Последнее время я много говорю про актуальные события арт-мира — это то, что меня сейчас особенно зажигает. Но любовь к классическому искусству всегда со мной. Возвращаю эту тему из тени и знаю, что многие по ней тоже соскучились. Если вы среди них — ставьте ❤️, посмотрю сколько вас
В новой рубрике #сюжетнедели мы с вами будем разбирать «вечные темы», которые из века в век мигрируют по полотнам художников👌
Сегодня расскажу, почему в истории искусства художники повально пишут купающихся женщин.
Корни этой традиции — в Древней Греции. Там купание считалось важным ритуалом очищения и было обычным сюжетом вазописи. А в I веке Овидий в «Метаморфозах» пересказал миф об Актеоне, который увидел, как богиня Диана купается в окружении нимф. В наказание его превратили в оленя.
Эту историю подхватили и сделали популярной художники Возрождения. Больше всего их интересовал не финал, где обращенного Актеона убивают его же собаки, а момент купания. Ну еще бы: такой роскошный легальный повод написать нескольких обнаженных дам!
Помним, что нагота долго считалась приемлемой только на картинах с античными сюжетами. Жесткие рамки этого правила раскачали французские художники XVIII-XIX веков. Но до скандала все довел Курбе.
На Парижском салоне 1853 года его «Купальщиц» накрыло лавиной хейта: морали нет, формы девушек «отвратительно вульгарны» и…ноги у них грязные! И правда, ну какие нимфы с черными ступнями!?
С этого момента сюжет освободился от связи с мифом. Потом пришли импрессионисты, новое искусство, а в домах появилась проточная вода. То есть купание из коллективного действия (в банях и водоемах) становилось делом все более интимным.
Эту трансформацию «вечного сюжета» очень точно отразил Дега. Он написал целую серию новых купальщиц в ваннах. И самое главное: художник усилил эффект, который зритель ощущает, смотря на сюжет. Публика подсматривает! И теперь им не стыдно — в оленя не превратят и цензуре не подвергнут 😁
Как вам рубрика? Оставляем?)
В новой рубрике #сюжетнедели мы с вами будем разбирать «вечные темы», которые из века в век мигрируют по полотнам художников👌
Сегодня расскажу, почему в истории искусства художники повально пишут купающихся женщин.
Корни этой традиции — в Древней Греции. Там купание считалось важным ритуалом очищения и было обычным сюжетом вазописи. А в I веке Овидий в «Метаморфозах» пересказал миф об Актеоне, который увидел, как богиня Диана купается в окружении нимф. В наказание его превратили в оленя.
Эту историю подхватили и сделали популярной художники Возрождения. Больше всего их интересовал не финал, где обращенного Актеона убивают его же собаки, а момент купания. Ну еще бы: такой роскошный легальный повод написать нескольких обнаженных дам!
Помним, что нагота долго считалась приемлемой только на картинах с античными сюжетами. Жесткие рамки этого правила раскачали французские художники XVIII-XIX веков. Но до скандала все довел Курбе.
На Парижском салоне 1853 года его «Купальщиц» накрыло лавиной хейта: морали нет, формы девушек «отвратительно вульгарны» и…ноги у них грязные! И правда, ну какие нимфы с черными ступнями!?
С этого момента сюжет освободился от связи с мифом. Потом пришли импрессионисты, новое искусство, а в домах появилась проточная вода. То есть купание из коллективного действия (в банях и водоемах) становилось делом все более интимным.
Эту трансформацию «вечного сюжета» очень точно отразил Дега. Он написал целую серию новых купальщиц в ваннах. И самое главное: художник усилил эффект, который зритель ощущает, смотря на сюжет. Публика подсматривает! И теперь им не стыдно — в оленя не превратят и цензуре не подвергнут 😁
Как вам рубрика? Оставляем?)
Рубрике #сюжетнедели быть! Вы поддержали ее на прошлой неделе.
Ставьте ❤️, если ждете по теме новых постов.
Сегодня поговорим о «Завтраке на траве».
Этот сюжет узнается легко, но не все знают, откуда он.
Все началось с Мане и его желания взбунтоваться против снобов-академистов. Надо признать, он делал это тонко👇
Художник взял два референса: фрагмент с картины Рафаэля «Суд Париса» и работу Джорджоне «Пасторальный концерт». Оба сюжета отсылают к мифологии — значит, мы уже помним, нагота на полотнах приемлема.
Но Мане над этим смеется: античных богов одевает в костюмы своих современников, а нимфе придает очевидное портретное сходство — с Луизой Меран, известной музой парижских живописцев по прозвищу Креветка🦐(из-за миниатюрного телосложения и рыжих волос).
И вот эти странные посиделки голой женщины и одетых мужчин на публике он пишет на огромном полотне. Кажется, ну и что? Но это была дерзость! В то время художники покупали холсты стандартных размеров. Выход за их рамки был претензией на некое заявление.
Ну и последний ироничный штрих: Мане выставил картину в 1863 году на Салоне Отверженных под названием«Купальщица»)) Она там есть — в центре полотна, одетая, приличная😁
Скандал разразился грандиозный! «Мне кажется, будто посреди улицы я встретил ватагу мальчишек, швыряющих камни в спину Эдуарду Мане…», — так описывает реакцию публики Эмиль Золя.
Новое имя картины, «Завтрак на траве», художник дал ей уже после. Мане и не подозревал, что потом его бунтарское полотно будут повторять десятки художников. Он не просто внес новое слово в искусство, а создал большой сюжет.
С конца ХIХ века художники обращаются к «Завтраку на траве» так же часто, как мастера Возрождения к «Данае». Сюжет по-новому осмыслили Моне, Сезанн, Ботеро.
Особенно «завтраком» был одержим Пикассо: между 1959 и 1962 годами он посвящает ему целую серию работ в живописи, графике, литографии, скульптуре и керамике.
Как думаете, почему именно эта картина Мане так зацепила его последователей?)
Ставьте ❤️, если ждете по теме новых постов.
Сегодня поговорим о «Завтраке на траве».
Этот сюжет узнается легко, но не все знают, откуда он.
Все началось с Мане и его желания взбунтоваться против снобов-академистов. Надо признать, он делал это тонко👇
Художник взял два референса: фрагмент с картины Рафаэля «Суд Париса» и работу Джорджоне «Пасторальный концерт». Оба сюжета отсылают к мифологии — значит, мы уже помним, нагота на полотнах приемлема.
Но Мане над этим смеется: античных богов одевает в костюмы своих современников, а нимфе придает очевидное портретное сходство — с Луизой Меран, известной музой парижских живописцев по прозвищу Креветка🦐(из-за миниатюрного телосложения и рыжих волос).
