«Опять двойка»
ФЕДОР РЕШЕТНИКОВ
(1952, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Картина по своему сюжету очень близка к реальной жизни учеников, поэтому ее репродукции были размещены в советских учебниках, как образец советской бытовой живописи.
«Опять двойка» — вторая часть художественной трилогии Решетникова, первая часть которой — «Прибыл на каникулы» (1948), а третья — «Переэкзаменовка» (1954), которая не приобрела такой известности, как первые две. Примечательно, что в левом углу картины «Опять двойка» видна репродукция более раннего полотна «Прибыл на каникулы».
В роли двоечника позирует сын известного художника Густава Клуциса, репрессированного и расстрелянного в 1938 году. Семья Клуциса жила по соседству с Решетниковым, в том же доме, и после ареста они поменялись квартирами. На картине изображена бывшая квартира Клуциса.
#решетников
ФЕДОР РЕШЕТНИКОВ
(1952, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Картина по своему сюжету очень близка к реальной жизни учеников, поэтому ее репродукции были размещены в советских учебниках, как образец советской бытовой живописи.
«Опять двойка» — вторая часть художественной трилогии Решетникова, первая часть которой — «Прибыл на каникулы» (1948), а третья — «Переэкзаменовка» (1954), которая не приобрела такой известности, как первые две. Примечательно, что в левом углу картины «Опять двойка» видна репродукция более раннего полотна «Прибыл на каникулы».
В роли двоечника позирует сын известного художника Густава Клуциса, репрессированного и расстрелянного в 1938 году. Семья Клуциса жила по соседству с Решетниковым, в том же доме, и после ареста они поменялись квартирами. На картине изображена бывшая квартира Клуциса.
#решетников
«Похищение Европы»
ВАЛЕНТИН СЕРОВ
(1910, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Валентин Серов в 1907 году путешествовал по Греции, изучая различные памятники античной культуры, и в частности развалины Кносского дворца. Во время изучения критской культуры художник заинтересовался ее необычайной мифологией и эпосом.
Сюжет картины построен на древнегреческом мифе о том, как громовержец Зевс узрел великолепную красоту обыкновенной девушки, которая являлась дочерью финикийского царя, и воспылал к ней пламенной любовью. Пойдя на хитрость и приняв облик быка, Зевс обманом заставил Европу сесть к нему на спину и уплыл с ней на остров Крит. Таким образом девушка стала женой верховного бога Олимпа, и у них родилось трое детей.
Многие художники описывали данный сюжет в рамках академических канонов живописи, но Серов идет по другому пути и создает свою версию античного сюжета в стиле модерн.
Еще Серов:
«Девочка с персиками»
#серов #модерн
ВАЛЕНТИН СЕРОВ
(1910, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Валентин Серов в 1907 году путешествовал по Греции, изучая различные памятники античной культуры, и в частности развалины Кносского дворца. Во время изучения критской культуры художник заинтересовался ее необычайной мифологией и эпосом.
Сюжет картины построен на древнегреческом мифе о том, как громовержец Зевс узрел великолепную красоту обыкновенной девушки, которая являлась дочерью финикийского царя, и воспылал к ней пламенной любовью. Пойдя на хитрость и приняв облик быка, Зевс обманом заставил Европу сесть к нему на спину и уплыл с ней на остров Крит. Таким образом девушка стала женой верховного бога Олимпа, и у них родилось трое детей.
Многие художники описывали данный сюжет в рамках академических канонов живописи, но Серов идет по другому пути и создает свою версию античного сюжета в стиле модерн.
Еще Серов:
«Девочка с персиками»
#серов #модерн
«Портрет А. С. Пушкина»
ОРЕСТ КИПРЕНСКИЙ
(1827, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Это прижизненный портрет Пушкина. Поэт позировал Кипренскому во дворце графа Шереметева в Петербурге. Поэт не только нашел время, чтобы позировать художнику, но после еще и зарифмовал свой удовлетворенный и чуть кокетливый отзыв в стихотворении «Кипренскому»:
Любимец моды легкокрылой,
Хоть не британец, не француз,
Ты вновь создал, волшебник милый,
Меня, питомца чистых муз, —
И я смеюся над могилой,
Ушед навек от смертных уз.
Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит.
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид.
