Приветик, вышел мой первый трек. Послушать можно везде 🔮 Хочу, чтобы вы слетали с ним в космос и вернулись чуток более умиротворенными:)

По чувствам — смесь радости и ощутимого кринжа, но, как говорит мой эпизодический психолог, стыд указывает нам в сторону, где живет самое сладкое удовольствие.

В общем, я всю жизнь хочу просто трогать сердца музыкой и голосом, но все время то книги пишу, то что-то исследую, то читаю лекции, то курирую хореографов. В последние годы план нормальный жизни, как и у многих, испарился, а утраты и одиночество сработали на понимание: надо просто делать то, что сильно хочется. Хотя это страшно, поздно и довольно непрактично. А еще — пора проявлять вовне более нежные, мистические и иррациональные свои стороны.

В апреле знаки судьбы, завернутые в таргетированную рекламу, привели меня на курс «Твой первый трек» в Школе Маскелиаде (всем советую!!). Антон, основатель школы, жестко вдохновил своей энергией и восторгами по поводу моих первых набросков, и вуаля, лето пролетело за подготовкой ипишки.

Вообще, первый трек мой был другой. Но, по незнанке, я написала его на стихи Ланы Дель Рей. Перед выпуском выяснилось, что права на использование текстов надо получать у гигантского нью-йоркского издательства, чем я и занялась: пока безрезультатно. Контакт душ сразу наткнулся на суровый мир капитализма. Пришлось писать другой дебют. Пока писала, училась собирать свой звук в виртуальном синтезаторе. Раньше спрашивала себя, какие мне нравятся мужчины. Сейчас — какие мне нравятся звуковые волны.

Этот трек для тех, кто все понимает, но не может перестать вставать на одни и те же грабли. Сатурн — суровый учитель, но он поможет вам выйти из кругов ада, там в конце это понятно.

У песни есть (нетанц?)драматургия, конечно же. Послушайте ДВАЖДЫ и скажите, если вам что-то в ней нравится или цепляет. Тут нет смысла особо анализировать. Это деятельность — про прямой контакт с вашими сердечками:) а я буду знать, что она у вас на репите ❤️

Надеюсь, вы все скоро будете в моих музыкальных видео! И посоветуйте, пожалуйста, дельных звукорежиссеров, чтобы дальше звук был лучше, потому что сведение и мастеринг сводят меня с ума.

Credits:
🎸Бас и гитара: Riverman или Илья Кулагин — мы ни разу не встречались лично, но он терпеливо слушал бесконечные версии и оказывал огромную поддержку. Спасибо!!!
🎤 Уроки вокала: королева EVT Настя Красовская @Sherka19
📷 Фото: Даша Кацапова @katsapru
👠Обложка сингла: мой кринжовый дизайн, но с дельным выбором шрифта от Виктории Кибе @v_kibe
🕹️Учил аблику: Антон Маскелиаде @antonmaskeliade

На последней фотке я даю свой первый концерт, возможно, вы там были, но меня не видели:))

Пишите вопросы, etc.) И я очень открыта к музыкальным коллабам или просто техническому сотрудничеству.

#музыка

Подробный фидбэк, драматургия, поддержка и референсы: приходите на сессии обратной связи 🐚

Друзья, вы периодически спрашиваете, как можно со мной поработать. Отвечаю: онлайн, подав короткую заявку через сайт:)

В этом году 10 лет, как я смотрю и анализирую перформансы, пишу критику и исследования, работаю как драматург, outside eye и куратор. И вот, в моем портфолио уже всякое: от заметок о московском танц-андеграунде до позиций жюри Импульстанца и Скандинавской танц-платформы. А еще опыт работы в Швеции, Германии, Франции, Бельгии, Австрии, Норвегии, России и других странах.

Ко мне можно смело идти, если вам нужны:

- Подробный и вдохновляющий фидбэк на ваши постановки (любого бюджета и уровня доделанности);
- Помощь с концепцией, художественными методами, драматургией;
- Контекстуализация вашей работы (кто где делает подобное, на что ориентироваться, как отличаться);
- Оценка ваших сильных сторон и затыков;
- Полная драматургия для спектакля;
- Ориентация в историческом или теоретическом контекстах;
- Лекции или консультации по истории, теории, драматургии современного танца и перформанса;
- Разбор того, как разговаривать с людьми о своем искусстве.

Я люблю работать индивидуально и видеть ваш потенциал.

Если будут вопросы, пишите в личку.

