"Даная"
1560-е
Тициан Вечеллио
Национальный музей Прадо, Мадрид.
«Данаю» иногда называют «самым эротичным шедевром Тициана». Существует, по меньшей мере, пять версий картины, одна из которых хранится в музее Прадо.
@pic_history
1560-е
Тициан Вечеллио
Национальный музей Прадо, Мадрид.
«Данаю» иногда называют «самым эротичным шедевром Тициана». Существует, по меньшей мере, пять версий картины, одна из которых хранится в музее Прадо.
@pic_history
Мифологическая основа картины Тициана
Согласно мифу, Акрисию, царю греческого Аргоса, дельфийский оракул возвестил, что его сместит с престола собственный внук, которого в будущем родит царская дочь, красавица Даная. Напуганный предсказанием, Акрисий заточил Данаю в башню, куда не доберётся ни одни из смертных. Красотой Данаи пленился Зевс. Бог-громовержец проник к ней в виде золотого дождя. От этой связи на свет появился герой Персей.
Пять «Данай» Тициана
Первый вариант «Данаи» Тициан написал в 1544-1545 годах по заказу кардинала Алессандро Фарнезе, одного из богатейших людей Италии (по слухам, моделью являлась любовница кардинала – известная куртизанка по прозвищу Ангел). Картина хранится в Неаполе, в музее Каподимонте, и отличается от всех последующих версий составом персонажей: во всех остальных будет присутствовать старая кормилица (или служанка). В первой же версии этой героини не было: вместо неё в ногах у Данаи располагается купидон с крылышками и луком, что вполне логично, учитывая образ жизни натурщицы, с которой писалась картина. Да и мифический золотой дождь приобретает в этой связи совсем новые оттенки смысла.
Второй вариант «Данаи» создан около 1553 года для испанского короля Филиппа II. Здесь вместо купидона возникает старая кормилица, которую Тициан будет повторять во всех последующих версиях. Во многом такое изменение оказалось удачным. Оно позволило Тициану обогатить композицию целым рядом смысловых контрастов: молодость и старость, красота и уродство, обнажённая фигура и одетая. Впоследствии «Даная» Филиппа II украшала королевские резиденции Алькасар и Буэн-Ретиро, а после войны за независимость в первой половине ХIX века король Фердинанд VII передал её герцогу Веллингтону, и сейчас картина представлена в резиденции Веллингтонов Эпсли-Хаус (Лондон).
Еще две «Данаи» – из собраний Эрмитажа (Санкт-Петербург) и Историко-художественного музея (Вена) – датируются 1554-м и 1564-м годами соответственно.
Пятая «Даная», хранящаяся в Прадо, написана в промежутке между 1560-1565 годами. По качеству исполнения она превосходит реплики из Петербурга и Вены. Специалисты отмечают, что из всех версий именно эта отличается наибольшим градусом эротизма. В других версиях ноги Данаи прикрывает полупрозрачная ткань – здесь она отсутствует; выражение лица героини с приоткрытыми губами не просто сияет спокойной умиротворённостью, как в прочих версиях, – оно близко к экстатическому; рука Данаи покоится между бёдер, словно облегчая доступ к её телу Зевсу, падающему сверху в виде дождя из золотых монет.
«Даная» и её особый, «тициановский» колорит
Передача теплого свечения заката, усиливающего эротический накал картины, искуснейшее использование Тицианом полутонов и цветовых антитез, отказ от резко обозначенных разделяющих линий создают естественную мягкость колорита, где краски будто особым образом мерцают от пронизывающего их изнутри света, что и получило название тициановского колорита.
