#образовательные_вторники
В прошлый раз мы говорили о протокинетических объектах античности, XVI и XVIII вв., о первых опытах Дюшана. Попытки создать подвижные произведения искусства предпринимали также скульпторы -дадаисты и конструктивисты в 1930-е годы, но о кинетическом искусстве как отдельном направлении заговорили в 1955 году, когда в парижской галерее Дениз Рене прошла выставка «Движение», в которой приняли участие сегодня самые известные представители кинетизма: Жан Тэнгли со скульптурой «Мета-Малевич», Марсель Дюшан с «Вращающейся полусферой» и Александр Колдер с подвешенным под потолком мобилем.
Александра Колдера, также как Марселя Дюшана, относят к пионерам кинетизма. Он начал делать свои подвесные конструкции за 20 лет до того, как о кинетическом искусстве активно заговорили. Колдер уравновешивал элементы — шары или пластины, подвешивая их на тонких нитях и проволоке, они двигались от движения потоков воздуха.
На фото:
Экспозиция выставки в галерее Дениз Рене. Париж, 1955
Александр Колдер «Башня». 1952
Кинетические объекты современного автора можно увидеть на выставке Анастасии Крохалевой «Звуки тишины».
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота — 14:00–18:00
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporary art #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
В прошлый раз мы говорили о протокинетических объектах античности, XVI и XVIII вв., о первых опытах Дюшана. Попытки создать подвижные произведения искусства предпринимали также скульпторы -дадаисты и конструктивисты в 1930-е годы, но о кинетическом искусстве как отдельном направлении заговорили в 1955 году, когда в парижской галерее Дениз Рене прошла выставка «Движение», в которой приняли участие сегодня самые известные представители кинетизма: Жан Тэнгли со скульптурой «Мета-Малевич», Марсель Дюшан с «Вращающейся полусферой» и Александр Колдер с подвешенным под потолком мобилем.
Александра Колдера, также как Марселя Дюшана, относят к пионерам кинетизма. Он начал делать свои подвесные конструкции за 20 лет до того, как о кинетическом искусстве активно заговорили. Колдер уравновешивал элементы — шары или пластины, подвешивая их на тонких нитях и проволоке, они двигались от движения потоков воздуха.
На фото:
Экспозиция выставки в галерее Дениз Рене. Париж, 1955
Александр Колдер «Башня». 1952
Кинетические объекты современного автора можно увидеть на выставке Анастасии Крохалевой «Звуки тишины».
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота — 14:00–18:00
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporary art #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
#образовательные_вторники
В рамках проекта кинетических объектов Анастасии Крохалевой «Звуки тишины»* продолжаем рассказывать об истории кинетизма и художниках, работавших в этом виде искусстве.
Наравне с американцем Александром Колдером одним из ярчайших представителей европейского кинетического искусства стал швейцарский скульптор Жан Тэнгли.
Жан Тэнгли получил известность в 1950-е годы своими движущимися картинами Мета-Малевич и Мета-Кандинский и «рисующими» объектами Meta-Matic.
Следующим шагом стали его эпатирующие публику «саморазрушающиеся машины»: крупные ассамбляжи из моторов, колес, труб и разного металлического хлама, которые вновь превращались в кучу мусора в пламени взрывов и фейерверков.
Первая саморазрушающаяся скульптура Тэнгли Hommage to New York (1960) была представлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке и просуществовала 27 минут.
На фото:
1. Мета-Кандинский I, 1956. Музей Тэнгли, Базель.
2. Meta-Matic №6, 1959
3. Hommage to New York, 1960.
* Обращаем ваше внимание, что с 25 декабря галерея ушла на каникулы, проект Анастасии Крохалевой продолжит работу с 12 января 2023 года.
С Наступающим Новым годом!
В рамках проекта кинетических объектов Анастасии Крохалевой «Звуки тишины»* продолжаем рассказывать об истории кинетизма и художниках, работавших в этом виде искусстве.
Наравне с американцем Александром Колдером одним из ярчайших представителей европейского кинетического искусства стал швейцарский скульптор Жан Тэнгли.
Жан Тэнгли получил известность в 1950-е годы своими движущимися картинами Мета-Малевич и Мета-Кандинский и «рисующими» объектами Meta-Matic.
Следующим шагом стали его эпатирующие публику «саморазрушающиеся машины»: крупные ассамбляжи из моторов, колес, труб и разного металлического хлама, которые вновь превращались в кучу мусора в пламени взрывов и фейерверков.
Первая саморазрушающаяся скульптура Тэнгли Hommage to New York (1960) была представлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке и просуществовала 27 минут.
На фото:
1. Мета-Кандинский I, 1956. Музей Тэнгли, Базель.
2. Meta-Matic №6, 1959
3. Hommage to New York, 1960.
* Обращаем ваше внимание, что с 25 декабря галерея ушла на каникулы, проект Анастасии Крохалевой продолжит работу с 12 января 2023 года.
С Наступающим Новым годом!
#образовательные_вторники
Рассказывая о кинетическом искусстве, невозможно не представить творчество одного из самых ярких представителей кинетического искусства в России — Вячеслава Колейчука. Создатель самонапряженных и «самовозводящихся» конструкций, вантово-стержневых структур, самоколлажей, штриховых стереографий и установок светового формообразования, акустических конструкций и необычных музыкальных инструментов — овалоидов и пластинофонов, и, наконец, «гравицапы» — объекта для фильма «Кин-дза-дза!», Вячеслав Колейчук на протяжении всего своего творческого пути работал на стыке разных видов искусств.
Атом. 1967
Одним из первых и самым дерзким проектом Колейчука стал 13-метровый вращающийся и звучащий «Атом». Кинетическая композиция, установленная в 1967 году перед зданием Института атомной энергии Академии наук СССР им. И. В. Курчатова.
