Последнее время я много говорю про актуальные события арт-мира — это то, что меня сейчас особенно зажигает. Но любовь к классическому искусству всегда со мной. Возвращаю эту тему из тени и знаю, что многие по ней тоже соскучились. Если вы среди них — ставьте ❤️, посмотрю сколько вас
В новой рубрике #сюжетнедели мы с вами будем разбирать «вечные темы», которые из века в век мигрируют по полотнам художников👌
Сегодня расскажу, почему в истории искусства художники повально пишут купающихся женщин.
Корни этой традиции — в Древней Греции. Там купание считалось важным ритуалом очищения и было обычным сюжетом вазописи. А в I веке Овидий в «Метаморфозах» пересказал миф об Актеоне, который увидел, как богиня Диана купается в окружении нимф. В наказание его превратили в оленя.
Эту историю подхватили и сделали популярной художники Возрождения. Больше всего их интересовал не финал, где обращенного Актеона убивают его же собаки, а момент купания. Ну еще бы: такой роскошный легальный повод написать нескольких обнаженных дам!
Помним, что нагота долго считалась приемлемой только на картинах с античными сюжетами. Жесткие рамки этого правила раскачали французские художники XVIII-XIX веков. Но до скандала все довел Курбе.
На Парижском салоне 1853 года его «Купальщиц» накрыло лавиной хейта: морали нет, формы девушек «отвратительно вульгарны» и…ноги у них грязные! И правда, ну какие нимфы с черными ступнями!?
С этого момента сюжет освободился от связи с мифом. Потом пришли импрессионисты, новое искусство, а в домах появилась проточная вода. То есть купание из коллективного действия (в банях и водоемах) становилось делом все более интимным.
Эту трансформацию «вечного сюжета» очень точно отразил Дега. Он написал целую серию новых купальщиц в ваннах. И самое главное: художник усилил эффект, который зритель ощущает, смотря на сюжет. Публика подсматривает! И теперь им не стыдно — в оленя не превратят и цензуре не подвергнут 😁
Как вам рубрика? Оставляем?)
В новой рубрике #сюжетнедели мы с вами будем разбирать «вечные темы», которые из века в век мигрируют по полотнам художников👌
Сегодня расскажу, почему в истории искусства художники повально пишут купающихся женщин.
Корни этой традиции — в Древней Греции. Там купание считалось важным ритуалом очищения и было обычным сюжетом вазописи. А в I веке Овидий в «Метаморфозах» пересказал миф об Актеоне, который увидел, как богиня Диана купается в окружении нимф. В наказание его превратили в оленя.
Эту историю подхватили и сделали популярной художники Возрождения. Больше всего их интересовал не финал, где обращенного Актеона убивают его же собаки, а момент купания. Ну еще бы: такой роскошный легальный повод написать нескольких обнаженных дам!
Помним, что нагота долго считалась приемлемой только на картинах с античными сюжетами. Жесткие рамки этого правила раскачали французские художники XVIII-XIX веков. Но до скандала все довел Курбе.
На Парижском салоне 1853 года его «Купальщиц» накрыло лавиной хейта: морали нет, формы девушек «отвратительно вульгарны» и…ноги у них грязные! И правда, ну какие нимфы с черными ступнями!?
С этого момента сюжет освободился от связи с мифом. Потом пришли импрессионисты, новое искусство, а в домах появилась проточная вода. То есть купание из коллективного действия (в банях и водоемах) становилось делом все более интимным.
Эту трансформацию «вечного сюжета» очень точно отразил Дега. Он написал целую серию новых купальщиц в ваннах. И самое главное: художник усилил эффект, который зритель ощущает, смотря на сюжет. Публика подсматривает! И теперь им не стыдно — в оленя не превратят и цензуре не подвергнут 😁
Как вам рубрика? Оставляем?)
Рубрике #сюжетнедели быть! Вы поддержали ее на прошлой неделе.
Ставьте ❤️, если ждете по теме новых постов.
Сегодня поговорим о «Завтраке на траве».
Этот сюжет узнается легко, но не все знают, откуда он.
Все началось с Мане и его желания взбунтоваться против снобов-академистов. Надо признать, он делал это тонко👇
Художник взял два референса: фрагмент с картины Рафаэля «Суд Париса» и работу Джорджоне «Пасторальный концерт». Оба сюжета отсылают к мифологии — значит, мы уже помним, нагота на полотнах приемлема.
Но Мане над этим смеется: античных богов одевает в костюмы своих современников, а нимфе придает очевидное портретное сходство — с Луизой Меран, известной музой парижских живописцев по прозвищу Креветка🦐(из-за миниатюрного телосложения и рыжих волос).
И вот эти странные посиделки голой женщины и одетых мужчин на публике он пишет на огромном полотне. Кажется, ну и что? Но это была дерзость! В то время художники покупали холсты стандартных размеров. Выход за их рамки был претензией на некое заявление.
Ну и последний ироничный штрих: Мане выставил картину в 1863 году на Салоне Отверженных под названием«Купальщица»)) Она там есть — в центре полотна, одетая, приличная😁
Скандал разразился грандиозный! «Мне кажется, будто посреди улицы я встретил ватагу мальчишек, швыряющих камни в спину Эдуарду Мане…», — так описывает реакцию публики Эмиль Золя.
Новое имя картины, «Завтрак на траве», художник дал ей уже после. Мане и не подозревал, что потом его бунтарское полотно будут повторять десятки художников. Он не просто внес новое слово в искусство, а создал большой сюжет.
С конца ХIХ века художники обращаются к «Завтраку на траве» так же часто, как мастера Возрождения к «Данае». Сюжет по-новому осмыслили Моне, Сезанн, Ботеро.
Особенно «завтраком» был одержим Пикассо: между 1959 и 1962 годами он посвящает ему целую серию работ в живописи, графике, литографии, скульптуре и керамике.
Как думаете, почему именно эта картина Мане так зацепила его последователей?)
Ставьте ❤️, если ждете по теме новых постов.
Сегодня поговорим о «Завтраке на траве».
Этот сюжет узнается легко, но не все знают, откуда он.
