Эдгар Дега и Сюзанна Валадон
Эдгар Дега — особенная фигура в творчестве и жизни художницы. Именно он, будучи уже признанным мэтром, дал ей свое благословение, просмотрев рисунки и резюмировав: «Вы — наша». Он купил несколько ее работ и повесил на стене у себя дома. Иногда Валадон утверждала, что не позировала Дега, а лишь училась у него, иногда твердила обратное. В личную сферу их отношения не перешли, хотя сама художница и не была против, но слишком уж мэтр «боялся женщин».
Несомненно, провозглашаемый Дега принцип «подглядывания в замочную скважину» отражен в ее многочисленных ню, имеющих при этом совершенно иное настроение. Перекличка работ видна невооруженным глазом.
А работа «Мари Кока и ее дочь Жильберта» — прямое указание на Дега, чей стиль вполне узнаваем в висящей на стене картине.
Красивая жизнь Сюзанны Валадон
1920-е годы — не только расцвет творчества художницы, но и сопутствующий ему материальный достаток. Галерея Бернхейм-Йён подписала с ней и с Морисом Утрилло контракт, гарантировавший миллион франков ежегодно в обмен на будущие работы. Валадон и Утрилло писали, Андре Уттер весьма успешно выполнял административную и продюсерскую работу. Богатая жизнь началась с щедрых широких выходок Сюзанны, призванных компенсировать предыдущие годы бедности.
Окружающие были в шоке, впрочем, им не привыкать. А ставшая весьма обеспеченной Сюзанна Валадон желала одарить и осчастливить всех, до кого дотянется. Жену мясника, пожаловавшуюся на боль в спине, она отправила в санаторий подлечиться, почтальону на годовщину его свадьбы послала подарок, свою кошку кормила по выходным икрой, легко могла собрать полсотни бедных ребятишек на улице и повести их всех на цирковое представление. Улицы Монмартра были ее домом и ее школой, и ей хотелось их отблагодарить за свой успех. Возможно. А возможно, причины в чем-то другом — говоря о Сюзанне Валадон, не приходится рассчитывать на однозначные трактовки.
#СюзаннаВаладон
@pic_history
Эдгар Дега — особенная фигура в творчестве и жизни художницы. Именно он, будучи уже признанным мэтром, дал ей свое благословение, просмотрев рисунки и резюмировав: «Вы — наша». Он купил несколько ее работ и повесил на стене у себя дома. Иногда Валадон утверждала, что не позировала Дега, а лишь училась у него, иногда твердила обратное. В личную сферу их отношения не перешли, хотя сама художница и не была против, но слишком уж мэтр «боялся женщин».
Несомненно, провозглашаемый Дега принцип «подглядывания в замочную скважину» отражен в ее многочисленных ню, имеющих при этом совершенно иное настроение. Перекличка работ видна невооруженным глазом.
А работа «Мари Кока и ее дочь Жильберта» — прямое указание на Дега, чей стиль вполне узнаваем в висящей на стене картине.
Красивая жизнь Сюзанны Валадон
1920-е годы — не только расцвет творчества художницы, но и сопутствующий ему материальный достаток. Галерея Бернхейм-Йён подписала с ней и с Морисом Утрилло контракт, гарантировавший миллион франков ежегодно в обмен на будущие работы. Валадон и Утрилло писали, Андре Уттер весьма успешно выполнял административную и продюсерскую работу. Богатая жизнь началась с щедрых широких выходок Сюзанны, призванных компенсировать предыдущие годы бедности.
Окружающие были в шоке, впрочем, им не привыкать. А ставшая весьма обеспеченной Сюзанна Валадон желала одарить и осчастливить всех, до кого дотянется. Жену мясника, пожаловавшуюся на боль в спине, она отправила в санаторий подлечиться, почтальону на годовщину его свадьбы послала подарок, свою кошку кормила по выходным икрой, легко могла собрать полсотни бедных ребятишек на улице и повести их всех на цирковое представление. Улицы Монмартра были ее домом и ее школой, и ей хотелось их отблагодарить за свой успех. Возможно. А возможно, причины в чем-то другом — говоря о Сюзанне Валадон, не приходится рассчитывать на однозначные трактовки.
