий латиноамериканский репертуар и искавших новые идеи. На развитие звучания NCC повлияли парагвайская гуарания и мексиканская хуапанго. Вместо продюсеров у групп были так называемые cantautores – наставники, выступавшие в качестве художественных руководителей (Хара также был таким, помимо сольных работ). Исполнители жанра пропагандировали самовыражение коренных народов и активно использовали экзотические для европейского уха инструменты. Вокал в NCC всегда был выразительным и отражал концепцию единства. Тексты песен были основаны на произведениях ранее существовавшей латиноамериканской поэзии с акцентом на политические вопросы, любовь или борьбу рабочего класса.
Движение самым жёстким и кровавым способом было пресечено государственным переворотом 11 сентября 1973 года. Хара был публично казнён (в него было пущено более 40 пуль), а Парра до тех событий не дожила, покончив с собой несколькими годами ранее. Все оставшиеся в живых представители NCC были вынуждены покинуть страну, и пару десятилетий движение развивалось за пределами Чили. Удивительно, но музыканты каждого из последующих поколений бережно относились к традициям, а последние лет 8 так и вовсе наблюдается ренессанс чилийского фолка. Даже рок-исполнители активно используют традиционные инструменты и не прочь сделать акустические концерты, например. Я просто обожаю эту музыку и буду следить за её развитием, что бы ни случилось.
Слушать: Youtube
(выпуск №21)
Chilean Folk
(на обложке выцепленная в чужом блоге нарисованная картинка, изображающая рядом Виолету и Виктора; увы, реальных совместных фото нет)
Немного попытал вас румынской попсой, пора возвращаться к прекрасному. Чилийский фолк настолько восхитителен, что я когда-то хотел сделать по нему тематическую неделю. Только две проблемы – исполнителей не так много, как в рок-сегменте, и акт блогерского самоубийства, которым оборачивается каждое подобное мероприятие. Так что давайте в укороченном формате. Гарантирую, что вы просто охренеете, если послушаете сборник целиком.
Как и в любой более-менее крупной стране, фолк в Чили появился очень давно. Ещё до обретения независимости, в XVIII веке были первые композиторы, которые отказывались копировать мировые тенденции и шли своим путём. Традиции местного фольклора, связанные с разработкой уникальной музыкальной формы, были заложены уже тогда. В XIX веке таких композиторов стало больше, а также в те годы фолк "пустил ветви" – разделился по географическому признаку. Север, Центр и Юг страны начали обособленное развитие фолк-культуры, характеризовавшееся своими формами, танцами и набором инструментов. Немного почитать об этом можно здесь.
К середине XX века, а если быть точнее к началу 1960-ых, чилийский фолк уже испытывал некоторую стагнацию. Исполнители пятидесятых звучали однообразно, не выполняя никакой социальной функции. Супротив застою появилось движение Nueva canción chilena (Новая чилийская песня), и именно с этого момента можно начинать отсчёт чилийского фолка в том виде, что стал известен нашему поколению. Исполнители NCC стремились восстановить традиционную народную чилийскую музыку, объединив её с социально значимыми текстами и популярными ритмами всей Латинской Америки. Новообразованный жанр объединил под своими знамёнами не только фолк-музыкантов, но и композиторов, поэтов и культурных исследователей. Это было больше, чем просто музыка. Со временем NCC стал показателем народного единства и прогрессивным политическим движением.
Самими яркими представителями NCC были Виолета Парра и Виктор Хара. Также было много интересных групп, углубившихся в широкий латиноамериканский репертуар и искавших новые идеи. На развитие звучания NCC повлияли парагвайская гуарания и мексиканская хуапанго. Вместо продюсеров у групп были так называемые cantautores – наставники, выступавшие в качестве художественных руководителей (Хара также был таким, помимо сольных работ). Исполнители жанра пропагандировали самовыражение коренных народов и активно использовали экзотические для европейского уха инструменты. Вокал в NCC всегда был выразительным и отражал концепцию единства. Тексты песен были основаны на произведениях ранее существовавшей латиноамериканской поэзии с акцентом на политические вопросы, любовь или борьбу рабочего класса.
Движение самым жёстким и кровавым способом было пресечено государственным переворотом 11 сентября 1973 года. Хара был публично казнён (в него было пущено более 40 пуль), а Парра до тех событий не дожила, покончив с собой несколькими годами ранее. Все оставшиеся в живых представители NCC были вынуждены покинуть страну, и пару десятилетий движение развивалось за пределами Чили. Удивительно, но музыканты каждого из последующих поколений бережно относились к традициям, а последние лет 8 так и вовсе наблюдается ренессанс чилийского фолка. Даже рок-исполнители активно используют традиционные инструменты и не прочь сделать акустические концерты, например. Я просто обожаю эту музыку и буду следить за её развитием, что бы ни случилось.
Слушать: Youtube
#жемчужинка
(выпуск №22)
Cuban Jazz
(на обложке Ибраим Феррер и Рубен Гонсалес)
Есть определённая группа людей, которая при одном упоминании слова "джаз" бежит, не оглядываясь. Их можно понять, ведь жанр действительно не самый простой, и порой точку входа, с которой будет легко начать, можно искать очень долго и сдаться по пути. Но при таких поисках люди обычно опираются на американский джаз, который, хоть и потрясающе разнообразен, всё же таит в себе определённые догмы, постичь которые неподготовленному уху будет проблематично. Сегодня у нас в рубрике неамериканский джаз, и кажется, подобный сборник может стать идеальным стартом для робко поглядывающих на таинства жанра.
Если мы говорим о хард-бопах, биг-бендах и прочих авангардах, такую музыку на Кубе пишут, но редко. Рассуждая о массовом потреблении, в названии поста не хватает приставки. Афро-кубинский джаз – самая ранняя форма латинского джаза, появившаяся в 1940-ых и актуальная по сей день. Образовался жанр просто – кубинские эмигранты-музыканты на американской земле поняли, что им тесновато в рамках свинга и бибопа и начали импровизировать с формами. Всё это началось сразу после войны, когда каждый музыкальный жанр нуждался в новых героях. Взяв за основу свои национальные ритмы, из которых выделялся ритмический рисунок клаве (как раз пришедший из Африки, поэтому в названии жанра и появилась приставка), и смешав их с джазовыми гармониями, ребята вывели нечто новое. Не последнюю роль в образовании жанра сыграл духовный аспект – музыка будто переносила слушателя в центр какого-то африканского ритуала.
Хотя имена первопроходцев известны – Марио Баусо и Мачито – афро-кубинский джаз долгое время был популярен только в США и писался, в основном, руками американцев. Так, выпуск первого сингла в рамках жанра обычно приписывают Диззи Гиллеспи, а его же альбом Afro 1954 года считается абсолютной классикой и вершиной жанра тех лет (тогда ещё активно использовался не прижившийся термин "кубоп"). Гиллеспи ничего не крал – он просто активно со всеми сотрудничал и очень интересовался экзотическими формами джаза. Во многом поэтому он и стал новатором. Лишь спустя 30 лет, в семидесятых, жанр стал популярен на той земле, где зародился, и тогда же началась первая волна его популярности (всё же в пятидесятые он не претендовал на что-то большое). Вторую волну легко связать с Вимом Вендерсом и его потрясающим фильмом, который заново открыл миру не только кубинский джаз, но и музыку острова в целом. На волне популярности Buena Vista Social Club каждый его член записал по несколько студийных альбомов, и многие были именно в жанре афро-кубинского джаза. Третьей волны пока не было, но о группах типа Orquesta Akokán активно пишет даже мировая пресса. Недавно у ребят новый альбом вышел, кстати, хороший.