Все началось с Мане и его желания взбунтоваться против снобов-академистов. Надо признать, он делал это тонко👇
Художник взял два референса: фрагмент с картины Рафаэля «Суд Париса» и работу Джорджоне «Пасторальный концерт». Оба сюжета отсылают к мифологии — значит, мы уже помним, нагота на полотнах приемлема.
Но Мане над этим смеется: античных богов одевает в костюмы своих современников, а нимфе придает очевидное портретное сходство — с Луизой Меран, известной музой парижских живописцев по прозвищу Креветка🦐(из-за миниатюрного телосложения и рыжих волос).
И вот эти странные посиделки голой женщины и одетых мужчин на публике он пишет на огромном полотне. Кажется, ну и что? Но это была дерзость! В то время художники покупали холсты стандартных размеров. Выход за их рамки был претензией на некое заявление.
Ну и последний ироничный штрих: Мане выставил картину в 1863 году на Салоне Отверженных под названием
Скандал разразился грандиозный! «Мне кажется, будто посреди улицы я встретил ватагу мальчишек, швыряющих камни в спину Эдуарду Мане…», — так описывает реакцию публики Эмиль Золя.
Новое имя картины, «Завтрак на траве», художник дал ей уже после. Мане и не подозревал, что потом его бунтарское полотно будут повторять десятки художников. Он не просто внес новое слово в искусство, а создал большой сюжет.
С конца ХIХ века художники обращаются к «Завтраку на траве» так же часто, как мастера Возрождения к «Данае». Сюжет по-новому осмыслили Моне, Сезанн, Ботеро.
Особенно «завтраком» был одержим Пикассо: между 1959 и 1962 годами он посвящает ему целую серию работ в живописи, графике, литографии, скульптуре и керамике.
Как думаете, почему именно эта картина Мане так зацепила его последователей?)
#сюжетнедели ждёт ваше ❤️
Сегодня — о Блудном сыне
Сюжет основан на Библейской притче (LK 15, 11-32), коротко напомню ее:
У отца было два сына, по просьбе младшего он отдал ему половину имения. Тот наследство собрал, из дома ушел и вскоре все прокутил. Наступил голодный сезон, а он — гол как сокол. Пришлось наняться пасти свиней, что по тем временам — участь вконец «скатившихся».Так настрадался герой наш, что решил вернуться в родные изобильные владения с покаянием. Отец встретил его, простил и сказал: «этот сын мой был мертв и ожил, пропадал и нашелся».
Эту историю художники особенно часто писали, начиная с позднего Средневековья до XVII века. Она отчетливо передавала их мироощущение, где земная жизнь — странствие человека от рождения до смерти.
Изображения сцены пути героя (как у Босха) или его распутств (как у ван Хонтхорста) — служили назиданию. Призывали в крайности не вдаваться, ловушек искушения на пути своем избегать. И напоминали, что самозабвенная радость конечна. Финальный же эпизод встречи отца и сына — о том, что каждый раскаявшийся будет прощен.
Сейчас будет самая интересная часть. О Рембрандте и самосбывающемся пророчестве)) Его автопортрет с женой Саскией называется «Блудный сын в таверне» — он был написан на пике его славы. Но художник будто чувствовал, что в его судьбе заложено своеобразное повторение библейской притчи.
В последний год жизни, когда он погряз в долгах, потерял единственного сына и был практически забыт современниками, Рембрандт создает свою версию «Возвращения блудного сына».
Будете в Эрмитаже — обязательно рассмотрите ступни молодого человека: Рембрандт писал их руками и мастихином! В мазках видны отпечатки пальцев художника.
🤎 Лучшей проповеди в истории искусства не было и не будет. Она о возвращение души к Богу. Картина показывает: мы можем найти спасение и любовь только если придем к Отцу в смирении, отбросив надменность – как маленькие дети.
Узнали фильм, кадр из которого я прикрепила? Как думаете, почему режиссер включил эту цитату?👇
Сегодня — о Блудном сыне
Сюжет основан на Библейской притче (LK 15, 11-32), коротко напомню ее:
У отца было два сына, по просьбе младшего он отдал ему половину имения. Тот наследство собрал, из дома ушел и вскоре все прокутил. Наступил голодный сезон, а он — гол как сокол. Пришлось наняться пасти свиней, что по тем временам — участь вконец «скатившихся».Так настрадался герой наш, что решил вернуться в родные изобильные владения с покаянием. Отец встретил его, простил и сказал: «этот сын мой был мертв и ожил, пропадал и нашелся».
Эту историю художники особенно часто писали, начиная с позднего Средневековья до XVII века. Она отчетливо передавала их мироощущение, где земная жизнь — странствие человека от рождения до смерти.
Изображения сцены пути героя (как у Босха) или его распутств (как у ван Хонтхорста) — служили назиданию. Призывали в крайности не вдаваться, ловушек искушения на пути своем избегать. И напоминали, что самозабвенная радость конечна. Финальный же эпизод встречи отца и сына — о том, что каждый раскаявшийся будет прощен.
Сейчас будет самая интересная часть. О Рембрандте и самосбывающемся пророчестве)) Его автопортрет с женой Саскией называется «Блудный сын в таверне» — он был написан на пике его славы. Но художник будто чувствовал, что в его судьбе заложено своеобразное повторение библейской притчи.
В последний год жизни, когда он погряз в долгах, потерял единственного сына и был практически забыт современниками, Рембрандт создает свою версию «Возвращения блудного сына».
Будете в Эрмитаже — обязательно рассмотрите ступни молодого человека: Рембрандт писал их руками и мастихином! В мазках видны отпечатки пальцев художника.
Узнали фильм, кадр из которого я прикрепила? Как думаете, почему режиссер включил эту цитату?👇
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
🐃 «Какой милый бычок!»
Примерно так отреагировала малазийская красавица Европа на слишком уж ласковое парнокопытное. И обманулась: животное на спину ее закинуло и утащило вплавь на Крит!
Правда, на острове выяснилось, что бык — это Зевс. Влюбленный Бог обратился, чтобы и от жены укрыться (Гера в гневе — дело страшное), и бдительность девушки усыпить.
