Почему рамы важнее, чем кажется
Вся история рам Пушкинского музея неразрывно связана с коллекцией живописи и ее историей. И рамы являются неотъемлемой частью этой истории.
Анастасия Лаврова, заместитель заведующего отдела искусства старых мастеров, хранитель музейных рам, рассказывает: «Традиционно мы не представляем живопись старых мастеров без какого-либо обрамления, поэтому при подборе рам мы стараемся добиться того, чтобы вместе с картиной они создавали гармоничный ансамбль, можно сказать, идеальную пару. В качестве примера можно привести овальный «Женский портрет» 1690-х годов кисти Никола де Ларжильера (зал 21), одетый во французскую раму того времени в стиле Людовика XIV, или «Возвращение Бучинторо к молу у Дворца дожей» Джованни Антонио Каналетто (зал 17) в венецианской рокайльной раме первой половины XVIII века, относящейся к типу рам Canaletto, названных по имени художника. В этих рамах картины в свое время поступили в Музей и сохранили их до нашего времени».
Многим картинам и рамам повезло меньше, с момента поступления в музей и на протяжении XX века картины «переодевались», во время войны вывозились в эвакуацию, рамы заменяли, поэтому одной из важных задач в работе с коллекцией рам является выявление «исторических» и даже авторских рам. В прошлом году удалось обнаружить, отреставрировать и вернуть историческую раму картине Винсента Ван Гога «Море в Сент-Мари», за последние годы были отреставрированы и возвращены рамы «Мадонне перед чашей с причастием» Жана Огюста Доминика Энгра и другим произведениям.
А рама к «Мадонне с младенцами и ангелами» Лоренцо Монако (зал 7), которая была первоначально одним целым с картиной, после реставрации и исследований не только сменила свою датировку с XIX на начало XV века, но и, благодаря надписи на в нижней части рамы, позволила уточнить дату создания произведения (1406 год).
«Рама не привлекает взгляды к себе, а лишь конденсирует их, чтобы потом излить на полотно». Хосе Ортега-и-Гассет «Размышление о рамке» (хранитель рекомендует к ознакомлению, если вам интересно узнать о взаимоотношениях рамы и картины).
#Пушкинскийэкспозиция
Вся история рам Пушкинского музея неразрывно связана с коллекцией живописи и ее историей. И рамы являются неотъемлемой частью этой истории.
Анастасия Лаврова, заместитель заведующего отдела искусства старых мастеров, хранитель музейных рам, рассказывает: «Традиционно мы не представляем живопись старых мастеров без какого-либо обрамления, поэтому при подборе рам мы стараемся добиться того, чтобы вместе с картиной они создавали гармоничный ансамбль, можно сказать, идеальную пару. В качестве примера можно привести овальный «Женский портрет» 1690-х годов кисти Никола де Ларжильера (зал 21), одетый во французскую раму того времени в стиле Людовика XIV, или «Возвращение Бучинторо к молу у Дворца дожей» Джованни Антонио Каналетто (зал 17) в венецианской рокайльной раме первой половины XVIII века, относящейся к типу рам Canaletto, названных по имени художника. В этих рамах картины в свое время поступили в Музей и сохранили их до нашего времени».
Многим картинам и рамам повезло меньше, с момента поступления в музей и на протяжении XX века картины «переодевались», во время войны вывозились в эвакуацию, рамы заменяли, поэтому одной из важных задач в работе с коллекцией рам является выявление «исторических» и даже авторских рам. В прошлом году удалось обнаружить, отреставрировать и вернуть историческую раму картине Винсента Ван Гога «Море в Сент-Мари», за последние годы были отреставрированы и возвращены рамы «Мадонне перед чашей с причастием» Жана Огюста Доминика Энгра и другим произведениям.