Сам Пушкин на этом знаменитом портрете пытается быть похожим на британского модника и гения Байрона, который, рассказывают, был так красив, что девушки, случалось, падали в обморок, когда он где-либо появлялся. Художник подчеркивает связь поэтов, изобразив клетчатый шотландский плед на плече Пушкина.
#кипренский
ОРЕСТ КИПРЕНСКИЙ
(1827, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Это прижизненный портрет Пушкина. Поэт позировал Кипренскому во дворце графа Шереметева в Петербурге. Поэт не только нашел время, чтобы позировать художнику, но после еще и зарифмовал свой удовлетворенный и чуть кокетливый отзыв в стихотворении «Кипренскому»:
Любимец моды легкокрылой,
Хоть не британец, не француз,
Ты вновь создал, волшебник милый,
Меня, питомца чистых муз, —
И я смеюся над могилой,
Ушед навек от смертных уз.
Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит.
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид.
Сам Пушкин на этом знаменитом портрете пытается быть похожим на британского модника и гения Байрона, который, рассказывают, был так красив, что девушки, случалось, падали в обморок, когда он где-либо появлялся. Художник подчеркивает связь поэтов, изобразив клетчатый шотландский плед на плече Пушкина.
#кипренский
«Сирень на солнце»
КЛОД МОНЕ
(1873, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва)
Работу над этой картиной Моне начал весной 1872 года в саду своего первого дома в Аржантей, близ Парижа. Под кустом цветущей сирени разместились две женские фигуры, одна из которых жена художника Камилла. Солнечный свет разливается в розовые, жёлтые, оранжевые тона, играет яркими бликами на листьях и одежде.
Эта картина стала первой работой импрессионистов, которую привез в Россию русский коллекционер Сергей Щукин. Свои впечатления от созерцания этой картины Осип Мандельштам выразил в стихотворении «Импрессионизм»:
Художник нам изобразил
Глубокий обморок сирени
И красок звучные ступени
На холст как струпья положил.
Он понял масла густоту, —
Его запекшееся лето
Лиловым мозгом разогрето,
Расширенное в духоту.
А тень-то, тень все лиловей,
Свисток иль хлыст как спичка тухнет.
Ты скажешь: повара на кухне
Готовят жирных голубей.
Угадывается качель,
Недомалеваны вуали,
И в этом сумрачном развале
Уже хозяйничает шмель.
#моне #импрессионизм
КЛОД МОНЕ
(1873, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва)
Работу над этой картиной Моне начал весной 1872 года в саду своего первого дома в Аржантей, близ Парижа. Под кустом цветущей сирени разместились две женские фигуры, одна из которых жена художника Камилла. Солнечный свет разливается в розовые, жёлтые, оранжевые тона, играет яркими бликами на листьях и одежде.
Эта картина стала первой работой импрессионистов, которую привез в Россию русский коллекционер Сергей Щукин. Свои впечатления от созерцания этой картины Осип Мандельштам выразил в стихотворении «Импрессионизм»:
Художник нам изобразил
Глубокий обморок сирени
И красок звучные ступени
На холст как струпья положил.
Он понял масла густоту, —
Его запекшееся лето
Лиловым мозгом разогрето,
Расширенное в духоту.
А тень-то, тень все лиловей,
Свисток иль хлыст как спичка тухнет.
Ты скажешь: повара на кухне
Готовят жирных голубей.
Угадывается качель,
Недомалеваны вуали,
И в этом сумрачном развале
Уже хозяйничает шмель.
#моне #импрессионизм
«Флора» (ранее «Саксия в образе Флоры»)
РЕМБРАНДТ
(ок.1634, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург)
В 1634 году Рембрандт женился на юной девушке Саксии. В тот же год он написал знаменитый портрет своей супруги, представив ее в образе богини Флоры.
К тому времени Рембрандт был уже вполне состоявшимся художником, сформировавшим собственный стиль, уверенно владевшим кистью. Поэтому ему удалось не только передать характер и настроение молодой жены, но создать идеализированный образ женской красоты и юности.
Художник передает всю глубину чувств и привязанности, которые испытывает к Саксии. В своей жене он видит идеал женской красоты. Черты лица девушки довольно специфичны, они не соответствуют современным канонам. Но ее невинность, нежность и юность делают Саксию по-настоящему прекрасной, как земное воплощение богини весны и цветов.