И вот эти странные посиделки голой женщины и одетых мужчин на публике он пишет на огромном полотне. Кажется, ну и что? Но это была дерзость! В то время художники покупали холсты стандартных размеров. Выход за их рамки был претензией на некое заявление.
Ну и последний ироничный штрих: Мане выставил картину в 1863 году на Салоне Отверженных под названием
Скандал разразился грандиозный! «Мне кажется, будто посреди улицы я встретил ватагу мальчишек, швыряющих камни в спину Эдуарду Мане…», — так описывает реакцию публики Эмиль Золя.
Новое имя картины, «Завтрак на траве», художник дал ей уже после. Мане и не подозревал, что потом его бунтарское полотно будут повторять десятки художников. Он не просто внес новое слово в искусство, а создал большой сюжет.
С конца ХIХ века художники обращаются к «Завтраку на траве» так же часто, как мастера Возрождения к «Данае». Сюжет по-новому осмыслили Моне, Сезанн, Ботеро.
Особенно «завтраком» был одержим Пикассо: между 1959 и 1962 годами он посвящает ему целую серию работ в живописи, графике, литографии, скульптуре и керамике.
Как думаете, почему именно эта картина Мане так зацепила его последователей?)
#сюжетнедели ждёт ваше ❤️
Сегодня — о Блудном сыне
Сюжет основан на Библейской притче (LK 15, 11-32), коротко напомню ее:
У отца было два сына, по просьбе младшего он отдал ему половину имения. Тот наследство собрал, из дома ушел и вскоре все прокутил. Наступил голодный сезон, а он — гол как сокол. Пришлось наняться пасти свиней, что по тем временам — участь вконец «скатившихся».Так настрадался герой наш, что решил вернуться в родные изобильные владения с покаянием. Отец встретил его, простил и сказал: «этот сын мой был мертв и ожил, пропадал и нашелся».
Эту историю художники особенно часто писали, начиная с позднего Средневековья до XVII века. Она отчетливо передавала их мироощущение, где земная жизнь — странствие человека от рождения до смерти.
Изображения сцены пути героя (как у Босха) или его распутств (как у ван Хонтхорста) — служили назиданию. Призывали в крайности не вдаваться, ловушек искушения на пути своем избегать. И напоминали, что самозабвенная радость конечна. Финальный же эпизод встречи отца и сына — о том, что каждый раскаявшийся будет прощен.
Сейчас будет самая интересная часть. О Рембрандте и самосбывающемся пророчестве)) Его автопортрет с женой Саскией называется «Блудный сын в таверне» — он был написан на пике его славы. Но художник будто чувствовал, что в его судьбе заложено своеобразное повторение библейской притчи.
В последний год жизни, когда он погряз в долгах, потерял единственного сына и был практически забыт современниками, Рембрандт создает свою версию «Возвращения блудного сына».
Будете в Эрмитаже — обязательно рассмотрите ступни молодого человека: Рембрандт писал их руками и мастихином! В мазках видны отпечатки пальцев художника.
🤎 Лучшей проповеди в истории искусства не было и не будет. Она о возвращение души к Богу. Картина показывает: мы можем найти спасение и любовь только если придем к Отцу в смирении, отбросив надменность – как маленькие дети.
Узнали фильм, кадр из которого я прикрепила? Как думаете, почему режиссер включил эту цитату?👇
Сегодня — о Блудном сыне
Сюжет основан на Библейской притче (LK 15, 11-32), коротко напомню ее:
У отца было два сына, по просьбе младшего он отдал ему половину имения. Тот наследство собрал, из дома ушел и вскоре все прокутил. Наступил голодный сезон, а он — гол как сокол. Пришлось наняться пасти свиней, что по тем временам — участь вконец «скатившихся».Так настрадался герой наш, что решил вернуться в родные изобильные владения с покаянием. Отец встретил его, простил и сказал: «этот сын мой был мертв и ожил, пропадал и нашелся».
Эту историю художники особенно часто писали, начиная с позднего Средневековья до XVII века. Она отчетливо передавала их мироощущение, где земная жизнь — странствие человека от рождения до смерти.
Изображения сцены пути героя (как у Босха) или его распутств (как у ван Хонтхорста) — служили назиданию. Призывали в крайности не вдаваться, ловушек искушения на пути своем избегать. И напоминали, что самозабвенная радость конечна. Финальный же эпизод встречи отца и сына — о том, что каждый раскаявшийся будет прощен.
Сейчас будет самая интересная часть. О Рембрандте и самосбывающемся пророчестве)) Его автопортрет с женой Саскией называется «Блудный сын в таверне» — он был написан на пике его славы. Но художник будто чувствовал, что в его судьбе заложено своеобразное повторение библейской притчи.
В последний год жизни, когда он погряз в долгах, потерял единственного сына и был практически забыт современниками, Рембрандт создает свою версию «Возвращения блудного сына».
Будете в Эрмитаже — обязательно рассмотрите ступни молодого человека: Рембрандт писал их руками и мастихином! В мазках видны отпечатки пальцев художника.
Узнали фильм, кадр из которого я прикрепила? Как думаете, почему режиссер включил эту цитату?👇
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
🐃 «Какой милый бычок!»
Примерно так отреагировала малазийская красавица Европа на слишком уж ласковое парнокопытное. И обманулась: животное на спину ее закинуло и утащило вплавь на Крит!
Правда, на острове выяснилось, что бык — это Зевс. Влюбленный Бог обратился, чтобы и от жены укрыться (Гера в гневе — дело страшное), и бдительность девушки усыпить.
Закончилось все тем, что она родила ему троих детей, а после вышла замуж за бездетного царя Крита. Зевс же в память о приключении начертал на небосводе созвездие тельца. C'est la vie🌌
Этим мифом Древние греки описали свое представление о зарождении цивилизации на Крите. В гомеровские времена Европой называлась территория Средней Греции, а позже это название перешло на весь материк.
Сюжет для художников вечный. Встречаем его, начиная с античных фресок, мозаик и вазописи. В Возрождение наиболее популярны — полотна Тициана и Веронезе, где обязательно есть амурчики, намекающие: скоро испуг Европы сменится любовью.
Не обошел «Похищение» и Рембрандт — его работа реалистичнее, строже. Действие античного мифа он помещает в характерный голландский пейзаж, а героиню одевает по современной моде. Следом за ним сюжет писали Буше, Гойя, всех не перечислить.
Остановиться я хочу на очень необычной вариации темы от Серова. Он написал ее в 1907 по следам путешествия на Крит, где археолог Эванс только-только открыл крито-микенскую культуру.