#СюзаннаВаладон
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
1 - Дега
2 - Валадон
2 - Валадон
"Песчаный берег моря в Сен-Бриаке"
1890 г.
Поль Синьяк
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
Картину «Песчаный берег моря в Сен-Бриаке» Поль Синьяк написал в пору, когда еще был последовательным проповедником идей пуантилизма. После знакомства с изобретателем метода Жоржем Сёра в 1884 году Синьяк увлекся необычной техникой создания картин при помощи нанесения тысяч точек чистых цветов, складывающихся в сложные оттенки. После написания этой картины пройдет всего год - и Сёра скоропостижно скончается (предположительно, от менингита), а Синьяк безвозвратно разочаруется в пуантилизме (точнее, той его разновидности, что зиждется сугубо на точках).
«Я все больше и больше ненавижу мелкую точку и сухость», — писал он о своих тогдашних настроениях. И хотя к помощи точек при создании полотен Синьяк больше не прибегал, он все-таки не совсем разорвал отношения с научными теориями о цвете. В его технике изменилось лишь одно: точки уступили на холстах место раздельным контрастным мазкам.
И если на картинах, относящихся к позднему периоду, художник существенно отходит от реалистической цветовой гаммы, больше прибегая к кислотным оттенкам, то «Песчаный берег моря в Сен-Бриаке» максимально приближен к действительности. Песок желтый, небо и море синие, растительность тоже тех цветов и оттенков, которые ей положены. Да и сам пейзаж не настолько монументален, насколько это привычно для произведений пуантилизма, и лишен характерной для него статичности.
Синьяк был страстным морским путешественником и за всю жизнь сменил 32 яхты. Первую лодку он приобрел в 1883 году и назвал ее «Мане — Золя — Вагнер». Несложно догадаться, что помимо живописи он увлекался литературой и музыкой. Из-за любви к последней Синьяк давал своим картинам поэтичные музыкальные названия: «Адажио», «Ларгетто», «Скерцо» и тому подобные. «Песчаный берег моря в Сен-Бриаке» тоже имеет музыкальный подзаголовок – «Опус 212». Вместе с другими картинами он вошел в сюиту «Море», которая выставлялась в парижском Салоне Независимых 1891 года.
Французский писатель Поль Вайян-Кутюрье говорил: «Синьяк любил искусство, человечество и море». Эмоциональный и открытый для общения, художник с такой же спонтанностью наносил краски на холст. По его словам, он не стремился неотступно воплощать в жизнь сухую теорию сочетания цветов, но работал в соответствии с теми душевными порывами и эмоциями, которые хотел передать.
Хотя находились и более темпераментные художники, которым подход Синьяка все равно казался слишком формальным. «Я выбираю цвета не по какой-нибудь научной теории, но по чувству, наблюдению и опыту, – писал Анри Матисс в книге «Заметки живописца». - Такой художник, как Синьяк, основываясь на некоторых высказываниях Делакруа, заботится о дополнительных цветах и кладет здесь один тон, а там — другой, согласно теории. Я же просто стараюсь положить цвета, передающие мое ощущение».
И пусть Матисс прав, и Синьяк действительно наносил краску на холст исходя из научных изысканий, но атмосферности и настроения картине «Песчаный берег в Сен-Бриаке» не занимать: от нее веет раскаленным полуденным зноем и жаждой морской прохлады. Даже колючка на переднем крае холста, хоть и предназначена для уравновешивания общей композиции и придания ей глубины, поэтична настолько, насколько может быть поэтичным чертополох.
#ПольСиньяк #Пейзаж
@pic_history
1890 г.
Поль Синьяк
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
Картину «Песчаный берег моря в Сен-Бриаке» Поль Синьяк написал в пору, когда еще был последовательным проповедником идей пуантилизма. После знакомства с изобретателем метода Жоржем Сёра в 1884 году Синьяк увлекся необычной техникой создания картин при помощи нанесения тысяч точек чистых цветов, складывающихся в сложные оттенки. После написания этой картины пройдет всего год - и Сёра скоропостижно скончается (предположительно, от менингита), а Синьяк безвозвратно разочаруется в пуантилизме (точнее, той его разновидности, что зиждется сугубо на точках).