Стоящая нить. 1976
Самая известная работа Колейчука, где художник экспериментирует с вертикальными конструкциями. Объект представляет собой тянущуюся снизу вверх струну, которая закреплена только с одной стороны. Держаться вертикально и не падать ей помогает система противовесов — гибких стальных лепестков. Для того, чтобы его стальная нить стояла, Колейчук использовал принцип натяжения тетивы в луке.
Три стакана. 1996
Работа выполнена в технике штриховой стереографии, когда на стальную поверхность наносится множество насечек. Падающий на эту гравированную поверхность свет создает оптическую иллюзию объемного объекта. Чтобы окончательно смутить зрителя, Колейчук на эту же поверхность ставит настоящий граненый стакан.
Гравицапа. 1985
Гравицапа, как и многие другие предметы вымышленного мира кинокартины «Кин-дза-дза», придумана Колейчуком.
Кинетические объекты екатеринбургской художницы Анастасии Крохалевой можно увидеть на выставке «Звуки тишины» в галерее современного искусства ОкNо ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporaryart #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
Рассказывая о кинетическом искусстве, невозможно не представить творчество одного из самых ярких представителей кинетического искусства в России — Вячеслава Колейчука. Создатель самонапряженных и «самовозводящихся» конструкций, вантово-стержневых структур, самоколлажей, штриховых стереографий и установок светового формообразования, акустических конструкций и необычных музыкальных инструментов — овалоидов и пластинофонов, и, наконец, «гравицапы» — объекта для фильма «Кин-дза-дза!», Вячеслав Колейчук на протяжении всего своего творческого пути работал на стыке разных видов искусств.
Атом. 1967
Одним из первых и самым дерзким проектом Колейчука стал 13-метровый вращающийся и звучащий «Атом». Кинетическая композиция, установленная в 1967 году перед зданием Института атомной энергии Академии наук СССР им. И. В. Курчатова.
Стоящая нить. 1976
Самая известная работа Колейчука, где художник экспериментирует с вертикальными конструкциями. Объект представляет собой тянущуюся снизу вверх струну, которая закреплена только с одной стороны. Держаться вертикально и не падать ей помогает система противовесов — гибких стальных лепестков. Для того, чтобы его стальная нить стояла, Колейчук использовал принцип натяжения тетивы в луке.
Три стакана. 1996
Работа выполнена в технике штриховой стереографии, когда на стальную поверхность наносится множество насечек. Падающий на эту гравированную поверхность свет создает оптическую иллюзию объемного объекта. Чтобы окончательно смутить зрителя, Колейчук на эту же поверхность ставит настоящий граненый стакан.
Гравицапа. 1985
Гравицапа, как и многие другие предметы вымышленного мира кинокартины «Кин-дза-дза», придумана Колейчуком.
Кинетические объекты екатеринбургской художницы Анастасии Крохалевой можно увидеть на выставке «Звуки тишины» в галерее современного искусства ОкNо ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporaryart #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
#образовательные_вторники
Посты в этой рубрике обычно связаны с видом искусства или проблемой, которыми занимается художник, чей проект инсталлируется в галерее. Сегодня — исключение.
Кто из нас не любит лениться. Вот сегодня у меня было несколько причин пропустить публикацию: следующий наш проект откроется только в начале февраля, весь день было ужасное самочувствие (и не факт, что я еще не разболеюсь), но зная об особенностях работы мозга человека, пришлось взять себя в руки.
В связи с этим в голову пришла идея — поделиться с вами информацией о том, что управляет нашей волей и можно ли ее тренировать. Не торопитесь перелистывать, если опасаетесь, что я стану предлагать 10 способов тренировать волю. Спойлер — это невозможно.
«Волевой» или «не волевой» вы человек зависит не от вас. Эта особенность обусловлена генной предрасположенностью и работой головного мозга, точнее одного из «древнейших» его разделов» — лимбической системой. Именно лимбическая система подкидывает нам сиюминутное решение отложить на потом или вовсе не делать что-то, а лучше получить немедленно какое-нибудь удовольствие, отвлечься.
Зная особенности работы нашего мозга, и не обладая волей, можно использовать разные механизмы договориться с собой, вернее с другими отделами нашего мозга, с лимбической системой даже не пробуйте, она недоговороспособна.
Чтобы разобраться в этом вопросе и узнать много полезного, рекомендую книгу биолога, научного журналиста Ирины Якутенко «Воля и самоконтроль. Как гены и мозг мешают нам бороться с соблазнами».
Несколько советов от Ирины:
1. Бросьте привычку«начинать новую жизнь» с 1 января
2. Не принимайте ответственных решений, если вы голодны: в таком состоянии сложнее контролировать порывы
3. Избегайте сверх жестких диет: из-за недостатка глюкозы мозг рано или поздно сдастся, и вы сорветесь
4. Не сдерживайте свои эмоции
Посты в этой рубрике обычно связаны с видом искусства или проблемой, которыми занимается художник, чей проект инсталлируется в галерее. Сегодня — исключение.
Кто из нас не любит лениться. Вот сегодня у меня было несколько причин пропустить публикацию: следующий наш проект откроется только в начале февраля, весь день было ужасное самочувствие (и не факт, что я еще не разболеюсь), но зная об особенностях работы мозга человека, пришлось взять себя в руки.
В связи с этим в голову пришла идея — поделиться с вами информацией о том, что управляет нашей волей и можно ли ее тренировать. Не торопитесь перелистывать, если опасаетесь, что я стану предлагать 10 способов тренировать волю. Спойлер — это невозможно.
«Волевой» или «не волевой» вы человек зависит не от вас. Эта особенность обусловлена генной предрасположенностью и работой головного мозга, точнее одного из «древнейших» его разделов» — лимбической системой. Именно лимбическая система подкидывает нам сиюминутное решение отложить на потом или вовсе не делать что-то, а лучше получить немедленно какое-нибудь удовольствие, отвлечься.
Зная особенности работы нашего мозга, и не обладая волей, можно использовать разные механизмы договориться с собой, вернее с другими отделами нашего мозга, с лимбической системой даже не пробуйте, она недоговороспособна.