А рама к «Мадонне с младенцами и ангелами» Лоренцо Монако (зал 7), которая была первоначально одним целым с картиной, после реставрации и исследований не только сменила свою датировку с XIX на начало XV века, но и, благодаря надписи на в нижней части рамы, позволила уточнить дату создания произведения (1406 год).
«Рама не привлекает взгляды к себе, а лишь конденсирует их, чтобы потом излить на полотно». Хосе Ортега-и-Гассет «Размышление о рамке» (хранитель рекомендует к ознакомлению, если вам интересно узнать о взаимоотношениях рамы и картины).
#Пушкинскийэкспозиция
Кто такие «малые голландцы» и чем они отличаются от остальных художников?
«Малые голландцы» — условный термин, не предполагающий разделения художников на «главных» и «второстепенных». Традиционно им обозначается круг мастеров, создававших холсты небольшого формата на камерные сюжеты и сцены из повседневной жизни. Как правило, каждый мастер имел свой излюбленный жанр, в котором совершенствовался на протяжении всей жизни — подобная узкая специализация позволяла достигать большого мастерства в выбранной области и обеспечивать заказчиков работами высокого уровня.
Сегодня мы попробуем рассмотреть экспозицию зала «Искусство Голландии XVII века» через призму отдельных художников и создаваемых ими произведений.
#Пушкинскийэкспозиция
«Малые голландцы» — условный термин, не предполагающий разделения художников на «главных» и «второстепенных». Традиционно им обозначается круг мастеров, создававших холсты небольшого формата на камерные сюжеты и сцены из повседневной жизни. Как правило, каждый мастер имел свой излюбленный жанр, в котором совершенствовался на протяжении всей жизни — подобная узкая специализация позволяла достигать большого мастерства в выбранной области и обеспечивать заказчиков работами высокого уровня.
Сегодня мы попробуем рассмотреть экспозицию зала «Искусство Голландии XVII века» через призму отдельных художников и создаваемых ими произведений.
#Пушкинскийэкспозиция
Поэзия прозы
«Деревенская любовь» (1882) — одно из лучших произведений Жюля Бастьен-Лепажа. Умение безошибочно улавливать моменты гармонии человека и природы, свойственное мастеру, изображение крестьян в натурных пейзажах в сочетании с жанровыми сценами принесло ему широкую известность «поэтичного реалиста». Колористическое решение картины «Деревенская любовь» говорит о знакомстве художника с новейшими направлениями современного ему французского искусства, в частности с живописью импрессионистов. Картина Бастьен-Лепажа принимала участие в Салоне 1883 года и вызвала большой интерес у публики.
Полотно быстро обрело коллекционера. Известно, что в письме от 11 мая 1883 года Академия изящных искусств предложила художнику за картину 6000 франков. В тот же день Бастьен-Лепаж ответил следующее: «Господин директор, с сожалением извещаю Вас, что картина («Деревенская любовь»), покупку которой Вы предлагаете, больше мне не принадлежит». В это время она уже была куплена французским галеристом Жоржем Пти. В 1885 году состоялась посмертная выставка художника, на которой Сергей Третьяков, давно мечтавший получить произведение Бастьен-Лепажа в свою коллекцию, и приобрел эту картину.
В России картина имела успех у молодого поколения: художники-москвичи увидели в ней прежде всего то, чего недоставало отечественной школе. Михаил Нестеров усмотрел в ее авторе настоящего «славянина» и высказал пожелание, чтобы молодые люди, вступающие в брак, созерцали ее в качестве напутствия, а Серов признавался, что ходит смотреть на полотно Бастьен-Лепажа каждое воскресенье. С 1948 года полотно находится в собрании Пушкинского музея.
Увидеть эту работу можно в Постоянной экспозиции Галереи искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.