Место «Данаи» в творчестве Тициана
Частота повторения одного сюжета и громкие имена заказчиков свидетельствуют о том высоком положении, которое Тициан Вечеллио занимал в художественной иерархии периода Высокого Ренессанса. Тициан ценился не только как непревзойдённый мастер колорита, но и как виртуоз эротической живописи. Тосканский писатель XVI века Джованни делла Каза замечает: Даная в исполнении Тициана соблазнительна настолько, что в сравнении с ней даже его обнажённая «Венера Урбинская» кажется монахиней.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяСцена #Возрождение
Согласно мифу, Акрисию, царю греческого Аргоса, дельфийский оракул возвестил, что его сместит с престола собственный внук, которого в будущем родит царская дочь, красавица Даная. Напуганный предсказанием, Акрисий заточил Данаю в башню, куда не доберётся ни одни из смертных. Красотой Данаи пленился Зевс. Бог-громовержец проник к ней в виде золотого дождя. От этой связи на свет появился герой Персей.
Пять «Данай» Тициана
Первый вариант «Данаи» Тициан написал в 1544-1545 годах по заказу кардинала Алессандро Фарнезе, одного из богатейших людей Италии (по слухам, моделью являлась любовница кардинала – известная куртизанка по прозвищу Ангел). Картина хранится в Неаполе, в музее Каподимонте, и отличается от всех последующих версий составом персонажей: во всех остальных будет присутствовать старая кормилица (или служанка). В первой же версии этой героини не было: вместо неё в ногах у Данаи располагается купидон с крылышками и луком, что вполне логично, учитывая образ жизни натурщицы, с которой писалась картина. Да и мифический золотой дождь приобретает в этой связи совсем новые оттенки смысла.
Второй вариант «Данаи» создан около 1553 года для испанского короля Филиппа II. Здесь вместо купидона возникает старая кормилица, которую Тициан будет повторять во всех последующих версиях. Во многом такое изменение оказалось удачным. Оно позволило Тициану обогатить композицию целым рядом смысловых контрастов: молодость и старость, красота и уродство, обнажённая фигура и одетая. Впоследствии «Даная» Филиппа II украшала королевские резиденции Алькасар и Буэн-Ретиро, а после войны за независимость в первой половине ХIX века король Фердинанд VII передал её герцогу Веллингтону, и сейчас картина представлена в резиденции Веллингтонов Эпсли-Хаус (Лондон).
Еще две «Данаи» – из собраний Эрмитажа (Санкт-Петербург) и Историко-художественного музея (Вена) – датируются 1554-м и 1564-м годами соответственно.
Пятая «Даная», хранящаяся в Прадо, написана в промежутке между 1560-1565 годами. По качеству исполнения она превосходит реплики из Петербурга и Вены. Специалисты отмечают, что из всех версий именно эта отличается наибольшим градусом эротизма. В других версиях ноги Данаи прикрывает полупрозрачная ткань – здесь она отсутствует; выражение лица героини с приоткрытыми губами не просто сияет спокойной умиротворённостью, как в прочих версиях, – оно близко к экстатическому; рука Данаи покоится между бёдер, словно облегчая доступ к её телу Зевсу, падающему сверху в виде дождя из золотых монет.
«Даная» и её особый, «тициановский» колорит
Передача теплого свечения заката, усиливающего эротический накал картины, искуснейшее использование Тицианом полутонов и цветовых антитез, отказ от резко обозначенных разделяющих линий создают естественную мягкость колорита, где краски будто особым образом мерцают от пронизывающего их изнутри света, что и получило название тициановского колорита.
Место «Данаи» в творчестве Тициана
Частота повторения одного сюжета и громкие имена заказчиков свидетельствуют о том высоком положении, которое Тициан Вечеллио занимал в художественной иерархии периода Высокого Ренессанса. Тициан ценился не только как непревзойдённый мастер колорита, но и как виртуоз эротической живописи. Тосканский писатель XVI века Джованни делла Каза замечает: Даная в исполнении Тициана соблазнительна настолько, что в сравнении с ней даже его обнажённая «Венера Урбинская» кажется монахиней.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяСцена #Возрождение
Вы знали, что обращая внимание на свои предпочтения в одежде можно лучше понять себя и найти стиль, который даст поддержку?
Автор канала Глубоко фиолетовый лук - дипломированный стилист и стилетерапевт - проводит индивидуальные консультации по методу стилевой терапии, а в блоге рассказывает о моде, делится находками и вдохновением.
