#СтудArts #PROискусство

🎀 Добрый день, дорогие любители искусства!

Ни для кого не секрет, что совсем скоро наступят праздники. В эти снежные дни вы могли оценить работу нашей команды — людей, которые каждый день дарят вам новогоднее настроение.

🌲Конечно, речь о СтудЭльфах и Дедушке Морозе со Снегурочкой. Вот и мы, представители #СтудArts, спешим раскрасить вашу рабочую субботу и подарить вам новогоднюю атмосферу!

🖌 Сегодня мы расскажем вам о картине советского художника Фёдора Решетникова «Прибыл на каникулы» (1948). За это полотно размером 100 х 80 см художник был удостоен Сталинской премии второй степени.

🟥Сюжет:

В канун Нового года студент суворовского училища приезжает домой на каникулы. Не переодевшись в гражданское, мальчик с улыбкой рапортует дедушке о своём прибытии. Новогодний антураж добавляют и такие детали, как снег на шапке главного героя, гирлянды и, конечно, красавица-ёлка, украшенная игрушками. В образах суворовца, его дедушки и пионерки чувствуется лёгкость и оптимизм.

На картине заметно отсутствие родителей. Вероятно, война забрала их жизни (известно, что часто суворовцами становились сироты). Однако всё в нашем мире имеет конец: закончилась и война, перед ребёнком открыта дорога в прекрасное будущее.

🧑🏻‍🎨 Репродукцию картины «Прибыл на каникулы» можно увидеть изображенной на стене комнаты на другой, не менее знаменитой картине Фёдора Решетникова 1952 года «Опять двойка» (пожалуй, самой известной у мастера). Интересно, что репродукция «Опять двойка», в свою очередь, изображена на картине «Переэкзаменовка».

🖼️ Если вас заинтересовало одно из этих полотен, вы можете ими насладиться в Третьяковской галерее. До новых встреч!

Автор выпуска: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts #PROискусство

Дорогие читатели!

⚡️Искренне надеемся, что на прошедших зимних праздниках вы успели хорошо отдохнуть и зарядиться позитивным настроем на год вперёд! Пусть новогоднее торжество позади, все мы понимаем, что ёлки будут наполнять наши дома уютом как минимум ещё две недели. В чем заключается особенность этого символа для выдающихся отечественных художников?

🎄Сегодня мы расскажем вам о картине Бориса Кустодиева «Ёлочный торг» (1918 г., 98х98 см), которая хранится в Краснодарском музее им. Ф.А. Коваленко. Каждый знает, что ни одно новогоднее торжество не обходится без символа зимы — ёлки. Вот и художник считает, что первым делом обязательно нужно купить зелёную красавицу.

🌟 Внимательно изучив полотно, можно понять, как сильно отличался дореволюционный ёлочный торг от современных: самые маленькие ёлочки продавались уже наряженными, а самые большие были поистине громадными. Борис Кустодиев изобразил ёлочный торг как праздничное зрелище: взрослые внимательно выбирают будущее главное украшение своего дома, а детишки им подражают. Живописец расположил фигуры таким образом, что у зрителя создаётся впечатление настоящей предновогодней суеты. Это ощущение подкрепляет факт того, что композиция обладает незамкнутостью — текучее изображение можно продолжить в любую сторону.

💫 Для Кустодиева огромную роль играли цвета и линии. Так и в «Ёлочном торге» мастер придал большое значение свету на полотне: художник лишил небо глубины, а купола церкви написал интенсивными цветовыми пятнами, практически размыв разницу планов. Так живописец достиг эффекта сказочности всех объектов и деталей полотна.

🌲 Ведущие рубрики #СтудArts поздравляют вас с наступившими Новым годом и Рождеством! Желаем вам никогда не терять творческой глубины, интереса к искусству и краскам жизни!

💎 До скорой встречи!

Ведущие рубрики: Екатерина Фирсова (1 МЖ) и Юлия Скороходова (1 МО)

#СтудArts #PROискусство

Дорогие читатели!

В период сессии спешим скрасить ваши будни новым выпуском рубрики #СтудArts. Сегодняшний выпуск посвящен остроумному и в тоже время загадочному и магическому художнику — Рене Магритту.