#Пушкинскийэкспозиция
«Деревенская любовь» (1882) — одно из лучших произведений Жюля Бастьен-Лепажа. Умение безошибочно улавливать моменты гармонии человека и природы, свойственное мастеру, изображение крестьян в натурных пейзажах в сочетании с жанровыми сценами принесло ему широкую известность «поэтичного реалиста». Колористическое решение картины «Деревенская любовь» говорит о знакомстве художника с новейшими направлениями современного ему французского искусства, в частности с живописью импрессионистов. Картина Бастьен-Лепажа принимала участие в Салоне 1883 года и вызвала большой интерес у публики.
Полотно быстро обрело коллекционера. Известно, что в письме от 11 мая 1883 года Академия изящных искусств предложила художнику за картину 6000 франков. В тот же день Бастьен-Лепаж ответил следующее: «Господин директор, с сожалением извещаю Вас, что картина («Деревенская любовь»), покупку которой Вы предлагаете, больше мне не принадлежит». В это время она уже была куплена французским галеристом Жоржем Пти. В 1885 году состоялась посмертная выставка художника, на которой Сергей Третьяков, давно мечтавший получить произведение Бастьен-Лепажа в свою коллекцию, и приобрел эту картину.
В России картина имела успех у молодого поколения: художники-москвичи увидели в ней прежде всего то, чего недоставало отечественной школе. Михаил Нестеров усмотрел в ее авторе настоящего «славянина» и высказал пожелание, чтобы молодые люди, вступающие в брак, созерцали ее в качестве напутствия, а Серов признавался, что ходит смотреть на полотно Бастьен-Лепажа каждое воскресенье. С 1948 года полотно находится в собрании Пушкинского музея.
Увидеть эту работу можно в Постоянной экспозиции Галереи искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.
#Пушкинскийэкспозиция
Дикий мир Поля Гогена
Путь Поля Гогена (1848-1903) к искусству был долог и непрост. В 35 лет он отказался от размеренной обеспеченной жизни, оставил карьеру преуспевающего биржевого маклера, и покинул семью, чтобы целиком посвятить себя творчеству. Пройдя через увлечение импрессионизмом, художник быстро разочаровался в этом направлении. Мечтой Гогена становится создание нового искусства, свободного от условностей европейской цивилизации, — искусства «варварского» яркостью цветовых сочетаний, «примитивного» с точки зрения форм и композиционных построений и бесконечно прекрасного в своей чистоте и наивности.
В 1891 году он решил скрыться от европейской цивилизации на островах Полинезии. «С высоты этой Сладостной Земли какими жалкими казались мне старые докучные воспоминания, эти сложные заботы о будущем, в которых изнывает городская Европа, лишенная здешнего солнца и здешних богатств, угрюмая, железная, пустая», — писал бывший банковский служащий.
Отрекшийся от европейской цивилизации Поль Гоген никогда не отказывался от опыта мировой культуры. Художник знал старую немецкую гравюру и особенно почитал Дюрера. Порой перекличка со знаменитыми памятниками в написанных на далеких островах картинах столь очевидна, что прототипы легко угадываются. Так, в картине «Брод (Бегство)» угадывается мотив всадника, позаимствованный из знаменитой гравюры Альбрехта Дюрера «Рыцарь, Смерть и Дьявол».
Но действительность оказалась далека от ожиданий. Болезни и нужда заставили Гогена вернуться в Париж, где его ждали новые разочарования. Произведения, созданные им на Таити, не нашли понимания у публики; аукцион живописных работ не принес большого дохода. Получив небольшое наследство, он вновь уезжает в Полинезию, на этот раз навсегда.
Сергей Иванович Щукин оказался одним из тех, кто покупал картины живописца сразу же после его смерти. «Один б-б-безумец это написал, — заикаясь, якобы говорил он, показывая картины Гогена московской публике, — а д-д-другой безумец это купил». Щукин часто повторял, что Гоген «заканчивает эпоху идеи о прекрасном» и что искал художник «не новой живописи, а новых ликов жизни».