Чтобы разобраться в этом вопросе и узнать много полезного, рекомендую книгу биолога, научного журналиста Ирины Якутенко «Воля и самоконтроль. Как гены и мозг мешают нам бороться с соблазнами».
Несколько советов от Ирины:
1. Бросьте привычку«начинать новую жизнь» с 1 января
2. Не принимайте ответственных решений, если вы голодны: в таком состоянии сложнее контролировать порывы
3. Избегайте сверх жестких диет: из-за недостатка глюкозы мозг рано или поздно сдастся, и вы сорветесь
4. Не сдерживайте свои эмоции
#образовательные_вторники
С 10 февраля в галерее экспонируется проект Анастасии Богомоловой «Высота отделения» (инсталляция, видео).
Анастасия Богомолова — художница, работающая с перформативными практиками, документирующая процесс в инсталляциях, фотографиях, скульптурах, видео, звуке и тексте. О ее проекте мы будем рассказывать в отдельных постах, а по вторникам — будем говорить с вами об истории перформанса и самых значительных художниках этого медиума.
Перформанс, или «живое искусство» (Live Art), возникает в той же интеллектуальной среде, что и концептуализм, и вырастает из социальных движений. В одной из первых деклараций международного движения «Флюксус» в 1961 году, провозгласившей «живое искусство», говорится, что действия художника могут стать произведением искусства и иметь концептуальный замысел.
Участница «Флюксус» Йоко Оно в акции «Отрежь кусок» (1964), посвященной теме насилия над женщиной, предложила публике резать ее одежду.
В 1960—1970-е годы акции художников выражали идеи, не оставляя после себя художественных объектов, снимая вопросы эстетики и коммерции.
На фото: Йоко Оно «Отрежь кусок». 1964
© Imagine Peace
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00; суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
С 10 февраля в галерее экспонируется проект Анастасии Богомоловой «Высота отделения» (инсталляция, видео).
Анастасия Богомолова — художница, работающая с перформативными практиками, документирующая процесс в инсталляциях, фотографиях, скульптурах, видео, звуке и тексте. О ее проекте мы будем рассказывать в отдельных постах, а по вторникам — будем говорить с вами об истории перформанса и самых значительных художниках этого медиума.
Перформанс, или «живое искусство» (Live Art), возникает в той же интеллектуальной среде, что и концептуализм, и вырастает из социальных движений. В одной из первых деклараций международного движения «Флюксус» в 1961 году, провозгласившей «живое искусство», говорится, что действия художника могут стать произведением искусства и иметь концептуальный замысел.
Участница «Флюксус» Йоко Оно в акции «Отрежь кусок» (1964), посвященной теме насилия над женщиной, предложила публике резать ее одежду.
В 1960—1970-е годы акции художников выражали идеи, не оставляя после себя художественных объектов, снимая вопросы эстетики и коммерции.
На фото: Йоко Оно «Отрежь кусок». 1964
© Imagine Peace
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00; суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Йозеф Бойс — еще один участник международного арт-движения «Флюксус» — считал, что искусство должно по-настоящему менять повседневную жизнь человека. В попытках преобразовать сознание людей, он прибегал к драматическим жестам.
Перформанс «Как объяснить картины мертвому зайцу» состоялся 26 ноября 1965 года в дюссельдорфской галерее Альфреда Шмелы. Бойс, вымазав голову медом и покрыв ее сусальным золотом, взял в руки мертвого зайца и тихо расхаживал с ним среди своих рисунков и живописных полотен, «так, чтобы он мог прикасаться лапками к картинам». Затем он сел на стул в углу и принялся разъяснять мертвому животному смысл этих произведений, «потому что рассказывать о них людям мне не особенно нравятся… а заяц, даже мертвый, обладает большей чувствительностью и инстинктивным пониманием, чем некоторые люди с их твердолобым рациональным мышлением».
Перформанс «Я люблю Америку, а Америка любит меня» (1974) начался с путешествия из Дюссельдорфа в Нью-Йорк и продлился неделю. Бойс прилетел в аэропорт Джона Кеннеди с ног до головы укутанный в войлок, который должен был обеспечить ему изоляцию как в буквальном, так и в переносном смысле. Его погрузили в машину скорой помощи и привезли в галерею Рене Блока, где он провел 7 дней с койотом. В течение этого времени он вел беседы с животным , от посетителей их отделяла лишь сетчатая преграда. Он знакомил животное с предметами, среди которых был войлок, трость, кожаные перчатки, карманный фонарик, экземпляры Wall Street Journal. «Мне хотелось сосредоточится на одном койоте… отделиться, изолировать себя, не видеть Америки, видеть только койота … и поменяться с ним ролями». Для Бойса этот перформанс стал отражением истории преследования американских индейцев. Койот – символ первобытной Америки, и Бойс хотел познакомиться именно с ней, избегая Америки цивилизованной. После окончания перформанса художника увезли в аэропорт.
На фото перформансы Йозефа Бойса:
1. «Как объяснить картины мёртвому зайцу», 1965
2-4. «Я люблю Америку, а Америка любит меня», 1974.
В посте использованы материалы книги Роузли Голдберг «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней».
Приглашаем в галерею на выставку Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Йозеф Бойс — еще один участник международного арт-движения «Флюксус» — считал, что искусство должно по-настоящему менять повседневную жизнь человека. В попытках преобразовать сознание людей, он прибегал к драматическим жестам.
Перформанс «Как объяснить картины мертвому зайцу» состоялся 26 ноября 1965 года в дюссельдорфской галерее Альфреда Шмелы. Бойс, вымазав голову медом и покрыв ее сусальным золотом, взял в руки мертвого зайца и тихо расхаживал с ним среди своих рисунков и живописных полотен, «так, чтобы он мог прикасаться лапками к картинам». Затем он сел на стул в углу и принялся разъяснять мертвому животному смысл этих произведений, «потому что рассказывать о них людям мне не особенно нравятся… а заяц, даже мертвый, обладает большей чувствительностью и инстинктивным пониманием, чем некоторые люди с их твердолобым рациональным мышлением».