Еще Рембрандт:
«Ночной дозор»
«Святое семейство»
«Даная»
«Возвращение блудного сына»
«Пир Валтасара»
#рембрандт
РЕМБРАНДТ
(ок.1634, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург)
В 1634 году Рембрандт женился на юной девушке Саксии. В тот же год он написал знаменитый портрет своей супруги, представив ее в образе богини Флоры.
К тому времени Рембрандт был уже вполне состоявшимся художником, сформировавшим собственный стиль, уверенно владевшим кистью. Поэтому ему удалось не только передать характер и настроение молодой жены, но создать идеализированный образ женской красоты и юности.
Художник передает всю глубину чувств и привязанности, которые испытывает к Саксии. В своей жене он видит идеал женской красоты. Черты лица девушки довольно специфичны, они не соответствуют современным канонам. Но ее невинность, нежность и юность делают Саксию по-настоящему прекрасной, как земное воплощение богини весны и цветов.
Еще Рембрандт:
«Ночной дозор»
«Святое семейство»
«Даная»
«Возвращение блудного сына»
«Пир Валтасара»
#рембрандт
«Бульвар»
ДЖИНО СЕВЕРИНИ
(1910-1911, Коллекция современного итальянского искусства Эсторика, Лондон)
Северини известен в первую очередь как представитель футуризма и кубизма в искусстве. Сочетая приемы этих стилей Северини разделяет формы на разных уровнях: фигуры двоятся, множатся, угловатые плоскости рассекают их на отдельные фрагменты. Дробление объемов создает ощущение ритмичного мелькания, непрерывного смещения контуров.
Заполненный гуляющими людьми бульвар превращается в красочный калейдоскоп, где деревья, лошади и люди смешались в едином праздничном настроении. Свет, падающий на улицу сверху, представлен в виде диагональных линий, четко разграничивающих пространство полотна.
Композиция картины необычайно уравновешена, что является индивидуальной особенностью творчества автора, которая присутствует во многих его более поздних полотнах.
#северини #кубизм #футуризм
ДЖИНО СЕВЕРИНИ
(1910-1911, Коллекция современного итальянского искусства Эсторика, Лондон)
Северини известен в первую очередь как представитель футуризма и кубизма в искусстве. Сочетая приемы этих стилей Северини разделяет формы на разных уровнях: фигуры двоятся, множатся, угловатые плоскости рассекают их на отдельные фрагменты. Дробление объемов создает ощущение ритмичного мелькания, непрерывного смещения контуров.
Заполненный гуляющими людьми бульвар превращается в красочный калейдоскоп, где деревья, лошади и люди смешались в едином праздничном настроении. Свет, падающий на улицу сверху, представлен в виде диагональных линий, четко разграничивающих пространство полотна.
Композиция картины необычайно уравновешена, что является индивидуальной особенностью творчества автора, которая присутствует во многих его более поздних полотнах.
#северини #кубизм #футуризм
«Завтрак аристократа»
ПАВЕЛ ФЕДОТОВ
(1850, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Это своего рода карикатура, как и многие работы Федотова — сатирические зарисовки из современной жизни. В 1848 году художник прочитал фельетон Гончарова «Письма столичного друга к провинциальному жениху». Автор «Обломова» прошелся по столичным франтам, которые готовы «два месяца дурно обедать», чтобы надеть в свет «привезенные только третьего дня панталоны известного цвета с лампасами». Ключевым был вопрос: «А пробовал ли ты нечаянно приезжать к таким людям домой и заставать их врасплох?»
Что из этого вышло бы, наглядно продемонстрировал Федотов. Сам он называл картину «Не ко времени гость». Этот утренний гость и вызвал панику хозяина, который в спешке прикрывает кусок черного хлеба. Неприлично для светской особы есть черный хлеб. Аристократам полагался только дорогой, белый. Он явно любит пускать пыль в глаза: одет в модном восточном стиле, окружил себя предметами роскоши и даже пудель подстрижен по моде.
#федотов
ПАВЕЛ ФЕДОТОВ
(1850, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Это своего рода карикатура, как и многие работы Федотова — сатирические зарисовки из современной жизни. В 1848 году художник прочитал фельетон Гончарова «Письма столичного друга к провинциальному жениху». Автор «Обломова» прошелся по столичным франтам, которые готовы «два месяца дурно обедать», чтобы надеть в свет «привезенные только третьего дня панталоны известного цвета с лампасами». Ключевым был вопрос: «А пробовал ли ты нечаянно приезжать к таким людям домой и заставать их врасплох?»