Гоген первым из европейских художников обратился к традициям «примитивного» искусства, чтобы вернуть живописи простоту и наивность. Он открыл для мастеров ХХ столетия выразительную силу неевропейских культур. Плоскостность формы, повышенная интенсивность цвета, декоративность композиций – все эти открытия Гогена послужили отправной точкой для творческих поисков следующих поколений французских художников.
Увидеть картины Поля Гогена можно в постоянной экспозиции Галереи искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.
#Пушкинскийэкспозиция
Путь Поля Гогена (1848-1903) к искусству был долог и непрост. В 35 лет он отказался от размеренной обеспеченной жизни, оставил карьеру преуспевающего биржевого маклера, и покинул семью, чтобы целиком посвятить себя творчеству. Пройдя через увлечение импрессионизмом, художник быстро разочаровался в этом направлении. Мечтой Гогена становится создание нового искусства, свободного от условностей европейской цивилизации, — искусства «варварского» яркостью цветовых сочетаний, «примитивного» с точки зрения форм и композиционных построений и бесконечно прекрасного в своей чистоте и наивности.
В 1891 году он решил скрыться от европейской цивилизации на островах Полинезии. «С высоты этой Сладостной Земли какими жалкими казались мне старые докучные воспоминания, эти сложные заботы о будущем, в которых изнывает городская Европа, лишенная здешнего солнца и здешних богатств, угрюмая, железная, пустая», — писал бывший банковский служащий.
Отрекшийся от европейской цивилизации Поль Гоген никогда не отказывался от опыта мировой культуры. Художник знал старую немецкую гравюру и особенно почитал Дюрера. Порой перекличка со знаменитыми памятниками в написанных на далеких островах картинах столь очевидна, что прототипы легко угадываются. Так, в картине «Брод (Бегство)» угадывается мотив всадника, позаимствованный из знаменитой гравюры Альбрехта Дюрера «Рыцарь, Смерть и Дьявол».
Но действительность оказалась далека от ожиданий. Болезни и нужда заставили Гогена вернуться в Париж, где его ждали новые разочарования. Произведения, созданные им на Таити, не нашли понимания у публики; аукцион живописных работ не принес большого дохода. Получив небольшое наследство, он вновь уезжает в Полинезию, на этот раз навсегда.
Сергей Иванович Щукин оказался одним из тех, кто покупал картины живописца сразу же после его смерти. «Один б-б-безумец это написал, — заикаясь, якобы говорил он, показывая картины Гогена московской публике, — а д-д-другой безумец это купил». Щукин часто повторял, что Гоген «заканчивает эпоху идеи о прекрасном» и что искал художник «не новой живописи, а новых ликов жизни».
Гоген первым из европейских художников обратился к традициям «примитивного» искусства, чтобы вернуть живописи простоту и наивность. Он открыл для мастеров ХХ столетия выразительную силу неевропейских культур. Плоскостность формы, повышенная интенсивность цвета, декоративность композиций – все эти открытия Гогена послужили отправной точкой для творческих поисков следующих поколений французских художников.
Увидеть картины Поля Гогена можно в постоянной экспозиции Галереи искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.
#Пушкинскийэкспозиция
5 марта 1696 года родился Джованни Баттиста (Джамбаттиста) Тьеполо — мастер венецианской школы.
Именно при нём обрела своё высшее выражение декоративно-монументальная живопись XVIII века. Принадлежащие его кисти грандиозные циклы фресок и панно в технике масляной живописи украшали Дворец дожей в Венеции, многие знаменитые палаццо и виллы Италии. Он работал при императорском дворе в Мадриде и в епископской резиденции в Вюрцбурге, создав замечательные ансамбли росписей.