Закончилось все тем, что она родила ему троих детей, а после вышла замуж за бездетного царя Крита. Зевс же в память о приключении начертал на небосводе созвездие тельца. C'est la vie🌌
Этим мифом Древние греки описали свое представление о зарождении цивилизации на Крите. В гомеровские времена Европой называлась территория Средней Греции, а позже это название перешло на весь материк.
Сюжет для художников вечный. Встречаем его, начиная с античных фресок, мозаик и вазописи. В Возрождение наиболее популярны — полотна Тициана и Веронезе, где обязательно есть амурчики, намекающие: скоро испуг Европы сменится любовью.
Не обошел «Похищение» и Рембрандт — его работа реалистичнее, строже. Действие античного мифа он помещает в характерный голландский пейзаж, а героиню одевает по современной моде. Следом за ним сюжет писали Буше, Гойя, всех не перечислить.
Остановиться я хочу на очень необычной вариации темы от Серова. Он написал ее в 1907 по следам путешествия на Крит, где археолог Эванс только-только открыл крито-микенскую культуру.
В этой картине Серов пересобирает восприятие мифа и собственную живописную технику. Если у старых мастеров Европа неизменно напугана, то здесь она изящно спокойна. Он пишет девушку нереалистично, собирает образ из множества зарисовок архаичных скульптур. Для него этот сюжет — метафора гармонии и красоты, которую нельзя похитить.
Серов уходит от академизма: в том как он работает с формой и цветом мы видим отголоски фовизма, техники Матисса. Это было настолько смело, что он так и не решился показать работу друзьям-художникам.
Чей вариант «Похищения Европы» вам больше по душе? Почему?❤️
🐃 «Какой милый бычок!»
Примерно так отреагировала малазийская красавица Европа на слишком уж ласковое парнокопытное. И обманулась: животное на спину ее закинуло и утащило вплавь на Крит!
Правда, на острове выяснилось, что бык — это Зевс. Влюбленный Бог обратился, чтобы и от жены укрыться (Гера в гневе — дело страшное), и бдительность девушки усыпить.
Закончилось все тем, что она родила ему троих детей, а после вышла замуж за бездетного царя Крита. Зевс же в память о приключении начертал на небосводе созвездие тельца. C'est la vie🌌
Этим мифом Древние греки описали свое представление о зарождении цивилизации на Крите. В гомеровские времена Европой называлась территория Средней Греции, а позже это название перешло на весь материк.
Сюжет для художников вечный. Встречаем его, начиная с античных фресок, мозаик и вазописи. В Возрождение наиболее популярны — полотна Тициана и Веронезе, где обязательно есть амурчики, намекающие: скоро испуг Европы сменится любовью.
Не обошел «Похищение» и Рембрандт — его работа реалистичнее, строже. Действие античного мифа он помещает в характерный голландский пейзаж, а героиню одевает по современной моде. Следом за ним сюжет писали Буше, Гойя, всех не перечислить.
Остановиться я хочу на очень необычной вариации темы от Серова. Он написал ее в 1907 по следам путешествия на Крит, где археолог Эванс только-только открыл крито-микенскую культуру.
В этой картине Серов пересобирает восприятие мифа и собственную живописную технику. Если у старых мастеров Европа неизменно напугана, то здесь она изящно спокойна. Он пишет девушку нереалистично, собирает образ из множества зарисовок архаичных скульптур. Для него этот сюжет — метафора гармонии и красоты, которую нельзя похитить.
Серов уходит от академизма: в том как он работает с формой и цветом мы видим отголоски фовизма, техники Матисса. Это было настолько смело, что он так и не решился показать работу друзьям-художникам.
Чей вариант «Похищения Европы» вам больше по душе? Почему?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
🧽Чистый четверг
Главное, что нужно знать об этом дне: он, как и каждый день последней недели Великого поста (Страстной седмицы), посвящен воспоминаниям о последних днях пребывания на земле Иисуса Христа. В религиозной традиции их называют Великими или Страстными. Поэтому правильное название этого дня — Великий четверг.
В четверг вспоминают Тайную Вечерю, когда Иисус установил таинство причастия и омыл ноги апостолов, показав им пример истинного смирения и служения ближнему.
Но особенное стремление к чистоте в этот день связано еще и с тем, что в раннехристианские времена крестили в Страстную субботу, накануне Пасхи. К этому дню должны быть очищены и пространство вокруг, и, конечно, душа.
Если вы в эти выходные, как и прекрасные героини с картин Пименова, моете окна и расхламляете дом — предлагаю фоном порадовать душу искусством🤍 Сегодня в нашем Майском канале искусствовед Академии OP-POP-ART Анастасия Егорова увлекательно рассказывает о художниках и дачах!
👉Доступ к каналу ЗДЕСЬ
Во время этого эфира вы перенесетесь из города в приятный пригород, вдохнете свежего воздуха и узнаете, чем аристократы развлекали себя на загородных участках)
🧽Чистый четверг
Главное, что нужно знать об этом дне: он, как и каждый день последней недели Великого поста (Страстной седмицы), посвящен воспоминаниям о последних днях пребывания на земле Иисуса Христа. В религиозной традиции их называют Великими или Страстными. Поэтому правильное название этого дня — Великий четверг.
В четверг вспоминают Тайную Вечерю, когда Иисус установил таинство причастия и омыл ноги апостолов, показав им пример истинного смирения и служения ближнему.
Но особенное стремление к чистоте в этот день связано еще и с тем, что в раннехристианские времена крестили в Страстную субботу, накануне Пасхи. К этому дню должны быть очищены и пространство вокруг, и, конечно, душа.
Если вы в эти выходные, как и прекрасные героини с картин Пименова, моете окна и расхламляете дом — предлагаю фоном порадовать душу искусством🤍 Сегодня в нашем Майском канале искусствовед Академии OP-POP-ART Анастасия Егорова увлекательно рассказывает о художниках и дачах!
👉Доступ к каналу ЗДЕСЬ
Во время этого эфира вы перенесетесь из города в приятный пригород, вдохнете свежего воздуха и узнаете, чем аристократы развлекали себя на загородных участках)
#сюжетнедели
🫧Человек есть мыльный пузырь
Расскажу сегодня о жанре Vanitas.