Что из этого вышло бы, наглядно продемонстрировал Федотов. Сам он называл картину «Не ко времени гость». Этот утренний гость и вызвал панику хозяина, который в спешке прикрывает кусок черного хлеба. Неприлично для светской особы есть черный хлеб. Аристократам полагался только дорогой, белый. Он явно любит пускать пыль в глаза: одет в модном восточном стиле, окружил себя предметами роскоши и даже пудель подстрижен по моде.
#федотов
СЕРГЕЙ ЩУКИН (1854-1936)
Московский купец и благотворитель, коллекционер искусства. Благодаря тонкому вкусу и смелости Сергея Щукина, Россия стала обладательницей коллекции шедевров французского импрессионизма и постимпрессионизма.
Известен принцип, по которому Сергей Иванович отбирал картины для своей коллекции: если при взгляде на картину испытываешь шок — значит, надо брать. Увлечение Щукина не понимал и не разделял практически никто на его родине. Его осуждали и даже называли «греховным» — это потому, что Щукин в домовой церкви понавесил Ренуара да Пикассо. Щукин превратил свой особняк в Знаменском переулке в музей современного искусства, где стены увешаны картинами в два-три ряда.
Меньше чем за 20 лет Сергей Щукин купит 256 произведений художников импрессионистов и постимпрессионистов, фовистов и кубистов. Сегодня стоимость щукинской коллекции, по самым приблизительным подсчетам, может оцениваться в $5 млрд.
#щукин #меценаты
Московский купец и благотворитель, коллекционер искусства. Благодаря тонкому вкусу и смелости Сергея Щукина, Россия стала обладательницей коллекции шедевров французского импрессионизма и постимпрессионизма.
Известен принцип, по которому Сергей Иванович отбирал картины для своей коллекции: если при взгляде на картину испытываешь шок — значит, надо брать. Увлечение Щукина не понимал и не разделял практически никто на его родине. Его осуждали и даже называли «греховным» — это потому, что Щукин в домовой церкви понавесил Ренуара да Пикассо. Щукин превратил свой особняк в Знаменском переулке в музей современного искусства, где стены увешаны картинами в два-три ряда.
Меньше чем за 20 лет Сергей Щукин купит 256 произведений художников импрессионистов и постимпрессионистов, фовистов и кубистов. Сегодня стоимость щукинской коллекции, по самым приблизительным подсчетам, может оцениваться в $5 млрд.
#щукин #меценаты
«Купчиха за чаем»
БОРИС КУСТОДИЕВ
(1918, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
В картине Кустодиев воплотил свой давний замысел — создать картину на тему купеческого чаепития, в центре которой — образ русской пышнотелой красавицы. Это жизнерадостное полотно, пронизанное светом, художник написал в один из самых драматичных периодов своей жизни, когда потерял возможность ходить.
В картине хочется рассматривать не только главную героиню, но и каждую деталь. В центре — белотелая купчиха, вальяжно восседающая за столом на балконе деревянного особняка, пьёт чай из блюдца. Она — воплощение народного идеала: губки бантиком, чёрные брови, голубые глаза, румяные щёчки. К купчихе ластится её кот, которому Кустодиев иронично придал черты его хозяйки.
В качестве модели Кустодиеву позировала баронесса, наследница дворянского рода — Галина Адеркас.
Еще Кустодиев:
«Портрет профессоров П. Л. Капицы и Н. Н. Семёнова»
#кустодиев
БОРИС КУСТОДИЕВ
(1918, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
В картине Кустодиев воплотил свой давний замысел — создать картину на тему купеческого чаепития, в центре которой — образ русской пышнотелой красавицы. Это жизнерадостное полотно, пронизанное светом, художник написал в один из самых драматичных периодов своей жизни, когда потерял возможность ходить.
В картине хочется рассматривать не только главную героиню, но и каждую деталь. В центре — белотелая купчиха, вальяжно восседающая за столом на балконе деревянного особняка, пьёт чай из блюдца. Она — воплощение народного идеала: губки бантиком, чёрные брови, голубые глаза, румяные щёчки. К купчихе ластится её кот, которому Кустодиев иронично придал черты его хозяйки.