💫 Рене Магритт — один из самых узнаваемых художников современности. Его образы очень плотно вошли в массовую культуру и по сей день активно цитируются как домами моды, так и сценаристами.

🌿 Говоря о личности художника, нельзя не отметить, что он был закрытым человеком, работал у себя дома на кухне, обожал четкий распорядок дня и не причислял себя ни к одному художественному стилю. Ведя такой простой образ жизни, он создавал необычайно загадочные картины и будто бы «жонглировал» смыслами в них. Его стиль получил название «магический реализм».

🍏 На картине «Сын человеческий» изображен обычный мужчина в чёрном котелке (впоследствии именно этот элемент не раз прослеживался в полотнах художника). Лицо человека закрыто ярко-зелёным яблоком. Существует очень много версий, почему именно яблоком, и что это вообще значит.

👉 Рассмотрим одну из версий: человек, изображенный на картине, ничем не выделяется среди других мужчин того времени. Его лицо, вероятно, обычное, спрятано за яблоком и вызывает неподдельный интерес. Зрителю невольно хочется взглянуть на него. Так Рене играет на нашем любопытстве. Каждый хочет видеть то, что пытаются скрыть от его глаз.

📌 Любая картина Рене Магритта вызывает у смотрящего на неё вопрос: «Что это значит и что за этим скрывается?». Но ответ всегда будет: «Ничего. Эта тайна ничего не значит, потому что тайну познать невозможно». Надо понять это кредо художника, чтобы приблизиться к пониманию его творчества.

Желаем всем приятной сессии и отличных результатов!

До новых встреч!

Автор выпуска: Юлия Скороходова (1 МО)

#СтудArts #PROискусство

🎨 Добрый день, дорогие читатели!

Сегодня мы спешим рассказать вам о картине, которая, пленяя своей живописностью, мелькает в большом количестве фильмов, книг и уже по праву считается элементом массовой культуры.

🖼️ Конечно, речь идёт о полотне голландского художника Золотого века Яна Вермеера «Девушка с жемчужной серёжкой». За изящную красоту и величественность главной героини в народе картину называют «Голландская Мона Лиза». Работа находится в коллекции Маурицхейса в Гааге с 1902 года.

💡 «Девушка с жемчужной сережкой» представляет зрителю миловидную леди в тёмном пространстве. Чёрный фон акцентирует внимание как на женскую фигуру и её потрясающий головной убор, так и на главный элемент картины — драгоценность из жемчуга.

Картину относят к жанру, называемому в Голландии XVII века «трони», которым обозначали изображения головы человека, а не полноценные портреты. Художник попытался запечатлеть миг, когда девушка поворачивает голову в сторону зрителя, к кому-то, кого она только что заметила.

📌 О самой девушке известно мало. Однако исследователи творчества Вермеера считают, что на холсте изображена Мария — дочь художника. Невзирая на тайны девушки, по сей день остаётся загадкой и её украшение. Для настоящего жемчуга размер камня очень велик. Предполагают, что голландский мастер мог изобразить фальшивый жемчуг из венецианского стекла или перламутра.

✨ Творение кисти Вермеера понравилось миллионам ценителей: в 2013 году компания LEGO выпустила набор «Ограбление музея», где картина изображена в стилистике LEGO, а на следующий год до полотна добрался другой великий художник — Бэнкси, который создал своего рода «пародию». Вместо серёжки у девушки был нарисован будильник. Фото стены здания с изображением графитти было опубликовано на сайте художника под названием «Девушка с пирсингом барабанной перепонки».

⬇️А что думаете о картине вы? Пишите в комментариях!

До следующего сюжета!

Автор выпуска: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts #PROискусство

Дорогие читатели!

🔊 #СтудArts поздравляет вас с окончанием сессии и началом каникул. Уверены, что эти события вызывают у вас спектр самых разных чувств!

Говоря об эмоциональной части нашей сущности, знаменитый художник второй половины двадцатого века Марк Ротко считал, что искусство должно вызывать сильный эмоциональный отклик не в голове, а в сердце. О нём и пойдёт сегодня речь!