«Я все больше и больше ненавижу мелкую точку и сухость», — писал он о своих тогдашних настроениях. И хотя к помощи точек при создании полотен Синьяк больше не прибегал, он все-таки не совсем разорвал отношения с научными теориями о цвете. В его технике изменилось лишь одно: точки уступили на холстах место раздельным контрастным мазкам.
И если на картинах, относящихся к позднему периоду, художник существенно отходит от реалистической цветовой гаммы, больше прибегая к кислотным оттенкам, то «Песчаный берег моря в Сен-Бриаке» максимально приближен к действительности. Песок желтый, небо и море синие, растительность тоже тех цветов и оттенков, которые ей положены. Да и сам пейзаж не настолько монументален, насколько это привычно для произведений пуантилизма, и лишен характерной для него статичности.
Синьяк был страстным морским путешественником и за всю жизнь сменил 32 яхты. Первую лодку он приобрел в 1883 году и назвал ее «Мане — Золя — Вагнер». Несложно догадаться, что помимо живописи он увлекался литературой и музыкой. Из-за любви к последней Синьяк давал своим картинам поэтичные музыкальные названия: «Адажио», «Ларгетто», «Скерцо» и тому подобные. «Песчаный берег моря в Сен-Бриаке» тоже имеет музыкальный подзаголовок – «Опус 212». Вместе с другими картинами он вошел в сюиту «Море», которая выставлялась в парижском Салоне Независимых 1891 года.
Французский писатель Поль Вайян-Кутюрье говорил: «Синьяк любил искусство, человечество и море». Эмоциональный и открытый для общения, художник с такой же спонтанностью наносил краски на холст. По его словам, он не стремился неотступно воплощать в жизнь сухую теорию сочетания цветов, но работал в соответствии с теми душевными порывами и эмоциями, которые хотел передать.
Хотя находились и более темпераментные художники, которым подход Синьяка все равно казался слишком формальным. «Я выбираю цвета не по какой-нибудь научной теории, но по чувству, наблюдению и опыту, – писал Анри Матисс в книге «Заметки живописца». - Такой художник, как Синьяк, основываясь на некоторых высказываниях Делакруа, заботится о дополнительных цветах и кладет здесь один тон, а там — другой, согласно теории. Я же просто стараюсь положить цвета, передающие мое ощущение».
И пусть Матисс прав, и Синьяк действительно наносил краску на холст исходя из научных изысканий, но атмосферности и настроения картине «Песчаный берег в Сен-Бриаке» не занимать: от нее веет раскаленным полуденным зноем и жаждой морской прохлады. Даже колючка на переднем крае холста, хоть и предназначена для уравновешивания общей композиции и придания ей глубины, поэтична настолько, насколько может быть поэтичным чертополох.
#ПольСиньяк #Пейзаж
@pic_history
Персонаж Диего Веласкеса по роду деятельности…
Anonymous Quiz
27%
Королевский камергер
38%
Дворцовый интендант
21%
Шут
14%
Постельничий
"Валькирия"
1899 г.
Михаил Александрович Врубель
Одесский художественный музей.
Портрет русской дворянки и покровительницы искусств княгини Марии Тенишевой. Она всерьез увлекалась живописью и даже обучалась в парижской Академии Жюлиана. Кроме того, она спонсировала издание журнала «Мир искусства» и коллекционировала акварели русских мастеров, которые впоследствии отдала в дар Государственному Русскому музею.
Каникулы Врубеля
Вместе со вторым мужем, князем Вячеславом Тенишевым, Мария устраивала в их доме в Петербурге творческие вечера, где бывали композиторы и художники: Скрябин, Рерих, Васнецов и другие. А Петр Чайковский аккомпанировал ей на фортепиано, когда Тенишева исполняла романсы его авторства. «С Врубелем мы были большими приятелями, – писала она о своей дружбе с художником. – Это был образованный, умный, симпатичный, гениального творчества человек, которого, к стыду наших современников, не поняли и не оценили. Я была его ярой поклонницей и очень дорожила его милым, дружеским отношением ко мне; такие таланты рождаются раз в сто лет, и ими гордится потомство».
