В период работы над циклом Ротко был привлечен к участию в государственной организации, занимавшейся проблемами Великой депрессии в США. Художники и архитекторы вносили посильный вклад в поддержание состояния общественных зданий. Помимо Марка Ротко, такой работой занимались многие его коллеги, среди которых были и такие будущие корифеи абстрактного экспрессионизма как Джексон Поллок и Виллем де Кунинг.
Критики единогласно находят в зарисовках из подземки отголоски Депрессии. Люди изображены однообразными вытянутыми бесплотными призраками без лиц, пространство вокруг них сдавлено и клаустрофобично, в нем буквально отсутствует воздух. Отсутствие зрительного контакта с персонажами создает впечатление изолированности и потерянности, характерное для мироощущения американцев в те годы.
Справедливости ради стоит отметить, что живопись Ротко часто вызывала ощущение дискомфорта – и до Великой депрессии, и после нее. Если американская экономика начала постепенно выходить из нее к концу 1930-х годов, то художник в течение своей жизни только больше в нее погружался.
В 1936 году Ротко работал над книгой о принципах модернистской живописи и ее сходстве с детским рисунком. У него был значительный опыт в этой сфере: более двух десятков лет он учил детей рисовать в Еврейском центре Бруклина. Художник утверждал, что модернист должен стремиться к самовыражению без привлечения ума. Пути отхода от академизма он видел в имитации детского подхода к рисованию: «То, что художественная работа начинается с рисунка – уже академический подход. Мы же начинаем с цвета».
Таким образом, он стремился освободить свою кисть от вмешательства интеллекта, чтобы ее направляла чистая эмоция. Постепенно избавляются предметы на его картинах и от глубины: на работах серии «Сцены в метро» они начисто лишены объема, как картонные фигуры, которые вырезают дети для своих игр.
«Мы – за плоские формы, так как они разрушают иллюзию и обнажают истину» - с этим лозунгом Ротко ищет средства экспрессии в цвете, а также ритме чередующихся вертикальных и горизонтальных полос. Колоннам, решеткам заграждений, ступеням и дверным проемам, кажется, отводится больше смысловой нагрузки, чем живым объектам на картине. Чем окончится этот поиск, мы уже знаем. В конце концов художник откажется и от изображения неживых, оставив лишь самое необходимое – полосы и цвет.
@pic_history
#МаркРотко #Экспрессионизм
Критики единогласно находят в зарисовках из подземки отголоски Депрессии. Люди изображены однообразными вытянутыми бесплотными призраками без лиц, пространство вокруг них сдавлено и клаустрофобично, в нем буквально отсутствует воздух. Отсутствие зрительного контакта с персонажами создает впечатление изолированности и потерянности, характерное для мироощущения американцев в те годы.
Справедливости ради стоит отметить, что живопись Ротко часто вызывала ощущение дискомфорта – и до Великой депрессии, и после нее. Если американская экономика начала постепенно выходить из нее к концу 1930-х годов, то художник в течение своей жизни только больше в нее погружался.
В 1936 году Ротко работал над книгой о принципах модернистской живописи и ее сходстве с детским рисунком. У него был значительный опыт в этой сфере: более двух десятков лет он учил детей рисовать в Еврейском центре Бруклина. Художник утверждал, что модернист должен стремиться к самовыражению без привлечения ума. Пути отхода от академизма он видел в имитации детского подхода к рисованию: «То, что художественная работа начинается с рисунка – уже академический подход. Мы же начинаем с цвета».
Таким образом, он стремился освободить свою кисть от вмешательства интеллекта, чтобы ее направляла чистая эмоция. Постепенно избавляются предметы на его картинах и от глубины: на работах серии «Сцены в метро» они начисто лишены объема, как картонные фигуры, которые вырезают дети для своих игр.
«Мы – за плоские формы, так как они разрушают иллюзию и обнажают истину» - с этим лозунгом Ротко ищет средства экспрессии в цвете, а также ритме чередующихся вертикальных и горизонтальных полос. Колоннам, решеткам заграждений, ступеням и дверным проемам, кажется, отводится больше смысловой нагрузки, чем живым объектам на картине. Чем окончится этот поиск, мы уже знаем. В конце концов художник откажется и от изображения неживых, оставив лишь самое необходимое – полосы и цвет.
@pic_history
#МаркРотко #Экспрессионизм
"Портрет сидящей женщины в синем платье"
1918 г.
Амедео Модильяни
Музей современного искусства, Стокгольм.