⭐️ Картины Марко Ротко запоминаются благодаря своей простоте. Они обычно состоят из 2-3, реже 4 или 5 цветов. Художник освобождает цвет от формы, и цвет обрушивается на зрителя. Цвет вызывает у человека определённую эмоцию. Так, картина «Белый центр» вызывает у автора спокойствие и умиротворение. Испытываете ли вы то же самое, смотря на картину?

✨Ротко стал одним из основателей абстрактного экспрессионизма. Данный стиль характеризуется отказом от геометрической абстракции в пользу, в случае Ротко, живописи цветового поля. Художники этого стиля считали, что предметная живопись загоняет человека в рамки, человек вынужден мыслить в определенной парадигме. Их живопись освобождает зрителя от мыслей, заставляя переживать эмоции.

⁉️Почему люди плачут перед картинами художника? Секрет заключается не только в игре с цветом, но и в размере картин, а также в том, как они выставлены. Так, картины художника имеют большой размер. Они специально развешены при приглушенном освещение. Более того, они не имеют названий. Этими приёмами художник добивался эффекта «поглощения» картиной. Ротко оставляет зрителя один на один с ней. Его картины завораживают, напрямую воздействуют на душу, а отсутствие названия заставляет проживать эмоции, освобожденные от мыслей.

📌 Интересный факт: Марк Ротко является одним из самых дорогих художников мира. Его картина «Оранжевое, красное, жёлтое» была продана на аукционе за 87 млн долларов.

Всем хорошего настроения и удачных каникул!

Автор выпуска: Юлия Скороходова (1 МО)

#СтудArts

🍀 Дорогие читатели!

Ведущие рубрики #СтудArts надеются, что вы чудесно провели время на майских праздниках!

👨‍🎨 Сегодня мы поговорим о прекрасном образце «золотого века» голландской живописи, таящем в себе множество секретов от названия до экспозиции!

Итак, полотно Рембрандта «Ночной дозор», или «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» (379,5 × 453,5 см, 1642 г.) около двухсот лет провисело в разных местах и было обнаружено искусствоведами лишь в XIX веке. На данный момент картина экспонируется в музее Амстердама Рейксмузеум.

📌Картина представляет группу амстердамских мушкетёров, собравшихся на праздник в честь своего капитана. Во время Тридцатилетней войны в Европе (1618-1648 гг.) жителям голландских городов приходилось защищать свою собственность оружием. Однако они продолжали собираться и в мирное время и «выходили в дозоры», следя за порядком.

✨ На переднем плане выступают три фигуры: капитан и два лейтенанта, чьи силуэты освещены, дабы зритель смог внимательно их изучить. Но и остальные персонажи, изображенные в тени и фоновом пространстве, не остаются незамеченными. Рембрандт исследует тему света и тени, создавая напряженную атмосферу и вызывая интерес к каждому образу.

💡 Секрет названия заключается в том, что на полотне долгое время было неверно определено время суток: ошибка произошла из-за обилия копоти и тёмного лака на картине, что вызывало ассоциацию с ночью. Положение тени от левой руки капитана Кока указывает на 14 часов дня. Так «Ночной дозор» стал «Дневным».

🔄 В июле 2019 года началась реставрация. А в 2021 году картину в течение трёх месяцев демонстрировали посетителям с воссозданными фрагментами: как она выглядела до обрезки (давней традиции того времени) с использованием искусственного интеллекта и специальной технологии «свёрточных нейронных сетей» — так современные технологии дополняют искусство!

☀️ До встречи в новом выпуске!

Автор: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts

Дорогие читатели!

🧣#СтудArts спешит порадовать вас новым выпуском, который посвящен уникальному и мистическому художнику XX века — Василию Кандинскому. Он не только является основоположником абстрактной живописи, но и первым художником, который смог теоретически обосновать абстрактное искусство.

🔉 Кандинский обладал особой формой восприятия мира. Свои картины он нередко описывал как звучащие и вибрирующие. Синтез цвета и звука был отправным пунктом его живописи. Такая концентрация искусства была выбрана не случайно: Кандинский с детства виртуозно играл на виолончели и фортепиано. Когда художник слушал музыку, он видел цветовые образы.