В качестве модели Кустодиеву позировала баронесса, наследница дворянского рода — Галина Адеркас.
Еще Кустодиев:
«Портрет профессоров П. Л. Капицы и Н. Н. Семёнова»
#кустодиев
«Спортсмены»
КАЗИМИР МАЛЕВИЧ
(1932, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
Сам автор описал картину как «супрематизм в контуре спортсменов». Эта картина — попытка объяснить через визуальные образы суть супрематизма, которая заключена в отказе от банальных земных образов.
Спортсмены, ритмично выстроенные в ряд, словно конструктор, собранный из геометрических деталей и основных супрематических цветов (черного, красного, белого, желтого и синего). Картина абсолютна в своей самостоятельности: ритм, цвет, композиция — все это не имеет никакой связи с реальностью и используется лишь для демонстрации супрематического мироощущения — ощущения, когда связь с физическим миром теряется и совершается переход в качественно новое состояние.
Еще Малевич:
«Черный квадрат»
#малевич #супрематизм
КАЗИМИР МАЛЕВИЧ
(1932, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
Сам автор описал картину как «супрематизм в контуре спортсменов». Эта картина — попытка объяснить через визуальные образы суть супрематизма, которая заключена в отказе от банальных земных образов.
Спортсмены, ритмично выстроенные в ряд, словно конструктор, собранный из геометрических деталей и основных супрематических цветов (черного, красного, белого, желтого и синего). Картина абсолютна в своей самостоятельности: ритм, цвет, композиция — все это не имеет никакой связи с реальностью и используется лишь для демонстрации супрематического мироощущения — ощущения, когда связь с физическим миром теряется и совершается переход в качественно новое состояние.
Еще Малевич:
«Черный квадрат»
#малевич #супрематизм
🔹 Ответ к вопросу выше
«Портрет М. И. Лопухиной»
ВЛАДИМИР БОРОВИКОВСКИЙ
(1797, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Расцвет творчества Боровиковского пришелся на времена царствования Екатерины II и Павла I. При императорском дворе очень ценились торжественные, парадные портреты, и художник отменно преуспел в этом.
В серии женских картин Боровиковский раскрывается как яркий представитель сентиментальной живописи. В его камерных портретах воплощен идеал женщины его времени.
По оценке знатоков искусства, картина является одним из шедевров автора. Именно его можно считать началом нового этапа в портретной живописи — когда художник обозначает не социальное положение и значимость героя картины, а его личностные характеристики — настроение, сокровенные переживания. Выражается это в изображении не атрибутов в интерьере, а окружающей природы.
На полотне Боровиковского — Мария Лопухина, молодая девушка 18-ти лет, она из дворянского рода, дочь генерала в отставке Ивана Андреевича Толстого, жена Степана Авраамовича Лопухина. Мария только что вышла замуж, и этот портрет послужил ей подарком от мужа.
Еще Боровиковский:
«Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке»
#боровиковский
«Портрет М. И. Лопухиной»
ВЛАДИМИР БОРОВИКОВСКИЙ
(1797, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Расцвет творчества Боровиковского пришелся на времена царствования Екатерины II и Павла I. При императорском дворе очень ценились торжественные, парадные портреты, и художник отменно преуспел в этом.
В серии женских картин Боровиковский раскрывается как яркий представитель сентиментальной живописи. В его камерных портретах воплощен идеал женщины его времени.
По оценке знатоков искусства, картина является одним из шедевров автора. Именно его можно считать началом нового этапа в портретной живописи — когда художник обозначает не социальное положение и значимость героя картины, а его личностные характеристики — настроение, сокровенные переживания. Выражается это в изображении не атрибутов в интерьере, а окружающей природы.
На полотне Боровиковского — Мария Лопухина, молодая девушка 18-ти лет, она из дворянского рода, дочь генерала в отставке Ивана Андреевича Толстого, жена Степана Авраамовича Лопухина. Мария только что вышла замуж, и этот портрет послужил ей подарком от мужа.
Еще Боровиковский:
«Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке»
#боровиковский
«Троица»
АНДРЕЙ РУБЛЕВ
(1411 или 1425-1427, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
По преданию, изложенному в Ветхом Завете, старцу Аврааму явились трое юношей, и он со своей женой Саррой угощал их, догадываясь, что в них воплотилась божественная Троица.