Тенишева приглашала художника вместе с супругой проводить летние месяцы в Орловской губернии на ее усадьбе в Хотылево. Врубелю шло на пользу проживание в сельской глуши, он много и плодотворно работал, создавая не только картины, но и акварельный проект для церкви в Талашкине, где находилось еще одно имение Тенишевых, а также рисунки инструментов для балалаечной мастерской княгини.
Чтобы у жены Врубеля, оперной певицы Надежды Забелы, была возможность репетировать, он предложил композитору и дирижеру Борису Яновскому составить им компанию: «Мы с женой будем проводить лето в Орловской губернии в имении княгини Тенишевой одни: так предлагаю Вам разделить наше уединение на прежних условиях занятий с женою: дорога наша, виды, прогулки и инструмент – великолепные».
Яновский принял приглашение и сначала они оправились в Талашкино близ Смоленска. Там находилось родовое имение близкой подруги Тенишевой – княгини Екатерины Святополк-Четвертинской. В 1893 году Тенишевы выкупили имение, однако управление делами оставили Екатерине. Подруги вместе работали над созданием «идейного имения» – просветительского центра, посвященного народной художественной культуре и развитию сельского хозяйства.
Полет Валькирии
Благодаря воспоминаниям Яновского у нас есть возможность составить представление о творческой атмосфере, которая царила в Талашкино. «Роскошная природа, полная свобода действий, веселье, шум – все дышало жизнью и притом не могло не отразиться на настроении, – вспоминал он. – К тому же общество, где первенствующую роль играли художники, артисты, музыканты, споры и разговоры об искусстве, где каждый занят разрешением какой-нибудь художественной задачи и т. п., похоже было скорей на Италию времен Ренессанса, чем на Россию XIX века. Врубель написал тут портрет княгини Тенишевой, изобразив ее в виде Валькирии. Великолепное, мощное произведение!»
Неизвестно, почему художник выбрал образ воинственной девы из скандинавской мифологии для портрета своей покровительницы. В то время он увлекался мифологическими сюжетами, что нашло отражение также на картине «Пан», написанной практически одновременно с «Валькирией». Возможно, княгиня ассоциировалась у него с дочерями Одина благодаря своей страстной и увлекающейся натуре, с которой она воплощала в жизнь свои идеи.
По преданиям, валькирии провожают погибших воинов в Валгаллу – их небесное пристанище. Они разносят им мед за обедом, а иногда даже определяют исход грядущей битвы. Врубель изобразил княгиню в традиционном облачении валькирий: шлеме с крыльями и платье с меховой накидкой, стилизованном под доспехи. У героини портрета волевое лицо, спокойный взгляд и властная поза. Как и другие работы художника того периода, картину заполняет мистическая аура и загадочная атмосфера вечерних сумерек.
#МихаилВрубель #Символизм #МифологическаяСцена
@pic_history
1899 г.
Михаил Александрович Врубель
Одесский художественный музей.
Портрет русской дворянки и покровительницы искусств княгини Марии Тенишевой. Она всерьез увлекалась живописью и даже обучалась в парижской Академии Жюлиана. Кроме того, она спонсировала издание журнала «Мир искусства» и коллекционировала акварели русских мастеров, которые впоследствии отдала в дар Государственному Русскому музею.
Каникулы Врубеля
Вместе со вторым мужем, князем Вячеславом Тенишевым, Мария устраивала в их доме в Петербурге творческие вечера, где бывали композиторы и художники: Скрябин, Рерих, Васнецов и другие. А Петр Чайковский аккомпанировал ей на фортепиано, когда Тенишева исполняла романсы его авторства. «С Врубелем мы были большими приятелями, – писала она о своей дружбе с художником. – Это был образованный, умный, симпатичный, гениального творчества человек, которого, к стыду наших современников, не поняли и не оценили. Я была его ярой поклонницей и очень дорожила его милым, дружеским отношением ко мне; такие таланты рождаются раз в сто лет, и ими гордится потомство».