В этой картине Серов пересобирает восприятие мифа и собственную живописную технику. Если у старых мастеров Европа неизменно напугана, то здесь она изящно спокойна. Он пишет девушку нереалистично, собирает образ из множества зарисовок архаичных скульптур. Для него этот сюжет — метафора гармонии и красоты, которую нельзя похитить.
Серов уходит от академизма: в том как он работает с формой и цветом мы видим отголоски фовизма, техники Матисса. Это было настолько смело, что он так и не решился показать работу друзьям-художникам.
Чей вариант «Похищения Европы» вам больше по душе? Почему?❤️
🐃 «Какой милый бычок!»
Примерно так отреагировала малазийская красавица Европа на слишком уж ласковое парнокопытное. И обманулась: животное на спину ее закинуло и утащило вплавь на Крит!
Правда, на острове выяснилось, что бык — это Зевс. Влюбленный Бог обратился, чтобы и от жены укрыться (Гера в гневе — дело страшное), и бдительность девушки усыпить.
Закончилось все тем, что она родила ему троих детей, а после вышла замуж за бездетного царя Крита. Зевс же в память о приключении начертал на небосводе созвездие тельца. C'est la vie🌌
Этим мифом Древние греки описали свое представление о зарождении цивилизации на Крите. В гомеровские времена Европой называлась территория Средней Греции, а позже это название перешло на весь материк.
Сюжет для художников вечный. Встречаем его, начиная с античных фресок, мозаик и вазописи. В Возрождение наиболее популярны — полотна Тициана и Веронезе, где обязательно есть амурчики, намекающие: скоро испуг Европы сменится любовью.
Не обошел «Похищение» и Рембрандт — его работа реалистичнее, строже. Действие античного мифа он помещает в характерный голландский пейзаж, а героиню одевает по современной моде. Следом за ним сюжет писали Буше, Гойя, всех не перечислить.
Остановиться я хочу на очень необычной вариации темы от Серова. Он написал ее в 1907 по следам путешествия на Крит, где археолог Эванс только-только открыл крито-микенскую культуру.
В этой картине Серов пересобирает восприятие мифа и собственную живописную технику. Если у старых мастеров Европа неизменно напугана, то здесь она изящно спокойна. Он пишет девушку нереалистично, собирает образ из множества зарисовок архаичных скульптур. Для него этот сюжет — метафора гармонии и красоты, которую нельзя похитить.
Серов уходит от академизма: в том как он работает с формой и цветом мы видим отголоски фовизма, техники Матисса. Это было настолько смело, что он так и не решился показать работу друзьям-художникам.
Чей вариант «Похищения Европы» вам больше по душе? Почему?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
🧽Чистый четверг
Главное, что нужно знать об этом дне: он, как и каждый день последней недели Великого поста (Страстной седмицы), посвящен воспоминаниям о последних днях пребывания на земле Иисуса Христа. В религиозной традиции их называют Великими или Страстными. Поэтому правильное название этого дня — Великий четверг.
В четверг вспоминают Тайную Вечерю, когда Иисус установил таинство причастия и омыл ноги апостолов, показав им пример истинного смирения и служения ближнему.
Но особенное стремление к чистоте в этот день связано еще и с тем, что в раннехристианские времена крестили в Страстную субботу, накануне Пасхи. К этому дню должны быть очищены и пространство вокруг, и, конечно, душа.
Если вы в эти выходные, как и прекрасные героини с картин Пименова, моете окна и расхламляете дом — предлагаю фоном порадовать душу искусством🤍 Сегодня в нашем Майском канале искусствовед Академии OP-POP-ART Анастасия Егорова увлекательно рассказывает о художниках и дачах!
👉Доступ к каналу ЗДЕСЬ
Во время этого эфира вы перенесетесь из города в приятный пригород, вдохнете свежего воздуха и узнаете, чем аристократы развлекали себя на загородных участках)
🧽Чистый четверг
Главное, что нужно знать об этом дне: он, как и каждый день последней недели Великого поста (Страстной седмицы), посвящен воспоминаниям о последних днях пребывания на земле Иисуса Христа. В религиозной традиции их называют Великими или Страстными. Поэтому правильное название этого дня — Великий четверг.
В четверг вспоминают Тайную Вечерю, когда Иисус установил таинство причастия и омыл ноги апостолов, показав им пример истинного смирения и служения ближнему.
Но особенное стремление к чистоте в этот день связано еще и с тем, что в раннехристианские времена крестили в Страстную субботу, накануне Пасхи. К этому дню должны быть очищены и пространство вокруг, и, конечно, душа.
Если вы в эти выходные, как и прекрасные героини с картин Пименова, моете окна и расхламляете дом — предлагаю фоном порадовать душу искусством🤍 Сегодня в нашем Майском канале искусствовед Академии OP-POP-ART Анастасия Егорова увлекательно рассказывает о художниках и дачах!
👉Доступ к каналу ЗДЕСЬ
Во время этого эфира вы перенесетесь из города в приятный пригород, вдохнете свежего воздуха и узнаете, чем аристократы развлекали себя на загородных участках)
#сюжетнедели
🫧Человек есть мыльный пузырь
Расскажу сегодня о жанре Vanitas.
Или натюрмортах эпохи Барокко, символизирующих бренность жизни земной. Больше всего они были распространены в Нидерландах и Фландрии. Те, кто был на моем эфире в феврале, в этой теме уже знатоки. Вы здесь? Жду ваши❤️
Любая работа в жанре ванитас — это всегда текст, как в прямом смысле (книжные страницы часто появляются на холстах), так и в символическом. Образованные люди эпохи могли расшифровать его.
Поэтому эти натюрморты называют «учеными»📖 : их родина — университетский город Лейден. Среди зажиточных горожан считалось престижным иметь дома философскую картину: это давало понять, что в доме обитает интеллигентный человек.
Эти натюрморты с черепами — еще и знак изменения мировоззрения, который происходил на сломе эпох. Протестантизм обращал большое внимание на личную ответственность за грехи. А кальвинизм, центром которого и был Лейден, особенно предостерегал от тщеславия, напоминал о бренности существования.
Главный символ в ванитас —💀 . С одной стороны, он очевидно отсылает нас к смерти. С другой — вспоминаем Адамову голову, знак воскресения и вечной жизни.
Но и в других предметах в ванитас есть общий подтекст о «суете сует»:
Хрупкость жизни человеческой. Догорающая свеча, мыльные пузыри, отсылающие к латинскому выражению homo bulla («человек есть мыльный пузырь») и любые пустые емкости.
Неумолимое течение времени. Часы, руины, всё потрепанное и тронутое тлением.
Тщетность власти и богатства. Тиары, короны, горы драгоценностей.