Афро-кубинский джаз – это страсть, энергия, танец. Это жизнь. Обязательное присутствие двух видов кубинских барабанов – бонго и конга – как главный отличительный маркер, а всё остальное может разниться от трека к треку. Очень свободная и яркая музыка, заставляющая двигаться как по мановению волшебной палочки. У меня с некоторых пор есть ассоциация с Кубой: Диего Марадона, кричащий в камеру: "Я люблю Кубу!" – и прыгающий после этого в бассейн (отрывок д/ф Эмира Кустурицы). Понятно, почему великий аргентинец любил остров, но хочется думать, что музыка тоже занимала в сердце Диего какое-то местечко.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №22)
Cuban Jazz
(на обложке Ибраим Феррер и Рубен Гонсалес)
Есть определённая группа людей, которая при одном упоминании слова "джаз" бежит, не оглядываясь. Их можно понять, ведь жанр действительно не самый простой, и порой точку входа, с которой будет легко начать, можно искать очень долго и сдаться по пути. Но при таких поисках люди обычно опираются на американский джаз, который, хоть и потрясающе разнообразен, всё же таит в себе определённые догмы, постичь которые неподготовленному уху будет проблематично. Сегодня у нас в рубрике неамериканский джаз, и кажется, подобный сборник может стать идеальным стартом для робко поглядывающих на таинства жанра.
Если мы говорим о хард-бопах, биг-бендах и прочих авангардах, такую музыку на Кубе пишут, но редко. Рассуждая о массовом потреблении, в названии поста не хватает приставки. Афро-кубинский джаз – самая ранняя форма латинского джаза, появившаяся в 1940-ых и актуальная по сей день. Образовался жанр просто – кубинские эмигранты-музыканты на американской земле поняли, что им тесновато в рамках свинга и бибопа и начали импровизировать с формами. Всё это началось сразу после войны, когда каждый музыкальный жанр нуждался в новых героях. Взяв за основу свои национальные ритмы, из которых выделялся ритмический рисунок клаве (как раз пришедший из Африки, поэтому в названии жанра и появилась приставка), и смешав их с джазовыми гармониями, ребята вывели нечто новое. Не последнюю роль в образовании жанра сыграл духовный аспект – музыка будто переносила слушателя в центр какого-то африканского ритуала.
Хотя имена первопроходцев известны – Марио Баусо и Мачито – афро-кубинский джаз долгое время был популярен только в США и писался, в основном, руками американцев. Так, выпуск первого сингла в рамках жанра обычно приписывают Диззи Гиллеспи, а его же альбом Afro 1954 года считается абсолютной классикой и вершиной жанра тех лет (тогда ещё активно использовался не прижившийся термин "кубоп"). Гиллеспи ничего не крал – он просто активно со всеми сотрудничал и очень интересовался экзотическими формами джаза. Во многом поэтому он и стал новатором. Лишь спустя 30 лет, в семидесятых, жанр стал популярен на той земле, где зародился, и тогда же началась первая волна его популярности (всё же в пятидесятые он не претендовал на что-то большое). Вторую волну легко связать с Вимом Вендерсом и его потрясающим фильмом, который заново открыл миру не только кубинский джаз, но и музыку острова в целом. На волне популярности Buena Vista Social Club каждый его член записал по несколько студийных альбомов, и многие были именно в жанре афро-кубинского джаза. Третьей волны пока не было, но о группах типа Orquesta Akokán активно пишет даже мировая пресса. Недавно у ребят новый альбом вышел, кстати, хороший.
Афро-кубинский джаз – это страсть, энергия, танец. Это жизнь. Обязательное присутствие двух видов кубинских барабанов – бонго и конга – как главный отличительный маркер, а всё остальное может разниться от трека к треку. Очень свободная и яркая музыка, заставляющая двигаться как по мановению волшебной палочки. У меня с некоторых пор есть ассоциация с Кубой: Диего Марадона, кричащий в камеру: "Я люблю Кубу!" – и прыгающий после этого в бассейн (отрывок д/ф Эмира Кустурицы). Понятно, почему великий аргентинец любил остров, но хочется думать, что музыка тоже занимала в сердце Диего какое-то местечко.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №23)
Vietnamese Music
(на обложке Фыонг Там, первая рок-дива страны)
Не составило бы большого труда разделить вьетнамскую музыку на много-много тематических сборников, но всё же волевым решением я свёл всех легенд разных жанров в одну подборку. Несмотря на то, что музыкальные традиции страны были заложены очень-очень давно, и вьетнамская музыка постоянно развивалась, заставлять вас слушать полтора часа классического вьетнамского фолка, например, кажется утопической затеей. Оставлю это супер-оригиналам, а своей задачей выберу немного приобщить вас к разнообразной музыке прекрасной азиатской страны.
Вся история вьетнамской музыки красочно описана в статье на Вики. Жанровая эволюция, подвиды фолка, народные музыкальные инструменты (есть и в отдельной статье), наше время – всё расписали. Меня, как всегда, привлекают самые основы, зарождение музыки, так сказать. Начиналось во Вьетнаме всё с придворной музыки, которая с лёгким изменением формы дошла и до нашего времени. Сейчас такую музыку принято тегать как Vietnamese Court Music. За стартовую отметку принято считать, внимание, XI век. Просто офигеть! Мотеты с мадригалами и то начали писать позже лет на 300, а мастера-инструменталисты Вьетнама на гонгах и конхи уже старались радовать своих хозяев. Возможно, это самый долговечный жанр из всех.
Начиная с XIII века можно говорить о зарождении вьетнамского фолка. Ребята брали по чуть-чуть от разных музыкальных культур (причём не только азиатских!) и преобразовывали их в нечто уникальное. В единицах стран фолк развит настолько масштабно и разнообразно, многие направления ассоциируют только с Вьетнамом. По прошествии нескольких веков местные музыкальные традиции образовали целую ветку, которую удобно разложили на RYM. Важно всё: территориальное расположение эпицентра жанра внутри страны, время появления, культурные заимствования, структура, набор инструментов. Так, например, во Вьетнаме есть свой жанр болеро, первые лирические вещи принято относить к жанру някванг, а фолк с элементами оперы – это уже кайлыонг. Можно с ума сойти, пока всё это изучишь.
В середине XX века во Вьетнам завезли рок-н-ролл, и это породило новую волну эволюции. Ребятам в те годы было немного не до музыки, но всё же разнообразные сёрф, гараж, психо-соул и прото-рок исполнители успели заявить о себе. После того как война закончилась, всё закрутилось снова. Фолк-ветка начала жить отдельной жизнью (Vietnamese Folk Music – вполне себе отдельный жанр), а поп-ориентированная музыка начала с новой силой впитывать в себя мировые тренды. Так, в стране появились альт-рок, смут-джаз, хип-хоп и прочее. Если не считать жанров типа някванг, где проскакивала куплетно-припевная структура как в традиционном попе, популярная музыка во Вьетнаме очень молода. Ей около полувека.