Пока я пишу пост про то, как можно зумировать тему своего перформанса и на этапе movement research набрасывать слои к будущей драматургии и пути разговора со зрителями, проголосуйте, плиз:

Перформанс по повестке vs. перформанс по придури — и как сделать что-то классное между

Я задумала пост под названием Zoom in — zoom out: танцдраматургия от тела к социуму. Начала его писать и поняла, что к нему требуется прелюдия. Поэтому — размышление в двух частях.

Часть 1. Повестка vs. придурь

В прошлом году моя подруга-антрополог, не имеющая никакого представления об эстетике, жаргоне и тематиках современного танца и перформанса, прошла со мной полностью «Зрительский клуб» на фестивале. Главный ее вопрос по итогам 10 дней был такой: почему весь танец такой ангажированный? Про гендер, тающие ледники какие-то, цвет кожи — как по указке. Ее это сильно озадачило, при том что она сама небелая квир-персона из Латинской Америки :)

Разумеется, это вопрос кураторской сборки. Но и специфики финансирования западного искусства. Фонды, институции имеют свои преференции по «актуальным» темам, aka «повесткам», особенно когда речь заходит о крупных международных проектах: там фраза tick all the boxes — вовсе не шуточная. Отсюда, как по щелчку, всем вдруг становятся интересны грибы и мицелий, или все в какой-то момент выучивают цитаты Донны Харауэй или Анны Цинг. Или все подряд «деколонизируют». Или свергают патриархат (что правильно) — но часто в странной логике хейта к отдельной группе населения.

Как формируются акценты «повесток» на конкретный период времени — вопрос нетривиальный и достоин диссертаций. Понятно, что не только «навязывается сверху»: это кружево взаимозависимых тревог, желаний, тенденций, хайповых заголовков, медиа-истерий, политических дебатов, личных вкусов кураторов и случайностей, которые в какой-то момент захватывают групповое воображение и находят закрепление в разных документах, с их требованиями к грантовым заявкам. А вот требования к финансированию крупных проектов (на уровне ЕС или страны) — не такие уж и однодневные: они формируют более долгосрочные векторы развития повесток.

Как бы конкретно это ни происходило — не велика толика «свободы самовыражения» в мире профессионального искусства. Особенно такого, что долго производится (от получения финансирования до премьеры спектакля совретанца может пройти года три, и это нормально). Есть сеть разных политических агентов и обстоятельств. И поскольку мир театра и танца (именно сценического) мало интегрирован в мир интернет-капитализма, хоть визуально и играет по его правилам (только на уровне продажи билетов; популярность артистов в инстаграме не сильно связана с их способностью получать резиденции, гранты и театральные площадки), то мы оказываемся в поле более олдскульных механизмов распределения внимания и власти. В нем важнее вайбить с конкретными людьми и смысловыми формулировками, чем с интернет-алгоритмами и живой аудиторией (кек).

Вообще, эта привязка к повесткам, как мне кажется (вопрос для дискуссии!), является одним из специфических перегибов требований к современному искусству, сформировавшимся в два революционных периода истории западного мейнстримного искусства: периода модерна, когда стало важно рефлексировать собственные выразительные средства, и периода 1960–70-х, когда стало прям обязательно рефлексировать отношения власти в институтах искусства, в процессе его производства и восприятия (помните книжки про «политику репрезентации», «политику зрительства» и т. д.?).

Танец в этом плане не шел прямо в ногу с визуальным искусством, во многом из-за своей социальной специфики и самого выразительного средства (тело в движении), но сегодня усвоил обе эти необходимости. Хореографы должны не просто создавать танцы из знакомых им движений и техник, но, по сути, видеть и разбирать, как стили, техники, хореографии, сюжеты вплетены в более широкую социально-политическую и культурную ткань. Кому должны? Профессиональному сообществу, сложившимся институтам, учителям, фондам с денюжками.

(повестка vs. придурь: продолжение)

Для «простых» зрителей (тех, кто не в арт-бабле) сам факт, что танец должен осмыслять действительность, — вообще не очевидный, потому что в социуме у танца другие ведущие функции: удовольствие, здоровье, самовыражение, общение, знакомства :) Иногда — ритуал. Все остальное — издержки очень специфического профессионального нагромождения 150-летней истории.

(Хотя, замечу на полях: как только танец попадает на сцену, его утилитарных функций ему перестает хватать. Да, иногда достаточно красоты и виртуозности, но сцена сама как институт будто бы формирует другие ожидания даже у самой неискушенной публики: хочется немного вознестись, немного трансгрессировать…)

В общем, сценический западный танец, который мы видим на фестивалях и в театрах, повязан с задачей осмысления действительности. Я в этом вижу много плюсов, потому что танец действительно особым способом формулирует призму этого анализа — через тело. Является ли тело главной темой любой современной танц-работы? Вовсе нет. Но как основное средство производства оно дает свою уникальную специфику, которой нет ни у кино, ни у музыки, ни у живописи, ни у драмы.