А кроме того, раскрывает простые стильные секреты:
- Как управлять впечатлением с математической точностью
- Какое стилевое направление создаёт особый уют осенью?
- Что делать, если не можешь понять идёт ли тебе вещь?
Это одновременно эстетичное и терапевтичное пространство. Заходите и чувствуйте себя как дома.
Автор канала Глубоко фиолетовый лук - дипломированный стилист и стилетерапевт - проводит индивидуальные консультации по методу стилевой терапии, а в блоге рассказывает о моде, делится находками и вдохновением.
А кроме того, раскрывает простые стильные секреты:
- Как управлять впечатлением с математической точностью
- Какое стилевое направление создаёт особый уют осенью?
- Что делать, если не можешь понять идёт ли тебе вещь?
Это одновременно эстетичное и терапевтичное пространство. Заходите и чувствуйте себя как дома.
"Царевна-Несмеяна"
1926 г.
Виктор Михайлович Васнецов
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
1926 г.
Виктор Михайлович Васнецов
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
Виссарион Григорьевич Белинский называл автора «Девушки, собирающей виноград в окрестностях Неаполя» «божественный...». Назовите имя этого художника?
Anonymous Quiz
79%
Карл
15%
Константин
6%
Кузьма
"Жемчужина"
1904 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
«Жемчужная раковина» – одна из последних работ Врубеля, написанная им между приступами психической болезни, которая терзала его под конец жизни. Начиная с 1902 года, он лечился от чередующихся эпизодов мании и уныния в психиатрической больнице, и это полотно было создано им в момент непродолжительной ремиссии.
По легенде, вдохновением для картины стала створка жемчужной раковины, подаренная художнику Максимилианом Волошиным. Врубель искал способ передать на холсте переливы перламутра при помощи красок, и ему удалось это лишь после многочисленных попыток и набросков.
@pic_history
1904 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
«Жемчужная раковина» – одна из последних работ Врубеля, написанная им между приступами психической болезни, которая терзала его под конец жизни. Начиная с 1902 года, он лечился от чередующихся эпизодов мании и уныния в психиатрической больнице, и это полотно было создано им в момент непродолжительной ремиссии.
По легенде, вдохновением для картины стала створка жемчужной раковины, подаренная художнику Максимилианом Волошиным. Врубель искал способ передать на холсте переливы перламутра при помощи красок, и ему удалось это лишь после многочисленных попыток и набросков.
@pic_history
Сказочные персонажи появились на работе уже после того, как она была практически окончена. Художник отмечал, что это произошло едва ли не против его воли: «Ведь я совсем не собирался писать морских царевен в своей “Жемчужине'', – вспоминал он. – Я хотел со всей реальностью передать рисунок, из которого слагается игра перламутровой раковины, и только после того, как сделал несколько рисунков углем и карандашом, увидел этих царевен, когда начал писать красками».
Врубель не был удовлетворен изображением мифических существ на своей картине. Не оценили их и критики. В частности, искусствовед Нина Дмитриева отмечала: «Фигурки, которые он неожиданно для себя посадил в жемчужной раковине, едва ли достойны такого волшебного грота. Эти жеманные фигурки слишком напоминают своих многочисленных длинноволосых сестер из типичного декора модерн; художник сам это смутно чувствовал – он не был доволен своими наядами».
Несмотря на это, с задачей воплотить на холсте природные переливы перламутра жемчужной раковины художник справился более чем успешно. Это удалось благодаря использованию множества цветов и оттенков: от самых глубоких тонов коричневого, зеленого, синего и фиолетового до нежных, почти прозрачных, розового, лилового, желтого. Спиральная композиция задает изображению гипнотический ритм, затягивая внимание вглубь картины словно водоворот, уносящий зазевавшегося пловца на морское дно.
Николай Рерих в своем эссе делился впечатлениями от картины: «Врубель мало выезжал теперь; мало видел кого; отвернулся от обихода и увидал красоту жизни; возлюбил ее и дал “Жемчужину'', ценнейшую. Незначительный другим обломок природы рассказывает ему чудесную сказку красок и линий за пределами ''что'' и ''как''... Более чем когда-либо в ней подошел Врубель к природе в тончайшей передаче ее и все-таки не удалился от своего обычного волшебства».