Или натюрмортах эпохи Барокко, символизирующих бренность жизни земной. Больше всего они были распространены в Нидерландах и Фландрии. Те, кто был на моем эфире в феврале, в этой теме уже знатоки. Вы здесь? Жду ваши❤️
Любая работа в жанре ванитас — это всегда текст, как в прямом смысле (книжные страницы часто появляются на холстах), так и в символическом. Образованные люди эпохи могли расшифровать его.
Поэтому эти натюрморты называют «учеными»📖 : их родина — университетский город Лейден. Среди зажиточных горожан считалось престижным иметь дома философскую картину: это давало понять, что в доме обитает интеллигентный человек.
Эти натюрморты с черепами — еще и знак изменения мировоззрения, который происходил на сломе эпох. Протестантизм обращал большое внимание на личную ответственность за грехи. А кальвинизм, центром которого и был Лейден, особенно предостерегал от тщеславия, напоминал о бренности существования.
Главный символ в ванитас —💀 . С одной стороны, он очевидно отсылает нас к смерти. С другой — вспоминаем Адамову голову, знак воскресения и вечной жизни.
Но и в других предметах в ванитас есть общий подтекст о «суете сует»:
Хрупкость жизни человеческой. Догорающая свеча, мыльные пузыри, отсылающие к латинскому выражению homo bulla («человек есть мыльный пузырь») и любые пустые емкости.
Неумолимое течение времени. Часы, руины, всё потрепанное и тронутое тлением.
Тщетность власти и богатства. Тиары, короны, горы драгоценностей.
Эфемерность удовольствий. Увядающие цветы и гниющие фрукты, украшения. У каждого чувства был собственный символ: слух, например, олицетворяли музыкальные инструменты, а вкус — еда.
Меланхолия от учености. Карты, книги, предметы для письма. Эта группа символов самая жизнеутверждающая — воплощает идею творческого бессмертия. Человек продолжается в том, что он создал🙏
Если бы вы заказывали для себя такой натюрморт, то что бы попросили изобразить художника?))
🫧Человек есть мыльный пузырь
Расскажу сегодня о жанре Vanitas.
Или натюрмортах эпохи Барокко, символизирующих бренность жизни земной. Больше всего они были распространены в Нидерландах и Фландрии. Те, кто был на моем эфире в феврале, в этой теме уже знатоки. Вы здесь? Жду ваши
Любая работа в жанре ванитас — это всегда текст, как в прямом смысле (книжные страницы часто появляются на холстах), так и в символическом. Образованные люди эпохи могли расшифровать его.
Поэтому эти натюрморты называют «учеными»
Эти натюрморты с черепами — еще и знак изменения мировоззрения, который происходил на сломе эпох. Протестантизм обращал большое внимание на личную ответственность за грехи. А кальвинизм, центром которого и был Лейден, особенно предостерегал от тщеславия, напоминал о бренности существования.
Главный символ в ванитас —
Но и в других предметах в ванитас есть общий подтекст о «суете сует»:
Хрупкость жизни человеческой. Догорающая свеча, мыльные пузыри, отсылающие к латинскому выражению homo bulla («человек есть мыльный пузырь») и любые пустые емкости.
Неумолимое течение времени. Часы, руины, всё потрепанное и тронутое тлением.
Тщетность власти и богатства. Тиары, короны, горы драгоценностей.
Эфемерность удовольствий. Увядающие цветы и гниющие фрукты, украшения. У каждого чувства был собственный символ: слух, например, олицетворяли музыкальные инструменты, а вкус — еда.
Меланхолия от учености. Карты, книги, предметы для письма. Эта группа символов самая жизнеутверждающая — воплощает идею творческого бессмертия. Человек продолжается в том, что он создал
Если бы вы заказывали для себя такой натюрморт, то что бы попросили изобразить художника?))
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
👼 Икар и отец его Дедал
Миф брали из «Метаморфоз» Овидия. Коротко напомню его:
Дедал и сын его Икар решают спастись из плена царя Миноса, заточения на Крите. Изобретательный отец создает из перьев крылья, укрепляет их воском и наставляет сына: не летай близко к солнцу — расплавятся. Тот, конечно, не слушается мудрого предка. Самонадеянно взлетает к лучам, воск тает, Икар падает.
К сюжету обращалось много художников, но мы с вами сегодня рассмотрим самую необычную иллюстрацию от Брейгеля. Считается, что до нас дошла копия его утраченного полотна. Вот, что в нем особенного👇
Главная тема спрятана. Если коллеги по цеху традиционно писали в небе летящую и падающую фигуру, то у Брейгеля небо чисто, а чтобы отыскать Икара — нужно постараться. Главному сюжету он отводит крохотный уголок: оставляет в воде торчащие ноги мальчика и немного перьев поблизости.
Персонажи ведут себя странно. У Овидия рыбак, пастух и пахарь увидели происходящее, остолбенели и приняли летящих существ за богов. Брейгель отворачивает их от трагедии — они не видят, что человек тонет! 😳Корабль уплывает в противоположную от Икара сторону, другие тоже своими делами заняты.
Мораль истории становится шире. Миф говорит нам о том, что нарушение правил мудрых приводит к гибели. Брейгель добавляет сюда очень важную для него, особенно в дальнейшем, тему — о страдании, которое проходит незаметно для окружающих.
Она емко умещается в нидерландскую поговорку «Ни один плуг не остановится, пока кто-то умирает». Некоторые исследователи считают, что в этой работе Брейгель как раз ее и обыгрывает.
Есть еще одна деталь— видите птицу недалеко от ног? Похоже она единственная, кто к трагедии неравнодушен. А рад ей! Эта куропатка — племянник Дедала, которого тот однажды решил скинуть со скалы из-за зависти к его талантам. Его теперешний вид — результат спасения от Афины (времени думать не было, как успела 🤷). Так в историю вплетается мотив справедливости.
А на какие размышления наводит вас эта картина?