В наше время страна выделяется несколькими направлениями. Первое – само собой, V-Pop. В каждой крупной азиатской стране есть свой поп с национальным колоритом, и Вьетнам не стоит в стороне. Местные звёзды жанра тоже дают по мильону концертов в год, но всё же не считаются суперзвёздами. Второе – современный r&b и немного хип-хоп. Так, единственный вьетнамский альбом, залетевший в гиковские топы, это Tapetumlucidum<3 от проекта Aprxel. Третье – и это сильно удивляет – экспериментальная электроника. За последние 10 лет вышло беспрецедентно большое количество релизов в широком диапазоне жанров, от глитча до электроакустики, а о местных звёздах Rắn Cạp Đuôi могут написать даже в Pitchfork. В 20 песнях невозможно отобразить всё прекрасное, что есть на музыкальной карте Вьетнама, но я постарался.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №23)
Vietnamese Music
(на обложке Фыонг Там, первая рок-дива страны)
Не составило бы большого труда разделить вьетнамскую музыку на много-много тематических сборников, но всё же волевым решением я свёл всех легенд разных жанров в одну подборку. Несмотря на то, что музыкальные традиции страны были заложены очень-очень давно, и вьетнамская музыка постоянно развивалась, заставлять вас слушать полтора часа классического вьетнамского фолка, например, кажется утопической затеей. Оставлю это супер-оригиналам, а своей задачей выберу немного приобщить вас к разнообразной музыке прекрасной азиатской страны.
Вся история вьетнамской музыки красочно описана в статье на Вики. Жанровая эволюция, подвиды фолка, народные музыкальные инструменты (есть и в отдельной статье), наше время – всё расписали. Меня, как всегда, привлекают самые основы, зарождение музыки, так сказать. Начиналось во Вьетнаме всё с придворной музыки, которая с лёгким изменением формы дошла и до нашего времени. Сейчас такую музыку принято тегать как Vietnamese Court Music. За стартовую отметку принято считать, внимание, XI век. Просто офигеть! Мотеты с мадригалами и то начали писать позже лет на 300, а мастера-инструменталисты Вьетнама на гонгах и конхи уже старались радовать своих хозяев. Возможно, это самый долговечный жанр из всех.
Начиная с XIII века можно говорить о зарождении вьетнамского фолка. Ребята брали по чуть-чуть от разных музыкальных культур (причём не только азиатских!) и преобразовывали их в нечто уникальное. В единицах стран фолк развит настолько масштабно и разнообразно, многие направления ассоциируют только с Вьетнамом. По прошествии нескольких веков местные музыкальные традиции образовали целую ветку, которую удобно разложили на RYM. Важно всё: территориальное расположение эпицентра жанра внутри страны, время появления, культурные заимствования, структура, набор инструментов. Так, например, во Вьетнаме есть свой жанр болеро, первые лирические вещи принято относить к жанру някванг, а фолк с элементами оперы – это уже кайлыонг. Можно с ума сойти, пока всё это изучишь.
В середине XX века во Вьетнам завезли рок-н-ролл, и это породило новую волну эволюции. Ребятам в те годы было немного не до музыки, но всё же разнообразные сёрф, гараж, психо-соул и прото-рок исполнители успели заявить о себе. После того как война закончилась, всё закрутилось снова. Фолк-ветка начала жить отдельной жизнью (Vietnamese Folk Music – вполне себе отдельный жанр), а поп-ориентированная музыка начала с новой силой впитывать в себя мировые тренды. Так, в стране появились альт-рок, смут-джаз, хип-хоп и прочее. Если не считать жанров типа някванг, где проскакивала куплетно-припевная структура как в традиционном попе, популярная музыка во Вьетнаме очень молода. Ей около полувека.
В наше время страна выделяется несколькими направлениями. Первое – само собой, V-Pop. В каждой крупной азиатской стране есть свой поп с национальным колоритом, и Вьетнам не стоит в стороне. Местные звёзды жанра тоже дают по мильону концертов в год, но всё же не считаются суперзвёздами. Второе – современный r&b и немного хип-хоп. Так, единственный вьетнамский альбом, залетевший в гиковские топы, это Tapetumlucidum<3 от проекта Aprxel. Третье – и это сильно удивляет – экспериментальная электроника. За последние 10 лет вышло беспрецедентно большое количество релизов в широком диапазоне жанров, от глитча до электроакустики, а о местных звёздах Rắn Cạp Đuôi могут написать даже в Pitchfork. В 20 песнях невозможно отобразить всё прекрасное, что есть на музыкальной карте Вьетнама, но я постарался.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №24)
German Hip-Hop /Deutschrap/
(на обложке Bushido)
Немецкий язык, конечно, тот ещё маркер для проверки вкуса и нервов. Многие не слушают даже известные немецкие метал-команды только потому, что от лирики уши сводит и внизу спины побаливает, а некоторые наоборот, неимоверно кайфуют и любую немецкую команду для себя выделяют из-за сложного языка. Я где-то посередине – не суперфанат (в отличие от французского или румынского, которых тоже многие не любят), но и никогда не выделял немецкий язык как первопричину (не)знакомства с музыкальным контентом. Немецкие рэперы читают преимущественно на родном языке. Не помню время и место, но когда я услышал это впервые, меня прямо торкнуло. Очень ловко ребята кладут родную речь на биты. С тех пор прошло много лет, удалось послушать несколько дискографий и внушительное количество альбомов, но по факту я только начинаю изучать немецкий хип-хоп. Это просто огромный музыкальный пласт, который с каждым годом наполняется всё новыми интересными героями.
Появился хип-хоп в Германии чуть позже, чем в США. Только американцы начали выпускать первые синглы, как немцы тут же подтянулись и начали мутить свои темы. Надо отметить, что, как и в Америке, в Германии хип-хоп был полноценным культурным движением, а не просто музыкальным жанром. Все восьмидесятые и начало девяностых рэп был по большей части в подполье, редко пробиваясь на ТВ и радио, но года с 1992-го всё закрутилось. Герои тех лет типа группы Die Fantastischen Vier до сих пор ценятся массами (помню своё удивление, когда увидел участников группы в жюри The Voice; у немцев вообще много рэпа на разных конкурсах и даже было шоу типа Rap Voice для молодых MC). До 1995 года был сделан огромный скачок, ну а после хип-хоп стал полноценной частью мейнстрима. Факт одного из самых популярных жанров подчёркивает очень высокая конкурентоспособность местных звёзд сцены в чартах. Так, у Bushido 10 (!) студийных альбомов становились №1 по продажам в Германии.
В наше время жанр можно условно поделить на несколько веток. В первой – суперзвёзды и OG, каждый LP которых раскупается как горячие пирожки. Удивительно, но за пределами Германии этих исполнителей скорее тихо уважают, чем любят. Во второй – всякие эклектичные ребята, мешающие хапчик с роком, электроникой и r&b. Некоторые, как Ким Петрас, уезжают в США и пытаются сделать карьеру там, но большинство остаётся дома и довольствуется средними продажами и активной концертной жизнью. В третьей – тихие герои, выступающие в традиционных формах типа бум-бэпа или гангста-рэпа. Их не интересуют продажи, их интересуют социум и отображение в творчестве духа времени. Ну и четвёртая – гиковская андеграундная сцена, где царят всякие абстракт/индастриал сабжанры. Как и в целом по миру, эта ветка последние годы активно развивается. Уследить за всем невозможно, а если ещё учесть, что в Германию по-прежнему активно едут поляки и турки, формируя свои подветки… В общем, атас.
Немецкий хапчик – это mood. Если в целом рэп вам импонирует, дайте шанс. Хотя бы песен пять, и всё будет решено. Или влюбитесь и захотите кушать его большой ложкой, или волшебства не произойдёт, и можно возвращаться к знакомым плейлистам.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №24)
German Hip-Hop /Deutschrap/
(на обложке Bushido)
Немецкий язык, конечно, тот ещё маркер для проверки вкуса и нервов. Многие не слушают даже известные немецкие метал-команды только потому, что от лирики уши сводит и внизу спины побаливает, а некоторые наоборот, неимоверно кайфуют и любую немецкую команду для себя выделяют из-за сложного языка. Я где-то посередине – не суперфанат (в отличие от французского или румынского, которых тоже многие не любят), но и никогда не выделял немецкий язык как первопричину (не)знакомства с музыкальным контентом. Немецкие рэперы читают преимущественно на родном языке. Не помню время и место, но когда я услышал это впервые, меня прямо торкнуло. Очень ловко ребята кладут родную речь на биты. С тех пор прошло много лет, удалось послушать несколько дискографий и внушительное количество альбомов, но по факту я только начинаю изучать немецкий хип-хоп. Это просто огромный музыкальный пласт, который с каждым годом наполняется всё новыми интересными героями.