Перформанс «Я люблю Америку, а Америка любит меня» (1974) начался с путешествия из Дюссельдорфа в Нью-Йорк и продлился неделю. Бойс прилетел в аэропорт Джона Кеннеди с ног до головы укутанный в войлок, который должен был обеспечить ему изоляцию как в буквальном, так и в переносном смысле. Его погрузили в машину скорой помощи и привезли в галерею Рене Блока, где он провел 7 дней с койотом. В течение этого времени он вел беседы с животным , от посетителей их отделяла лишь сетчатая преграда. Он знакомил животное с предметами, среди которых был войлок, трость, кожаные перчатки, карманный фонарик, экземпляры Wall Street Journal. «Мне хотелось сосредоточится на одном койоте… отделиться, изолировать себя, не видеть Америки, видеть только койота … и поменяться с ним ролями». Для Бойса этот перформанс стал отражением истории преследования американских индейцев. Койот – символ первобытной Америки, и Бойс хотел познакомиться именно с ней, избегая Америки цивилизованной. После окончания перформанса художника увезли в аэропорт.
На фото перформансы Йозефа Бойса:
1. «Как объяснить картины мёртвому зайцу», 1965
2-4. «Я люблю Америку, а Америка любит меня», 1974.
В посте использованы материалы книги Роузли Голдберг «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней».
Приглашаем в галерею на выставку Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Одной из значительных фигур в истории перформанса несомненно стал Джон Кейдж — композитор, художник, теоретик, повлиявший не только на современную музыку, но и на целое направление в искусстве середины XX века, связанное с использованием «случайных» элементов (алеаторика). В свои музыкальные перформансы Кейдж включал элементы «шума» и «тишины».
В манифесте «Будущее музыки: кредо» Джон Кейдж писал: «Где бы мы ни были, чтобы мы не слышали, это в основном шумы: гул грузовика на скорости 50 миль в час, помехи между радиостанциями, дождь». Кейдж хотел «завладеть этими шумами контролировать их и использовать не как акустические эффекты, а как музыкальные инструменты».
В 1952 году Кейдж написал, наверное, самую известную свою пьесу «4’33» для любого инструмента (или их комбинации), состоящую из трёх движений, фактически предписывающих исполнителю не играть на инструменте в течение всего произведения. Первое движение составляет 30 секунд; второе — две минуты и 23 секунды, и третье — одну минуту и 40 секунд. В действительности это исполненное музыкальное произведение Кейджа состояло из звуков окружающей среды.
В галерее проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы:
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Одной из значительных фигур в истории перформанса несомненно стал Джон Кейдж — композитор, художник, теоретик, повлиявший не только на современную музыку, но и на целое направление в искусстве середины XX века, связанное с использованием «случайных» элементов (алеаторика). В свои музыкальные перформансы Кейдж включал элементы «шума» и «тишины».
В манифесте «Будущее музыки: кредо» Джон Кейдж писал: «Где бы мы ни были, чтобы мы не слышали, это в основном шумы: гул грузовика на скорости 50 миль в час, помехи между радиостанциями, дождь». Кейдж хотел «завладеть этими шумами контролировать их и использовать не как акустические эффекты, а как музыкальные инструменты».
В 1952 году Кейдж написал, наверное, самую известную свою пьесу «4’33» для любого инструмента (или их комбинации), состоящую из трёх движений, фактически предписывающих исполнителю не играть на инструменте в течение всего произведения. Первое движение составляет 30 секунд; второе — две минуты и 23 секунды, и третье — одну минуту и 40 секунд. В действительности это исполненное музыкальное произведение Кейджа состояло из звуков окружающей среды.
В галерее проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы:
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Марина Абрамович — имя этой художницы, кажется, известно даже тем, кто никогда не интересовался современным искусством. С середины 1970-х Абрамович начала заниматься перформансами, объявив собственное тело главным объектом и средством художественного выражения в своих произведениях.
Она начала с серии длительных протестных перформансов, связанных с политическим устройством социалистической Югославии. В ранних перформансах Абрамович, как правило, ставила себя, а иногда и зрителей в экстремальные условия — наносила себе раны, втыкая ножи между пальцами («Ритм 10», 1973), лежала в горящей конструкции в виде пятиконечной звезды («Ритм 5», 1974), вырезала бритвой звезду у себя на животе и затем лежала на льду с кровоточащими ранами («Губы Томаса», 1975).
Кульминацией экспериментов над собственным телом стал перформанс «Ритм 0» (1974) в галерее Morra в Неаполе, во время которого Абрамович разложила перед зрителями 72 предмета, которыми люди могли пользоваться как угодно. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями.
Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович вспоминала: «Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. <...> Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».
Продолжение следует.
А в ОкNo проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб
Марина Абрамович — имя этой художницы, кажется, известно даже тем, кто никогда не интересовался современным искусством. С середины 1970-х Абрамович начала заниматься перформансами, объявив собственное тело главным объектом и средством художественного выражения в своих произведениях.
Она начала с серии длительных протестных перформансов, связанных с политическим устройством социалистической Югославии. В ранних перформансах Абрамович, как правило, ставила себя, а иногда и зрителей в экстремальные условия — наносила себе раны, втыкая ножи между пальцами («Ритм 10», 1973), лежала в горящей конструкции в виде пятиконечной звезды («Ритм 5», 1974), вырезала бритвой звезду у себя на животе и затем лежала на льду с кровоточащими ранами («Губы Томаса», 1975).
Кульминацией экспериментов над собственным телом стал перформанс «Ритм 0» (1974) в галерее Morra в Неаполе, во время которого Абрамович разложила перед зрителями 72 предмета, которыми люди могли пользоваться как угодно. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями.
Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович вспоминала: «Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. <...> Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».
Продолжение следует.
А в ОкNo проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб
#образовательные_вторники
Марина Абрамович и Улай. 1976-1988
В 1976 году Марина Абрамович переезжает из Югославии в Амстердам, где знакомится с немецким художником, известным под псевдонимом Улай (Франк Уве Лайзипен), который становится соавтором работ, партнером в перформанса и в жизни. Вместе они продолжают исследовать границы возможностей тела, вопросы, связанные с индивидуальностью человека и его самоопределением во взаимодействии с Другим.
