Шиле – первый художник в истории живописи, который начал писать обнаженные автопортреты. До него автопортрет, да и портрет вообще, был декларацией статуса модели или своего собственного, сообщением, которое несло информацию о месте в мире и о характере, уме, темпераменте человека. А обнаженная натура – это совсем другой жанр, это всегда взгляд со стороны, любование, наслаждение, изучение, созерцание тела как объекта. Шиле впервые пишет обнаженным себя самого – и полстолетия спустя с той же беспощадностью и безжалостным эксгибиционизмом будут писать автопортреты Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон.
Этот автопортрет, написанный в 1912 году, был задуман парным и написан маслом на дереве. На дощечке того же размера, 33 на 40 см, Шиле написал второй портрет – своей возлюбленной, натурщицы и помощницы Валли Нойциль. Ему здесь 22 года, ей – 18. И между художником и его моделью – страстный, а по меркам общественной морали – и вовсе бесстыдный, порочный роман. Они провели всего полгода в городке Крумау, пока добропорядочные соседи не изгнали бесстыдную парочку из города за неприличное поведение (биографы говорят, что Валли позировала обнаженной художнику прямо в саду, на глазах прохожих). В 1912 влюбленные живут в Нойленгбахе – и в их доме постоянно ночуют девочки-подростки, которые скрываются от семейных жестокостей, бродят по мастерской полуобнаженные модели и позирует Валли в нежных объятиях то одной девушки, то другой. Но на этих благочестивых портретах оба неожиданно сдержанны – как давние любовники, решившие накануне свадьбы провести ночь в разных постелях. Оба по-монашески в темных одеждах, а Валли – еще и в пышном белом воротнике. Оба нарядились и играют во взрослых, как будто не было никаких ярких чулок и позирования нагишом, красных блуз и раздеваний, болезненных объятий, угловатых юношеских локтей и коленей.
Для 22-летнего Шиле это время настоящего творческого прорыва и самоопределения: он становится знаменит, участвует в больших выставках, постоянно рисует и уже понимает, что в графике особенно хорош. Он изрисовывает бумагу вызывающе откровенными женскими изображениями и с фетишистским наслаждением расцвечивает акварелью чулки, волосы, губы и соски. Совсем скоро, в том же 1912 году, он угодит за решетку и проведет в тюрьме чуть меньше месяца за эти картинки, которые и сегодня вгоняют в краску и банятся в социальных сетях как непристойные, а в начале прошлого века воспринимались как чистая порнография.
Сейчас «Автопортрет с физалисом» хранится в венском Музее Леопольда, где собрана самая большая коллекция работ Шиле, и во всей рекламной продукции галереи используется как ее визитная карточка. Автопортрет 22-летнего венского художника, написанный накануне Первой мировой войны, в эпоху распространения идей Зигмунда Фрейда о сексуальности, определяющей личность и жизнь человека.
@pic_history
#ЭгонШиле #Экспрессионизм
Этот автопортрет, написанный в 1912 году, был задуман парным и написан маслом на дереве. На дощечке того же размера, 33 на 40 см, Шиле написал второй портрет – своей возлюбленной, натурщицы и помощницы Валли Нойциль. Ему здесь 22 года, ей – 18. И между художником и его моделью – страстный, а по меркам общественной морали – и вовсе бесстыдный, порочный роман. Они провели всего полгода в городке Крумау, пока добропорядочные соседи не изгнали бесстыдную парочку из города за неприличное поведение (биографы говорят, что Валли позировала обнаженной художнику прямо в саду, на глазах прохожих). В 1912 влюбленные живут в Нойленгбахе – и в их доме постоянно ночуют девочки-подростки, которые скрываются от семейных жестокостей, бродят по мастерской полуобнаженные модели и позирует Валли в нежных объятиях то одной девушки, то другой. Но на этих благочестивых портретах оба неожиданно сдержанны – как давние любовники, решившие накануне свадьбы провести ночь в разных постелях. Оба по-монашески в темных одеждах, а Валли – еще и в пышном белом воротнике. Оба нарядились и играют во взрослых, как будто не было никаких ярких чулок и позирования нагишом, красных блуз и раздеваний, болезненных объятий, угловатых юношеских локтей и коленей.