Эфемерность удовольствий. Увядающие цветы и гниющие фрукты, украшения. У каждого чувства был собственный символ: слух, например, олицетворяли музыкальные инструменты, а вкус — еда.
Меланхолия от учености. Карты, книги, предметы для письма. Эта группа символов самая жизнеутверждающая — воплощает идею творческого бессмертия. Человек продолжается в том, что он создал🙏
Если бы вы заказывали для себя такой натюрморт, то что бы попросили изобразить художника?))
🫧Человек есть мыльный пузырь
Расскажу сегодня о жанре Vanitas.
Или натюрмортах эпохи Барокко, символизирующих бренность жизни земной. Больше всего они были распространены в Нидерландах и Фландрии. Те, кто был на моем эфире в феврале, в этой теме уже знатоки. Вы здесь? Жду ваши
Любая работа в жанре ванитас — это всегда текст, как в прямом смысле (книжные страницы часто появляются на холстах), так и в символическом. Образованные люди эпохи могли расшифровать его.
Поэтому эти натюрморты называют «учеными»
Эти натюрморты с черепами — еще и знак изменения мировоззрения, который происходил на сломе эпох. Протестантизм обращал большое внимание на личную ответственность за грехи. А кальвинизм, центром которого и был Лейден, особенно предостерегал от тщеславия, напоминал о бренности существования.
Главный символ в ванитас —
Но и в других предметах в ванитас есть общий подтекст о «суете сует»:
Хрупкость жизни человеческой. Догорающая свеча, мыльные пузыри, отсылающие к латинскому выражению homo bulla («человек есть мыльный пузырь») и любые пустые емкости.
Неумолимое течение времени. Часы, руины, всё потрепанное и тронутое тлением.
Тщетность власти и богатства. Тиары, короны, горы драгоценностей.
Эфемерность удовольствий. Увядающие цветы и гниющие фрукты, украшения. У каждого чувства был собственный символ: слух, например, олицетворяли музыкальные инструменты, а вкус — еда.
Меланхолия от учености. Карты, книги, предметы для письма. Эта группа символов самая жизнеутверждающая — воплощает идею творческого бессмертия. Человек продолжается в том, что он создал
Если бы вы заказывали для себя такой натюрморт, то что бы попросили изобразить художника?))
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
👼 Икар и отец его Дедал
Миф брали из «Метаморфоз» Овидия. Коротко напомню его:
Дедал и сын его Икар решают спастись из плена царя Миноса, заточения на Крите. Изобретательный отец создает из перьев крылья, укрепляет их воском и наставляет сына: не летай близко к солнцу — расплавятся. Тот, конечно, не слушается мудрого предка. Самонадеянно взлетает к лучам, воск тает, Икар падает.
К сюжету обращалось много художников, но мы с вами сегодня рассмотрим самую необычную иллюстрацию от Брейгеля. Считается, что до нас дошла копия его утраченного полотна. Вот, что в нем особенного👇
Главная тема спрятана. Если коллеги по цеху традиционно писали в небе летящую и падающую фигуру, то у Брейгеля небо чисто, а чтобы отыскать Икара — нужно постараться. Главному сюжету он отводит крохотный уголок: оставляет в воде торчащие ноги мальчика и немного перьев поблизости.
Персонажи ведут себя странно. У Овидия рыбак, пастух и пахарь увидели происходящее, остолбенели и приняли летящих существ за богов. Брейгель отворачивает их от трагедии — они не видят, что человек тонет! 😳Корабль уплывает в противоположную от Икара сторону, другие тоже своими делами заняты.
Мораль истории становится шире. Миф говорит нам о том, что нарушение правил мудрых приводит к гибели. Брейгель добавляет сюда очень важную для него, особенно в дальнейшем, тему — о страдании, которое проходит незаметно для окружающих.
Она емко умещается в нидерландскую поговорку «Ни один плуг не остановится, пока кто-то умирает». Некоторые исследователи считают, что в этой работе Брейгель как раз ее и обыгрывает.
Есть еще одна деталь— видите птицу недалеко от ног? Похоже она единственная, кто к трагедии неравнодушен. А рад ей! Эта куропатка — племянник Дедала, которого тот однажды решил скинуть со скалы из-за зависти к его талантам. Его теперешний вид — результат спасения от Афины (времени думать не было, как успела 🤷). Так в историю вплетается мотив справедливости.
А на какие размышления наводит вас эта картина?
Миф брали из «Метаморфоз» Овидия. Коротко напомню его:
Дедал и сын его Икар решают спастись из плена царя Миноса, заточения на Крите. Изобретательный отец создает из перьев крылья, укрепляет их воском и наставляет сына: не летай близко к солнцу — расплавятся. Тот, конечно, не слушается мудрого предка. Самонадеянно взлетает к лучам, воск тает, Икар падает.
К сюжету обращалось много художников, но мы с вами сегодня рассмотрим самую необычную иллюстрацию от Брейгеля. Считается, что до нас дошла копия его утраченного полотна. Вот, что в нем особенного👇
Главная тема спрятана. Если коллеги по цеху традиционно писали в небе летящую и падающую фигуру, то у Брейгеля небо чисто, а чтобы отыскать Икара — нужно постараться. Главному сюжету он отводит крохотный уголок: оставляет в воде торчащие ноги мальчика и немного перьев поблизости.
Персонажи ведут себя странно. У Овидия рыбак, пастух и пахарь увидели происходящее, остолбенели и приняли летящих существ за богов. Брейгель отворачивает их от трагедии — они не видят, что человек тонет! 😳Корабль уплывает в противоположную от Икара сторону, другие тоже своими делами заняты.
Мораль истории становится шире. Миф говорит нам о том, что нарушение правил мудрых приводит к гибели. Брейгель добавляет сюда очень важную для него, особенно в дальнейшем, тему — о страдании, которое проходит незаметно для окружающих.
Она емко умещается в нидерландскую поговорку «Ни один плуг не остановится, пока кто-то умирает». Некоторые исследователи считают, что в этой работе Брейгель как раз ее и обыгрывает.
Есть еще одна деталь— видите птицу недалеко от ног? Похоже она единственная, кто к трагедии неравнодушен. А рад ей! Эта куропатка — племянник Дедала, которого тот однажды решил скинуть со скалы из-за зависти к его талантам. Его теперешний вид — результат спасения от Афины (времени думать не было, как успела 🤷). Так в историю вплетается мотив справедливости.
А на какие размышления наводит вас эта картина?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
В День защиты детей вспомним, что не всегда они были причиной для умиления и залипания в рилс😄 Само понятие детства в нашем привычном понимании стало оформляться только к 17-18 векам.