За 12 лет Абрамович и Улай сделали ряд перформансов. Расскажем о двух из них. Самый трудный, по мнению Марины Абрамович, перформанс — «Энергия покоя» (Дублин, 1980) — длился четыре минуты и десять секунд и был посвящен «безграничному доверию». Стоя друг напротив друга, художники отклонялись назад: Абрамович держала лук, а Улай тетиву и стрелу, направленную прямо ей в сердце. У обоих к груди были прикреплены микрофоны и звук их учащающегося сердцебиения транслировался во все помещения галереи. Одно неловкое движение Улая могло убить Абрамович.
«Влюбленные: Великая стена». 1988
В 1980 году Марина и Улай решили узаконить свои отношения, и сделать из этого перформанс — они немеривались покорить Великую Китайскую стену. Но в течение 8 лет они ждали разрешения Китая на перформанс, а когда получили, их отношения закончились, но перформанс они все же решили провести.
В течение трех месяцев художники шли навстречу друг другу с противоположных концов Китайской стены, чтобы встретившись на середине, сказать друг другу «прощай», разойтись и после жить и работать по отдельности.
В ОкNо проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
На фото: «Энергия покоя». 1980. Дублин, 1980; «Влюбленные: Великая стена». 1988. Китай
Продолжение следует.
Галерея ОкNо:ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Марина Абрамович и Улай. 1976-1988
В 1976 году Марина Абрамович переезжает из Югославии в Амстердам, где знакомится с немецким художником, известным под псевдонимом Улай (Франк Уве Лайзипен), который становится соавтором работ, партнером в перформанса и в жизни. Вместе они продолжают исследовать границы возможностей тела, вопросы, связанные с индивидуальностью человека и его самоопределением во взаимодействии с Другим.
За 12 лет Абрамович и Улай сделали ряд перформансов. Расскажем о двух из них. Самый трудный, по мнению Марины Абрамович, перформанс — «Энергия покоя» (Дублин, 1980) — длился четыре минуты и десять секунд и был посвящен «безграничному доверию». Стоя друг напротив друга, художники отклонялись назад: Абрамович держала лук, а Улай тетиву и стрелу, направленную прямо ей в сердце. У обоих к груди были прикреплены микрофоны и звук их учащающегося сердцебиения транслировался во все помещения галереи. Одно неловкое движение Улая могло убить Абрамович.
«Влюбленные: Великая стена». 1988
В 1980 году Марина и Улай решили узаконить свои отношения, и сделать из этого перформанс — они немеривались покорить Великую Китайскую стену. Но в течение 8 лет они ждали разрешения Китая на перформанс, а когда получили, их отношения закончились, но перформанс они все же решили провести.
В течение трех месяцев художники шли навстречу друг другу с противоположных концов Китайской стены, чтобы встретившись на середине, сказать друг другу «прощай», разойтись и после жить и работать по отдельности.
В ОкNо проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
На фото: «Энергия покоя». 1980. Дублин, 1980; «Влюбленные: Великая стена». 1988. Китай
Продолжение следует.
Галерея ОкNо:ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Марина Абрамович. Продолжение
Перформанс Марины Абрамович «Балканское барокко» — одно из мощнейших художественных и гражданских высказываний XX века. В 1997 году на 47-ой Венецианской биеннале Абрамович осуществила перформанс «Балканское барокко», который стал реакцией на гражданскую войну в Югославии. На протяжении четырех дней по шесть часов художница в белоснежном платье сидела в груде окровавленных коровьих костей и щеткой пыталась отмыть кровь, рассказывала о своей родине – «стране, которой больше нет», напевала балканские песни.
За эту работу Марина Абрамович была удостоена премии «Золотой Лев».
«Балканские барокко» Марины Абрамович резонирует с перформансами уральской художницы Анастасии Богомоловой, которая работает с темами памяти и забвения, трудного наследия.
В галерее ОкNо до 2 апреля вы можете посмотреть выставку «Высота отделения» (инсталляция, видео, реди-мейд) о дистанцировании от спорного наследия семьи. В Уральском филиале ГМИИ им. А.С. Пушкина (ГЦСИ, Екатеринбург) — на выставке «Земляные работы» документацию перформансов и архивное видео «Три дня Зибертов» из проекта «Бакал» об истории челябинского ГУЛАГа, заключенными которого были депортированные немцы из Поволжья (до 2 апреля); в Ельцин Центре (Екатеринбург) на групповой выставке «Девяностые детей» новую версию инсталляции «Пусть я прорасту моей любимой травой», темой которой стал разрыв семейных связей (до 16 апреля).
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Марина Абрамович. Продолжение
Перформанс Марины Абрамович «Балканское барокко» — одно из мощнейших художественных и гражданских высказываний XX века. В 1997 году на 47-ой Венецианской биеннале Абрамович осуществила перформанс «Балканское барокко», который стал реакцией на гражданскую войну в Югославии. На протяжении четырех дней по шесть часов художница в белоснежном платье сидела в груде окровавленных коровьих костей и щеткой пыталась отмыть кровь, рассказывала о своей родине – «стране, которой больше нет», напевала балканские песни.
За эту работу Марина Абрамович была удостоена премии «Золотой Лев».
«Балканские барокко» Марины Абрамович резонирует с перформансами уральской художницы Анастасии Богомоловой, которая работает с темами памяти и забвения, трудного наследия.
В галерее ОкNо до 2 апреля вы можете посмотреть выставку «Высота отделения» (инсталляция, видео, реди-мейд) о дистанцировании от спорного наследия семьи. В Уральском филиале ГМИИ им. А.С. Пушкина (ГЦСИ, Екатеринбург) — на выставке «Земляные работы» документацию перформансов и архивное видео «Три дня Зибертов» из проекта «Бакал» об истории челябинского ГУЛАГа, заключенными которого были депортированные немцы из Поволжья (до 2 апреля); в Ельцин Центре (Екатеринбург) на групповой выставке «Девяностые детей» новую версию инсталляции «Пусть я прорасту моей любимой травой», темой которой стал разрыв семейных связей (до 16 апреля).