Миф брали из «Метаморфоз» Овидия. Коротко напомню его:
Дедал и сын его Икар решают спастись из плена царя Миноса, заточения на Крите. Изобретательный отец создает из перьев крылья, укрепляет их воском и наставляет сына: не летай близко к солнцу — расплавятся. Тот, конечно, не слушается мудрого предка. Самонадеянно взлетает к лучам, воск тает, Икар падает.
К сюжету обращалось много художников, но мы с вами сегодня рассмотрим самую необычную иллюстрацию от Брейгеля. Считается, что до нас дошла копия его утраченного полотна. Вот, что в нем особенного👇
Главная тема спрятана. Если коллеги по цеху традиционно писали в небе летящую и падающую фигуру, то у Брейгеля небо чисто, а чтобы отыскать Икара — нужно постараться. Главному сюжету он отводит крохотный уголок: оставляет в воде торчащие ноги мальчика и немного перьев поблизости.
Персонажи ведут себя странно. У Овидия рыбак, пастух и пахарь увидели происходящее, остолбенели и приняли летящих существ за богов. Брейгель отворачивает их от трагедии — они не видят, что человек тонет! 😳Корабль уплывает в противоположную от Икара сторону, другие тоже своими делами заняты.
Мораль истории становится шире. Миф говорит нам о том, что нарушение правил мудрых приводит к гибели. Брейгель добавляет сюда очень важную для него, особенно в дальнейшем, тему — о страдании, которое проходит незаметно для окружающих.
Она емко умещается в нидерландскую поговорку «Ни один плуг не остановится, пока кто-то умирает». Некоторые исследователи считают, что в этой работе Брейгель как раз ее и обыгрывает.
Есть еще одна деталь— видите птицу недалеко от ног? Похоже она единственная, кто к трагедии неравнодушен. А рад ей! Эта куропатка — племянник Дедала, которого тот однажды решил скинуть со скалы из-за зависти к его талантам. Его теперешний вид — результат спасения от Афины (времени думать не было, как успела 🤷). Так в историю вплетается мотив справедливости.
А на какие размышления наводит вас эта картина?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
В День защиты детей вспомним, что не всегда они были причиной для умиления и залипания в рилс😄 Само понятие детства в нашем привычном понимании стало оформляться только к 17-18 векам.
А на протяжении всего Средневековья и частично в Возрождение младенцев изображали как мини-версии взрослых. Крепеньких, иногда с залысинами или даже морщинками.
В одном посте не уместить все причины этого феномена, расскажу про одну. Запоминаем искусствоведческий термин: гомункулярность👌
Понятие «гомункул» — маленький человечек — появилось в XIII веке, когда испанский алхимик Арнольд из Виллановы якобы вырастил крошечного, но уже полностью сформированного человека прямо в колбе.
Догадываетесь? В искусствоведении под гомункулярностью как раз понимают вот такие странноватые изображения Иисуса. Считалось, что он уже родился взрослым, хоть и маленьким по размеру, так что изображать его как ничего не понимающего младенца было кощунством.
Предлагаю порадоваться, что мы не в Средневековье, а наши дети спокойно могут проживать один из самых беззаботных периодов жизни согласно возрасту🤍
В День защиты детей вспомним, что не всегда они были причиной для умиления и залипания в рилс😄 Само понятие детства в нашем привычном понимании стало оформляться только к 17-18 векам.
А на протяжении всего Средневековья и частично в Возрождение младенцев изображали как мини-версии взрослых. Крепеньких, иногда с залысинами или даже морщинками.
В одном посте не уместить все причины этого феномена, расскажу про одну. Запоминаем искусствоведческий термин: гомункулярность👌
Понятие «гомункул» — маленький человечек — появилось в XIII веке, когда испанский алхимик Арнольд из Виллановы якобы вырастил крошечного, но уже полностью сформированного человека прямо в колбе.
Догадываетесь? В искусствоведении под гомункулярностью как раз понимают вот такие странноватые изображения Иисуса. Считалось, что он уже родился взрослым, хоть и маленьким по размеру, так что изображать его как ничего не понимающего младенца было кощунством.
Предлагаю порадоваться, что мы не в Средневековье, а наши дети спокойно могут проживать один из самых беззаботных периодов жизни согласно возрасту🤍
#сюжетнедели
Поговорим сегодня о первой смертной женщине по версии древнегреческих мифов — Пандоре📦
Появляется она в поэме Гесиода «Труды и дни», перескажу вам эту историю:
Альтруист Прометей решил помочь людям жить свою лучшую жизнь: украл для них огонь у богов, научил писать-читать, строить, лечить и далее по списку. И вроде бы что плохого то? Но Зевс такую щедрость не оценил (не согласовано!) и поручил орлу ежедневно выклевывать у титана печенку (та ночью отрастала по-новой)🙈
Люди, то есть мужчины, тоже попали под раздачу — их наказанием стала женщина. И не абы какая: лепил ее Гефес, Афродита подобрала ей стильный лук, женскую энергию прокачала она с Афродитой, а Гермес наделил ее мудростью и изворотливостью. Назвали Пандорой, что в переводе — всем одаренная.
Это великолепие во плоти выдали замуж за брата Прометея. Дальше есть две версии: по одной — тот самый ящик подарили ей боги на свадьбу; по другой — он уже стоял дома у супруга. В любом случае Пандоре категорически сказали его не открывать!
Но мы то знаем, что Гермес постарался над характером нашей героини. Ящик она открыла и так выпустила к людям всевозможные несчастия. На дне осталась только надежда, чтобы поддерживать их в бесконечной борьбе со злом 🤷 Как-то Зевс переборщил, вам не кажется?))
Сюжет особенно часто появляется в работах художников прерафаэлитов. А вот Данте Габриель Россетти в картине «Пандора» не только берет за основу миф, но и намекает им на личный подтекст.
Однажды он тоже открыл ящик, который принято держать закрытым — решился вскрыть могилу жены, чтобы достать из ее гроба рукописи со своими поэмами, которые сам туда ранее и положил.