А на протяжении всего Средневековья и частично в Возрождение младенцев изображали как мини-версии взрослых. Крепеньких, иногда с залысинами или даже морщинками.
В одном посте не уместить все причины этого феномена, расскажу про одну. Запоминаем искусствоведческий термин: гомункулярность👌
Понятие «гомункул» — маленький человечек — появилось в XIII веке, когда испанский алхимик Арнольд из Виллановы якобы вырастил крошечного, но уже полностью сформированного человека прямо в колбе.
Догадываетесь? В искусствоведении под гомункулярностью как раз понимают вот такие странноватые изображения Иисуса. Считалось, что он уже родился взрослым, хоть и маленьким по размеру, так что изображать его как ничего не понимающего младенца было кощунством.
Предлагаю порадоваться, что мы не в Средневековье, а наши дети спокойно могут проживать один из самых беззаботных периодов жизни согласно возрасту🤍
В День защиты детей вспомним, что не всегда они были причиной для умиления и залипания в рилс😄 Само понятие детства в нашем привычном понимании стало оформляться только к 17-18 векам.
А на протяжении всего Средневековья и частично в Возрождение младенцев изображали как мини-версии взрослых. Крепеньких, иногда с залысинами или даже морщинками.
В одном посте не уместить все причины этого феномена, расскажу про одну. Запоминаем искусствоведческий термин: гомункулярность👌
Понятие «гомункул» — маленький человечек — появилось в XIII веке, когда испанский алхимик Арнольд из Виллановы якобы вырастил крошечного, но уже полностью сформированного человека прямо в колбе.
Догадываетесь? В искусствоведении под гомункулярностью как раз понимают вот такие странноватые изображения Иисуса. Считалось, что он уже родился взрослым, хоть и маленьким по размеру, так что изображать его как ничего не понимающего младенца было кощунством.
Предлагаю порадоваться, что мы не в Средневековье, а наши дети спокойно могут проживать один из самых беззаботных периодов жизни согласно возрасту🤍
#сюжетнедели
Поговорим сегодня о первой смертной женщине по версии древнегреческих мифов — Пандоре📦
Появляется она в поэме Гесиода «Труды и дни», перескажу вам эту историю:
Альтруист Прометей решил помочь людям жить свою лучшую жизнь: украл для них огонь у богов, научил писать-читать, строить, лечить и далее по списку. И вроде бы что плохого то? Но Зевс такую щедрость не оценил (не согласовано!) и поручил орлу ежедневно выклевывать у титана печенку (та ночью отрастала по-новой)🙈
Люди, то есть мужчины, тоже попали под раздачу — их наказанием стала женщина. И не абы какая: лепил ее Гефес, Афродита подобрала ей стильный лук, женскую энергию прокачала она с Афродитой, а Гермес наделил ее мудростью и изворотливостью. Назвали Пандорой, что в переводе — всем одаренная.
Это великолепие во плоти выдали замуж за брата Прометея. Дальше есть две версии: по одной — тот самый ящик подарили ей боги на свадьбу; по другой — он уже стоял дома у супруга. В любом случае Пандоре категорически сказали его не открывать!
Но мы то знаем, что Гермес постарался над характером нашей героини. Ящик она открыла и так выпустила к людям всевозможные несчастия. На дне осталась только надежда, чтобы поддерживать их в бесконечной борьбе со злом 🤷 Как-то Зевс переборщил, вам не кажется?))
Сюжет особенно часто появляется в работах художников прерафаэлитов. А вот Данте Габриель Россетти в картине «Пандора» не только берет за основу миф, но и намекает им на личный подтекст.
Однажды он тоже открыл ящик, который принято держать закрытым — решился вскрыть могилу жены, чтобы достать из ее гроба рукописи со своими поэмами, которые сам туда ранее и положил.
Как думаете, почему Зевс решил так серьезно наказать людей? Для баланса добра и зла или чтобы новые умения не простаивали? Жду ваши версии))
Поговорим сегодня о первой смертной женщине по версии древнегреческих мифов — Пандоре📦
Появляется она в поэме Гесиода «Труды и дни», перескажу вам эту историю:
Альтруист Прометей решил помочь людям жить свою лучшую жизнь: украл для них огонь у богов, научил писать-читать, строить, лечить и далее по списку. И вроде бы что плохого то? Но Зевс такую щедрость не оценил (не согласовано!) и поручил орлу ежедневно выклевывать у титана печенку (та ночью отрастала по-новой)🙈
Люди, то есть мужчины, тоже попали под раздачу — их наказанием стала женщина. И не абы какая: лепил ее Гефес, Афродита подобрала ей стильный лук, женскую энергию прокачала она с Афродитой, а Гермес наделил ее мудростью и изворотливостью. Назвали Пандорой, что в переводе — всем одаренная.
Это великолепие во плоти выдали замуж за брата Прометея. Дальше есть две версии: по одной — тот самый ящик подарили ей боги на свадьбу; по другой — он уже стоял дома у супруга. В любом случае Пандоре категорически сказали его не открывать!
Но мы то знаем, что Гермес постарался над характером нашей героини. Ящик она открыла и так выпустила к людям всевозможные несчастия. На дне осталась только надежда, чтобы поддерживать их в бесконечной борьбе со злом 🤷 Как-то Зевс переборщил, вам не кажется?))
Сюжет особенно часто появляется в работах художников прерафаэлитов. А вот Данте Габриель Россетти в картине «Пандора» не только берет за основу миф, но и намекает им на личный подтекст.
Однажды он тоже открыл ящик, который принято держать закрытым — решился вскрыть могилу жены, чтобы достать из ее гроба рукописи со своими поэмами, которые сам туда ранее и положил.
Как думаете, почему Зевс решил так серьезно наказать людей? Для баланса добра и зла или чтобы новые умения не простаивали? Жду ваши версии))
#сюжетнедели
Нарцисс и Эхо
Вспомним, откуда взялось имя для тех, кто сейчас — красный флаг для отношений😄🚩
Действующие лица:
Нарцисс — сын бога и нимфы, выигравший в генетической лотерее. Так он был красив: везде притягивал взгляды, собирал вокруг себя облако из охов и обмороков дам.
Еще в детстве родители его заподозрили неладное. И пошли кцыганке оракулу. Тот рукой махнул: мол, проживет Нарцисс долго, только пусть сам на себя не смотрит. А ему и не надо было: наш герой жил с четким ощущением — любви достоин только он. «Я — ок, вы — не ок».
Эхо — нимфа. Раньше была она болтушкой невозможной. За то и поплатилась: каждый раз, когда Гера пыталась поймать своего муженька Зевса за изменой, Эхо внезапно появлялась и подсаживалась ей на ухо. Богиня это терпеть не стала, нимфу прокляла — с тех пор та могла только повторять за другими.