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
На этой неделе завершается показ проекта Анастасии Богомоловой «Высота отделения». Именно перформативная практика Анастасии послужила выбором темы рубрики #образовательные_вторники в феврале 2023 года. Анастасия Богомолова в своих перформансах наследует концептуальному перформансу, об авторах которого мы вам рассказывали.
В проекте «Бакал» (2015-2016) А. Богомолова работает с темой памяти, опираясь на документальные и материальные источники, репрезентует прошлое через свое персональное переживание, выходя на универсальный уровень восприятия — в поэтическое измерение, по сути, работая с феноменами молчания, пауз и внутренних смыслов, запечатлевая едва уловимые следы судеб людей, растворенных в пространстве памяти, а вернее забвения. Бакаллаг — это исправительно-трудовой лагерь, входивший в систему ГУЛАГ, существовавший с 1941 по 1946 годы на территории нынешнего Металлургического района г. Челябинска — место заключения депортированных советских граждан, имевших немецкое, румынское, финское происхождение.
Несмотря на очевидную или кажущуюся абстрактность составляющих проекта, все произведения строятся на прямых аналогиях и имеют связь с реальным местом. В перформансе «Четверть нормы», который задумывался как своеобразный ритуал выполнения трудовой нормы, местом действия стал каменный карьер — один из наиболее тяжелых участков работы в лагере. По замыслу художница должна была обходить карьер по окружности, создавая своеобразную воронку. В течение двух часов при температуре -20°C Анастасия Богомолова преодолевала сопротивление снежного наста, но смогла пройти лишь четверть дистанции (реальный трудармеец за невыполненную норму получил бы урезанную пайку, со всеми вытекающими для его здоровья и жизни последствиями).
В перформансе «Сон» А. Богомолова лежит в могиле трудармейца. На видео кажется, ничего не происходит, лишь изредка глаз отмечает движение травинок и не сразу распознает, что в проваленном грунте лежит человек. Отсутствие какого-либо движения на протяжении 20 минут ожидания, создает ощущение тревожности и становится метафорой поглощенности местом памяти о событиях и людях, столь трагически завершивших свою жизнь.
31.03 — 2.04. 2023 у вас есть возможность увидеть столь же волнующие по ощущениям и заложенным смыслам перформансы Анастасии в проекте «Высота отделения».
На фото скриншоты видеодокументации перформансов проекта «Бакал» — «Четверть нормы» и «Сон».
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
На этой неделе завершается показ проекта Анастасии Богомоловой «Высота отделения». Именно перформативная практика Анастасии послужила выбором темы рубрики #образовательные_вторники в феврале 2023 года. Анастасия Богомолова в своих перформансах наследует концептуальному перформансу, об авторах которого мы вам рассказывали.
В проекте «Бакал» (2015-2016) А. Богомолова работает с темой памяти, опираясь на документальные и материальные источники, репрезентует прошлое через свое персональное переживание, выходя на универсальный уровень восприятия — в поэтическое измерение, по сути, работая с феноменами молчания, пауз и внутренних смыслов, запечатлевая едва уловимые следы судеб людей, растворенных в пространстве памяти, а вернее забвения. Бакаллаг — это исправительно-трудовой лагерь, входивший в систему ГУЛАГ, существовавший с 1941 по 1946 годы на территории нынешнего Металлургического района г. Челябинска — место заключения депортированных советских граждан, имевших немецкое, румынское, финское происхождение.
Несмотря на очевидную или кажущуюся абстрактность составляющих проекта, все произведения строятся на прямых аналогиях и имеют связь с реальным местом. В перформансе «Четверть нормы», который задумывался как своеобразный ритуал выполнения трудовой нормы, местом действия стал каменный карьер — один из наиболее тяжелых участков работы в лагере. По замыслу художница должна была обходить карьер по окружности, создавая своеобразную воронку. В течение двух часов при температуре -20°C Анастасия Богомолова преодолевала сопротивление снежного наста, но смогла пройти лишь четверть дистанции (реальный трудармеец за невыполненную норму получил бы урезанную пайку, со всеми вытекающими для его здоровья и жизни последствиями).
В перформансе «Сон» А. Богомолова лежит в могиле трудармейца. На видео кажется, ничего не происходит, лишь изредка глаз отмечает движение травинок и не сразу распознает, что в проваленном грунте лежит человек. Отсутствие какого-либо движения на протяжении 20 минут ожидания, создает ощущение тревожности и становится метафорой поглощенности местом памяти о событиях и людях, столь трагически завершивших свою жизнь.
31.03 — 2.04. 2023 у вас есть возможность увидеть столь же волнующие по ощущениям и заложенным смыслам перформансы Анастасии в проекте «Высота отделения».
На фото скриншоты видеодокументации перформансов проекта «Бакал» — «Четверть нормы» и «Сон».
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Уверены — вы заметили, что наши выпуски образовательных вторников всегда связаны с автором выставки, которая проходить в данный момент в галерее. Нам интересно говорить о художнике (це), теме или медиуме, в котором он (а) работает в контексте истории искусства и настоящего времени. В сегодняшней публикации мы хотим провести параллели в работе Алисы Гореловой и нью-йоркского хореографа, новатора, определившего эстетику современного танца Мерса Каннингема.
Каннингем использовал в своей хореографии весь диапазон подвижности человеческого тела. Вместе со своим единомышленником композитором Джоном Кейджем он работал над постановками методом «случайных действий». Критики писали о том, что Каннингем исследует пределы физических возможностей тела человека: движения занятых в постановках танцоров, порой, казались совершенно неестественными, пугающе странными.