Для 22-летнего Шиле это время настоящего творческого прорыва и самоопределения: он становится знаменит, участвует в больших выставках, постоянно рисует и уже понимает, что в графике особенно хорош. Он изрисовывает бумагу вызывающе откровенными женскими изображениями и с фетишистским наслаждением расцвечивает акварелью чулки, волосы, губы и соски. Совсем скоро, в том же 1912 году, он угодит за решетку и проведет в тюрьме чуть меньше месяца за эти картинки, которые и сегодня вгоняют в краску и банятся в социальных сетях как непристойные, а в начале прошлого века воспринимались как чистая порнография.
Сейчас «Автопортрет с физалисом» хранится в венском Музее Леопольда, где собрана самая большая коллекция работ Шиле, и во всей рекламной продукции галереи используется как ее визитная карточка. Автопортрет 22-летнего венского художника, написанный накануне Первой мировой войны, в эпоху распространения идей Зигмунда Фрейда о сексуальности, определяющей личность и жизнь человека.
@pic_history
#ЭгонШиле #Экспрессионизм
Telegram
История одной картины
Кто же автор?
Anonymous Quiz
16%
Наталья Сергеевна Гончарова
39%
Зинаида Евгеньевна Серебрякова
45%
Татьяна Ниловна Яблонская
Если вы хотите рассматривать шедевры искусства, хранящиеся в известных музеях и галереях мира не выходя из дома и узнавать больше о картинах выдающихся художников, рекомендуем обратить внимание на иллюстрированные альбомы серии «Великие музеи мира», которая выходит в издательстве СЛОВО/SLOVO (@slovobooksru) уже 25 лет и содержит более 40 изданий.
Все альбомы отпечатаны в Италии на глянцевой мелованной бумаге, в переплете с суперобложкой и коробом, содержат не менее 300 высококачественных иллюстраций шедевров искусства с подборным описанием и комментарием искусствоведов и музейных специалистов. Многие издания открывают обращения к читателю, написанные директорами музеев специально для этих альбомов.
Подробнее о серии «Великие музеи мира» можно узнать на сайте издательства СЛОВО/SLOVO.
Все альбомы отпечатаны в Италии на глянцевой мелованной бумаге, в переплете с суперобложкой и коробом, содержат не менее 300 высококачественных иллюстраций шедевров искусства с подборным описанием и комментарием искусствоведов и музейных специалистов. Многие издания открывают обращения к читателю, написанные директорами музеев специально для этих альбомов.
Подробнее о серии «Великие музеи мира» можно узнать на сайте издательства СЛОВО/SLOVO.
Обнаруженный в Генте автопортрет Винсента Ван Гога оказался подделкой
Картина, обнаруженная семейной парой во время ремонта их дома в Генте и предположительно считавшаяся работой Винсента ван Гога, оказалась подделкой. Анализ полотна, проведенный экспертами гентского университета, показал что краска, которой написан «Автопортрет», была создана после 1920 года, в то время как сам художник умер в 1890 году.
«Результаты экспертизы неоспоримы: если судить по составу пигментов, то Ван Гон просто не мог написать эту картину. Я сам надеялся, что она настоящая, но с наукой не поспоришь», — комментирует результаты анализа профессор Гентского университета Питер Ванденабиле.
При этом владельцы картины планируют оставить ее у себя. «Мы даже испытали некоторое облегчение. Если бы это оказался подлинник, нам пришлось бы решать, что с ним делать», — рассказали они в интервью местному изданию.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Картина, обнаруженная семейной парой во время ремонта их дома в Генте и предположительно считавшаяся работой Винсента ван Гога, оказалась подделкой. Анализ полотна, проведенный экспертами гентского университета, показал что краска, которой написан «Автопортрет», была создана после 1920 года, в то время как сам художник умер в 1890 году.
«Результаты экспертизы неоспоримы: если судить по составу пигментов, то Ван Гон просто не мог написать эту картину. Я сам надеялся, что она настоящая, но с наукой не поспоришь», — комментирует результаты анализа профессор Гентского университета Питер Ванденабиле.
При этом владельцы картины планируют оставить ее у себя. «Мы даже испытали некоторое облегчение. Если бы это оказался подлинник, нам пришлось бы решать, что с ним делать», — рассказали они в интервью местному изданию.