«Смерть Дидоны» из ГМИИ им. А.С. Пушкина признана одним из лучших произведений Джамбаттисты Тьеполо, находящихся в России. Картина, возможно, является эскизом к неосуществленной настенной росписи одной из итальянских вилл. Сюжетом послужила трагическая история любви карфагенской царицы Дидоны к легендарному защитнику Трои Энею, изложенная в 4-й главе «Энеиды» Вергилия. Узнав о том, что возлюбленный покинул ее, чтобы по повелению Зевса основать Рим, безутешная Дидона взошла на костер. Сюжет в духе античной трагедии превращается у Тьеполо в театральное зрелище. Умирающая царица не только воплощение смертной истомы, но и чувственной красоты.
Сцена смерти призвана не ужасать, но восхищать и изумлять красноречивой патетикой характеров и страстей. Эней и Ярб (неудачливый жених Дидоны) фантастичностью своего облика усиливают театральный характер сцены. А сияющий солнечный колорит создаёт совершенно самостоятельную праздничную тональность картины. Подобного рода эскизы перестали быть только рабочим материалом художника, они дали начало специфическому «кабинетному формату» картин для украшения интерьеров любителей живописи.
Увидеть «Смерть Дидоны» можно в Главном здании музея, в зале №17 «Искусство Италии XVII-XVIII веков».
#Пушкинскийэкспозиция
Именно при нём обрела своё высшее выражение декоративно-монументальная живопись XVIII века. Принадлежащие его кисти грандиозные циклы фресок и панно в технике масляной живописи украшали Дворец дожей в Венеции, многие знаменитые палаццо и виллы Италии. Он работал при императорском дворе в Мадриде и в епископской резиденции в Вюрцбурге, создав замечательные ансамбли росписей.
«Смерть Дидоны» из ГМИИ им. А.С. Пушкина признана одним из лучших произведений Джамбаттисты Тьеполо, находящихся в России. Картина, возможно, является эскизом к неосуществленной настенной росписи одной из итальянских вилл. Сюжетом послужила трагическая история любви карфагенской царицы Дидоны к легендарному защитнику Трои Энею, изложенная в 4-й главе «Энеиды» Вергилия. Узнав о том, что возлюбленный покинул ее, чтобы по повелению Зевса основать Рим, безутешная Дидона взошла на костер. Сюжет в духе античной трагедии превращается у Тьеполо в театральное зрелище. Умирающая царица не только воплощение смертной истомы, но и чувственной красоты.
Сцена смерти призвана не ужасать, но восхищать и изумлять красноречивой патетикой характеров и страстей. Эней и Ярб (неудачливый жених Дидоны) фантастичностью своего облика усиливают театральный характер сцены. А сияющий солнечный колорит создаёт совершенно самостоятельную праздничную тональность картины. Подобного рода эскизы перестали быть только рабочим материалом художника, они дали начало специфическому «кабинетному формату» картин для украшения интерьеров любителей живописи.
Увидеть «Смерть Дидоны» можно в Главном здании музея, в зале №17 «Искусство Италии XVII-XVIII веков».
#Пушкинскийэкспозиция
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Сегодня исполняется 550 лет со дня рождения гения эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти.
В Пушкинском музее есть целый зал, посвященный скульптурному творчеству Микеланджело. В экспозиции зала представлены гипсовые слепки (не считая одной мраморной копии).
Слепки были сделаны более 100 лет назад по заказу основателя музея Ивана Цветаева. Это точные воспроизведения работ Микеланджело, позволяющие проследить эволюцию художественного языка мастера и понять его вклад в искусство своего времени. Что смотреть в зале №29 — в нашем новом видео. #Пушкинскийэкспозиция
В Пушкинском музее есть целый зал, посвященный скульптурному творчеству Микеланджело. В экспозиции зала представлены гипсовые слепки (не считая одной мраморной копии).