Впервые работа была показана на выставке Союза русских художников 1905 года, а в настоящее время она входит в собрание Третьяковской галереи.
@pic_history
#МихаилВрубель #АллегорическаяСцена #Символизм
Врубель не был удовлетворен изображением мифических существ на своей картине. Не оценили их и критики. В частности, искусствовед Нина Дмитриева отмечала: «Фигурки, которые он неожиданно для себя посадил в жемчужной раковине, едва ли достойны такого волшебного грота. Эти жеманные фигурки слишком напоминают своих многочисленных длинноволосых сестер из типичного декора модерн; художник сам это смутно чувствовал – он не был доволен своими наядами».
Несмотря на это, с задачей воплотить на холсте природные переливы перламутра жемчужной раковины художник справился более чем успешно. Это удалось благодаря использованию множества цветов и оттенков: от самых глубоких тонов коричневого, зеленого, синего и фиолетового до нежных, почти прозрачных, розового, лилового, желтого. Спиральная композиция задает изображению гипнотический ритм, затягивая внимание вглубь картины словно водоворот, уносящий зазевавшегося пловца на морское дно.
Николай Рерих в своем эссе делился впечатлениями от картины: «Врубель мало выезжал теперь; мало видел кого; отвернулся от обихода и увидал красоту жизни; возлюбил ее и дал “Жемчужину'', ценнейшую. Незначительный другим обломок природы рассказывает ему чудесную сказку красок и линий за пределами ''что'' и ''как''... Более чем когда-либо в ней подошел Врубель к природе в тончайшей передаче ее и все-таки не удалился от своего обычного волшебства».
Впервые работа была показана на выставке Союза русских художников 1905 года, а в настоящее время она входит в собрание Третьяковской галереи.
@pic_history
#МихаилВрубель #АллегорическаяСцена #Символизм
Кто автор картины «Деревенские мальчики», 1895?
Anonymous Quiz
46%
Игорь Эммануилович Грабарь
22%
Иван Лаврентьевич Горохов
32%
Сергей Арсеньевич Виноградов
"Жираф в огне"
1937 г.
Сальвадор Дали
«Жираф в огне» – одна из известнейших картин Сальвадора Дали, объединяющая сразу несколько излюбленных образов художника. Центральная фигура – женщина с выдвижными ящиками на теле – впервые была явлена миру в 1936 году виде скульптуры «Венера Милосская с ящиками». Похожий образ (художник называл его «антропоморфным шкафом») появлялся в различных модификациях еще на нескольких работах Дали. Выдвижные ящики, как и в данном случае, всегда изображаются открытыми. Их значение имеет несколько трактовок: от символа психоаналитического процесса до «неумышленного обыска», по словам самого художника.
Дали также упоминает похожую метафору, говоря о том, что его картины образуют «своего рода аллегорию, которая служит для иллюстрации определенного озарения, чтобы проследить за многочисленными нарциссическими запахами, которые исходят из каждого из наших ящиков». Помимо этого мебельного аксессуара, женская фигура обладает рядом других выразительных признаков: сзади от нее исходят несколько вялых отростков, нуждающихся в поддержке костылями. Они могут намекать на проблемы с потенцией, которых Дали никогда не стеснялся и часто о них упоминал.
@pic_history
1937 г.
Сальвадор Дали
«Жираф в огне» – одна из известнейших картин Сальвадора Дали, объединяющая сразу несколько излюбленных образов художника. Центральная фигура – женщина с выдвижными ящиками на теле – впервые была явлена миру в 1936 году виде скульптуры «Венера Милосская с ящиками». Похожий образ (художник называл его «антропоморфным шкафом») появлялся в различных модификациях еще на нескольких работах Дали. Выдвижные ящики, как и в данном случае, всегда изображаются открытыми. Их значение имеет несколько трактовок: от символа психоаналитического процесса до «неумышленного обыска», по словам самого художника.