Как думаете, почему Зевс решил так серьезно наказать людей? Для баланса добра и зла или чтобы новые умения не простаивали? Жду ваши версии))
Поговорим сегодня о первой смертной женщине по версии древнегреческих мифов — Пандоре📦
Появляется она в поэме Гесиода «Труды и дни», перескажу вам эту историю:
Альтруист Прометей решил помочь людям жить свою лучшую жизнь: украл для них огонь у богов, научил писать-читать, строить, лечить и далее по списку. И вроде бы что плохого то? Но Зевс такую щедрость не оценил (не согласовано!) и поручил орлу ежедневно выклевывать у титана печенку (та ночью отрастала по-новой)🙈
Люди, то есть мужчины, тоже попали под раздачу — их наказанием стала женщина. И не абы какая: лепил ее Гефес, Афродита подобрала ей стильный лук, женскую энергию прокачала она с Афродитой, а Гермес наделил ее мудростью и изворотливостью. Назвали Пандорой, что в переводе — всем одаренная.
Это великолепие во плоти выдали замуж за брата Прометея. Дальше есть две версии: по одной — тот самый ящик подарили ей боги на свадьбу; по другой — он уже стоял дома у супруга. В любом случае Пандоре категорически сказали его не открывать!
Но мы то знаем, что Гермес постарался над характером нашей героини. Ящик она открыла и так выпустила к людям всевозможные несчастия. На дне осталась только надежда, чтобы поддерживать их в бесконечной борьбе со злом 🤷 Как-то Зевс переборщил, вам не кажется?))
Сюжет особенно часто появляется в работах художников прерафаэлитов. А вот Данте Габриель Россетти в картине «Пандора» не только берет за основу миф, но и намекает им на личный подтекст.
Однажды он тоже открыл ящик, который принято держать закрытым — решился вскрыть могилу жены, чтобы достать из ее гроба рукописи со своими поэмами, которые сам туда ранее и положил.
Как думаете, почему Зевс решил так серьезно наказать людей? Для баланса добра и зла или чтобы новые умения не простаивали? Жду ваши версии))
#сюжетнедели
Нарцисс и Эхо
Вспомним, откуда взялось имя для тех, кто сейчас — красный флаг для отношений😄🚩
Действующие лица:
Нарцисс — сын бога и нимфы, выигравший в генетической лотерее. Так он был красив: везде притягивал взгляды, собирал вокруг себя облако из охов и обмороков дам.
Еще в детстве родители его заподозрили неладное. И пошли кцыганке оракулу. Тот рукой махнул: мол, проживет Нарцисс долго, только пусть сам на себя не смотрит. А ему и не надо было: наш герой жил с четким ощущением — любви достоин только он. «Я — ок, вы — не ок».
Эхо — нимфа. Раньше была она болтушкой невозможной. За то и поплатилась: каждый раз, когда Гера пыталась поймать своего муженька Зевса за изменой, Эхо внезапно появлялась и подсаживалась ей на ухо. Богиня это терпеть не стала, нимфу прокляла — с тех пор та могла только повторять за другими.
А теперь драма:
Встреча происходит в лесу. Эхо видит Нарцисса, мгновенно влюбляется, кидается к нему в объятия. Только они не случаются — молодой человек обдает ее холодом, отвергает и бросает вдогонку: никто не достоин касаться меня!
Дальше сплошные смерти от любви: Эхо от помешательства на Нарциссе погибает в одиночестве, оставив свой голос в холмах. Нарцисс влюбляется в свое отражение в реке. Не в силах уйти, он умирает на полянке, превратившись в одноименный цветок🤩
Вы скажете: предупредили же — на себя не смотреть! Это так Немезида, богиня мести, из женской солидарности к Эхо постаралась))
Изображения сюжета дошли до нас самые ранние: даже в Помпеях неплохо сохранилась одна фреска. Затем его писали множество художников — сообразно эпохе и манере. Мне особенно нравятся: вырванный фирменным «погребным светом», «Нарцисс» Караваджо и идеализированная сцена от прерафаэлита Уотерхауса.
Сальвадор Дали видел в герое себя, а свою картину «Метаморфозы Нарцисса» возил в Лондон на встречу с Зигмундом Фрейдом, который и ввёл термин «нарциссизм» в психоанализ.
А о чем для вас этот сюжет? Согласны с мнением, что сейчас мы живем в эпоху нарциссизма?)
Нарцисс и Эхо
Вспомним, откуда взялось имя для тех, кто сейчас — красный флаг для отношений😄🚩
Действующие лица:
Нарцисс — сын бога и нимфы, выигравший в генетической лотерее. Так он был красив: везде притягивал взгляды, собирал вокруг себя облако из охов и обмороков дам.
Еще в детстве родители его заподозрили неладное. И пошли к
Эхо — нимфа. Раньше была она болтушкой невозможной. За то и поплатилась: каждый раз, когда Гера пыталась поймать своего муженька Зевса за изменой, Эхо внезапно появлялась и подсаживалась ей на ухо. Богиня это терпеть не стала, нимфу прокляла — с тех пор та могла только повторять за другими.
А теперь драма:
Встреча происходит в лесу. Эхо видит Нарцисса, мгновенно влюбляется, кидается к нему в объятия. Только они не случаются — молодой человек обдает ее холодом, отвергает и бросает вдогонку: никто не достоин касаться меня!
Дальше сплошные смерти от любви: Эхо от помешательства на Нарциссе погибает в одиночестве, оставив свой голос в холмах. Нарцисс влюбляется в свое отражение в реке. Не в силах уйти, он умирает на полянке, превратившись в одноименный цветок
Вы скажете: предупредили же — на себя не смотреть! Это так Немезида, богиня мести, из женской солидарности к Эхо постаралась))
Изображения сюжета дошли до нас самые ранние: даже в Помпеях неплохо сохранилась одна фреска. Затем его писали множество художников — сообразно эпохе и манере. Мне особенно нравятся: вырванный фирменным «погребным светом», «Нарцисс» Караваджо и идеализированная сцена от прерафаэлита Уотерхауса.
Сальвадор Дали видел в герое себя, а свою картину «Метаморфозы Нарцисса» возил в Лондон на встречу с Зигмундом Фрейдом, который и ввёл термин «нарциссизм» в психоанализ.