Слепки были сделаны более 100 лет назад по заказу основателя музея Ивана Цветаева. Это точные воспроизведения работ Микеланджело, позволяющие проследить эволюцию художественного языка мастера и понять его вклад в искусство своего времени. Что смотреть в зале №29 — в нашем новом видео. #Пушкинскийэкспозиция
Единственный в России
В Пушкинском музее хранится единственная в российских собраниях картина норвежского живописца Эдварда Мунка (1863-1944). Художник более чем кто-либо из его соотечественников был связан с новейшими течениями в европейском искусстве — постимпрессионизмом и символизмом. Он оказал большое влияние на развитие немецкого экспрессионизма.
Мунк не получил специального художественного образования, проведя только год в Королевской школе искусств и ремесел в Христиании в Осло. На формирование его мировоззрения оказали влияние не только французские постимпрессионисты, но и представители литературного символизма северных стран, прежде всего, Август Стриндберг и Кнут Гамсун.
Картина «Белая ночь. Осгардстран (Девушки на мосту)» (1902-1903) решена в интенсивном колорите, как бы предвосхищающем открытия фовистов. Местом действия послужил Осгардстран — небольшой городок на берегу фьорда недалеко от Христиании (как тогда назывался Осло). Здесь находился дом Мунка, в который он возвращался каждое лето. «Гулять по Осгардстрану — это будто гулять среди моих картин. У меня непреодолимое желание писать, когда я нахожусь в Осгардстране», — говорил Мунк.
Первый холст с мотивом «девушки на мосту» был создан художником в 1900–1901 годах (работа с таким названием хранится в Национальной галерее в Осло). Данная картина была исполнена вскоре после первоначального варианта и поэтому чрезвычайно близка к полотну из Национальной галереи в Осло. Не исключено, что эта версия была написана специально для выставки в Салоне независимых 1903 года, где она экспонировалась как La nuit claire (№1830) и где была приобретена коллекционером Михаилом Абрамовичем Морозовым.
Картину Мунка можно увидеть в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков на втором этаже.
#Пушкинскийэкспозиция
В Пушкинском музее хранится единственная в российских собраниях картина норвежского живописца Эдварда Мунка (1863-1944). Художник более чем кто-либо из его соотечественников был связан с новейшими течениями в европейском искусстве — постимпрессионизмом и символизмом. Он оказал большое влияние на развитие немецкого экспрессионизма.
Мунк не получил специального художественного образования, проведя только год в Королевской школе искусств и ремесел в Христиании в Осло. На формирование его мировоззрения оказали влияние не только французские постимпрессионисты, но и представители литературного символизма северных стран, прежде всего, Август Стриндберг и Кнут Гамсун.
Картина «Белая ночь. Осгардстран (Девушки на мосту)» (1902-1903) решена в интенсивном колорите, как бы предвосхищающем открытия фовистов. Местом действия послужил Осгардстран — небольшой городок на берегу фьорда недалеко от Христиании (как тогда назывался Осло). Здесь находился дом Мунка, в который он возвращался каждое лето. «Гулять по Осгардстрану — это будто гулять среди моих картин. У меня непреодолимое желание писать, когда я нахожусь в Осгардстране», — говорил Мунк.
Первый холст с мотивом «девушки на мосту» был создан художником в 1900–1901 годах (работа с таким названием хранится в Национальной галерее в Осло). Данная картина была исполнена вскоре после первоначального варианта и поэтому чрезвычайно близка к полотну из Национальной галереи в Осло. Не исключено, что эта версия была написана специально для выставки в Салоне независимых 1903 года, где она экспонировалась как La nuit claire (№1830) и где была приобретена коллекционером Михаилом Абрамовичем Морозовым.
Картину Мунка можно увидеть в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков на втором этаже.
#Пушкинскийэкспозиция
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Зал «Искусство Фландрии XVII века» богат знаменитыми именами, новыми атрибуциями, батальными сценами, библейскими и бытовыми сюжетами. Чтобы во всём разобраться и ничего не упустить, смотрите наше видео.