И факт, о котором не знала Алиса Горелова, работая над своим проектом — в 1990-е годы Каннингем начал экспериментировать с компьютерной программой Life Forms, позволяющей создавать 3D- анимацию, которую он потом интегрировал в свою хореографию. Эти две инновации (метод «случайных действий» и работа с Life Forms) позволили Каннингему создать новый хореографический язык, не принадлежавший ни модернистской, ни классической традиции.
Каннингем избегал нарративной хореографии, он ставил бессюжетные работы, требовавшие нетрадиционной техники. Им двигала любовь к форме как таковой. Он говорил: «Чтобы заниматься танцем, вам нужно любить его. Он не даст вам ничего взамен… ничего, лишь один мимолетный момент, когда вы чувствуете, что живете».
Алиса Горелова относится к живописи и работает подобным образом. В цикле «Трансформации» она интерпретирует не физическую реальность, а моделируемую в мобильном приложении. Горелова также как и Каннингем работает с телом человека, создавая непривычные композиции.
Приглашаем в ОкNо на выставку Алисы Гореловой «Трансформации» по пятницам, субботам и воскресеньям до 11 июня 2023 года.
В публикации использованы материалы из книги Francesca Granata Experimental Fashion: Performance Art, Carnival and the Grotesque Body.
Всегда рады встрече с вами!
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Уверены — вы заметили, что наши выпуски образовательных вторников всегда связаны с автором выставки, которая проходить в данный момент в галерее. Нам интересно говорить о художнике (це), теме или медиуме, в котором он (а) работает в контексте истории искусства и настоящего времени. В сегодняшней публикации мы хотим провести параллели в работе Алисы Гореловой и нью-йоркского хореографа, новатора, определившего эстетику современного танца Мерса Каннингема.
Каннингем использовал в своей хореографии весь диапазон подвижности человеческого тела. Вместе со своим единомышленником композитором Джоном Кейджем он работал над постановками методом «случайных действий». Критики писали о том, что Каннингем исследует пределы физических возможностей тела человека: движения занятых в постановках танцоров, порой, казались совершенно неестественными, пугающе странными.
И факт, о котором не знала Алиса Горелова, работая над своим проектом — в 1990-е годы Каннингем начал экспериментировать с компьютерной программой Life Forms, позволяющей создавать 3D- анимацию, которую он потом интегрировал в свою хореографию. Эти две инновации (метод «случайных действий» и работа с Life Forms) позволили Каннингему создать новый хореографический язык, не принадлежавший ни модернистской, ни классической традиции.
Каннингем избегал нарративной хореографии, он ставил бессюжетные работы, требовавшие нетрадиционной техники. Им двигала любовь к форме как таковой. Он говорил: «Чтобы заниматься танцем, вам нужно любить его. Он не даст вам ничего взамен… ничего, лишь один мимолетный момент, когда вы чувствуете, что живете».
Алиса Горелова относится к живописи и работает подобным образом. В цикле «Трансформации» она интерпретирует не физическую реальность, а моделируемую в мобильном приложении. Горелова также как и Каннингем работает с телом человека, создавая непривычные композиции.
Приглашаем в ОкNо на выставку Алисы Гореловой «Трансформации» по пятницам, субботам и воскресеньям до 11 июня 2023 года.
В публикации использованы материалы из книги Francesca Granata Experimental Fashion: Performance Art, Carnival and the Grotesque Body.
Всегда рады встрече с вами!
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Всем привет!
Начался новый выставочный сезон и у нас вновь появился повод поговорить об искусстве. 21 сентября в партнерстве с двумя челябинскими галереями LARISA DEPERSHMIDT ART GALLERY и «Ниша» ЧБ Цеха мы открыли три выставки Льва Гутовского.
Для создания объектов и инсталляций Гутовский использует подобранные или купленные в магазинах Fix Price и секонд-хенд вещи и предметы. Этот прием получил название реди-мейд от английского ready-made — «готовый».
Термин реди-мейд в 1915 году ввел Марсель Дюшан, первым представивший ряд готовых вещей-объектов в качестве произведения искусства — «Велосипедное колесо» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914) и самый известный «Фонтан» (2017).
Дюшан расширил понимание искусства от эстетической функции создания художником рукотворного предмета до концептуального художественного жеста. «Моя идея заключалась в том, чтобы вложить мозги туда, где всегда были только глаза».
Галереи и выставки Льва Гутовского, входящие в проект «Время разбрасывать камни»:
23.09 — 22.10. 2023 — I'll Be Back. Ten Years After. Линия бикини. Инсталляция ОKNO Gallery, ул. Сони Кривой, 79 А.
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00 — 100 руб.
21.09 — 21.10.2023 — «Специальное предложение. Разное». Реди-мейд
LARISA DEPERSHMIDT ART GALLERY, ул. Тимирязева, 26
вторник — суббота, 11:00–19.:00
Вход — 100/150 руб.,
Медиации по четвергам в 18.15, стоимость 100 руб., предварительное бронирование в директ OKNO GALLERY
23.09 —26.11.2023 — «Вездесущий». Объект.
Галерея «НИША» / Эстамп-центра «ЧБ ЦЕХ», ул. Плеханова, 27
суббота, воскресенье — 11:00–17:00. Вход — свободный
Всегда рады встрече с вами!
Всем привет!
Начался новый выставочный сезон и у нас вновь появился повод поговорить об искусстве. 21 сентября в партнерстве с двумя челябинскими галереями LARISA DEPERSHMIDT ART GALLERY и «Ниша» ЧБ Цеха мы открыли три выставки Льва Гутовского.
Для создания объектов и инсталляций Гутовский использует подобранные или купленные в магазинах Fix Price и секонд-хенд вещи и предметы. Этот прием получил название реди-мейд от английского ready-made — «готовый».
Термин реди-мейд в 1915 году ввел Марсель Дюшан, первым представивший ряд готовых вещей-объектов в качестве произведения искусства — «Велосипедное колесо» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914) и самый известный «Фонтан» (2017).
Дюшан расширил понимание искусства от эстетической функции создания художником рукотворного предмета до концептуального художественного жеста. «Моя идея заключалась в том, чтобы вложить мозги туда, где всегда были только глаза».