Обычно иконописцы передавали эту сцену с большой обстоятельностью, однако Рублёв решил отступить от сложившихся канонов и исполнил икону лаконично, дабы лишние мирские подробности не отвлекали зрителя от божественных образов, необычайно глубоких и гармоничных.
«Троица» имеет множество философских подтекстов, несет в себе сложное богословское содержание. Принято считать, что центральный ангел олицетворяет собой Христа, левый — Бога-Отца, в правом же воплотился Святой Дух. Христос, преисполненный печальной задумчивости и смирения, жестом руки благословляет чашу, тем самым выражая свою готовность принять на себя тяжесть искупления грехов человеческих.
#рублев
АНДРЕЙ РУБЛЕВ
(1411 или 1425-1427, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
По преданию, изложенному в Ветхом Завете, старцу Аврааму явились трое юношей, и он со своей женой Саррой угощал их, догадываясь, что в них воплотилась божественная Троица.
Обычно иконописцы передавали эту сцену с большой обстоятельностью, однако Рублёв решил отступить от сложившихся канонов и исполнил икону лаконично, дабы лишние мирские подробности не отвлекали зрителя от божественных образов, необычайно глубоких и гармоничных.
«Троица» имеет множество философских подтекстов, несет в себе сложное богословское содержание. Принято считать, что центральный ангел олицетворяет собой Христа, левый — Бога-Отца, в правом же воплотился Святой Дух. Христос, преисполненный печальной задумчивости и смирения, жестом руки благословляет чашу, тем самым выражая свою готовность принять на себя тяжесть искупления грехов человеческих.
#рублев
«Тройка»
ВАСИЛИЙ ПЕРОВ
(1866, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
К моменту написания картины крепостное право было уже отменено в России, но положение крестьян оставалось бедственным. Большинство из них жило в нищете, голодало, а детский труд использовался повсеместно.
Перов написал картину Тройка в сумеречных коричнево-серых тонах, показывая зрителю всю серость и низость того бездушного времени, сравнивая детей с тройкой запряженных лошадей, труд которых безжалостно используют богатые и сытые люди. Картина Перова Тройка была задумана художником, чтобы раскрыть людям глаза на реальную действительность, помогающую сострадать и искоренять человеческое бездушие.
Еще Перов:
«Охотники на привале»
«Портрет Ф. М. Достоевского»
#перов
ВАСИЛИЙ ПЕРОВ
(1866, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
К моменту написания картины крепостное право было уже отменено в России, но положение крестьян оставалось бедственным. Большинство из них жило в нищете, голодало, а детский труд использовался повсеместно.
Перов написал картину Тройка в сумеречных коричнево-серых тонах, показывая зрителю всю серость и низость того бездушного времени, сравнивая детей с тройкой запряженных лошадей, труд которых безжалостно используют богатые и сытые люди. Картина Перова Тройка была задумана художником, чтобы раскрыть людям глаза на реальную действительность, помогающую сострадать и искоренять человеческое бездушие.
Еще Перов:
«Охотники на привале»
«Портрет Ф. М. Достоевского»
#перов
«Последний день Помпеи»
КАРЛ БРЮЛЛОВ
(1833, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
В поисках сюжета для крупного произведения художник руководствовался стремлением показать некое реальное событие прошлого на точной документальной основе. Брюллов тщательно изучал источники, среди которых — письма очевидца, писателя Плиния Младшего. Кувшины, стулья, украшения, обломки колесницы — это изображения предметов, найденных на раскопках.
Полотно изображает не только трагедию народа, гибнущего в столкновении со стихией, но и смену исторических эпох — зарождение на обломках старого языческого мира новой христианской цивилизации. Трагедия пробуждает в героях самые разные чувства — отчаяние и страх, любовь и стремление защитить близких. Это позволило, по словам Н. В. Гоголя, показать все «верховное, физическое и нравственное совершенство» человека.
Следуя традиции искусства Возрождения, художник изобразил в левой части картины себя самого с принадлежностями живописца.
Еще Брюллов:
«Всадница»
#брюллов
КАРЛ БРЮЛЛОВ
(1833, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
В поисках сюжета для крупного произведения художник руководствовался стремлением показать некое реальное событие прошлого на точной документальной основе. Брюллов тщательно изучал источники, среди которых — письма очевидца, писателя Плиния Младшего. Кувшины, стулья, украшения, обломки колесницы — это изображения предметов, найденных на раскопках.