А теперь драма:
Встреча происходит в лесу. Эхо видит Нарцисса, мгновенно влюбляется, кидается к нему в объятия. Только они не случаются — молодой человек обдает ее холодом, отвергает и бросает вдогонку: никто не достоин касаться меня!
Дальше сплошные смерти от любви: Эхо от помешательства на Нарциссе погибает в одиночестве, оставив свой голос в холмах. Нарцисс влюбляется в свое отражение в реке. Не в силах уйти, он умирает на полянке, превратившись в одноименный цветок🤩
Вы скажете: предупредили же — на себя не смотреть! Это так Немезида, богиня мести, из женской солидарности к Эхо постаралась))
Изображения сюжета дошли до нас самые ранние: даже в Помпеях неплохо сохранилась одна фреска. Затем его писали множество художников — сообразно эпохе и манере. Мне особенно нравятся: вырванный фирменным «погребным светом», «Нарцисс» Караваджо и идеализированная сцена от прерафаэлита Уотерхауса.
Сальвадор Дали видел в герое себя, а свою картину «Метаморфозы Нарцисса» возил в Лондон на встречу с Зигмундом Фрейдом, который и ввёл термин «нарциссизм» в психоанализ.
А о чем для вас этот сюжет? Согласны с мнением, что сейчас мы живем в эпоху нарциссизма?)
Нарцисс и Эхо
Вспомним, откуда взялось имя для тех, кто сейчас — красный флаг для отношений😄🚩
Действующие лица:
Нарцисс — сын бога и нимфы, выигравший в генетической лотерее. Так он был красив: везде притягивал взгляды, собирал вокруг себя облако из охов и обмороков дам.
Еще в детстве родители его заподозрили неладное. И пошли к
Эхо — нимфа. Раньше была она болтушкой невозможной. За то и поплатилась: каждый раз, когда Гера пыталась поймать своего муженька Зевса за изменой, Эхо внезапно появлялась и подсаживалась ей на ухо. Богиня это терпеть не стала, нимфу прокляла — с тех пор та могла только повторять за другими.
А теперь драма:
Встреча происходит в лесу. Эхо видит Нарцисса, мгновенно влюбляется, кидается к нему в объятия. Только они не случаются — молодой человек обдает ее холодом, отвергает и бросает вдогонку: никто не достоин касаться меня!
Дальше сплошные смерти от любви: Эхо от помешательства на Нарциссе погибает в одиночестве, оставив свой голос в холмах. Нарцисс влюбляется в свое отражение в реке. Не в силах уйти, он умирает на полянке, превратившись в одноименный цветок
Вы скажете: предупредили же — на себя не смотреть! Это так Немезида, богиня мести, из женской солидарности к Эхо постаралась))
Изображения сюжета дошли до нас самые ранние: даже в Помпеях неплохо сохранилась одна фреска. Затем его писали множество художников — сообразно эпохе и манере. Мне особенно нравятся: вырванный фирменным «погребным светом», «Нарцисс» Караваджо и идеализированная сцена от прерафаэлита Уотерхауса.
Сальвадор Дали видел в герое себя, а свою картину «Метаморфозы Нарцисса» возил в Лондон на встречу с Зигмундом Фрейдом, который и ввёл термин «нарциссизм» в психоанализ.
А о чем для вас этот сюжет? Согласны с мнением, что сейчас мы живем в эпоху нарциссизма?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
«Ножкой эть!» делали еще в античности💃
Держите урок позинга от древнегреческих красавиц: опираетесь на одну ногу, в её сторону наклоняете плечо и изгибаете туловище — так, чтобы ваш силуэт принял S-образную форму. Готово: теперь вы естественны и элегантны)
У такого положения тела даже есть свое искусствоведческое название: хиазм. Слышим хиазм — вспоминаем Трёх граций.
Откуда они взялись? Вы уже знаете, что гнев Зевса мог достигать земных масштабов. С тем же энтузиазмом он подходил к вопросам любви: от всяких богинь, полубогинь и смертных женщин было у него очень много детей. Нимфа Эвринома, например, родила от него трех дочерей — Аглаю (Великолепие), Евфросину (Радость) и Талию (Благополучие).
Их и назвали грациями, то есть богинями радости и красоты. Дамы сопровождали разные праздники и прекрасно там танцевали — особенно под плейлисты от Аполлона.
Сюжет легкий и игривый. Не узнать его сложно: грации не только стоят в хиазме, но и обычно кладут друг другу руки на плечи. Чаще всего одна из них находится к нам спиной. Тут художники, конечно, хитро придумали: и сами могли в полном объеме тренироваться в изображении обнаженного тела, и об удобстве зрителя позаботились)
Граций можно найти в мозаиках и фресках Помпей, древнеримских скульптурах. В изящном исполнении Боттичелли и Рафаэля в Эпоху Возрождения. В барокко — у Рубенса: правда, его героини похоже танцевали мало и диету не соблюдали)
Художники ХХ века сюжет пропускают через фильтр авторской манеры. Например, Робер Делоне растворяет богинь в геометрии на манер Сезанна, а Пикассо отходит от канона — в «Голубом периоде» разворачивает к нам третью грацию.
Угадали, фрагмент из какой картины Боттичелли я приложила?) А помните других героев из нее? Жду в комментариях 👇
«Ножкой эть!» делали еще в античности
Держите урок позинга от древнегреческих красавиц: опираетесь на одну ногу, в её сторону наклоняете плечо и изгибаете туловище — так, чтобы ваш силуэт принял S-образную форму. Готово: теперь вы естественны и элегантны)
У такого положения тела даже есть свое искусствоведческое название: хиазм. Слышим хиазм — вспоминаем Трёх граций.
Откуда они взялись? Вы уже знаете, что гнев Зевса мог достигать земных масштабов. С тем же энтузиазмом он подходил к вопросам любви: от всяких богинь, полубогинь и смертных женщин было у него очень много детей. Нимфа Эвринома, например, родила от него трех дочерей — Аглаю (Великолепие), Евфросину (Радость) и Талию (Благополучие).
Их и назвали грациями, то есть богинями радости и красоты. Дамы сопровождали разные праздники и прекрасно там танцевали — особенно под плейлисты от Аполлона.