@pic_history
1918 г.
Амедео Модильяни
Музей современного искусства, Стокгольм.
@pic_history
Как обойтись без пейзажей от русских художников в Нью-Йорке. «Красный закат на Днепре» светится, как и многие работы этого художника. Кто же автор?
Anonymous Quiz
87%
Архип Куинджи
5%
Илья Репин
8%
Исаак Левитан
"Игры детей"
1560 г.
Питер Брейгель Старший
Музей истории искусств, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
Раннюю картину Питера Брейгеля Старшего «Игры детей» не назовёшь грандиозной по габаритам: её размеры 118 на 161 сантиметр. Однако в этом сравнительно небольшом пространстве разместилось гигантское количество разнообразных фигурок, даже сосчитать которые (не говоря уже о том, чтобы понять, чем каждый занят) составляет серьёзную проблему.
Одни исследователи считают, что количество персонажей «Игр детей» – чуть более 230-ти. Другие полагают, с учётом самых удалённых крошечных фигурок и тех, что видны лишь частично в окнах и дверных проёмах, речь должна идти примерно о 250-ти действующих лицах. При этом они «действующие» в самом буквальном смысле: все они крайне поглощены своими занятиями, а их игры практически не повторяются.
@pic_history
1560 г.
Питер Брейгель Старший
Музей истории искусств, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
Раннюю картину Питера Брейгеля Старшего «Игры детей» не назовёшь грандиозной по габаритам: её размеры 118 на 161 сантиметр. Однако в этом сравнительно небольшом пространстве разместилось гигантское количество разнообразных фигурок, даже сосчитать которые (не говоря уже о том, чтобы понять, чем каждый занят) составляет серьёзную проблему.
Одни исследователи считают, что количество персонажей «Игр детей» – чуть более 230-ти. Другие полагают, с учётом самых удалённых крошечных фигурок и тех, что видны лишь частично в окнах и дверных проёмах, речь должна идти примерно о 250-ти действующих лицах. При этом они «действующие» в самом буквальном смысле: все они крайне поглощены своими занятиями, а их игры практически не повторяются.
@pic_history
Кто-то стоит на голове, кто-то оседлал товарища и скачет во весь опор, кто-то катается верхом на бочке, кто-то играет с обручами, кто-то бросает кости, кто-то играет в дочки-матери или в свадьбу… Учитывая большое количество персонажей, только перечисление их игр и дел заняло бы не одну страницу. Кстати, у Брейгеля есть картина, написанная в тот же период, что и «Игры детей» и также ориентирующаяся на народные лубочные гравюры, по которой составлены целые таблицы и каталоги с указанием занятий персонажей. Она называется «Нидерландские пословицы», и в ней зашифровано не менее 118 пословиц и идиоматических выражений.
Эксперты считают, что единственный взрослый персонаж «Игр детей» – это женщина, обливающая водой двух сцепившихся в драке мальчишек. Однако чтобы разглядеть её, выходящую из боковой двери дома на втором плане (кстати, по архитектуре дом чисто голландский, но к нему почему-то пристроена итальянская лёгкая лоджия), понадобится серьёзное зрительное усилие. Или лупа.
И всё же, хотя изображаются дети, Брейгель, по-видимому, иносказательно говорит нам о мире взрослых, об их занятиях, которые так же часто бывают бессмысленны или даже жестоки, как и многие детские игры на картине. Брейгель не чужд здесь морализаторства. К тому же он, как считают некоторые специалисты, находится здесь под воздействием сочинения своего соотечественника Эразма Роттердамского «Похвала глупости», осмелившегося посмотреть на мир с точки зрения качества, присущего «всем временам, и всем народам» – глупости. «Нет ничего глупее серьёзного восприятия игривости, – утверждал Эразм. – Но также нет ничего более бессмысленного, чем игривость в серьёзных делах».
Есть в «Играх детей» аллюзия и на занятия самого Брейгеля. Девочка в правом нижнем углу толчёт красные кирпичи. Так поступают и художники: полученный порошок можно будет превратить в пигмент для красок.
@pic_history
#БрейгельСтарший #Возрождение
Эксперты считают, что единственный взрослый персонаж «Игр детей» – это женщина, обливающая водой двух сцепившихся в драке мальчишек. Однако чтобы разглядеть её, выходящую из боковой двери дома на втором плане (кстати, по архитектуре дом чисто голландский, но к нему почему-то пристроена итальянская лёгкая лоджия), понадобится серьёзное зрительное усилие. Или лупа.