Так вот, часто бывает, что хореографы сориентированы в дискурсе (понимают: без захода в «осмысление действительности» в профкомьюнити не встроиться), но при этом не чувствуют механики того, как свое насущное телесное связать с внешними проблемами окаянного человечества. Так получаются танцевальные перформансы, в которых каст, без какого-либо повода состоящий из танцовщиков всех цветов кожи и размеров одежды (в Европе; в России картинка была бы скорее «народники»?), таскает из угла в угол ветки упавшего дерева (потому что они работали только с экологически чистыми материалами, которые природа отдала им по собственной воле) в костюмах из мха и переработанного пластика, рассуждая таким образом об апокалипсисе. На фоне у них еще бывает всякая импровизация «освобождающая от оков танцевальных техник» с вкраплениями африканских танцев и вога, чтобы отдать должное забытым и ущемленным историям. То есть они проставили все галочки и произвели полную чушь.

Я, конечно, сейчас максимально утрирую. Но вот эта попытка натянуть свою практику на модный, оплачиваемый или просто понятный кураторам дискурс — это и проклятие некоторых хореографов, и будто неверно понятая задачка. Я лично за политическую осознанность любого художника, но желательно, чтобы она располагалась на пересечении личного опыта тела и какой-то внешней проблемы.

Другой перекос — это работы, которые моя другая подруга называет whimsical, или сделанные out of the whim, то есть с бухты-барахты, из какой-то прихоти или очень специфического интереса. Перформансы «по придури» (вообще — в позитивном смысле слова!). Это что-то типа «танцевального исследования маргариток» или «хореографии морганий», или экспрессивных танцев под ксилофон, или «а давайте посмотрим, как танцевальными методами воспроизвести скроллинг инстаграма» и т. д.

На мой взгляд, перформансы «по придури» всегда лучше перформансов «по повестке». В них возникает горизонт художественной свободы. С другой стороны, если первая категория заставляет тебя подключаться через кондовую идеологию (и иногда художники сами верят в то, что исполняют, и тогда это становится пропагандой — что не всегда так уж плохо, особенно в ситуациях, где требуется коллективно очнуться), то ко второй подключиться бывает трудно в силу узости интереса художника. Однако именно там чаще всего зарыты бриллианты самобытности и свежести.

А вы когда-то находили себя между этими двумя крайностями? Предпочитаете перфы по повестке или по придури?

Во второй части расскажу, как между этими крайностями лавировать, выстраивая свою адекватную середину.

(на картинках выше чат гпт внезапно все правильно проиллюстрировал:)

#теория #танцдраматургия

Продолжаем про Zoom-in / Zoom-out: танцдраматургию от тела к социуму

В прошлых постах я описала две крайности с кликбейтными названиями — «перформанс по повестке» и «перформанс по придури» (прихоти). Ниже коротко суммирую, что имею в виду, и что с ними делать.

Первая крайность — «по повестке»
Это ситуация, когда работа слишком ориентирована на дискурсы и идеологию. Иногда это следование моде или трендовым темам, иногда — запросам грантовых программ. Бывает, художник искренне хочет высказываться на острую тему, но в крайнем варианте таким работам не хватает заземленности в конкретные отношения и телесный опыт. В итоге даже важная тема начинает звучать либо слишком абстрактно, либо оказывается деполитизирована — именно из-за отрыва от реального контекста.

Такое часто происходит у людей, которые изначально привыкли мыслить дискурсами (например, пришедшие из академии), но не знают, как «приземлять» идеи в материал. Или у тех, кто обладает привилегией не сталкиваться напрямую с политическими эффектами выбранных тем (скажем, скандинавские художники, живущие в благополучной экологии и делающие экспрессивные шоу о том, как они задыхаются от загрязнения воздуха, а их тело не знает такого).

В подобных случаях важно сделать Zoom In: опустить абстрактную повестку на уровень конкретного материала, опыта, объекта. Либо найти личную конкретику, либо включить в процесс носителей этого опыта. Zoom In всегда проявляет сопротивление: конкретика оказывается парадоксальной, противоречивой, комплексной.

Пример: моя коллега Даш Че работали с темой имперского наследия и гендерной дискриминации. На уровне стейтмента все выглядело гладко, если не банально: «небинарную персону подавляет авторитарная власть». Но они заземлили тему телесно и материально:

1) использовали огромный костюм медведя как символ страны, через физическое взаимодействие с которым проявились боль, противоречия и токсичная любовь к родине;

2) отправились в путешествие по Восточной Европе с этим образом, ведя дневник, документируя встречи с местными, исследуя собственный дискомфорт и непонимание, как в этих местах говорить на родном языке, но и сложность нахождение общего языка на английском, которым многие встречные не владели.