Тенишева приглашала художника вместе с супругой проводить летние месяцы в Орловской губернии на ее усадьбе в Хотылево. Врубелю шло на пользу проживание в сельской глуши, он много и плодотворно работал, создавая не только картины, но и акварельный проект для церкви в Талашкине, где находилось еще одно имение Тенишевых, а также рисунки инструментов для балалаечной мастерской княгини.
Чтобы у жены Врубеля, оперной певицы Надежды Забелы, была возможность репетировать, он предложил композитору и дирижеру Борису Яновскому составить им компанию: «Мы с женой будем проводить лето в Орловской губернии в имении княгини Тенишевой одни: так предлагаю Вам разделить наше уединение на прежних условиях занятий с женою: дорога наша, виды, прогулки и инструмент – великолепные».
Яновский принял приглашение и сначала они оправились в Талашкино близ Смоленска. Там находилось родовое имение близкой подруги Тенишевой – княгини Екатерины Святополк-Четвертинской. В 1893 году Тенишевы выкупили имение, однако управление делами оставили Екатерине. Подруги вместе работали над созданием «идейного имения» – просветительского центра, посвященного народной художественной культуре и развитию сельского хозяйства.
Полет Валькирии
Благодаря воспоминаниям Яновского у нас есть возможность составить представление о творческой атмосфере, которая царила в Талашкино. «Роскошная природа, полная свобода действий, веселье, шум – все дышало жизнью и притом не могло не отразиться на настроении, – вспоминал он. – К тому же общество, где первенствующую роль играли художники, артисты, музыканты, споры и разговоры об искусстве, где каждый занят разрешением какой-нибудь художественной задачи и т. п., похоже было скорей на Италию времен Ренессанса, чем на Россию XIX века. Врубель написал тут портрет княгини Тенишевой, изобразив ее в виде Валькирии. Великолепное, мощное произведение!»
Неизвестно, почему художник выбрал образ воинственной девы из скандинавской мифологии для портрета своей покровительницы. В то время он увлекался мифологическими сюжетами, что нашло отражение также на картине «Пан», написанной практически одновременно с «Валькирией». Возможно, княгиня ассоциировалась у него с дочерями Одина благодаря своей страстной и увлекающейся натуре, с которой она воплощала в жизнь свои идеи.
По преданиям, валькирии провожают погибших воинов в Валгаллу – их небесное пристанище. Они разносят им мед за обедом, а иногда даже определяют исход грядущей битвы. Врубель изобразил княгиню в традиционном облачении валькирий: шлеме с крыльями и платье с меховой накидкой, стилизованном под доспехи. У героини портрета волевое лицо, спокойный взгляд и властная поза. Как и другие работы художника того периода, картину заполняет мистическая аура и загадочная атмосфера вечерних сумерек.
#МихаилВрубель #Символизм #МифологическаяСцена
@pic_history
Картина румынского постимпрессиониста Николае Вермонта называется...
Anonymous Quiz
18%
«Грабитель»
28%
«Гробовщик»
30%
«Шпион»
24%
«Почтальон»
"В комнате"
1904 г.
Жан Эдуар Вюйар
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
Американский художник и арт-критик Фаирфилд Портер сказал однажды, что современное искусство ошибочно свернуло не в ту сторону, когда последовало за Сезанном, а не за Вюйаром. Имелась в виду способность Вюйара разжигать тонкие психологические драмы и намекать на многоуровневые социальные и личные отношения внутри картины при помощи чисто живописных средств. Все эти лампы, шторы, скатерти, обивка мебели и ковры бывают мучительно живописны, они настолько заполняют пространство картины, что человек растворяется в нем и становится его частью. Из этих комнат как будто выкачали воздух - и узоры с обоев начали перемещаться на освободившееся место. Иногда фигура героя запрятана в этом мире так настойчиво, что ее сложно заметить с первого и даже со второго взгляда. На картине «Сад в Вокрессо» практически невозможно сразу обнаружить женскую фигуру в синем платье за цветочным кустом, хотя она расположена на первом плане. На нескольких гравюрах альбома «Пейзажи и интерьеры» фигуры выселены в соседнюю комнату и видны через дверной проем.