Дали также упоминает похожую метафору, говоря о том, что его картины образуют «своего рода аллегорию, которая служит для иллюстрации определенного озарения, чтобы проследить за многочисленными нарциссическими запахами, которые исходят из каждого из наших ящиков». Помимо этого мебельного аксессуара, женская фигура обладает рядом других выразительных признаков: сзади от нее исходят несколько вялых отростков, нуждающихся в поддержке костылями. Они могут намекать на проблемы с потенцией, которых Дали никогда не стеснялся и часто о них упоминал.
@pic_history
Руки женщины выглядят так, как будто с них сняли кожу. Лицо полностью закрыто волосами и она вытягивает вперед руки, как будто бы пытается нащупать дорогу в полной темноте. А женская фигура позади нее еще меньше напоминает человеческую. Задняя поверхность ее тела почти полностью усыпана странными отростками, делая ее похожей на дикобраза, из головы торчат тонкие ветки, а с руки свисает кусок плоти.
Всю эту фантасмагорию дополняют жираф с полыхающей спиной и тревожное темное небо. Эти оба символа традиционно приписывают страху, который испытывал Дали в связи с Гражданской войной, которая шла в Испании, во время создания картины «Жираф в огне». В других трактовках работу считают воплощением предчувствия Второй мировой войны. Сам художник называл экзотическое животное «мужским космическим апокалиптическим монстром».
Первый раз горящий жираф появился в фильме Луиса Бунюэля «Золотой век» (1930), в титрах которого Дали значится как соавтор сценария. Помимо «Жирафа в огне», этот образ еще неоднократно вплывал на его картинах.
Как бы там ни было, эта картина стала одной из первых среди нескольких десятков по-настоящему мрачных и даже зловещих произведений испанского художника с пугающими образами, которые он создаст в течение нескольких последующих лет. И ужас Дали перед военными действиями действительно был настолько велик, что он предпочел спрятаться от них, переплыв целый океан. Начиная с 1940 года, он с Галой поселился в США и вернулся в Испанию лишь спустя восемь лет, когда в Европе окончательно восстановился мир.
@pic_history
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Всю эту фантасмагорию дополняют жираф с полыхающей спиной и тревожное темное небо. Эти оба символа традиционно приписывают страху, который испытывал Дали в связи с Гражданской войной, которая шла в Испании, во время создания картины «Жираф в огне». В других трактовках работу считают воплощением предчувствия Второй мировой войны. Сам художник называл экзотическое животное «мужским космическим апокалиптическим монстром».
Первый раз горящий жираф появился в фильме Луиса Бунюэля «Золотой век» (1930), в титрах которого Дали значится как соавтор сценария. Помимо «Жирафа в огне», этот образ еще неоднократно вплывал на его картинах.
Как бы там ни было, эта картина стала одной из первых среди нескольких десятков по-настоящему мрачных и даже зловещих произведений испанского художника с пугающими образами, которые он создаст в течение нескольких последующих лет. И ужас Дали перед военными действиями действительно был настолько велик, что он предпочел спрятаться от них, переплыв целый океан. Начиная с 1940 года, он с Галой поселился в США и вернулся в Испанию лишь спустя восемь лет, когда в Европе окончательно восстановился мир.
@pic_history
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Кто автор картины «Девушка в кокошнике»?
Anonymous Quiz
41%
Владимир Маковский
15%
Клавдий Лебедев
44%
Константин Маковский
"Ирисы"
Май 1889 г.
Винсент Ван Гог
Музей Гетти, Лос-Анджелес.
В это сложно поверить, но одна из самых умиротворяющих и безмятежных картин Винсента Ван Гога была написана в самый, пожалуй, сумрачный период его жизни. В мае 1889 года, после того, как он несколько раз попадал в госпиталь, а добрые жители Арля подписали петицию о выдворении сумасшедшего художника из города, Винсент решил добровольно отправиться на лечение в психиатрическую лечебницу Сен-Поль-де-Мозоль в Сен-Реми. «Ирисы» он написал в первую же неделю пребывания в больнице. А жить ему оставалось чуть больше года.