🌹Цвет у художника выходит на первый план, вызывает определенные психические и эмоциональные переживания. Краски на холсте приобретают одушевленный характер. Свои абстрактные произведения Василий Васильевич делит на три категории. Картины, написанные бессознательно, под действием первого впечатления, он назвал импрессией. Сознательное выражение внутренних переживаний — это импровизация, а высшей формой абстракции является продуманная композиция.

☦️Василий Кандинский был верующим человеком, поэтому нередко его произведения наполнены размышлениями о Судном дне, Всемирном потопе и других православных религиозных понятиях. Все это он пытался выразить в своих композициях, создавая многочисленные эскизы перед работой с оригиналом.

✨ «Композиция VIl» считается вершиной творчества художника. Перед ее созданием Кандинский нарисовал около тридцати эскизов и в конечном итоге создал, по его словам, произведение с самой сложной за всю его художественную деятельность структурой. Огромный холст 2х3 метра производил на зрителей глубокое впечатление. Вблизи впечатление усиливается благодаря разнородной структуре мазков.

📌 В настоящее время картина находится в Государственной Третьяковской галерее, поэтому рекомендуем вам обязательно увидеть произведение вживую!

До новых встреч!

Автор выпуска: Скороходова Юлия (1 МО)

#СтудArts

💾Дорогие читатели!

Сегодня в рубрике #СтудArts мы поговорим об одном из самых популярных произведений австрийского модерна — «Поцелуй» Густава Климта. Каждый хоть раз видел эту картину на футболках, кружках, открытках, в офисах и даже на домах. Однако о чем же она?

❤️ Далеко не случайно полотно относят к «Золотому периоду» творчества Климта. В работе сохранены традиции византийской мозаики и иконописи (характерный золотой фон), использована золотая фольга, золотая краска и другие драгоценные камни, что отсылает на давнее увлечение художника декоративным искусством.

✨ Задний фон полотна представляет собой цветочную поляну, заканчивающуюся обрывом. В этом элементе можно прочитать идею медленно увядающей красоты. Внимание созерцателя обращено на пару, освещённую золотом. Влюблённые, как можно заключить по их доверительной позе, растворяются в моменте и в своих чувствах. Они отделены от всего остального мира, и, кажется, их мысли далеко от общества и его проблем…

❓Откуда же Густаву Климту пришёл такой сюжет? Однажды некий граф заказал картину для своей возлюбленной и вручил художнику медальон с фотографией своей великолепной невесты. Климт должен был изобразить поцелуй герцога и девушки, однако получил совсем другой результат… Художник объяснил это тем, что попробовал передать те мотивы, которые в миг самого поцелуя бросают возлюбленных в бездну чувств. Граф и его пассия остались довольны и через некоторое время отправились в свадебное путешествие. Позже Климт раскрыл тайну «Поцелуя». Оказалось, что, вдохновившись образом невесты герцога, он сам влюбился в девушку и потому запечатлел томительное ожидание и нежность вместо самого поцелуя.

📍На данный момент картина Климта «Поцелуй» (180×180 см, 1908-1909 гг.) располагается в галерее Бельведера, в Вене.

До скорых встреч в мире безграничного искусства!

Ведущая рубрики: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts

Дорогие читатели!

🐴 Ведущие рубрики #СтудArts спешат поздравить вас с началом лета и порадовать новым выпуском, который посвящён Анри Руссо — французскому художнику, самоучке и мечтателю, который начал свой путь в живописи только в 40 лет. Предлагаем вам вместе с нами погрузиться в мир тропических пейзажей и экзотических животных.

Анри Руссо работал на французской таможне, а в свободное от работы время рисовал. Свои художественные навыки он отрабатывал, копируя картины из художественных галерей Парижа и рисуя эскизы в городских ботанических садах. Благодаря тому, что Анри не получил традиционного художественного образования, ему удалось выработать свой собственный стиль.

🖼 Творчество мастера стало своеобразным феноменом в искусстве начала 20-го века. Оно принципиально отличалось от того, что уже существовало и было модным. Уникальный стиль художника сейчас принято относить к примитивизму. Примитивизм, или наивное искусство — это течение в живописи и скульптуре, берущее начало в изображениях и предметах древних культур.