Но даже когда у зрителя есть возможность рассмотреть лицо, фигура сливается с внутренним убранством комнаты. Чтобы обозначить мощь и энергию человека, Вюйар одевает на него наряд без узоров, лучше черный. Авторы книги «100 шедевров в деталях» Анн-Мари и Райнер Хагены, работая над картинами Вюйара, разыскали женские журналы конца XIX века и нашли там забавную и странную, как для сегодняшнего дня, рекомендацию для женщин. Им советовали шить шторы для гостиной и собственные домашние платья из одной ткани. У этого совета - мощное социальное основание. Но Вюйару повезло общаться с несколькими женщинами, которые не довольствовались ролью домашнего декора. Они скорее организовывали по ритму собственной жизни и по собственному вкусу все вокруг: и дом, и круг общения, и даже рабочие отношения мужей. И Мисия Натансон, и Люси Хессель, покровительницы и возлюбленные Вюйара, были именно такими женщинами.
Вюйар говорил, что не пишет портретов, а пишет человека в его окружении. И картина «В комнате» - как раз такой портрет дома. Возможно, это семья Йоса Хесселя, арт-дилера, который занимался продажей работ Вюйара и с женой которого у Вюйара был долгий роман. После знакомства с Хесселями в 1900 году они самые частые модели художника, покровители и друзья. Вюйар живет с ними подолгу, ездит с ними на загородные каникулы. В этих странных отношениях Йос был спокойным наблюдателем, а Люси 40 лет оставалась для Вюйара любовницей, любимой моделью и музой.
Здесь, «В комнате», женщина за рукоделием почти выпадает за пределы картины, и все же находится в центре внимания. Ее хочется развернуть и рассмотреть. Мужчина с ребенком заняты каким-то привычным повседневным делом или игрой. И всем им композиционно отводится совсем немного места в перегруженном, насыщенном интерьере. Их социальные и семейные роли расписаны и отыграны огромное количество раз. При этом Вюйару удается так ритмично организовать эти пестрые обивки и драпировки, вид из окна и отражение в зеркале, что отдельные элементы перекликаются и звучат гармонично, тихо и слаженно. Дом баюкает и укрывает хозяев в мягкой, удобной, богатой привычности.
И если современное искусство ушло за Сезанном, за Вюйаром последовали модные современные журнальные фотографы, которые придумывают концептуальные циклы: дети из разных стран мира в своих комнатах, женщины из разных стран мира в своих спальнях. В них старый потрепанный матрац на земляном полу мальчишки из Азии и шкафы, заполненные игрушками, в комнате девочки-японки говорят о жизни этих детей больше, чем если бы с ними удалось поговорить.
#ЭдуарВюйар
@pic_history
1904 г.
Жан Эдуар Вюйар
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
Американский художник и арт-критик Фаирфилд Портер сказал однажды, что современное искусство ошибочно свернуло не в ту сторону, когда последовало за Сезанном, а не за Вюйаром. Имелась в виду способность Вюйара разжигать тонкие психологические драмы и намекать на многоуровневые социальные и личные отношения внутри картины при помощи чисто живописных средств. Все эти лампы, шторы, скатерти, обивка мебели и ковры бывают мучительно живописны, они настолько заполняют пространство картины, что человек растворяется в нем и становится его частью. Из этих комнат как будто выкачали воздух - и узоры с обоев начали перемещаться на освободившееся место. Иногда фигура героя запрятана в этом мире так настойчиво, что ее сложно заметить с первого и даже со второго взгляда. На картине «Сад в Вокрессо» практически невозможно сразу обнаружить женскую фигуру в синем платье за цветочным кустом, хотя она расположена на первом плане. На нескольких гравюрах альбома «Пейзажи и интерьеры» фигуры выселены в соседнюю комнату и видны через дверной проем.