Полотно изображает не только трагедию народа, гибнущего в столкновении со стихией, но и смену исторических эпох — зарождение на обломках старого языческого мира новой христианской цивилизации. Трагедия пробуждает в героях самые разные чувства — отчаяние и страх, любовь и стремление защитить близких. Это позволило, по словам Н. В. Гоголя, показать все «верховное, физическое и нравственное совершенство» человека.
Следуя традиции искусства Возрождения, художник изобразил в левой части картины себя самого с принадлежностями живописца.
Еще Брюллов:
«Всадница»
#брюллов
«Вавилонская башня»
ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ
(1563, Музей истории искусств, Вена)
В основу картины положен сюжет из Первой книги Моисея о строительстве Вавилонской башни, которая должна была, по замыслу людей, достичь вершины неба. Чтобы усмирить их гордыню, Бог смешал языки строителей так, что они больше не могли понимать друг друга, и рассеял их по всей земле. Таким образом, реализация задуманного грандиозного плана не была завершена.
Несмотря на распространённость сюжета, никому до Брейгеля не удавалось столь достоверно передать чудовищные размеры строения. Его «Вавилонская башня» поражает размахом, доскональным знанием инженерных тонкостей и проработкой мельчайших деталей. В ней наилучшим образом проявляется уникальный метод Брейгеля, соединяющий трудносовместимое — панорамную живопись и миниатюру.
Еще Брейгель Старший:
«Слепые»
«Нидерландские пословицы»
«Перепись в Вифлееме»
#брейгель
ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ
(1563, Музей истории искусств, Вена)
В основу картины положен сюжет из Первой книги Моисея о строительстве Вавилонской башни, которая должна была, по замыслу людей, достичь вершины неба. Чтобы усмирить их гордыню, Бог смешал языки строителей так, что они больше не могли понимать друг друга, и рассеял их по всей земле. Таким образом, реализация задуманного грандиозного плана не была завершена.
Несмотря на распространённость сюжета, никому до Брейгеля не удавалось столь достоверно передать чудовищные размеры строения. Его «Вавилонская башня» поражает размахом, доскональным знанием инженерных тонкостей и проработкой мельчайших деталей. В ней наилучшим образом проявляется уникальный метод Брейгеля, соединяющий трудносовместимое — панорамную живопись и миниатюру.
Еще Брейгель Старший:
«Слепые»
«Нидерландские пословицы»
«Перепись в Вифлееме»
#брейгель
ГОХУА (кит. — «живопись нашей страны»)
Живопись Гохуа является важной частью культурного наследия Китая. Это тонкое искусство написания картин при помощи глянцевой туши черного цвета. Используются также водяные краски с цветными пигментами. Изображение наносят не на привычный всем холст, а на специальную бумагу или шелк при помощи специальной китайской кисти.
Понятие Гохуа применяют для полотен, написанных до 1840 года — они могут считаться примерами древней китайской живописи. Первые работы датируются 475 – 221 г. до н.э. — картины на шелке с изображениями человеческих фигур, животных, мифологических существ. Картины на бумаге появились позже, чем на шелке, по той причине, что изобретение шелка предшествовало бумаге на многие сотни лет.
Тематикой картин в стиле Гохуа является природа, а наиболее распространенные жанры — портрет, пейзаж. Примерами культурных достижений в стиле Гохуа являются работы Ци Байши, Пань Тяньшоу, Ли Кэжаня.
#гохуа
Живопись Гохуа является важной частью культурного наследия Китая. Это тонкое искусство написания картин при помощи глянцевой туши черного цвета. Используются также водяные краски с цветными пигментами. Изображение наносят не на привычный всем холст, а на специальную бумагу или шелк при помощи специальной китайской кисти.
Понятие Гохуа применяют для полотен, написанных до 1840 года — они могут считаться примерами древней китайской живописи. Первые работы датируются 475 – 221 г. до н.э. — картины на шелке с изображениями человеческих фигур, животных, мифологических существ. Картины на бумаге появились позже, чем на шелке, по той причине, что изобретение шелка предшествовало бумаге на многие сотни лет.
Тематикой картин в стиле Гохуа является природа, а наиболее распространенные жанры — портрет, пейзаж. Примерами культурных достижений в стиле Гохуа являются работы Ци Байши, Пань Тяньшоу, Ли Кэжаня.
#гохуа