Главной особенностью работ Анри Руссо была драматическая интенсивность и пестрота красок, в них часто встречаются искаженные пространства с нереалистичным масштабом. Чаще всего художник изображал растения большими, величественными и одновременно плоскими.

🦁 Картина «Голодный лев набрасывается на антилопу» стала началом целого цикла работ с похожей тематикой и манерой исполнения: яркие и опасные джунгли, голубое небо и солнце без света и тени, а в центре — хищник, прижавший к земле свою жертву.

🦋 Долгое время картины Анри Руссо были поводом для насмешек: люди отказывались принимать его творчество и признавать его в качестве мастера примитивизма. Однако в дальнейшем Анри удалось стать великим художником и вдохновителем для таких гениев красок как Пабло Пикассо, Фернана Леже, Макс Эрнст и многие другие сюрреалисты.

До новых встреч!

Автор выпуска: Скороходова Юлия (1 МО)

#СтудArts #PROискусство

😩 Дорогие ценители прекрасного!

С анонсом 3️⃣ сезона в вашу ленту врывается самая эстетичная рубрика Студенческого союза МГИМО — «СтудArts: PRO искусство» — где мы в нескучном формате обсуждаем мировые творения живописи и мастеров кисти с большой буквы.

🖼 Сегодня перед нами — портрет «абрамцевской богини», который послужил вдохновением для бесчисленного множества мастеров кисти: считается, что Врубель придал её черты Тамаре на иллюстрациях к «Демону» Лермонтова; Виктор Васнецов и Николай Кузнецов также писали ее портреты. Конечно, речь идет о «Девочке с персиками» Валентина Серова.

🖌Картина Серова знакомит наблюдателя с девочкой школьного возраста в легком розовом одеянии, которая будто предлагает присоединиться к трапезе за белоснежным столом и угоститься одним из персиков. В просторной и светлой комнате не так много деталей, но каждая из них приковывает внимание зрителя: висящая на стене керамическая тарелка, вероятно, принадлежит маме девочки, бравый солдатик, верно прикрывающий спину «хозяйки приёма», стоит на страже дома, а летний пейзаж за окном радует сочными зелено-желтыми красками. На лице героини картины очерчена смущенная улыбка, хитрые глаза будто предлагают гостю сыграть с ней в игру, а в ее позе прослеживается наивная детская беззаботность.

✔️🤣😂 🤣😍🥰🙃😌🤣🤣 ✔️

💼 Одним летним днем, когда художник остановился в гостях в усадьбе мецената Саввы Мамонтова в Абрамцеве, он обратил внимание, как 11-летняя дочка старого друга вбежала в столовую после игры на свежем воздухе. Девочка взяла персик, усевшись за стол с другом семьи. Этот эпизод послужил вдохновением для одной из самых известных работ Валентина Александровича, однако вряд ли Вера, дочка Мамонтовых, подозревала, что ей придется ежедневно на протяжении месяца позировать для написания своего портрета. Позже Серов подарил его Елизавете Мамонтовой, маме Веры. Современники, когда-либо бывавшие у меценатов, говорили, что портрет маленькой Веры еще больше освещал комнату и подарил ей особую живость.

🖼 Полюбоваться Верой Мамонтовой можно и в наше время: картина «Девочка с персиками» входит в постоянную экспозицию Третьяковской галереи.

До новых встреч!

Автор: Екатерина Фирсова (2 МЖ)
Дизайн: Ангелина Бунина (3 ФУП)

#СтудArts #PROискусство

Дорогие читатели!

✴️ Спешим порадовать вас новым выпуском самой эстетичной рубрики Студенческого союза, который посвящен одному из самых известных французских художников конца 19-начала 20 века, основателю импрессионизма — Клоду Моне. Всю свою жизнь художник оставался верен этому стилю, пройдя долгий путь от нищеты и скитаний в пригородах Парижа до международного признания и персональных выставок.