Так работа перестала быть плоским заявлением и раскрыла многослойность контекста. Историю стало интересно слушать и тем, кто мог бы быть нечувствителен к первоначальному заявлению.

Вторая крайность — «по прихоти»
Обратная ситуация: художник начинает с узкого интереса — к танцевальной технике, движению, личной теме, объекту или соматической практике. Например: перформанс про прыжки, про скакалку, про туфли, про касание, про расставание, про движение push в соматической практике, и тд. Здесь возникает риск, что для зрителя это окажется скучным или непонятным. Не потому, что тема «плохая», а потому что она не переведена в более широкий, общечеловеческий план, и неясно, как к ней подключиться.

В этом случае помогает Zoom Out: шаг назад, поиск связей с более широкими контекстами.
Пример: исследование движения с большим куском ткани. Часто оно ограничивается поверхностным набором действий: повозить по полу, натянуть, погладить, накинуть на плечи, экспрессивно потанцевать вокруг. Но чтобы это обрело худ. целостность, стоит накидать карту ассоциаций: где используется ткань? что она символизирует? на что похожа? Это про повседневность? моду? спорт? войну? знамена? женский труд? капитализм? автоматизацию? историю текстильного производства? жаккардовый станок как начало информатики?приведений? саван? чадру? люльку? красоту? фокусы Лой Фуллер?

Из этих контекстов можно составить карту и увидеть, какими тропинками условные зрители — в зависимости от культурного фона и образования — могут пойти, лишь столкнувшись с образом «танцовщица с тканью». Это вовсе не значит, что все отсылки нужно использовать в перформансе: 80% из них, скорее всего, окажутся лишними (а может, вы возьмете все и выстроите из них историю или иерархию). Но само упражнение открывает доступ к полю воображения и проблематик, через которые потенциально можно подключить самых разных зрителей.

Оно же помогает прояснить собственный выбор: мой перформанс — про ткань как шелтер и флаг, а не про ткацкие станки или быструю моду. Здесь работает тот же принцип, что и в танцевальной импровизации: существует поле «негативного выбора» — то, что мы сознательно не делаем, совершая конкретное движение. В символическом поле перформанса действует такая же логика. Это пространство культуры и коллективного бессознательного, объединяющее художников и зрителей. Но чтобы осознанно отвергнуть ненужные варианты, их необходимо сначала обозначить для самой себя.

Баланс
Важно не делать Zoom Out слишком рано: тогда появится перекос в сторону первой крайности, когда умозрительные ассоциации задают тон исследованию и лишают его неожиданностей. Сюрпризы часто рождаются в честной, «слепой» практике — через тело, взаимодействие с материалом или партнерами. Но чтобы эти находки могли быть разделены с другими, их нужно встроить в более широкое поле культуры и коллективного воображения.

Так личное становится доступным для самых разных зрителей, даже незнакомых и далеких по бэкграунду.

Отмечу также, что далеко не все танц-художники так работают. Некоторые выстраивают свою драматургию на чистых вайбах или чистом формализме (работе с техникой, формой движения). Кто-то — на тексте или взаимодействии с музыкой. Редкие умельцы могут создать перф чисто на состоянии. Но я лично уверена, что символический уровень есть и важен в любой работе, особенно в той, где художнице важно избавиться от ненужного символизма. И это почти всегда — задача драматурга или outside-eye.

А еще у разных символов можно регулировать в перформансе «яркость»: степень проявленность и узнаваемости.

Изображения: Jefta van Dinther — On Earth, I'm Done
Panzetti and Ticconi: AEREA
Loie Fuller dancing
Milla Koistinen — Grit

Какие-то из этих работ я очень люблю, другие считаю неудачными:)

#танцдраматургия

Сегодня в рубрике #topdancer — стратегии соблазнения самцов райских птиц от финский художницы Тиии Касуринен.
Пока это не выросло в полноценную работу, смотрим как красивый клип!

П.С. Давно заметила, что танц-перформансы все чаще зависят от крутой музыки. Но тренд последних лет — что еще и очень сильно от костюмов. (Не все, конечно, но некоторые задают такую планку, что замечаю по себе, что, приходя в театр, уже ожидаю фэшн-шоу. При этом необходимость в "осмыслении реальности" и социальной или художественной критике никуда не делась.)

Дорогие, а есть среди вас саунд-инженеры, которые могут помочь пофиксить одну штучку в готовой музыкальной композиции?

🙏🏼🙏🏼🙏🏼🐚🐚🐚
@annakozonina