А о чем для вас этот сюжет? Согласны с мнением, что сейчас мы живем в эпоху нарциссизма?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
«Ножкой эть!» делали еще в античности💃
Держите урок позинга от древнегреческих красавиц: опираетесь на одну ногу, в её сторону наклоняете плечо и изгибаете туловище — так, чтобы ваш силуэт принял S-образную форму. Готово: теперь вы естественны и элегантны)
У такого положения тела даже есть свое искусствоведческое название: хиазм. Слышим хиазм — вспоминаем Трёх граций.
Откуда они взялись? Вы уже знаете, что гнев Зевса мог достигать земных масштабов. С тем же энтузиазмом он подходил к вопросам любви: от всяких богинь, полубогинь и смертных женщин было у него очень много детей. Нимфа Эвринома, например, родила от него трех дочерей — Аглаю (Великолепие), Евфросину (Радость) и Талию (Благополучие).
Их и назвали грациями, то есть богинями радости и красоты. Дамы сопровождали разные праздники и прекрасно там танцевали — особенно под плейлисты от Аполлона.
Сюжет легкий и игривый. Не узнать его сложно: грации не только стоят в хиазме, но и обычно кладут друг другу руки на плечи. Чаще всего одна из них находится к нам спиной. Тут художники, конечно, хитро придумали: и сами могли в полном объеме тренироваться в изображении обнаженного тела, и об удобстве зрителя позаботились)
Граций можно найти в мозаиках и фресках Помпей, древнеримских скульптурах. В изящном исполнении Боттичелли и Рафаэля в Эпоху Возрождения. В барокко — у Рубенса: правда, его героини похоже танцевали мало и диету не соблюдали)
Художники ХХ века сюжет пропускают через фильтр авторской манеры. Например, Робер Делоне растворяет богинь в геометрии на манер Сезанна, а Пикассо отходит от канона — в «Голубом периоде» разворачивает к нам третью грацию.
Угадали, фрагмент из какой картины Боттичелли я приложила?) А помните других героев из нее? Жду в комментариях 👇
«Ножкой эть!» делали еще в античности
Держите урок позинга от древнегреческих красавиц: опираетесь на одну ногу, в её сторону наклоняете плечо и изгибаете туловище — так, чтобы ваш силуэт принял S-образную форму. Готово: теперь вы естественны и элегантны)
У такого положения тела даже есть свое искусствоведческое название: хиазм. Слышим хиазм — вспоминаем Трёх граций.
Откуда они взялись? Вы уже знаете, что гнев Зевса мог достигать земных масштабов. С тем же энтузиазмом он подходил к вопросам любви: от всяких богинь, полубогинь и смертных женщин было у него очень много детей. Нимфа Эвринома, например, родила от него трех дочерей — Аглаю (Великолепие), Евфросину (Радость) и Талию (Благополучие).
Их и назвали грациями, то есть богинями радости и красоты. Дамы сопровождали разные праздники и прекрасно там танцевали — особенно под плейлисты от Аполлона.
Сюжет легкий и игривый. Не узнать его сложно: грации не только стоят в хиазме, но и обычно кладут друг другу руки на плечи. Чаще всего одна из них находится к нам спиной. Тут художники, конечно, хитро придумали: и сами могли в полном объеме тренироваться в изображении обнаженного тела, и об удобстве зрителя позаботились)
Граций можно найти в мозаиках и фресках Помпей, древнеримских скульптурах. В изящном исполнении Боттичелли и Рафаэля в Эпоху Возрождения. В барокко — у Рубенса: правда, его героини похоже танцевали мало и диету не соблюдали)
Художники ХХ века сюжет пропускают через фильтр авторской манеры. Например, Робер Делоне растворяет богинь в геометрии на манер Сезанна, а Пикассо отходит от канона — в «Голубом периоде» разворачивает к нам третью грацию.
Угадали, фрагмент из какой картины Боттичелли я приложила?) А помните других героев из нее? Жду в комментариях 👇
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
♥️Амур и Психея
Эта история одна из самых популярных в искусстве и даст фору всем мелодрамам, что вы смотрели до этого)
Жила-была смертная девушка Психея. Настолько красивая, что поговаривали, будто сама Афродита с ней не сравнится. Как вы помните, боги не отличались большой бескорыстной любовью к людям. Что и говорить о богине с уязвленной самооценкой👀
В гневе Афродита отправила своего сына Амура к Психее — нужно было, чтобы она влюбилась в самого недостойного человека на земле. Амур прилетел, сам от Психеи голову потерял, задание не выполнил.
Вместо этого он стал вести двойную жизнь: красавицу похитил, поселил жить в замке и сам стал ее мужем. Правда, только по ночам)) Психея не должна была его видеть — Амур с нее даже слово взял оставить попытки его рассмотреть.
Ну и кто из нас смог бы так долго жить? Разумеется, Психея как-то ночью не выдержала, взяла подсвечник и увидела не монстра (как она себе надумала), а красавца. Засмотрелась, капнула воском на плечо спящему мужу. Тот проснулся, обиделся и… улетел к маме))
В итоге Психея пошла мириться к свекрови. Ну а та ручками потерла и давай ее изводить заданими: тут семена разбери, там золотую шерсть собери, а потом еще принеси мне волшебный крем в шкатулке из подземного мира — только лично от самой Персефоны! Штраф за невыполнение: смерть.
Наша героиня с синдромом отличницы все выполнила. Почти: в последний момент она открыла запретную шкатулку Персефоны (видимо ее ролевая модель — Пандора) и тут же уснула вечным сном. Угадайте, что спасло ее? Поцелуй Амура, конечно!
Хэппи-энд: свадьба среди богов, Психея выпивает волшебный нектар и дальше живут они бессмертно и счастливо (насколько это возможно в родстве с Афродитой😄).
Сюжет любили амбассадоры античности: художники Возрождения и классицизма. Особенно сильно — салонные академисты, которым нагота в искусстве была доступна только в «упаковке» героев мифов.
А теперь вопрос для внимательных: узнали сюжетные шаблоны, которые перекочевали в наши сказки? Какие?)