И всё же, хотя изображаются дети, Брейгель, по-видимому, иносказательно говорит нам о мире взрослых, об их занятиях, которые так же часто бывают бессмысленны или даже жестоки, как и многие детские игры на картине. Брейгель не чужд здесь морализаторства. К тому же он, как считают некоторые специалисты, находится здесь под воздействием сочинения своего соотечественника Эразма Роттердамского «Похвала глупости», осмелившегося посмотреть на мир с точки зрения качества, присущего «всем временам, и всем народам» – глупости. «Нет ничего глупее серьёзного восприятия игривости, – утверждал Эразм. – Но также нет ничего более бессмысленного, чем игривость в серьёзных делах».
Есть в «Играх детей» аллюзия и на занятия самого Брейгеля. Девочка в правом нижнем углу толчёт красные кирпичи. Так поступают и художники: полученный порошок можно будет превратить в пигмент для красок.
@pic_history
#БрейгельСтарший #Возрождение
"Скрипач у окна"
1918 г.
Анри Матисс
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
@pic_history
1918 г.
Анри Матисс
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
@pic_history
Перед вами картина, созданная по мотивам басни Ивана Андреевича Крылова. На холсте представлен фрагмент литературного произведения: немолодой горбатый кавалер делает предложение весьма разборчивой даме.
Кто автор этого сатирического полотна?
Кто автор этого сатирического полотна?
Anonymous Quiz
63%
Павел Федотов
14%
Илья Репин
23%
Василий Перов
"Спящая царевна"
1926 г.
Виктор Михайлович Васнецов
Государственная Третьяковская галерея.
«Спящая царевна» ходит в цикл Виктора Васнецова «Поэма семи сказок». По замыслу художника, в ней были запланированы такие сюжеты: «Спящая царевна», «Баба-яга», «Царевна-лягушка», «Царевна Несмеяна», «Кащей Бессмертный», «Сивка-бурка» и новый вариант «Ковра-самолета».
@pic_history
1926 г.
Виктор Михайлович Васнецов
Государственная Третьяковская галерея.
«Спящая царевна» ходит в цикл Виктора Васнецова «Поэма семи сказок». По замыслу художника, в ней были запланированы такие сюжеты: «Спящая царевна», «Баба-яга», «Царевна-лягушка», «Царевна Несмеяна», «Кащей Бессмертный», «Сивка-бурка» и новый вариант «Ковра-самолета».
@pic_history
Можно все эти прекрасные картины рассматривать как иллюстрации к сказкам, и такой взгляд, во-первых, имеет право на жизнь, а во-вторых - оправдан. Иное дело, что он раскрывает далеко не всё, что важно в «Поэме семи сказок». Сюжет «Спящей царевны» базируется на «Сказке о мертвой царевне и семи богатырях» Пушкина и «Спящей красавице» Шарля Перро.
Как иллюстрация картина великолепна, декоративное мастерство Васнецова в ней выше всяких похвал. Какие яркие, узорные орнаменты! Как старательно и изящно расписаны ткани платья, до чего великолепен колорит. Какие сочные типажи сюда попали! Просто праздник какой-то. Правда, сюжет не радостный, но ничего, мы же знаем, что суженый красавицу поцелует, от дурного колдовского сна она очнется, дурман развеется. Подступающий ко дворцу лес трактуется как победа жизни над небытием, женский и мужской образы над спящей царевной предрекают счастливое воссоединение влюбленных.
Все это мы «прочтем» в картине, рассматривая ее как комментарий к народным сказкам и вырвав из контекста жизни художника и эпохи.
Попробуем учесть их. Сегодня мы не можем с точностью сказать, что имел ввиду Васнецов, когда ушел в свою «Поэму семи сказок», о чем так яростно пляшет его «Царевна-лягушка», что за безумие в лице Бабы-Яги, и о чем вообще эти иллюстрации, которые гораздо больше чем иллюстрации. Ступаем на зыбкую почву предположений. Васнецов резко отрицательно отнесся к революции. От эмиграции он отказался, поскольку не мыслил себя без Руси. Беда в том, что его Руси больше не было, а революционную он не принял («нерусью» называл). Васнецов ушел во внутреннюю эмиграцию – в сказки. Сегодня многие критики сходятся в том, что героиней его «Поэмы о семи сказках» стала сама Русь. Это она одурманена, заколдована, без чувств и сознания спит на скамье. И все жители ее уснули на скамьях, не чуют и не ведают, что творится вокруг них. Маленькая девочка спит на Голубиной книге – некому спросить ее о происходящем, некому услышать ответы. Справа видна палка, укутанная черной накидкой и увенчанная черепом козла (в христианстве – символ дьявола) – и его-то глаза кажутся открытыми. Слева виден уснувший стражник, некому оказалось защитить царевну. Спят старики и добры молодцы, старухи и девушки, спят дети, птицы и звери. Спит Русь. Сумрачно в этой светлице. А там, вдали видны цветные терема. При взгляде на них кажется, что жизнь там не остановилась. Придет ли той дорогой добрый молодец, расколдует ли красавицу?