Появился хип-хоп в Германии чуть позже, чем в США. Только американцы начали выпускать первые синглы, как немцы тут же подтянулись и начали мутить свои темы. Надо отметить, что, как и в Америке, в Германии хип-хоп был полноценным культурным движением, а не просто музыкальным жанром. Все восьмидесятые и начало девяностых рэп был по большей части в подполье, редко пробиваясь на ТВ и радио, но года с 1992-го всё закрутилось. Герои тех лет типа группы Die Fantastischen Vier до сих пор ценятся массами (помню своё удивление, когда увидел участников группы в жюри The Voice; у немцев вообще много рэпа на разных конкурсах и даже было шоу типа Rap Voice для молодых MC). До 1995 года был сделан огромный скачок, ну а после хип-хоп стал полноценной частью мейнстрима. Факт одного из самых популярных жанров подчёркивает очень высокая конкурентоспособность местных звёзд сцены в чартах. Так, у Bushido 10 (!) студийных альбомов становились №1 по продажам в Германии.
В наше время жанр можно условно поделить на несколько веток. В первой – суперзвёзды и OG, каждый LP которых раскупается как горячие пирожки. Удивительно, но за пределами Германии этих исполнителей скорее тихо уважают, чем любят. Во второй – всякие эклектичные ребята, мешающие хапчик с роком, электроникой и r&b. Некоторые, как Ким Петрас, уезжают в США и пытаются сделать карьеру там, но большинство остаётся дома и довольствуется средними продажами и активной концертной жизнью. В третьей – тихие герои, выступающие в традиционных формах типа бум-бэпа или гангста-рэпа. Их не интересуют продажи, их интересуют социум и отображение в творчестве духа времени. Ну и четвёртая – гиковская андеграундная сцена, где царят всякие абстракт/индастриал сабжанры. Как и в целом по миру, эта ветка последние годы активно развивается. Уследить за всем невозможно, а если ещё учесть, что в Германию по-прежнему активно едут поляки и турки, формируя свои подветки… В общем, атас.
Немецкий хапчик – это mood. Если в целом рэп вам импонирует, дайте шанс. Хотя бы песен пять, и всё будет решено. Или влюбитесь и захотите кушать его большой ложкой, или волшебства не произойдёт, и можно возвращаться к знакомым плейлистам.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №25)
Peruvian Electronic
(на обложке прекрасная София Куртесис)
Не знаю как вы, а я, когда узнаю что-то новое экзотическое, сразу хочу познакомиться с этим поближе, углубиться в тему. Великолепный альбом Софии Куртесис (по итогам прошлого года моё 28 место) – перуанки, проживающей в Германии, – как бы подсказал: "пссс, чувак, перуанская электроника существует, тебе сюда". И ты такой думаешь: Перу… электроника… наверное что-то лютое, полный андеграунд. Но потом начинаешь изучать мат.часть и понимаешь, что никогда нельзя недооценивать музыкальные мировые широты, и если что-то есть в настоящем, то у него явно есть глубокие корни в прошлом.
Начнём с того, что был такой перуанский композитор Сесар Боланьос, и он писал электроакустику и конкретную музыку. Было это в шестидесятые, когда в целом в жанре был подъём, но я бы никогда не подумал, что он коснулся Южной Америки. Возможно, если углубиться, можно и бразильцев-аргентинцев накопать, но это в другой раз, домашнее задание. Всё же факт наличия электронной музыки в Перу в шестидесятые, до Kraftwerk и YMO, это уже большое достижение. Записи Боланьоса, исполненные целой кучей музыкантов, до какого-то времени считались утерянными, но в 2009 году вышли на альбоме от лейбла Pogus. Так начиналась история.
Далее мы плавно перемещаемся в восьмидесятые, когда случилось движение "Movimiento Subterraneo", связанное с появлением самодельных синтезаторов и ритм-боксов. Пока страна переживала очень непростые времена из-за гиперинфляции и террора, электронные музыканты в подполье пытались развивать свою движуху. Если в мире на тот момент уже вовсю развивался синтипоп и отпочкованные от него около-танцевальные жанры, то перуанцы звучали холодно, с большим влиянием электроакустических корней. Есть даже статьи на английском, посвящённые тем временам. Рассвело движение уже в девяностые и начале нулевых.
Далее мейнстримная электроника со всей силой ворвалась на земли Перу, что в целом отобразилось не как нечто новое, а как островки популярной электро-музыки. Кто-то играл хаус, кто-то техно, кто-то трип-хоп, но в полноценное движение ничего не вылилось. Для истории период до середины 2010-ых остался как стагнация, зато потом всё началось снова. Перуанцы вернулись к корням, отправив целый отряд музыкантов на создание разнообразной прогрессивной электроники. Тут тебе и дрон, и саунд-коллаж, и глитч, и другие хардкорные сабжанры. Помимо этого, не в Перу, но где-то рядом зажигались чисто латинские танцевальные жанры: Digital Cumbia, Changa tuki, Guaracha, Neoperreo. В них тоже были свои звёзды из нашей страны. И не забываем о таком жанре, как Latin Electronic – электронная музыка с внедрением народных инструментов. Он в Перу фактически ключевой.
До сих пор перуанские ди-джеи и продюсеры не сбавляют оборотов. Последнее значительное событие на данный момент – появление "Afro Peruvian sound". Ребята взяли свои латинские темы и добавили в них африканские мотивы (скорее формы, чем инструменты). В отдельный жанр такую формулу не вывели, но свой отпечаток мини-движение оставить успело. В остальном всё так же здорово – много жанров и исполнителей, ребята дают концерты по всему миру и пользуются уважением среди коллег. Но София Куртесис всё же стоит особняком: и раньше была популярна, но после выхода дебютного LP стала лакомым кусочком на всех хаус-фестивалях. Пожелаем всем перуанским творцам удачи и не сбавлять обороты.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №25)
Peruvian Electronic
(на обложке прекрасная София Куртесис)
Не знаю как вы, а я, когда узнаю что-то новое экзотическое, сразу хочу познакомиться с этим поближе, углубиться в тему. Великолепный альбом Софии Куртесис (по итогам прошлого года моё 28 место) – перуанки, проживающей в Германии, – как бы подсказал: "пссс, чувак, перуанская электроника существует, тебе сюда". И ты такой думаешь: Перу… электроника… наверное что-то лютое, полный андеграунд. Но потом начинаешь изучать мат.часть и понимаешь, что никогда нельзя недооценивать музыкальные мировые широты, и если что-то есть в настоящем, то у него явно есть глубокие корни в прошлом.
Начнём с того, что был такой перуанский композитор Сесар Боланьос, и он писал электроакустику и конкретную музыку. Было это в шестидесятые, когда в целом в жанре был подъём, но я бы никогда не подумал, что он коснулся Южной Америки. Возможно, если углубиться, можно и бразильцев-аргентинцев накопать, но это в другой раз, домашнее задание. Всё же факт наличия электронной музыки в Перу в шестидесятые, до Kraftwerk и YMO, это уже большое достижение. Записи Боланьоса, исполненные целой кучей музыкантов, до какого-то времени считались утерянными, но в 2009 году вышли на альбоме от лейбла Pogus. Так начиналась история.