😉😉😁😜😝😉🙄

Движение импрессионистов зародилось в 1860-е гг. в атмосфере урбанизированного и индустриализованного Парижа. Художники-импрессионисты, такие как Моне, сосредоточились на том, чтобы запечатлеть непостоянство моментов. Они хотели изобразить мимолетное взаимодействие света и цвета через фильтры времени и погоды, стремились передать впечатление от мгновения.

🔴 Современники импрессионистов рисовали обычно в закрытых помещениях, делая предварительные наброски на своих холстах, заранее смешивая краски и используя длинные плавные мазки. Импрессионисты же отвергали академический стиль. Они творили на пленэре, рисовали без набросков, краски наносили прямо из тюбика, используя короткие и грубые мазки кисти.

📌«Водяные лилии» Клода Моне ярко отражают стиль импрессионизма. Художник написал одно из лучших своих творений в 1906 году, когда ему было 66 лет. К этому времени он был зрелым художником с более чем 40-летним опытом работы. Поселившись в местечке Живерни в Верхней Нормандии, где у Моне был частный дом с просторным садом, художник увлекся цветами: он не только рисовал, но и собственноручно их выращивал.

❓ Как известно, Моне написал целую серию картин, посвященных лилиям. В музеях мира хранится около 80 подобных полотен. Зачем же художнику такое множество похожих картин? Все дело в том, что он изобрел и довел до совершенства метод написания серий картин с одним и тем же сюжетом, изменяющемся в зависимости от времени года, дня, погоды и времени суток.

До новых встреч!

Автор: Юлия Скороходова (2 МО)
Дизайн: Андрон Виногродский (3 МО)

#СтудArts #PROискусство

🖼 Доброго вечера всем ценителям прекрасного!

В эфире самая эстетичная рубрика Студсоюза — «СтудArts: PRO искусство», в новом выпуске которой мы приоткроем завесу тайны шедевра кисти И.Н.Крамского — «Неизвестная».

🎨Зима окутала белым одеялом тихие улицы Петербурга, заботливо укрыв снежными шапками Аничков дворец и Александринский театр. Не спит один Невский проспект: по центральной дороге вальяжно разъезжает открытый экипаж, отделанный дорогими тканями. В повозке восседает темная фигура — молодая женщина, одетая по последней моде. С нескрываемыми снобизмом и заносчивостью она осматривает бедолаг, заблудившихся в заснеженный час. «Да, эта дама явно происходит из высшего класса, — сказал бы её современник, столкнувшись с на редкость надменным прищуром. — И она гордится этим».

😂😂 😂😝😜☺️🥰😂😂

♥️ В 1883 году, когда Иван Николаевич Крамской завершил полотно, оно тут же было отправлено на выставку художников-передвижников, где произвело подлинный фурор. В ту пору в Петербурге ходило немало слухов про эту картину: одни заверяли, что прообразом героини является вторая жена Александра II Екатерина Долгорукова; другие — что Крамской изобразил фаворитку Александра I — грузинскую княжну Варвару Туркестанову.

🏛В свою очередь, многие исследователи отмечали «литературную составляющую» полотна, что могла переплетать образы произведений нескольких авторов: «Незнакомки» Блока, «Анны Карениной» Толстого, «Настасьи Филипповны» из романа Достоевского «Идиот» и даже Дуняши, дочери станционного смотрителя из пушкинских «Повестей покойного Ивана Петровича Белкина». Сравнение с первой сильно повлияло на народное сознание: в разговорах часто можно услышать путаницу в названии, ведь «Неизвестную» так и хочется назвать «Незнакомкой».

📃 Крамской был уверен, что меценат Третьяков обязательно приобретет будущий шедевр, однако коллекционер, впервые увидев картину, покинул выставочный зал без каких-либо слов. Возможно, Третьяков узнал в героине дочь Крамского Софью, которая оказалась замешана в громком скандале, связанном с ее помолвкой…

Сама же картина все-таки была приобретена Третьяковской галереей и стала ее достоянием. Если вы хотите поразмышлять над судьбой «Неизвестной», обязательно посетите постоянную экспозицию!

До встречи в новом выпуске!

Автор: Екатерина Фирсова (2 МЖ)
Дизайн: Ангелина Бунина (3 ФУП)