Если в таком контексте рассмотреть прочие картины этого цикла, они тоже приобретают дополнительный смысл. Ей, красавице-Руси, нашептывает лживое Кащей. А как тосклив ее взгляд в образе Царевны-Несмеяны, и как уродливы все эти пляшущие и кривляющиеся вокруг нее скоморохи. На одном из эскизов к этой картине девушка изображена у зарешеченного окна. Как ей, наверное, хочется вырваться на свободу!
Что уж говорить про сравнительный анализ «Ковра-самолета». «Свободно и широко дышится счастливым героям васнецовской сказки среди этого необъятного простора», – утверждает Василий Осокин, глядя на второй «Ковер». Согласимся ли мы с ним? Неподвижен и пейзаж, и ковер. И влюбленные на нем отнюдь не кажутся такими уж счастливыми…
Засим покидаем область предположений. Но что Васнецов революцию не одобрил, а работой над «Поэмой семи сказок» с особой страстью занялся после 1917 года – вполне факты. Равно как и его удивительные сказочные картины, в которых многое сокрыто.
@pic_history
#ВикторВаснецов #ЛитературнаяСцена #Символизм
Как иллюстрация картина великолепна, декоративное мастерство Васнецова в ней выше всяких похвал. Какие яркие, узорные орнаменты! Как старательно и изящно расписаны ткани платья, до чего великолепен колорит. Какие сочные типажи сюда попали! Просто праздник какой-то. Правда, сюжет не радостный, но ничего, мы же знаем, что суженый красавицу поцелует, от дурного колдовского сна она очнется, дурман развеется. Подступающий ко дворцу лес трактуется как победа жизни над небытием, женский и мужской образы над спящей царевной предрекают счастливое воссоединение влюбленных.
Все это мы «прочтем» в картине, рассматривая ее как комментарий к народным сказкам и вырвав из контекста жизни художника и эпохи.
Попробуем учесть их. Сегодня мы не можем с точностью сказать, что имел ввиду Васнецов, когда ушел в свою «Поэму семи сказок», о чем так яростно пляшет его «Царевна-лягушка», что за безумие в лице Бабы-Яги, и о чем вообще эти иллюстрации, которые гораздо больше чем иллюстрации. Ступаем на зыбкую почву предположений. Васнецов резко отрицательно отнесся к революции. От эмиграции он отказался, поскольку не мыслил себя без Руси. Беда в том, что его Руси больше не было, а революционную он не принял («нерусью» называл). Васнецов ушел во внутреннюю эмиграцию – в сказки. Сегодня многие критики сходятся в том, что героиней его «Поэмы о семи сказках» стала сама Русь. Это она одурманена, заколдована, без чувств и сознания спит на скамье. И все жители ее уснули на скамьях, не чуют и не ведают, что творится вокруг них. Маленькая девочка спит на Голубиной книге – некому спросить ее о происходящем, некому услышать ответы. Справа видна палка, укутанная черной накидкой и увенчанная черепом козла (в христианстве – символ дьявола) – и его-то глаза кажутся открытыми. Слева виден уснувший стражник, некому оказалось защитить царевну. Спят старики и добры молодцы, старухи и девушки, спят дети, птицы и звери. Спит Русь. Сумрачно в этой светлице. А там, вдали видны цветные терема. При взгляде на них кажется, что жизнь там не остановилась. Придет ли той дорогой добрый молодец, расколдует ли красавицу?
Если в таком контексте рассмотреть прочие картины этого цикла, они тоже приобретают дополнительный смысл. Ей, красавице-Руси, нашептывает лживое Кащей. А как тосклив ее взгляд в образе Царевны-Несмеяны, и как уродливы все эти пляшущие и кривляющиеся вокруг нее скоморохи. На одном из эскизов к этой картине девушка изображена у зарешеченного окна. Как ей, наверное, хочется вырваться на свободу!