Сюжет легкий и игривый. Не узнать его сложно: грации не только стоят в хиазме, но и обычно кладут друг другу руки на плечи. Чаще всего одна из них находится к нам спиной. Тут художники, конечно, хитро придумали: и сами могли в полном объеме тренироваться в изображении обнаженного тела, и об удобстве зрителя позаботились)
Граций можно найти в мозаиках и фресках Помпей, древнеримских скульптурах. В изящном исполнении Боттичелли и Рафаэля в Эпоху Возрождения. В барокко — у Рубенса: правда, его героини похоже танцевали мало и диету не соблюдали)
Художники ХХ века сюжет пропускают через фильтр авторской манеры. Например, Робер Делоне растворяет богинь в геометрии на манер Сезанна, а Пикассо отходит от канона — в «Голубом периоде» разворачивает к нам третью грацию.
Угадали, фрагмент из какой картины Боттичелли я приложила?) А помните других героев из нее? Жду в комментариях 👇
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
♥️Амур и Психея
Эта история одна из самых популярных в искусстве и даст фору всем мелодрамам, что вы смотрели до этого)
Жила-была смертная девушка Психея. Настолько красивая, что поговаривали, будто сама Афродита с ней не сравнится. Как вы помните, боги не отличались большой бескорыстной любовью к людям. Что и говорить о богине с уязвленной самооценкой👀
В гневе Афродита отправила своего сына Амура к Психее — нужно было, чтобы она влюбилась в самого недостойного человека на земле. Амур прилетел, сам от Психеи голову потерял, задание не выполнил.
Вместо этого он стал вести двойную жизнь: красавицу похитил, поселил жить в замке и сам стал ее мужем. Правда, только по ночам)) Психея не должна была его видеть — Амур с нее даже слово взял оставить попытки его рассмотреть.
Ну и кто из нас смог бы так долго жить? Разумеется, Психея как-то ночью не выдержала, взяла подсвечник и увидела не монстра (как она себе надумала), а красавца. Засмотрелась, капнула воском на плечо спящему мужу. Тот проснулся, обиделся и… улетел к маме))
В итоге Психея пошла мириться к свекрови. Ну а та ручками потерла и давай ее изводить заданими: тут семена разбери, там золотую шерсть собери, а потом еще принеси мне волшебный крем в шкатулке из подземного мира — только лично от самой Персефоны! Штраф за невыполнение: смерть.
Наша героиня с синдромом отличницы все выполнила. Почти: в последний момент она открыла запретную шкатулку Персефоны (видимо ее ролевая модель — Пандора) и тут же уснула вечным сном. Угадайте, что спасло ее? Поцелуй Амура, конечно!
Хэппи-энд: свадьба среди богов, Психея выпивает волшебный нектар и дальше живут они бессмертно и счастливо (насколько это возможно в родстве с Афродитой😄).
Сюжет любили амбассадоры античности: художники Возрождения и классицизма. Особенно сильно — салонные академисты, которым нагота в искусстве была доступна только в «упаковке» героев мифов.
А теперь вопрос для внимательных: узнали сюжетные шаблоны, которые перекочевали в наши сказки? Какие?)
♥️Амур и Психея
Эта история одна из самых популярных в искусстве и даст фору всем мелодрамам, что вы смотрели до этого)
Жила-была смертная девушка Психея. Настолько красивая, что поговаривали, будто сама Афродита с ней не сравнится. Как вы помните, боги не отличались большой бескорыстной любовью к людям. Что и говорить о богине с уязвленной самооценкой
В гневе Афродита отправила своего сына Амура к Психее — нужно было, чтобы она влюбилась в самого недостойного человека на земле. Амур прилетел, сам от Психеи голову потерял, задание не выполнил.
Вместо этого он стал вести двойную жизнь: красавицу похитил, поселил жить в замке и сам стал ее мужем. Правда, только по ночам)) Психея не должна была его видеть — Амур с нее даже слово взял оставить попытки его рассмотреть.
Ну и кто из нас смог бы так долго жить? Разумеется, Психея как-то ночью не выдержала, взяла подсвечник и увидела не монстра (как она себе надумала), а красавца. Засмотрелась, капнула воском на плечо спящему мужу. Тот проснулся, обиделся и… улетел к маме))
В итоге Психея пошла мириться к свекрови. Ну а та ручками потерла и давай ее изводить заданими: тут семена разбери, там золотую шерсть собери, а потом еще принеси мне волшебный крем в шкатулке из подземного мира — только лично от самой Персефоны! Штраф за невыполнение: смерть.
Наша героиня с синдромом отличницы все выполнила. Почти: в последний момент она открыла запретную шкатулку Персефоны (видимо ее ролевая модель — Пандора) и тут же уснула вечным сном. Угадайте, что спасло ее? Поцелуй Амура, конечно!
Хэппи-энд: свадьба среди богов, Психея выпивает волшебный нектар и дальше живут они бессмертно и счастливо (насколько это возможно в родстве с Афродитой😄).
Сюжет любили амбассадоры античности: художники Возрождения и классицизма. Особенно сильно — салонные академисты, которым нагота в искусстве была доступна только в «упаковке» героев мифов.
А теперь вопрос для внимательных: узнали сюжетные шаблоны, которые перекочевали в наши сказки? Какие?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
Пигмалион и его творение
В предыдущем посте мы с вами поняли, что Афродита со своей ролью свекрови справлялась так себе. Да и в целом управление гневом, видимо, было делом небогоугодным)) Поэтому вы не удивитесь, что «самая древняя женская профессия» — тоже ее рук дело.
История начинается с того, что критский скульптор Пигмалион видит как его согражданки пропоитиды ведут аморальный образ жизни. До этого они отказывались Афродиту богиней признавать, так и поплатились. Молодой человек разочаровывается, идет в мастерскую и из слоновой кости создает свою идеальную женщину.
А потом становится ей одержим: иногда ему мерещится, что скульптура жива, он её целует, притаскивает ей дорогие подарки. В общем, дело гиблое — надо было просить богов о помощи.
Пигмалион пришел на алтарь плакаться Афродите: «молюсь, чтобы жена моя была такой же, как моя статуя». Какое ТЗ, такой и результат: богиня прямо в изваяние жизнь и вдохнула. Все остались счастливы♥️
Что интересно: в античных источниках у скульптуры нет имени. Впервые Галатея в этой истории появляется только в 18 веке у Жан-Жака Руссо.
Сам же сюжет отражает важный древнегреческий принцип эстетики: мимесис — подражание природе, действительности. Эта погоня за правдоподобностью в искусстве даже стала навязчивой идеей. Например, Зевксис написал виноград настолько реалистично, что птицы пытались его клюнуть.
В целом историю можно интерпретировать широко: и как зеркало особой привязанности художника к своим работам, и как образ отношений ‘художник-муза’. Поэтому к ней так часто обращались. Особенно сюжет привлекал Жана-Леона Жерома: по теме он создал скульптуру и три живописных полотна.