Но даже когда у зрителя есть возможность рассмотреть лицо, фигура сливается с внутренним убранством комнаты. Чтобы обозначить мощь и энергию человека, Вюйар одевает на него наряд без узоров, лучше черный. Авторы книги «100 шедевров в деталях» Анн-Мари и Райнер Хагены, работая над картинами Вюйара, разыскали женские журналы конца XIX века и нашли там забавную и странную, как для сегодняшнего дня, рекомендацию для женщин. Им советовали шить шторы для гостиной и собственные домашние платья из одной ткани. У этого совета - мощное социальное основание. Но Вюйару повезло общаться с несколькими женщинами, которые не довольствовались ролью домашнего декора. Они скорее организовывали по ритму собственной жизни и по собственному вкусу все вокруг: и дом, и круг общения, и даже рабочие отношения мужей. И Мисия Натансон, и Люси Хессель, покровительницы и возлюбленные Вюйара, были именно такими женщинами.
Вюйар говорил, что не пишет портретов, а пишет человека в его окружении. И картина «В комнате» - как раз такой портрет дома. Возможно, это семья Йоса Хесселя, арт-дилера, который занимался продажей работ Вюйара и с женой которого у Вюйара был долгий роман. После знакомства с Хесселями в 1900 году они самые частые модели художника, покровители и друзья. Вюйар живет с ними подолгу, ездит с ними на загородные каникулы. В этих странных отношениях Йос был спокойным наблюдателем, а Люси 40 лет оставалась для Вюйара любовницей, любимой моделью и музой.
Здесь, «В комнате», женщина за рукоделием почти выпадает за пределы картины, и все же находится в центре внимания. Ее хочется развернуть и рассмотреть. Мужчина с ребенком заняты каким-то привычным повседневным делом или игрой. И всем им композиционно отводится совсем немного места в перегруженном, насыщенном интерьере. Их социальные и семейные роли расписаны и отыграны огромное количество раз. При этом Вюйару удается так ритмично организовать эти пестрые обивки и драпировки, вид из окна и отражение в зеркале, что отдельные элементы перекликаются и звучат гармонично, тихо и слаженно. Дом баюкает и укрывает хозяев в мягкой, удобной, богатой привычности.
И если современное искусство ушло за Сезанном, за Вюйаром последовали модные современные журнальные фотографы, которые придумывают концептуальные циклы: дети из разных стран мира в своих комнатах, женщины из разных стран мира в своих спальнях. В них старый потрепанный матрац на земляном полу мальчишки из Азии и шкафы, заполненные игрушками, в комнате девочки-японки говорят о жизни этих детей больше, чем если бы с ними удалось поговорить.
#ЭдуарВюйар
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
🎨 Как с помощью красок и кистей заработать в два раза больше месячной зарплаты?
➡️ ОБУЧЕНИЕ ТЕХНОЛОГИИ РОСПИСИ НА СТЕНАХ ⬅️
— в домах;
— квартирах;
— коммерческих помещениях.
Подойдёт даже тем, у кого нет художественного образования.
Доход после обучения — от 30 тысяч рублей за кв.м.
Подробнее>>
Со стороны кажется, что ТАКОЕ может выполнить только суперпрофи с 20-летним стажем. Но на самом деле все не так сложно.
Благодаря специальной авторской технике, которая очень упрощает и ускоряет процесс создания шедевра на стене. С этим справится любой👌
Интересно? Хочешь зарабатывать приличные деньги, наслаждаясь творчеством? Тогда приходи на бесплатный вводный урок, там все подробности:
https://bit.ly/37BKbMR
➡️ ОБУЧЕНИЕ ТЕХНОЛОГИИ РОСПИСИ НА СТЕНАХ ⬅️
— в домах;
— квартирах;
— коммерческих помещениях.
Подойдёт даже тем, у кого нет художественного образования.
Доход после обучения — от 30 тысяч рублей за кв.м.
Подробнее>>
Со стороны кажется, что ТАКОЕ может выполнить только суперпрофи с 20-летним стажем. Но на самом деле все не так сложно.
Благодаря специальной авторской технике, которая очень упрощает и ускоряет процесс создания шедевра на стене. С этим справится любой👌
Интересно? Хочешь зарабатывать приличные деньги, наслаждаясь творчеством? Тогда приходи на бесплатный вводный урок, там все подробности:
https://bit.ly/37BKbMR