#новостиИОК | @pic_history
источник
"Летом"
1908 г.
Сергей Арсеньевич Виноградов
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Картина «Летом», с ее бесхитростным сюжетом, считается одной из вершин творчества Сергея Виноградова. В 1909 году за эту работу художник получил вторую золотую медаль на Международной выставке в Мюнхене. «После чего, как из рога изобилия, посыпались мне приглашения принять участие в иностранных выставках», — писал Виноградов. В следующие пять лет его работы увидели Париж, Прага и Венеция.
@pic_history
1908 г.
Сергей Арсеньевич Виноградов
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Картина «Летом», с ее бесхитростным сюжетом, считается одной из вершин творчества Сергея Виноградова. В 1909 году за эту работу художник получил вторую золотую медаль на Международной выставке в Мюнхене. «После чего, как из рога изобилия, посыпались мне приглашения принять участие в иностранных выставках», — писал Виноградов. В следующие пять лет его работы увидели Париж, Прага и Венеция.
@pic_history
На рубеже столетий в России бурно развивается промышленность, застраиваются города, и одновременно уходит в прошлое усадебный быт. В представлении части интеллигенции вместе с «дворянскими гнездами», с их нравственными ценностями и преемственностью поколений, утрачивались и исконно русские традиции. В искусстве появляется тема ностальгии по уходящей эпохе. В 1903 году Чехов пишет «Вишневый сад». Многие московские художники, включая Сергея Виноградова и Константина Коровина, которые были друзьями и учениками Василия Поленова, автора «Бабушкиного сада», также обращаются к теме дворянской усадьбы.
Картина «Летом» написана в имении Всеволода Мамонтова Головинка, расположенном в Тульской губернии. По приглашению хозяев дома, которые были очень увлечены искусством, Виноградов приезжал погостить в усадьбу десять лет подряд. Во время этих визитов он создал много пейзажей, жанровых и интерьерных работ. «Как воодушевляла Головинка милая. Как хотел передать в картинах ее поэзию, ее радостность», — вспоминал художник.
Две хрупкие элегантные женщины в белых платьях расположились за столом в тени дерева — за шитьем и книгой. Тени причудливыми голубовато-лиловыми пятнами ложатся на землю, скатерть и одежду дам. Солнце освещает верхнюю часть дома и деревья, над которыми простирается чистое бледно-голубое небо.
Колористическое решение полотна подчиняется главному цветовому акценту — стене усадьбы, выполненной в оранжево-коричневатых тонах. Эти краски перекликаются со световыми пятнами на земле и деревьях, расположенных в левой части холста, а цвет скамеек по обе стороны от стола — с густой зеленью сада.
Виноградов, используя импрессионистские приемы и поленовские традиции пленэрной живописи, настолько умело наполняет пространство картины теплым воздухом, что летний зной ощущается почти физически. Композиционное решение полотна «огораживает» внутренний дворик имения от внешней среды, перенося зрителей в уединенный мир ее обитателей. Этот мир полон спокойствия и умиротворения, жизнь в нем протекает в полной гармонии человека и природы.
@pic_history
#СергейВиноградов #Импрессионизм
Картина «Летом» написана в имении Всеволода Мамонтова Головинка, расположенном в Тульской губернии. По приглашению хозяев дома, которые были очень увлечены искусством, Виноградов приезжал погостить в усадьбу десять лет подряд. Во время этих визитов он создал много пейзажей, жанровых и интерьерных работ. «Как воодушевляла Головинка милая. Как хотел передать в картинах ее поэзию, ее радостность», — вспоминал художник.
Две хрупкие элегантные женщины в белых платьях расположились за столом в тени дерева — за шитьем и книгой. Тени причудливыми голубовато-лиловыми пятнами ложатся на землю, скатерть и одежду дам. Солнце освещает верхнюю часть дома и деревья, над которыми простирается чистое бледно-голубое небо.
Колористическое решение полотна подчиняется главному цветовому акценту — стене усадьбы, выполненной в оранжево-коричневатых тонах. Эти краски перекликаются со световыми пятнами на земле и деревьях, расположенных в левой части холста, а цвет скамеек по обе стороны от стола — с густой зеленью сада.