#Пушкинскийэкспозиция
#Пушкинскийэкспозиция
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Зал «Искусство готики и Возрождения Западной Европы» — самый многонациональный: в нём представлено искусство от Испании до Англии. Многие работы не выставлялись более 100 лет: посетители увидели их только в 2024 году после обновления зала. Подробнее — в нашем новом видео.
#Пушкинскийэкспозиция
#Пушкинскийэкспозиция
Самый английский фламандец, самый фламандский англичанин
22 марта 1599 года родился Антонис ван Дейк — самый молодой из великих художников Фландрии. В 19 лет он стал мастером гильдии живописцев в Антверпене, был постоянным помощником Рубенса и Снейдерса. Долгое время путешествовал по Европе, работал в Англии и в Италии. В 1632 году ван Дейк навсегда уехал в Англию, стал придворным художником английского короля Карла I и пользовался там заслуженной славой.
Ван Дейк известен своими портретами, в которых точность наблюдения сочеталась со стремлением утвердить утонченное духовное благородство модели. Мечта о счастье, мирном труде и изобилии отразились в его творчестве. Люди на полотнах ван Дейка аристо-кратичны не столько в силу происхождения (многие из них были выходцами из бюргерской среды), — сколько своими человеческими качествами: у них живой интеллект, сдержанные манеры, полная достоинства осанка.
В Пушкинском музее хранятся произведения кисти ван Дейка «Портрет Адриана Стевенса» и «Портрет Марии Босхарт» — портреты супругов.
В портрете члена антверпенского магистрата, богатого торговца сукнами Адриана Стевенса художник уловил игру ума в его чуть усталом стариковском взгляде, оттенил спокойную сдержанность и благорасположенность к людям этого попечителя бедных и филантропа: позади Стевенca блюдо с жетонами на бесплатные обеды для нищих. Мария Босхарт, жена Адриана Стевенса, изображена сидящей в кресле. Задумчивое лицо, чуть напряженная фигура, рука на подлокотнике кресла гладит барсучий мех. Глаза уже не очень молодой, но привлекательной женщины блестят, — легкая улыбка тронула губы.
Портреты находятся в постоянной экспозиции Главного здания (Волхонка, 12) в зале №9.
#Пушкинскийэкспозиция
22 марта 1599 года родился Антонис ван Дейк — самый молодой из великих художников Фландрии. В 19 лет он стал мастером гильдии живописцев в Антверпене, был постоянным помощником Рубенса и Снейдерса. Долгое время путешествовал по Европе, работал в Англии и в Италии. В 1632 году ван Дейк навсегда уехал в Англию, стал придворным художником английского короля Карла I и пользовался там заслуженной славой.
Ван Дейк известен своими портретами, в которых точность наблюдения сочеталась со стремлением утвердить утонченное духовное благородство модели. Мечта о счастье, мирном труде и изобилии отразились в его творчестве. Люди на полотнах ван Дейка аристо-кратичны не столько в силу происхождения (многие из них были выходцами из бюргерской среды), — сколько своими человеческими качествами: у них живой интеллект, сдержанные манеры, полная достоинства осанка.
В Пушкинском музее хранятся произведения кисти ван Дейка «Портрет Адриана Стевенса» и «Портрет Марии Босхарт» — портреты супругов.
В портрете члена антверпенского магистрата, богатого торговца сукнами Адриана Стевенса художник уловил игру ума в его чуть усталом стариковском взгляде, оттенил спокойную сдержанность и благорасположенность к людям этого попечителя бедных и филантропа: позади Стевенca блюдо с жетонами на бесплатные обеды для нищих. Мария Босхарт, жена Адриана Стевенса, изображена сидящей в кресле. Задумчивое лицо, чуть напряженная фигура, рука на подлокотнике кресла гладит барсучий мех. Глаза уже не очень молодой, но привлекательной женщины блестят, — легкая улыбка тронула губы.
Портреты находятся в постоянной экспозиции Главного здания (Волхонка, 12) в зале №9.
#Пушкинскийэкспозиция