♥️Амур и Психея
Эта история одна из самых популярных в искусстве и даст фору всем мелодрамам, что вы смотрели до этого)
Жила-была смертная девушка Психея. Настолько красивая, что поговаривали, будто сама Афродита с ней не сравнится. Как вы помните, боги не отличались большой бескорыстной любовью к людям. Что и говорить о богине с уязвленной самооценкой
В гневе Афродита отправила своего сына Амура к Психее — нужно было, чтобы она влюбилась в самого недостойного человека на земле. Амур прилетел, сам от Психеи голову потерял, задание не выполнил.
Вместо этого он стал вести двойную жизнь: красавицу похитил, поселил жить в замке и сам стал ее мужем. Правда, только по ночам)) Психея не должна была его видеть — Амур с нее даже слово взял оставить попытки его рассмотреть.
Ну и кто из нас смог бы так долго жить? Разумеется, Психея как-то ночью не выдержала, взяла подсвечник и увидела не монстра (как она себе надумала), а красавца. Засмотрелась, капнула воском на плечо спящему мужу. Тот проснулся, обиделся и… улетел к маме))
В итоге Психея пошла мириться к свекрови. Ну а та ручками потерла и давай ее изводить заданими: тут семена разбери, там золотую шерсть собери, а потом еще принеси мне волшебный крем в шкатулке из подземного мира — только лично от самой Персефоны! Штраф за невыполнение: смерть.
Наша героиня с синдромом отличницы все выполнила. Почти: в последний момент она открыла запретную шкатулку Персефоны (видимо ее ролевая модель — Пандора) и тут же уснула вечным сном. Угадайте, что спасло ее? Поцелуй Амура, конечно!
Хэппи-энд: свадьба среди богов, Психея выпивает волшебный нектар и дальше живут они бессмертно и счастливо (насколько это возможно в родстве с Афродитой😄).
Сюжет любили амбассадоры античности: художники Возрождения и классицизма. Особенно сильно — салонные академисты, которым нагота в искусстве была доступна только в «упаковке» героев мифов.
А теперь вопрос для внимательных: узнали сюжетные шаблоны, которые перекочевали в наши сказки? Какие?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
Пигмалион и его творение
В предыдущем посте мы с вами поняли, что Афродита со своей ролью свекрови справлялась так себе. Да и в целом управление гневом, видимо, было делом небогоугодным)) Поэтому вы не удивитесь, что «самая древняя женская профессия» — тоже ее рук дело.
История начинается с того, что критский скульптор Пигмалион видит как его согражданки пропоитиды ведут аморальный образ жизни. До этого они отказывались Афродиту богиней признавать, так и поплатились. Молодой человек разочаровывается, идет в мастерскую и из слоновой кости создает свою идеальную женщину.
А потом становится ей одержим: иногда ему мерещится, что скульптура жива, он её целует, притаскивает ей дорогие подарки. В общем, дело гиблое — надо было просить богов о помощи.
Пигмалион пришел на алтарь плакаться Афродите: «молюсь, чтобы жена моя была такой же, как моя статуя». Какое ТЗ, такой и результат: богиня прямо в изваяние жизнь и вдохнула. Все остались счастливы♥️
Что интересно: в античных источниках у скульптуры нет имени. Впервые Галатея в этой истории появляется только в 18 веке у Жан-Жака Руссо.
Сам же сюжет отражает важный древнегреческий принцип эстетики: мимесис — подражание природе, действительности. Эта погоня за правдоподобностью в искусстве даже стала навязчивой идеей. Например, Зевксис написал виноград настолько реалистично, что птицы пытались его клюнуть.
В целом историю можно интерпретировать широко: и как зеркало особой привязанности художника к своим работам, и как образ отношений ‘художник-муза’. Поэтому к ней так часто обращались. Особенно сюжет привлекал Жана-Леона Жерома: по теме он создал скульптуру и три живописных полотна.
И Дали. Думаю, ему нравилась здесь игра имен и смыслов — ведь для него Гала тоже была единственной, идеальной женщиной. Перед вами «Галатея со сферами» — работа относится к периоду, когда художник увлекался наукой и теорией атомного распада.
А о чем для вас эта история? Мне всегда так нравится читать ваши ответы🥰 Спасибо, что делитесь!
Пигмалион и его творение
В предыдущем посте мы с вами поняли, что Афродита со своей ролью свекрови справлялась так себе. Да и в целом управление гневом, видимо, было делом небогоугодным)) Поэтому вы не удивитесь, что «самая древняя женская профессия» — тоже ее рук дело.
История начинается с того, что критский скульптор Пигмалион видит как его согражданки пропоитиды ведут аморальный образ жизни. До этого они отказывались Афродиту богиней признавать, так и поплатились. Молодой человек разочаровывается, идет в мастерскую и из слоновой кости создает свою идеальную женщину.
А потом становится ей одержим: иногда ему мерещится, что скульптура жива, он её целует, притаскивает ей дорогие подарки. В общем, дело гиблое — надо было просить богов о помощи.
Пигмалион пришел на алтарь плакаться Афродите: «молюсь, чтобы жена моя была такой же, как моя статуя». Какое ТЗ, такой и результат: богиня прямо в изваяние жизнь и вдохнула. Все остались счастливы♥️
Что интересно: в античных источниках у скульптуры нет имени. Впервые Галатея в этой истории появляется только в 18 веке у Жан-Жака Руссо.
Сам же сюжет отражает важный древнегреческий принцип эстетики: мимесис — подражание природе, действительности. Эта погоня за правдоподобностью в искусстве даже стала навязчивой идеей. Например, Зевксис написал виноград настолько реалистично, что птицы пытались его клюнуть.
В целом историю можно интерпретировать широко: и как зеркало особой привязанности художника к своим работам, и как образ отношений ‘художник-муза’. Поэтому к ней так часто обращались. Особенно сюжет привлекал Жана-Леона Жерома: по теме он создал скульптуру и три живописных полотна.
И Дали. Думаю, ему нравилась здесь игра имен и смыслов — ведь для него Гала тоже была единственной, идеальной женщиной. Перед вами «Галатея со сферами» — работа относится к периоду, когда художник увлекался наукой и теорией атомного распада.
А о чем для вас эта история? Мне всегда так нравится читать ваши ответы🥰 Спасибо, что делитесь!