Виноградов, используя импрессионистские приемы и поленовские традиции пленэрной живописи, настолько умело наполняет пространство картины теплым воздухом, что летний зной ощущается почти физически. Композиционное решение полотна «огораживает» внутренний дворик имения от внешней среды, перенося зрителей в уединенный мир ее обитателей. Этот мир полон спокойствия и умиротворения, жизнь в нем протекает в полной гармонии человека и природы.
@pic_history
#СергейВиноградов #Импрессионизм
Telegram
История одной картины
"Мужчина со скрещенными на груди руками"
1909 г.
Пабло Пикассо
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
@pic_history
1909 г.
Пабло Пикассо
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
@pic_history
"?"
1886 г.
Пьер Огюст Ренуар
Эта картина писалась художником пять лет. Ренуар использовал в композиции картины прием фотографического снимка. Причем если изначально художник прибегал лишь к приемам импрессионизма, то позже, стремясь угодить велениям моды, и придать произведению дополнительный объем, он едва ли не полностью переписал всю левую часть полотна. В результате образы героев переднего плана обрели большую выразительность и глубину. В частности девушка «получила в подарок» новомодное платье.
1886 г.
Пьер Огюст Ренуар
Эта картина писалась художником пять лет. Ренуар использовал в композиции картины прием фотографического снимка. Причем если изначально художник прибегал лишь к приемам импрессионизма, то позже, стремясь угодить велениям моды, и придать произведению дополнительный объем, он едва ли не полностью переписал всю левую часть полотна. В результате образы героев переднего плана обрели большую выразительность и глубину. В частности девушка «получила в подарок» новомодное платье.
Уоддесдонcкий слон снова машет хоботом, но пока не под музыку
Старинной 200-килограммовой механической диковине, которая на своем веку повидала и дворцы, и ярмарочные балаганы, в очередной раз вернули прежнее великолепие.
К моменту первой встречи часовщика Джонатана Беттса с Уоддесдонcким слоном редкая игрушка уже полвека как не вращала глазами, не хлопала ушами и не размахивала большим золотым хоботом. А недавно Беттс уже в третий раз разобрал ее на тысячи деталей — и, что важнее, собрал их обратно. Миниатюрные фигурки снова идут по крошечным мостикам. Крокодилы соседствуют с грифонами, русалками и жуками. Усыпанная бриллиантами лилия раскрывает и закрывает лепестки. Змеи извиваются среди вращающихся звезд. Султан в золотом паланкине медленно поворачивается из стороны в сторону, осматривая свои владения.
Особняк, построенный в 1883 году на склоне Бакингемширского холма в стиле замков Луары , входит в число самых эффектных объектов Национального фонда, а его убранство включает в себя шедевры живописи, мебельного, серебряного, фарфорового и текстильного производств, многие из которых создавались для королевских династий Европы. Как и в случае со многими другими сокровищами барона, не сохранилось никаких документов, позволяющих установить, где и когда слон был куплен и во сколько обошелся. Полагают, что барон, вероятно, увидел слона в Париже и попал под его очарование — как, впрочем, и многие другие.
О раннем периоде пребывания слона в Уоддесдоне известно лишь то, что к 1889 году он уже стоял здесь на специально изготовленном постаменте. В 1920-е годы слона отправили на ремонт, и это, вероятно, был единственный раз, когда он покинул стены особняка. В период Второй мировой войны игрушку время от времени заводили, чтобы ободрить эвакуированных детей. Не исключено, что после того — до первой встречи с Беттсом в начале 1990-х — ее больше ни разу не запускали. Разобрав, почистив и заменив стершиеся георгианские винтики («как правило, очень низкого качества» — презрительно роняет мастер), Беттс поправил провисшие цепные передачи и нанес на сотни точек смазки крошечные капли дорогостоящего масла.
С тех пор два позолоченных ключа, один из которых запускает движение фигурок, а другой — музыкальную шкатулку, поворачивают почти каждый месяц, возвращая слона к жизни.
Вместо оригинальной мелодии механизм играет пять простецких народных мотивов. В какой-то момент музыкальная шкатулка износилась и перестала играть; иглы на барабане спилили и заменили другими. В этот раз Беттс надеялся узнать, какой была изначальная мелодия и, быть может, даже реконструировать ее по следам оригинальных игл, но получить достаточно четкие изображения, увы, не удалось.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Старинной 200-килограммовой механической диковине, которая на своем веку повидала и дворцы, и ярмарочные балаганы, в очередной раз вернули прежнее великолепие.