Далее мы плавно перемещаемся в восьмидесятые, когда случилось движение "Movimiento Subterraneo", связанное с появлением самодельных синтезаторов и ритм-боксов. Пока страна переживала очень непростые времена из-за гиперинфляции и террора, электронные музыканты в подполье пытались развивать свою движуху. Если в мире на тот момент уже вовсю развивался синтипоп и отпочкованные от него около-танцевальные жанры, то перуанцы звучали холодно, с большим влиянием электроакустических корней. Есть даже статьи на английском, посвящённые тем временам. Рассвело движение уже в девяностые и начале нулевых.
Далее мейнстримная электроника со всей силой ворвалась на земли Перу, что в целом отобразилось не как нечто новое, а как островки популярной электро-музыки. Кто-то играл хаус, кто-то техно, кто-то трип-хоп, но в полноценное движение ничего не вылилось. Для истории период до середины 2010-ых остался как стагнация, зато потом всё началось снова. Перуанцы вернулись к корням, отправив целый отряд музыкантов на создание разнообразной прогрессивной электроники. Тут тебе и дрон, и саунд-коллаж, и глитч, и другие хардкорные сабжанры. Помимо этого, не в Перу, но где-то рядом зажигались чисто латинские танцевальные жанры: Digital Cumbia, Changa tuki, Guaracha, Neoperreo. В них тоже были свои звёзды из нашей страны. И не забываем о таком жанре, как Latin Electronic – электронная музыка с внедрением народных инструментов. Он в Перу фактически ключевой.
До сих пор перуанские ди-джеи и продюсеры не сбавляют оборотов. Последнее значительное событие на данный момент – появление "Afro Peruvian sound". Ребята взяли свои латинские темы и добавили в них африканские мотивы (скорее формы, чем инструменты). В отдельный жанр такую формулу не вывели, но свой отпечаток мини-движение оставить успело. В остальном всё так же здорово – много жанров и исполнителей, ребята дают концерты по всему миру и пользуются уважением среди коллег. Но София Куртесис всё же стоит особняком: и раньше была популярна, но после выхода дебютного LP стала лакомым кусочком на всех хаус-фестивалях. Пожелаем всем перуанским творцам удачи и не сбавлять обороты.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №26)
Korean Rock
(на обложке размытый Parannoul)
Хотел в заголовке сделать уточнение, что речь о Южной Корее (или Республике Корее), но на просторах сети такой приписки не делают, поэтому и я не буду. Видимо, веры в музыкантов КНДР совсем мало. На данный момент вообще не уверен, что слушал что-то оттуда. Подозреваю, что музыканты Северной Кореи при любом предоставившемся случае сбегут оттуда, и позже уже не захотят ассоциировать себя с этой страной. В общем, надо изучать вопрос. А пока о более доступном.
Стоит признаться, что ещё лет пять назад корейский рок считался полным андеграундом и не имел никакого веса среди муз.гиков (не говоря о профессиональных критиках, для которых и сейчас дело почти не сдвинулось с мёртвой точки). На тот момент ваш покорный слуга тоже ничего оттуда не знал, а если и натыкался, то это было случайно и мимолётно. Однако в первой половине 2020-ых появилась целая компания интересных артистов, которых условно назвали "New Generation of Korean Indie". Parannoul, Asian Glow и прочие исполнители очень быстро разогнали свою нишевую сцену, заставив весь мир прислушаться к корейскому року. Шугейз, нойз-рок, нео-психоделия, пост-рок, инди-рок – эти сабжанры стоит выделить более всего. Если описывать эту музыку одним словом, я бы выбрал "тревожная". Ребята в большинстве своём куда менее спокойны по сравнению с теми же японцами, но всё равно чувствуются огромные внутренние переживания и обострённая чувствительность. Новый корейский рок звучит трогательно и щемяще.
Что же было до шугейзо-нойзовой революции? Да всего понемногу. Рок-мотивы появились в стране после Корейской войны, когда солдаты привезли домой американские пластинки с рок-н-роллом. Весь корейский рок вышел из американского, в нём не было какой-то уникальности, собственной черты в звучании или форме. "Крёстный отец" корейского рока Син Юнг-хён дал первый концерт в 1957 году на американкой военной базе, а через пять лет создал первую рок-группу. Коллективы именовали как Vocal Bands или Group Sound, не делая акцента на слове "рок", однако это всё равно не уберегло местных рокеров от гонений со стороны власти. Вплоть до начала девяностых жанр был в подполье из-за "пагубного влияния запада" и только под конец XX века начал приобретать популярность. С кей-попом конкуренцию выдержать невозможно, но стоит отметить, что в стране начиная с 1999 года проводятся разнообразные рок-фестивали. Кто знает, может со временем ситуация изменится кардинальным образом, но пока корейский рок это удел в основном муз.гиков-меланхоликов.
Слушать: Youtube
(выпуск №26)
Korean Rock
(на обложке размытый Parannoul)
Хотел в заголовке сделать уточнение, что речь о Южной Корее (или Республике Корее), но на просторах сети такой приписки не делают, поэтому и я не буду. Видимо, веры в музыкантов КНДР совсем мало. На данный момент вообще не уверен, что слушал что-то оттуда. Подозреваю, что музыканты Северной Кореи при любом предоставившемся случае сбегут оттуда, и позже уже не захотят ассоциировать себя с этой страной. В общем, надо изучать вопрос. А пока о более доступном.
Стоит признаться, что ещё лет пять назад корейский рок считался полным андеграундом и не имел никакого веса среди муз.гиков (не говоря о профессиональных критиках, для которых и сейчас дело почти не сдвинулось с мёртвой точки). На тот момент ваш покорный слуга тоже ничего оттуда не знал, а если и натыкался, то это было случайно и мимолётно. Однако в первой половине 2020-ых появилась целая компания интересных артистов, которых условно назвали "New Generation of Korean Indie". Parannoul, Asian Glow и прочие исполнители очень быстро разогнали свою нишевую сцену, заставив весь мир прислушаться к корейскому року. Шугейз, нойз-рок, нео-психоделия, пост-рок, инди-рок – эти сабжанры стоит выделить более всего. Если описывать эту музыку одним словом, я бы выбрал "тревожная". Ребята в большинстве своём куда менее спокойны по сравнению с теми же японцами, но всё равно чувствуются огромные внутренние переживания и обострённая чувствительность. Новый корейский рок звучит трогательно и щемяще.
Что же было до шугейзо-нойзовой революции? Да всего понемногу. Рок-мотивы появились в стране после Корейской войны, когда солдаты привезли домой американские пластинки с рок-н-роллом. Весь корейский рок вышел из американского, в нём не было какой-то уникальности, собственной черты в звучании или форме. "Крёстный отец" корейского рока Син Юнг-хён дал первый концерт в 1957 году на американкой военной базе, а через пять лет создал первую рок-группу. Коллективы именовали как Vocal Bands или Group Sound, не делая акцента на слове "рок", однако это всё равно не уберегло местных рокеров от гонений со стороны власти. Вплоть до начала девяностых жанр был в подполье из-за "пагубного влияния запада" и только под конец XX века начал приобретать популярность. С кей-попом конкуренцию выдержать невозможно, но стоит отметить, что в стране начиная с 1999 года проводятся разнообразные рок-фестивали. Кто знает, может со временем ситуация изменится кардинальным образом, но пока корейский рок это удел в основном муз.гиков-меланхоликов.