Что уж говорить про сравнительный анализ «Ковра-самолета». «Свободно и широко дышится счастливым героям васнецовской сказки среди этого необъятного простора», – утверждает Василий Осокин, глядя на второй «Ковер». Согласимся ли мы с ним? Неподвижен и пейзаж, и ковер. И влюбленные на нем отнюдь не кажутся такими уж счастливыми…
Засим покидаем область предположений. Но что Васнецов революцию не одобрил, а работой над «Поэмой семи сказок» с особой страстью занялся после 1917 года – вполне факты. Равно как и его удивительные сказочные картины, в которых многое сокрыто.
@pic_history
#ВикторВаснецов #ЛитературнаяСцена #Символизм
"Картина с кругом"
1911 г.
Василий Кандинский
Национальная галерея Грузии им. Шеварднадзе, Тбилиси.
@pic_history
1911 г.
Василий Кандинский
Национальная галерея Грузии им. Шеварднадзе, Тбилиси.
@pic_history
Полотно "Под венец" изображает предсвадебные сборы невесты в боярской семье 16 - 17 веков. Невесте расчесывают косу в знак ее прощания с девичеством.
Думаю, вы без труда назовете автора:
Думаю, вы без труда назовете автора:
Anonymous Quiz
32%
Василий Суриков
42%
Константин Маковский
26%
Виктор Васнецов
"Натюрморт. Фрукты на блюде"
1910 г.
Илья Иванович Машков
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
1910 г.
Илья Иванович Машков
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
Машкова называют «королем натюрмортов», и это звание вполне заслужено. «Фрукты на блюде» написаны в период освоения художником плоскостной живописи, жанра вывески. Этот натюрморт – старт Машкова в жанре. Здесь максимально упрощена и примитивизирована композиция. Если уж центр – то это будет ярко-оранжевый апельсин, вокруг – темные, как ночь, сливы. Белая смятая скатерть и серый нейтральный фон отлично оттеняют яркость и фактуру персиков и яблок вокруг блюда. Явственно заметно влияние Матисса. Кстати, эту картину в свое время Матисс и Серов порекомендовали приобрести меценату Морозову. Это для Машкова было настоящее признание: ранее отвергший его преподаватель и кумир московских художников, сам Анри Матисс!
Искусствовед Дмитрий Сарабьянов писал, что Машкова «привлекает самое земное, самое здоровое. В его картинах торжествует плоть, в какой бы форме она ни выступала – в форме плодов земли, обнаженного женского тела или медной посуды». И действительно, в этих фруктах – необузданное торжество, хочется сказать – смак! Картина действует сразу не все органы восприятия – мы видим яркую фруктовую россыпь, чувствуем аромат спелых плодов и, кажется, если прикоснемся, то ощутим гладкость слив, мягкую, чуть шершавую кожицу персика и бугристую кожуру апельсина. Вкусовым рецепторам и подавно отдыхать не приходится возле «съедобных» картин Машкова.
В дальнейшем его натюрморты станут более объемными – по определению Сарабьянова, «опредметятся». В «Натюрморте с овощами» 1914 года или «Натюрморте с хлебом и тыквой» 1915 года мы уже наблюдаем объем, контраст размеров и более мягкое, не столь гиперболизированное противопоставление фактур изображенных плодов и предметов.
@pic_history
#ИльяМашков #Натюрморт #Постимпрессионизм
Искусствовед Дмитрий Сарабьянов писал, что Машкова «привлекает самое земное, самое здоровое. В его картинах торжествует плоть, в какой бы форме она ни выступала – в форме плодов земли, обнаженного женского тела или медной посуды». И действительно, в этих фруктах – необузданное торжество, хочется сказать – смак! Картина действует сразу не все органы восприятия – мы видим яркую фруктовую россыпь, чувствуем аромат спелых плодов и, кажется, если прикоснемся, то ощутим гладкость слив, мягкую, чуть шершавую кожицу персика и бугристую кожуру апельсина. Вкусовым рецепторам и подавно отдыхать не приходится возле «съедобных» картин Машкова.
В дальнейшем его натюрморты станут более объемными – по определению Сарабьянова, «опредметятся». В «Натюрморте с овощами» 1914 года или «Натюрморте с хлебом и тыквой» 1915 года мы уже наблюдаем объем, контраст размеров и более мягкое, не столь гиперболизированное противопоставление фактур изображенных плодов и предметов.