К моменту первой встречи часовщика Джонатана Беттса с Уоддесдонcким слоном редкая игрушка уже полвека как не вращала глазами, не хлопала ушами и не размахивала большим золотым хоботом. А недавно Беттс уже в третий раз разобрал ее на тысячи деталей — и, что важнее, собрал их обратно. Миниатюрные фигурки снова идут по крошечным мостикам. Крокодилы соседствуют с грифонами, русалками и жуками. Усыпанная бриллиантами лилия раскрывает и закрывает лепестки. Змеи извиваются среди вращающихся звезд. Султан в золотом паланкине медленно поворачивается из стороны в сторону, осматривая свои владения.
Особняк, построенный в 1883 году на склоне Бакингемширского холма в стиле замков Луары , входит в число самых эффектных объектов Национального фонда, а его убранство включает в себя шедевры живописи, мебельного, серебряного, фарфорового и текстильного производств, многие из которых создавались для королевских династий Европы. Как и в случае со многими другими сокровищами барона, не сохранилось никаких документов, позволяющих установить, где и когда слон был куплен и во сколько обошелся. Полагают, что барон, вероятно, увидел слона в Париже и попал под его очарование — как, впрочем, и многие другие.
О раннем периоде пребывания слона в Уоддесдоне известно лишь то, что к 1889 году он уже стоял здесь на специально изготовленном постаменте. В 1920-е годы слона отправили на ремонт, и это, вероятно, был единственный раз, когда он покинул стены особняка. В период Второй мировой войны игрушку время от времени заводили, чтобы ободрить эвакуированных детей. Не исключено, что после того — до первой встречи с Беттсом в начале 1990-х — ее больше ни разу не запускали. Разобрав, почистив и заменив стершиеся георгианские винтики («как правило, очень низкого качества» — презрительно роняет мастер), Беттс поправил провисшие цепные передачи и нанес на сотни точек смазки крошечные капли дорогостоящего масла.
С тех пор два позолоченных ключа, один из которых запускает движение фигурок, а другой — музыкальную шкатулку, поворачивают почти каждый месяц, возвращая слона к жизни.
Вместо оригинальной мелодии механизм играет пять простецких народных мотивов. В какой-то момент музыкальная шкатулка износилась и перестала играть; иглы на барабане спилили и заменили другими. В этот раз Беттс надеялся узнать, какой была изначальная мелодия и, быть может, даже реконструировать ее по следам оригинальных игл, но получить достаточно четкие изображения, увы, не удалось.
#новостиИОК | @pic_history
источник
"Девочка с маской Смерти"
1938 г.
Фрида Кало
"Я пила, чтобы утопить свои печали, но эти ублюдки научились плавать."
@pic_history
1938 г.
Фрида Кало
"Я пила, чтобы утопить свои печали, но эти ублюдки научились плавать."
@pic_history
"Наброски кошек, драконов и других животных"
1513 г.
Леонардо да Винчи
"Любая домашняя кошка — это шедевр, созданный природой. "
@pic_history
1513 г.
Леонардо да Винчи
"Любая домашняя кошка — это шедевр, созданный природой. "
@pic_history
"Париж. Дождливый день"
1877 г.
Гюстав Кайботт
Чикагский институт искусств.
Картина стала частью коллекции Чикагского института искусств только в середине XX века. Родственники художника продали ее основателю автомобильной корпорации Chrysler, а следующим покупателем стал музей. Это приобретение вызвало оживление и восторги вокруг имени художника. Вдохновленный именно этой картиной, искусствовед и куратор Нью-Йоркского музея современного искусства Кирк Варнедо написал единственное до сих пор исследование о жизни и творчестве Гюстава Кайботта.
@pic_history
1877 г.
Гюстав Кайботт
Чикагский институт искусств.
Картина стала частью коллекции Чикагского института искусств только в середине XX века. Родственники художника продали ее основателю автомобильной корпорации Chrysler, а следующим покупателем стал музей. Это приобретение вызвало оживление и восторги вокруг имени художника. Вдохновленный именно этой картиной, искусствовед и куратор Нью-Йоркского музея современного искусства Кирк Варнедо написал единственное до сих пор исследование о жизни и творчестве Гюстава Кайботта.