Слушать: Youtube
#жемчужинка
(выпуск №27)
Ethio-Jazz
(на обложке Мулату Астатке за работой)
Казалось бы, где Эфиопия, а где джаз, но так вышло, что именно этой стране посчастливилось быть увековеченной через музыкальный жанр. У нас нет камерунского или нигерийского джаза (хотя последним можно де-факто считать афробит) как отдельного явления, а эфиопский есть. Тысячи меломанов наверняка не слышали ни одной эфиопской песни, но о джазе как минимум наслышаны. Обычно, когда настаёт момент знакомства, происходит максимальное удивление. Это, конечно, экзотическая музыка, но совсем не аутсайдерская, не какой-то "адский арт". Строго говоря, как и во многих предыдущих выпусках этой рубрики, понятие цельного жанра здесь слегка размыто.
Эфио-джаз – это микс традиционной эфиопской музыки с джазом, характеризующийся пентатоникой амхарской музыки и 12-тоновой гаммой западной музыки. То есть даже в классическом варианте это был не совсем привычный нам джаз, а народная музыка с чуть усложнённой формой. Со временем жанр разросся и впитал в себя влияния как африканских модных музыкальных тенденций, так и восточноевропейских/северо-американских. Афробит, соул, фанк, латино – ребята адаптировали всё, что хотели. При этом джазово-импровизационная составляющая всегда главенствовала.
У жанра два отца. Первый – армянский беженец Нерсес Налбандян, который ещё в конце пятидесятых первым начал играть джаз в Национальном театре Эфиопии. Его семья эмигрировала в страну в 1915 году, и многие родственники Налбандяна тоже были музыкантами. Если они придерживались традиционных канонов, то Нерсес пошёл наперекор всему, создав тот самый музыкальный сплав. Императору Хайле Селассие это пришлось по вкусу. Второй – мультиинструменталист Мулату Астатке. Он родился в 1943 году и первые годы жизни провёл за рубежом. Мулату учился в Уэльсе, Англии, а затем в знаменитом бостонском колледже Беркли. Именно в США, вдохновившись местной культурой и экспериментами Налбандяна, Астатке придал окончательную форму эфио-джазу.
Самое горячее время жанра пришлось на 1969…1975 годы. Огромное количество музыкантов, заинтересованных развивать местную культуру, получили простор для экспериментов в на тот момент совсем молодом жанре. Сюда же можно отнести популяризацию тизита – грустных песен о незавидной жизни эфиопцев и эритрейцев. После революции 1974 года всё пошло на спад, многие творцы были вынуждены покинуть страну (подробнее можно почитать у дорогого коллеги). Кто-то так и не вернулся, но даже за пределами Эфиопии писал эфио-джаз. 20 с лишним лет эту музыку мало кто знал, пока лейбл Buda Musique не начал свою ретроспективу из компиляций Éthiopiques. За последующие две декады вышли 30 выпусков и всякие special's (у некоторых оценка выше 4/5, уровень). Так массы узнали и об Астатке, и об остальных мастерах местной сцены.
В наше время эфио-джаз переживает новую волну популярности, и пишут его уже не только эфиопцы. Собрал вам список интересных групп, если захочется после моего сборника ещё чем-то "подкрепиться":
Akalé Wubé /France/
Azmari /Belgium/
Black Flower /Belgium/
Debo Band /USA/
Dexter Story /USA/
Imperial Tiger Orchestra /Switzerland/
Karl Hector & The Malcouns /Germany/
Langendorf United /Sweden/
The Sorcerers /UK/
Woima Collective /Germany/
Слушать: Youtube
(выпуск №27)
Ethio-Jazz
(на обложке Мулату Астатке за работой)
Казалось бы, где Эфиопия, а где джаз, но так вышло, что именно этой стране посчастливилось быть увековеченной через музыкальный жанр. У нас нет камерунского или нигерийского джаза (хотя последним можно де-факто считать афробит) как отдельного явления, а эфиопский есть. Тысячи меломанов наверняка не слышали ни одной эфиопской песни, но о джазе как минимум наслышаны. Обычно, когда настаёт момент знакомства, происходит максимальное удивление. Это, конечно, экзотическая музыка, но совсем не аутсайдерская, не какой-то "адский арт". Строго говоря, как и во многих предыдущих выпусках этой рубрики, понятие цельного жанра здесь слегка размыто.
Эфио-джаз – это микс традиционной эфиопской музыки с джазом, характеризующийся пентатоникой амхарской музыки и 12-тоновой гаммой западной музыки. То есть даже в классическом варианте это был не совсем привычный нам джаз, а народная музыка с чуть усложнённой формой. Со временем жанр разросся и впитал в себя влияния как африканских модных музыкальных тенденций, так и восточноевропейских/северо-американских. Афробит, соул, фанк, латино – ребята адаптировали всё, что хотели. При этом джазово-импровизационная составляющая всегда главенствовала.
У жанра два отца. Первый – армянский беженец Нерсес Налбандян, который ещё в конце пятидесятых первым начал играть джаз в Национальном театре Эфиопии. Его семья эмигрировала в страну в 1915 году, и многие родственники Налбандяна тоже были музыкантами. Если они придерживались традиционных канонов, то Нерсес пошёл наперекор всему, создав тот самый музыкальный сплав. Императору Хайле Селассие это пришлось по вкусу. Второй – мультиинструменталист Мулату Астатке. Он родился в 1943 году и первые годы жизни провёл за рубежом. Мулату учился в Уэльсе, Англии, а затем в знаменитом бостонском колледже Беркли. Именно в США, вдохновившись местной культурой и экспериментами Налбандяна, Астатке придал окончательную форму эфио-джазу.
Самое горячее время жанра пришлось на 1969…1975 годы. Огромное количество музыкантов, заинтересованных развивать местную культуру, получили простор для экспериментов в на тот момент совсем молодом жанре. Сюда же можно отнести популяризацию тизита – грустных песен о незавидной жизни эфиопцев и эритрейцев. После революции 1974 года всё пошло на спад, многие творцы были вынуждены покинуть страну (подробнее можно почитать у дорогого коллеги). Кто-то так и не вернулся, но даже за пределами Эфиопии писал эфио-джаз. 20 с лишним лет эту музыку мало кто знал, пока лейбл Buda Musique не начал свою ретроспективу из компиляций Éthiopiques. За последующие две декады вышли 30 выпусков и всякие special's (у некоторых оценка выше 4/5, уровень). Так массы узнали и об Астатке, и об остальных мастерах местной сцены.
В наше время эфио-джаз переживает новую волну популярности, и пишут его уже не только эфиопцы. Собрал вам список интересных групп, если захочется после моего сборника ещё чем-то "подкрепиться":
Akalé Wubé /France/
Azmari /Belgium/
Black Flower /Belgium/
Debo Band /USA/
Dexter Story /USA/
Imperial Tiger Orchestra /Switzerland/
Karl Hector & The Malcouns /Germany/
Langendorf United /Sweden/
The Sorcerers /UK/
Woima Collective /Germany/
Слушать: Youtube
#жемчужинка
(выпуск №28)
American Reggae
(на обложке H.R. из Bad Brains)
До сих пор пьяненький после вчерашнего празднования ДР, но без сборничка вас оставить не могу.