И Дали. Думаю, ему нравилась здесь игра имен и смыслов — ведь для него Гала тоже была единственной, идеальной женщиной. Перед вами «Галатея со сферами» — работа относится к периоду, когда художник увлекался наукой и теорией атомного распада.
А о чем для вас эта история? Мне всегда так нравится читать ваши ответы🥰 Спасибо, что делитесь!
Пигмалион и его творение
В предыдущем посте мы с вами поняли, что Афродита со своей ролью свекрови справлялась так себе. Да и в целом управление гневом, видимо, было делом небогоугодным)) Поэтому вы не удивитесь, что «самая древняя женская профессия» — тоже ее рук дело.
История начинается с того, что критский скульптор Пигмалион видит как его согражданки пропоитиды ведут аморальный образ жизни. До этого они отказывались Афродиту богиней признавать, так и поплатились. Молодой человек разочаровывается, идет в мастерскую и из слоновой кости создает свою идеальную женщину.
А потом становится ей одержим: иногда ему мерещится, что скульптура жива, он её целует, притаскивает ей дорогие подарки. В общем, дело гиблое — надо было просить богов о помощи.
Пигмалион пришел на алтарь плакаться Афродите: «молюсь, чтобы жена моя была такой же, как моя статуя». Какое ТЗ, такой и результат: богиня прямо в изваяние жизнь и вдохнула. Все остались счастливы♥️
Что интересно: в античных источниках у скульптуры нет имени. Впервые Галатея в этой истории появляется только в 18 веке у Жан-Жака Руссо.
Сам же сюжет отражает важный древнегреческий принцип эстетики: мимесис — подражание природе, действительности. Эта погоня за правдоподобностью в искусстве даже стала навязчивой идеей. Например, Зевксис написал виноград настолько реалистично, что птицы пытались его клюнуть.
В целом историю можно интерпретировать широко: и как зеркало особой привязанности художника к своим работам, и как образ отношений ‘художник-муза’. Поэтому к ней так часто обращались. Особенно сюжет привлекал Жана-Леона Жерома: по теме он создал скульптуру и три живописных полотна.
И Дали. Думаю, ему нравилась здесь игра имен и смыслов — ведь для него Гала тоже была единственной, идеальной женщиной. Перед вами «Галатея со сферами» — работа относится к периоду, когда художник увлекался наукой и теорией атомного распада.
А о чем для вас эта история? Мне всегда так нравится читать ваши ответы🥰 Спасибо, что делитесь!
#сюжетнедели
Как Афродиту впервые раздели🤫
Сегодня мы совершим с вами мини-трип в Элладу, но для начала вспомним, что у древнегреческих женщин было два пути. Первый — стать порядочной дамой, то есть рано выйти замуж, родить детей, жить под опекой супруга. И не иметь при этом ни имущественных, ни политических прав.
Путь второй — стать гетерой. Вопреки распространенному заблуждению, это не синоним куртизанки (ладно, меценаты у них были, но они их сами выбирали). Это образованная женщина, которая живет независимо и занимается в основном искусством. Их часто приглашали на разные мероприятия.
Например, раз в год проходил праздник Афродиты, где гетеры активно участвовали: обнаженными стояли между колонн в портале святилища. Мимо в процессии часто проходили художники и скульпторы. Прокачивали насмотренность😄
По сути это был такой конкурс красоты, потому что в результате выбирали самую красивую гетеру, с которой устраивали перформанс. Ей нужно было эффектно выйти из воды — а-ля Афродита только что рожденная из пены.
И вот при таких обстоятельствах скульптор Пракситель потерял голову от гетеры Фрины. Она стала первой известной нам натурщицей. А благодаря ее красоте появились две мраморные статуи Афродиты: одетая и раздетая.
Изначально Праксителю заказали только одну для острова Кос, но он сделал на выбор. Раньше богиню никто обнаженной не изображал, так что заказчики решили Афродиту не гневать (это понятно, мы помним, какая она свекровь) — выбрали приличную версию (до нас не сохранилась).
А вот жители города Книд рискнули и купили вторую (до нас дошли копии). Ее поставили в открытой беседке с искусственным водоемом. Выглядело все так, будто Афродита сбрасывает одежды, чтобы вступить в свою стихию. Статуя имела грандиозный успех, город стал местом паломничества, резко разбогател. У ног обнаженной оставляли дощечки с признаниями в любви.
Правда, провокация не прошла незамеченной — поплатилась Фрина. Но об этом — в следующем посте👌
Устраиваем голосование: ♥️ — обнаженная версия Афродиты, 😱 — одетая!
Как Афродиту впервые раздели🤫
Сегодня мы совершим с вами мини-трип в Элладу, но для начала вспомним, что у древнегреческих женщин было два пути. Первый — стать порядочной дамой, то есть рано выйти замуж, родить детей, жить под опекой супруга. И не иметь при этом ни имущественных, ни политических прав.
Путь второй — стать гетерой. Вопреки распространенному заблуждению, это не синоним куртизанки (ладно, меценаты у них были, но они их сами выбирали). Это образованная женщина, которая живет независимо и занимается в основном искусством. Их часто приглашали на разные мероприятия.
Например, раз в год проходил праздник Афродиты, где гетеры активно участвовали: обнаженными стояли между колонн в портале святилища. Мимо в процессии часто проходили художники и скульпторы. Прокачивали насмотренность😄
По сути это был такой конкурс красоты, потому что в результате выбирали самую красивую гетеру, с которой устраивали перформанс. Ей нужно было эффектно выйти из воды — а-ля Афродита только что рожденная из пены.
И вот при таких обстоятельствах скульптор Пракситель потерял голову от гетеры Фрины. Она стала первой известной нам натурщицей. А благодаря ее красоте появились две мраморные статуи Афродиты: одетая и раздетая.
Изначально Праксителю заказали только одну для острова Кос, но он сделал на выбор. Раньше богиню никто обнаженной не изображал, так что заказчики решили Афродиту не гневать (это понятно, мы помним, какая она свекровь) — выбрали приличную версию (до нас не сохранилась).
А вот жители города Книд рискнули и купили вторую (до нас дошли копии). Ее поставили в открытой беседке с искусственным водоемом. Выглядело все так, будто Афродита сбрасывает одежды, чтобы вступить в свою стихию. Статуя имела грандиозный успех, город стал местом паломничества, резко разбогател. У ног обнаженной оставляли дощечки с признаниями в любви.
Правда, провокация не прошла незамеченной — поплатилась Фрина. Но об этом — в следующем посте👌
Устраиваем голосование: ♥️ — обнаженная версия Афродиты, 😱 — одетая!