@pic_history
Каждая картина Кайботта, которая из частной коллекции вдруг попадает в музейный зал, не только вызывает восторг зрителей и специалистов, но и провоцирует историков искусства забыть все, что они знали об импрессионизме, и переписать его историю заново.
Написанная в 1877 году и показанная впервые на Третьей выставке импрессионистов, картина «Парижская улица. Дождливый день» по масштабу, композиции и настроению гораздо ближе к постимпрессионистским поискам, чем к картинам чистых импрессионистов. Ее интонации уместнее и легче сравнить с «Воскресным днем на острове Гранд-Жатт» Сера, чем с «Балом в Мулен де ла Галетт» Ренуара. Американские исследователи называют Кайботта концептуальным импрессионистом – его картины чаще результат долгой, почти инженерной работы над точностью композиции, верностью линий, чем передача мгновенного, мимолетного впечатления от состояния природы. В европейских статьях-обзорах говорят, что Кайботт был чистым реалистом, а импрессионистские техники использовал умеренно и лишь в качестве эксперимента.
Легко забыть, читая биографию, что Гюстав Кайботт был лет на 10 моложе своих друзей-импрессионистов. Долгие годы он оставался для них финансовой опорой и покровителем – и в глазах потомков часто представляется эдаким богатым, прозорливым и рассудительным меценатом. На самом деле в 1877 году Ренуару было 36 лет, Моне – 37, а Кайботту – всего 29. А когда в 1870 году 34-летний Дега с ненавистью цедил сквозь зубы имя барона Османа и до хандры и бессильного отчаянья не желал видеть перестроенного Парижа, Гюставу было всего 22 – и он был влюблен в этот новый, торжественный, светский, промышленный, такой современный Париж.
Его «Парижская улица. Дождливый день» - это гимн новому Парижу, тому городу, который выглядит сегодня точно так же, как и в 1877. Британский арт-критик и обозреватель The Guardian Джейсон Фараго пошутил, что Кайботту удалось передать две вещи, неизменно верные для описания жизни Парижа во все времена: небо чаще всего серое, в моде неизменный черный. Но, конечно, это не единственная заслуга художника.
@pic_history
#ГюставКайботт #Импрессионизм
Написанная в 1877 году и показанная впервые на Третьей выставке импрессионистов, картина «Парижская улица. Дождливый день» по масштабу, композиции и настроению гораздо ближе к постимпрессионистским поискам, чем к картинам чистых импрессионистов. Ее интонации уместнее и легче сравнить с «Воскресным днем на острове Гранд-Жатт» Сера, чем с «Балом в Мулен де ла Галетт» Ренуара. Американские исследователи называют Кайботта концептуальным импрессионистом – его картины чаще результат долгой, почти инженерной работы над точностью композиции, верностью линий, чем передача мгновенного, мимолетного впечатления от состояния природы. В европейских статьях-обзорах говорят, что Кайботт был чистым реалистом, а импрессионистские техники использовал умеренно и лишь в качестве эксперимента.
Легко забыть, читая биографию, что Гюстав Кайботт был лет на 10 моложе своих друзей-импрессионистов. Долгие годы он оставался для них финансовой опорой и покровителем – и в глазах потомков часто представляется эдаким богатым, прозорливым и рассудительным меценатом. На самом деле в 1877 году Ренуару было 36 лет, Моне – 37, а Кайботту – всего 29. А когда в 1870 году 34-летний Дега с ненавистью цедил сквозь зубы имя барона Османа и до хандры и бессильного отчаянья не желал видеть перестроенного Парижа, Гюставу было всего 22 – и он был влюблен в этот новый, торжественный, светский, промышленный, такой современный Париж.
Его «Парижская улица. Дождливый день» - это гимн новому Парижу, тому городу, который выглядит сегодня точно так же, как и в 1877. Британский арт-критик и обозреватель The Guardian Джейсон Фараго пошутил, что Кайботту удалось передать две вещи, неизменно верные для описания жизни Парижа во все времена: небо чаще всего серое, в моде неизменный черный. Но, конечно, это не единственная заслуга художника.
@pic_history
#ГюставКайботт #Импрессионизм