@pic_history
#ИльяМашков #Натюрморт #Постимпрессионизм
Это не самое известное полотно автора,хранящееся в Пермской галерее, но по характерному стилю письма можно узнать художника, ее написавшего.
Anonymous Quiz
55%
Виктор Васнецов
19%
Карл Брюллов
26%
Илья Репин
Приятель Гюстава Курбе – Джеймс Уистлер – отстаивал свое право быть художником, а не фотографом. Сам Курбе считал, что «живопись – конкретное искусство» и старался воссоздавать реальность с фотографической точностью. Находясь на противоположных позициях, и Курбе и Уистлер регулярно подвергались яростной критике: публика всегда жаждет среднего.
Одним из ярких примеров такой радикальной (по меркам 19-го века) достоверности стала картина Курбе «Купальщицы», вызывавшая скандал на парижском Салоне 1853 года.
Две дородные крестьянки на берегу – настолько неаппетитные, что, кажется, одной из них Курбе оставил одежду из сострадания к публике – спровоцировали у критиков разлитие желчи, которого, пожалуй, не удостоится и Мане с его «Завтраком на траве». Проходивший мимо полотна Наполеон III не совладал с чувствами и ударил его своим хлыстом. Даже сторонник Курбе – Эжен Делакруа – был раздосадован «отвратительной вульгарностью форм», стоит ли говорить о недоброжелателях, которых у художника было множество.
Критики отмечали, что в «Купальщицах» отсутствует какая-либо назидательность или мораль, что позы девушек – неестественны и сулят сюжет, которого на самом деле нет, что «Купальщицы» вгоняют последний гвоздь в гроб эпохи романтизма.
Но больше всего публику нервировало то, что у одной из купальщиц – грязные ноги.
Современный зритель может подумать, что самыми возмутительными работами Курбе были «Происхождение мира» или сцена на картине «Спящие». Но эти вещи не предназначались для программных выставок, были исполнением частного заказа, их создание никаких последствий для профессиональной репутации художника не имело. "Спящие" так и вовсе решены в стилистике академической живописи - там возмущают многозначительно смятые простыни, а не художественные приемы автора. Другое дело - "Купальщицы". С грязными ногами в залы парижского Салона - это чересчур.
Если бы этот сюжет решил запечатлеть Джеймс Уистлер, возможно у крестьянки вместо ног было бы зыбкое марево в изысканной серо-черной гамме. Но принципы Курбе требовали правды. Да и могли ли не запылиться ступни, которым пришлось протоптать тропу для целого направления.
@pic_history
#ГюставКурбе #Реализм
Одним из ярких примеров такой радикальной (по меркам 19-го века) достоверности стала картина Курбе «Купальщицы», вызывавшая скандал на парижском Салоне 1853 года.
Две дородные крестьянки на берегу – настолько неаппетитные, что, кажется, одной из них Курбе оставил одежду из сострадания к публике – спровоцировали у критиков разлитие желчи, которого, пожалуй, не удостоится и Мане с его «Завтраком на траве». Проходивший мимо полотна Наполеон III не совладал с чувствами и ударил его своим хлыстом. Даже сторонник Курбе – Эжен Делакруа – был раздосадован «отвратительной вульгарностью форм», стоит ли говорить о недоброжелателях, которых у художника было множество.
Критики отмечали, что в «Купальщицах» отсутствует какая-либо назидательность или мораль, что позы девушек – неестественны и сулят сюжет, которого на самом деле нет, что «Купальщицы» вгоняют последний гвоздь в гроб эпохи романтизма.
Но больше всего публику нервировало то, что у одной из купальщиц – грязные ноги.
Современный зритель может подумать, что самыми возмутительными работами Курбе были «Происхождение мира» или сцена на картине «Спящие». Но эти вещи не предназначались для программных выставок, были исполнением частного заказа, их создание никаких последствий для профессиональной репутации художника не имело. "Спящие" так и вовсе решены в стилистике академической живописи - там возмущают многозначительно смятые простыни, а не художественные приемы автора. Другое дело - "Купальщицы". С грязными ногами в залы парижского Салона - это чересчур.
Если бы этот сюжет решил запечатлеть Джеймс Уистлер, возможно у крестьянки вместо ног было бы зыбкое марево в изысканной серо-черной гамме. Но принципы Курбе требовали правды. Да и могли ли не запылиться ступни, которым пришлось протоптать тропу для целого направления.
@pic_history
#ГюставКурбе #Реализм