@pic_history
Май 1889 г.
Винсент Ван Гог
Музей Гетти, Лос-Анджелес.
В это сложно поверить, но одна из самых умиротворяющих и безмятежных картин Винсента Ван Гога была написана в самый, пожалуй, сумрачный период его жизни. В мае 1889 года, после того, как он несколько раз попадал в госпиталь, а добрые жители Арля подписали петицию о выдворении сумасшедшего художника из города, Винсент решил добровольно отправиться на лечение в психиатрическую лечебницу Сен-Поль-де-Мозоль в Сен-Реми. «Ирисы» он написал в первую же неделю пребывания в больнице. А жить ему оставалось чуть больше года.
@pic_history
Как и огромное количество других картин Ван Гога французского периода, «Ирисы» написаны под существенным влиянием японского искусства. Обрезанная композиция, четко очерченные плоскости ярких оттенков, и монументальные цветы, как будто рвущиеся за пределы холста. Обычно Винсент делал предварительные наброски к своим полотнам, часто даже снабжал довольно подробными зарисовками письма к брату. Но к «Ирисам» набросков не сохранилось. Более того, эксперты полагают, что их вообще не существует, поскольку саму эту картину Ван Гог считал этюдом. Тео, тем не менее, сразу высоко оценил полотно и представил его на Салоне независимых в сентябре 1889 года. Рассказывая в письме Винсенту о выставке, он пишет, что картина «поражает взгляд издалека. Это прекрасный набросок, полный воздуха и жизни».
В лечебнице у Ван Гога несколько раз случались серьезные приступы, между которыми он работал, словно одержимый. Он считал, что только в живописи может найти спасение и называл ее «громоотводом для болезни». Только продолжая рисовать Винсент мог поверить в то, что на самом деле он не сумасшедший. Врачи, однако, были другого мнения: они были уверены, что во время рисования Ван Гог приходит в слишком сильное нервное возбуждение, которое и вызывает приступы. Они ограничивали время, которое художник мог посвящать живописи, приставляли к нему наблюдающего санитара, однако все же позволили обустроить студию в одном из помещений лечебницы.
«Ирисы» Ван Гог написал незадолго до первого приступа, случившегося в больнице. Возможно, именно поэтому картина получилась столь безмятежной: тогда художник еще был уверен, что лечение даст результаты, и писал ирисы с искренним восхищением и радостью. Каждый из этих цветков уникален. Винсент долго наблюдал за естественными движениями стеблей и лепестков и сумел точно уловить и воспроизвести очень разные изогнутые силуэты. Первый владелец этой картины и один из первых почитателей Ван Гога, французский искусствовед октав Мирабо писал: «Как хорошо он понял утонченную сущность цветов!»
@pic_history
#ВанГог #Постимпрессионизм
В лечебнице у Ван Гога несколько раз случались серьезные приступы, между которыми он работал, словно одержимый. Он считал, что только в живописи может найти спасение и называл ее «громоотводом для болезни». Только продолжая рисовать Винсент мог поверить в то, что на самом деле он не сумасшедший. Врачи, однако, были другого мнения: они были уверены, что во время рисования Ван Гог приходит в слишком сильное нервное возбуждение, которое и вызывает приступы. Они ограничивали время, которое художник мог посвящать живописи, приставляли к нему наблюдающего санитара, однако все же позволили обустроить студию в одном из помещений лечебницы.
«Ирисы» Ван Гог написал незадолго до первого приступа, случившегося в больнице. Возможно, именно поэтому картина получилась столь безмятежной: тогда художник еще был уверен, что лечение даст результаты, и писал ирисы с искренним восхищением и радостью. Каждый из этих цветков уникален. Винсент долго наблюдал за естественными движениями стеблей и лепестков и сумел точно уловить и воспроизвести очень разные изогнутые силуэты. Первый владелец этой картины и один из первых почитателей Ван Гога, французский искусствовед октав Мирабо писал: «Как хорошо он понял утонченную сущность цветов!»
@pic_history
#ВанГог #Постимпрессионизм