Тяжело причислять к экзотике то, что производится в стране с самым развитым производством и самой сильной индустрией, но всё же некоторые жанры не пользуются в США большой популярностью и никак с Америкой не ассоциируются. Регги в этом контексте вспоминается одним из первых. Все мы знаем, как лихо американцы умеют адаптировать зарубежные тренды и делать чужое своим, но с регги это сработало не на 100 процентов. После большого бума семидесятых на Ямайке и легендарного фильма "Тернистый путь" в США узнали о таком жанре и активно стали звать местных звёзд к себе на гастроли и фестивали, но сама американская земля не торопилась рождать новых. За полвека с тех пор ситуация практически не изменилась.
В топах американских чартов никогда не было регги, написанного своими ребятами (если не считать американцами ямайцев-эмигрантов). В любой статье об истории американской музыки вы с огромной долей вероятности не найдёте абзаца или хотя бы предложения о регги. Если вы спросите себя, кто самый знаменитый/успешный американский тостер или регги-диджей, вряд ли ответ придёт мгновенно, если придёт вообще (каким-то образом я давно знаю о Matisyahu, но даже его вряд ли вспомнят). Относительно даба положение примерно то же: его американцы любят, но сами пишут неохотно, а если и пишут, то скорее как нечто второплановое. Сходу не вспомнить даб LP из Америки. Вспоминаются слова Кэмерона Кроу с намёком на то, что регги-культуре лучше оставаться дома, на тёплом острове. При этом в той же Британии в семидесятых была своя волна, а в Америке нет.
По итогу в сборник попали либо разовые акции от звёзд, либо даб, либо жёсткий микс регги с каким-то другим, более понятным американскому уху жанром. Можно было покопать и разведать вам прям true gangsters из мира американского регги (в номинантах Грэмми на лучший регги-альбом американцы бывают редко, к слову), но это слишком лютый андеграунд даже по моим меркам. За таким вам в тематические каналы, а здесь у нас попсятинка. Но подборка получилась классная!
Слушать/смотреть: Youtube + VK
(выпуск №28)
American Reggae
(на обложке H.R. из Bad Brains)
До сих пор пьяненький после вчерашнего празднования ДР, но без сборничка вас оставить не могу.
Тяжело причислять к экзотике то, что производится в стране с самым развитым производством и самой сильной индустрией, но всё же некоторые жанры не пользуются в США большой популярностью и никак с Америкой не ассоциируются. Регги в этом контексте вспоминается одним из первых. Все мы знаем, как лихо американцы умеют адаптировать зарубежные тренды и делать чужое своим, но с регги это сработало не на 100 процентов. После большого бума семидесятых на Ямайке и легендарного фильма "Тернистый путь" в США узнали о таком жанре и активно стали звать местных звёзд к себе на гастроли и фестивали, но сама американская земля не торопилась рождать новых. За полвека с тех пор ситуация практически не изменилась.
В топах американских чартов никогда не было регги, написанного своими ребятами (если не считать американцами ямайцев-эмигрантов). В любой статье об истории американской музыки вы с огромной долей вероятности не найдёте абзаца или хотя бы предложения о регги. Если вы спросите себя, кто самый знаменитый/успешный американский тостер или регги-диджей, вряд ли ответ придёт мгновенно, если придёт вообще (каким-то образом я давно знаю о Matisyahu, но даже его вряд ли вспомнят). Относительно даба положение примерно то же: его американцы любят, но сами пишут неохотно, а если и пишут, то скорее как нечто второплановое. Сходу не вспомнить даб LP из Америки. Вспоминаются слова Кэмерона Кроу с намёком на то, что регги-культуре лучше оставаться дома, на тёплом острове. При этом в той же Британии в семидесятых была своя волна, а в Америке нет.
По итогу в сборник попали либо разовые акции от звёзд, либо даб, либо жёсткий микс регги с каким-то другим, более понятным американскому уху жанром. Можно было покопать и разведать вам прям true gangsters из мира американского регги (в номинантах Грэмми на лучший регги-альбом американцы бывают редко, к слову), но это слишком лютый андеграунд даже по моим меркам. За таким вам в тематические каналы, а здесь у нас попсятинка. Но подборка получилась классная!
Слушать/смотреть: Youtube + VK
#жемчужинка
(выпуск №29)
New Zealand Metal
(на обложке Ulcerate)
Возвращаемся в Океанию, и тут у нас не слишком много места для манёвра. В этот раз я не открываю что-то любимое, а изучаю вместе с вами. Я давно слушаю Ulcerate, но только в этом году придал значение тому, откуда эти ребята. Новая Зеландия! Сразу захотелось проверить, а есть ли ещё что-то тяжёлое на далёкой земле, или знаменитая группа пошла наперекор всему и смогла выбиться в люди. Оказалось, что метала там просто дофига. Более того, многие группы я слушал и раньше, но не знал, что они с островов Океании. Про рок уже поговорили, пришло время окунуться в нечто иное.
Говоря про Ulcerate, двух мнений быть не может: выдающаяся группа. Уникальное звучание, очень ровная дискография, концерты на всех материках и признание всеми корифеями метал-цеха. При этом удивительно, что критики в большинстве своём до сих пор стараются их не замечать. Например, у группы всё ещё нет странички на Metacritic. Неформат для нежных ушей, не иначе. Вот вам кусочек Вики:
Звучание группы описывают как «тошнотворное, дезориентирующее и крайне дисгармоничное» и характеризуют как крайне техничный дэт-метал с широким использованием диссонансов, изменений размеров и сложных структур песен.
и тексты от Паши, Гены и Вадима для вката в тему.
Другие новозеландские группы не смогли добиться такой известности, но всё же в метал-тусовке их знают и уважают. Без особого труда можно найти статьи и плейлисты. Уникальной истории развития жанра нет. В конце восьмидесятых начали писать, в девяностых пытались копировать американские веяния, в нулевых потихоньку вылезли из андеграунда, а потом взяли разгон и не собираются останавливаться – это если коротко. Радует разнообразие, особенно среди современных банд. Блэк, дэт, стоунер, дум, даже немного кора есть. Каждый любитель тяжеляка сможет найти что-то на свой вкус. Мне, например, зашёл атмо-блэк от Sojourner. Сборник как капля в море, но для начала знакомства сойдёт.
Слушать: VK + Youtube
(выпуск №29)
New Zealand Metal
(на обложке Ulcerate)
Возвращаемся в Океанию, и тут у нас не слишком много места для манёвра. В этот раз я не открываю что-то любимое, а изучаю вместе с вами. Я давно слушаю Ulcerate, но только в этом году придал значение тому, откуда эти ребята. Новая Зеландия! Сразу захотелось проверить, а есть ли ещё что-то тяжёлое на далёкой земле, или знаменитая группа пошла наперекор всему и смогла выбиться в люди. Оказалось, что метала там просто дофига. Более того, многие группы я слушал и раньше, но не знал, что они с островов Океании. Про рок уже поговорили, пришло время окунуться в нечто иное.
Говоря про Ulcerate, двух мнений быть не может: выдающаяся группа. Уникальное звучание, очень ровная дискография, концерты на всех материках и признание всеми корифеями метал-цеха. При этом удивительно, что критики в большинстве своём до сих пор стараются их не замечать. Например, у группы всё ещё нет странички на Metacritic. Неформат для нежных ушей, не иначе. Вот вам кусочек Вики:
Звучание группы описывают как «тошнотворное, дезориентирующее и крайне дисгармоничное» и характеризуют как крайне техничный дэт-метал с широким использованием диссонансов, изменений размеров и сложных структур песен.
и тексты от Паши, Гены и Вадима для вката в тему.
Другие новозеландские группы не смогли добиться такой известности, но всё же в метал-тусовке их знают и уважают. Без особого труда можно найти статьи и плейлисты. Уникальной истории развития жанра нет. В конце восьмидесятых начали писать, в девяностых пытались копировать американские веяния, в нулевых потихоньку вылезли из андеграунда, а потом взяли разгон и не собираются останавливаться – это если коротко. Радует разнообразие, особенно среди современных банд. Блэк, дэт, стоунер, дум, даже немного кора есть. Каждый любитель тяжеляка сможет найти что-то на свой вкус. Мне, например, зашёл атмо-блэк от Sojourner. Сборник как капля в море, но для начала знакомства сойдёт.
Слушать: VK + Youtube
#жемчужинка
(выпуск №30)
Swedish Pop
(на обложке лапули Зара Ларссон и Туве Лу)
Давайте введём традицию на круглых датах рубрики мутить что-то бескомпромиссно прекрасное или кринжовое, чему не нужна линейка со степенью экзотики. В прошлый раз заехали в Румынию и потеребили пресвятые джигурдинки своей юности, теперь на тяжёлом люксе заезжаем в страну с, вопреки всякой логике, одной из главных музыкальных индустрий в мире. Если у соседей-скандинавов явно выделяются некоторые жанры, и исполнители внутри них вполне неплохо прославляют Родину, то в Швеции, как кажется, есть буквально всё. Жизни не хватит, чтобы изучить. Но именно поп – это нечто сокровенное и ультимативное.
Сначала хочу, чтоб вы задали себе вопрос, много ли поп-музыки со сроком выхода от семидесятых и ранее и родом не из UK/US вы слышали? Подумайте минутку и читайте дальше, даю подсказки. Есть страны Восточного блока, пластинки наполняли полки ещё советских меломанов. Карел Готт, Эмил Димитров, Янош Коош и прочие зарубежные звёзды, которые даже пели на русском и были любимы нашими бабушками и дедушками (первой песней, которую мне "заказал" дед после появления интернета, была "Наш сигнал" Димитрова). Есть французская и итальянская эстрада, любовь к которым тоже передавалась из поколение в поколение. Эдит Пиаф ещё в тридцатых заставила мир проникнуться чувствами к французскому языку, а первый фестиваль в Сан-Ремо, со временем приковавший внимание миллионов, прошёл в 1951 году. Есть бразильская волна шестидесятых и редкие всплески в других странах типа Японии или Австралии. Всё вышеперечисленное здорово, но меркнет по сравнению с успехами ABBA. Этот квартет действительно изменил поп-музыку, заставив англоговорящую публику иначе смотреть на представителей жанра за рубежом.
ABBA это коллектив, про который могу сказать "хотел бы стереть себе память и послушать снова как в первый раз". Фантастические мелодисты с супер-разнообразным материалом и беспрецедентным для состояния жанра на тот момент количеством хитов. Даже сейчас заработать платиновый статус альбома в США для неамериканской группы непросто, а для семидесятых это вообще подвиг. Главное, что ABBA показали шведским коллективам путь и бесконечный простор для творчества, будто сказав: ребята, дерзайте, всё получится. И всё получилось. В восьмидесятых были Roxette, в девяностых Ace of Base, ну а потом благодаря Деннизу Попу и Максу Мартину вся поп-музыка стала шведской ☺️
Продюсерский вклад Мартина в поп-музыку, известную нашему поколению, невозможно переоценить. Человек просто перенял всё лучшее от ABBA и сообразил свою формулу хита, когда электроника и сэмплирование полностью проникли в жанр. 30 лет прошло, а он всё клепает первые номера чартов. И выглядит, собака такая, лет на 20 моложе реального возраста.
В сборнике все любимцы (кроме Roxette, они для меня всё же рок-группа), но одно имя выделю отдельно. Не понимаю, почему Йенс Лекман не стал суперзвездой. Альбом Night Falls Over Kortedala – абсолютный шедевр инди-попа, а песня 'Your Arms Around Me' – что-то из разряда "под эту музыку хочется обнять весь мир". Мне будет очень приятно, если вы послушаете Лекмана отдельно, потому что этот музыкант явно не добрал популярности, которой заслуживает. Ну а остальными именами в треклисте вряд ли вас удивлю – это и не планировалось.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
(выпуск №30)
Swedish Pop
(на обложке лапули Зара Ларссон и Туве Лу)
Давайте введём традицию на круглых датах рубрики мутить что-то бескомпромиссно прекрасное или кринжовое, чему не нужна линейка со степенью экзотики. В прошлый раз заехали в Румынию и потеребили пресвятые джигурдинки своей юности, теперь на тяжёлом люксе заезжаем в страну с, вопреки всякой логике, одной из главных музыкальных индустрий в мире. Если у соседей-скандинавов явно выделяются некоторые жанры, и исполнители внутри них вполне неплохо прославляют Родину, то в Швеции, как кажется, есть буквально всё. Жизни не хватит, чтобы изучить. Но именно поп – это нечто сокровенное и ультимативное.
Сначала хочу, чтоб вы задали себе вопрос, много ли поп-музыки со сроком выхода от семидесятых и ранее и родом не из UK/US вы слышали? Подумайте минутку и читайте дальше, даю подсказки. Есть страны Восточного блока, пластинки наполняли полки ещё советских меломанов. Карел Готт, Эмил Димитров, Янош Коош и прочие зарубежные звёзды, которые даже пели на русском и были любимы нашими бабушками и дедушками (первой песней, которую мне "заказал" дед после появления интернета, была "Наш сигнал" Димитрова). Есть французская и итальянская эстрада, любовь к которым тоже передавалась из поколение в поколение. Эдит Пиаф ещё в тридцатых заставила мир проникнуться чувствами к французскому языку, а первый фестиваль в Сан-Ремо, со временем приковавший внимание миллионов, прошёл в 1951 году. Есть бразильская волна шестидесятых и редкие всплески в других странах типа Японии или Австралии. Всё вышеперечисленное здорово, но меркнет по сравнению с успехами ABBA. Этот квартет действительно изменил поп-музыку, заставив англоговорящую публику иначе смотреть на представителей жанра за рубежом.
ABBA это коллектив, про который могу сказать "хотел бы стереть себе память и послушать снова как в первый раз". Фантастические мелодисты с супер-разнообразным материалом и беспрецедентным для состояния жанра на тот момент количеством хитов. Даже сейчас заработать платиновый статус альбома в США для неамериканской группы непросто, а для семидесятых это вообще подвиг. Главное, что ABBA показали шведским коллективам путь и бесконечный простор для творчества, будто сказав: ребята, дерзайте, всё получится. И всё получилось. В восьмидесятых были Roxette, в девяностых Ace of Base, ну а потом благодаря Деннизу Попу и Максу Мартину вся поп-музыка стала шведской ☺️
Продюсерский вклад Мартина в поп-музыку, известную нашему поколению, невозможно переоценить. Человек просто перенял всё лучшее от ABBA и сообразил свою формулу хита, когда электроника и сэмплирование полностью проникли в жанр. 30 лет прошло, а он всё клепает первые номера чартов. И выглядит, собака такая, лет на 20 моложе реального возраста.
В сборнике все любимцы (кроме Roxette, они для меня всё же рок-группа), но одно имя выделю отдельно. Не понимаю, почему Йенс Лекман не стал суперзвездой. Альбом Night Falls Over Kortedala – абсолютный шедевр инди-попа, а песня 'Your Arms Around Me' – что-то из разряда "под эту музыку хочется обнять весь мир". Мне будет очень приятно, если вы послушаете Лекмана отдельно, потому что этот музыкант явно не добрал популярности, которой заслуживает. Ну а остальными именами в треклисте вряд ли вас удивлю – это и не планировалось.
Слушать/смотреть: VK + Youtube