Галереи и выставки Льва Гутовского, входящие в проект «Время разбрасывать камни»:
23.09 — 22.10. 2023 — I'll Be Back. Ten Years After. Линия бикини. Инсталляция ОKNO Gallery, ул. Сони Кривой, 79 А.
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00 — 100 руб.
21.09 — 21.10.2023 — «Специальное предложение. Разное». Реди-мейд
LARISA DEPERSHMIDT ART GALLERY, ул. Тимирязева, 26
Вход — 100/150 руб.,
Медиации по четвергам в 18.15, стоимость 100 руб., предварительное бронирование в директ OKNO GALLERY
23.09 —26.11.2023 — «Вездесущий». Объект.
Галерея «НИША» / Эстамп-центра «ЧБ ЦЕХ», ул. Плеханова, 27
суббота, воскресенье — 11:00–17:00. Вход — свободный
Всегда рады встрече с вами!
#образовательные_вторники
Осенью 2023 года в нескольких галереях и одном музее в Челябинске проходят выставки Льва Гутовского, объединённые в проект «Время разбрасывать камни». У тех, кто впервые познакомился с работами художника, возникает вопрос: почему этому художнику уделяется такое внимание.
Имя Льва Гутовского неразрывно связано с челябинским андеграундом. Одним из первых он стал работать в формах постмодернистского искусства, из подобранного металлолома и отслуживших вещей создавая выразительные по пластике и неожиданные по содержанию объекты.
Гутовский — организатор, участник и лидер первых в Челябинске неформальных выставок объединения ТХЭН (Товарищество художников экспериментальных направлений, 1987–1990). В 1987 году совместно с Александром Сохой создал НХА (Новых художественный ансамбль), объединив вокруг себя художников, актеров, музыкантов. НХА был свободен от жанровых ограничений и соединял в своих программах импровизационную, акустическую, электронную, инструментальную музыку, звучание «живого» голоса, видеопроекции, элементы пластического и абсурдистского театра.
Лев Гутовский не только создавал перформансы, он перенес место исполнения с привычной сцены концертного/ театрального зала в фойе, в пространство подземного пешеходного перехода, бывшей прядильно-ткацкой фабрики или просто на улицу. В 1992 году осуществил проект «Art collection» на бывшей Челябинской прядильно-ткацкой фабрике, в 1993 под именование ЦСИ «Пеликан» показал однодневную выставку в подземном переходе. В 1994–1998 руководил муниципальным Центром современного искусства «Монолит», где устраивал выставки, концерты, уличные акции художников и музыкантов из Челябинска, Екатеринбурга, Новосибирска, Москвы, Германии.
Продолжение следует.
Осенью 2023 года в нескольких галереях и одном музее в Челябинске проходят выставки Льва Гутовского, объединённые в проект «Время разбрасывать камни». У тех, кто впервые познакомился с работами художника, возникает вопрос: почему этому художнику уделяется такое внимание.
Имя Льва Гутовского неразрывно связано с челябинским андеграундом. Одним из первых он стал работать в формах постмодернистского искусства, из подобранного металлолома и отслуживших вещей создавая выразительные по пластике и неожиданные по содержанию объекты.
Гутовский — организатор, участник и лидер первых в Челябинске неформальных выставок объединения ТХЭН (Товарищество художников экспериментальных направлений, 1987–1990). В 1987 году совместно с Александром Сохой создал НХА (Новых художественный ансамбль), объединив вокруг себя художников, актеров, музыкантов. НХА был свободен от жанровых ограничений и соединял в своих программах импровизационную, акустическую, электронную, инструментальную музыку, звучание «живого» голоса, видеопроекции, элементы пластического и абсурдистского театра.
Лев Гутовский не только создавал перформансы, он перенес место исполнения с привычной сцены концертного/ театрального зала в фойе, в пространство подземного пешеходного перехода, бывшей прядильно-ткацкой фабрики или просто на улицу. В 1992 году осуществил проект «Art collection» на бывшей Челябинской прядильно-ткацкой фабрике, в 1993 под именование ЦСИ «Пеликан» показал однодневную выставку в подземном переходе. В 1994–1998 руководил муниципальным Центром современного искусства «Монолит», где устраивал выставки, концерты, уличные акции художников и музыкантов из Челябинска, Екатеринбурга, Новосибирска, Москвы, Германии.
Продолжение следует.
#образовательные_вторники
В галерее ОкNо до 31 марта выставка живописи Бориса Чернышева «Элизиум» (2017-2024 гг).
Борис Чернышев — ключевая фигура в неофициальном искусстве Челябинска, лидер творческого движения «Африканский клуб».
Появление в 1988 году «Африканского клуба» стало событием в художественной жизни Челябинска. Борис Чернышев, Андрей Замятин и Евгений Демченко решили «внести оживление, энергичные ритмы, интригу в сонную, бюрократическую, скучную провинцию». Художники с энтузиазмом занялись преобразованием окружающей серой, холодной, отчужденной среды, прибегнув к цветовым ассоциациям жаркой солнечной Африки, призванным «компенсировать средствами искусства недостаток впечатлений, эмоциональный голод». Живописная работа А. Замятина «Русско-африканский натюрморт» послужила своеобразным импульсом зарождающемуся движению.
Идейным вдохновителем группы Готлибом Краузе (Борис Чернышев) был написал искрометный манифест африканского движения на Южном Урале, идеи которого заключались в призыве не мыслить шаблонными формами, не заниматься воспроизводством угрюмого неприспособленного мира. За именованием «африканский» мыслилось живое участие в современных процессах, активная позиция, проявление индивидуального творческого темперамента. Обозначив круг идей и принципов объединения, «африканцы» приступили к их реализации посредством ряда выставок с четко сформулированными концепциями. Программа была расписана на несколько лет вперед, периодичность выставок — два раза в год.
Продолжение следует.
10.02—31. 03.2024 | Борис Чернышев | Элизиум | живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00 в группе от 2 человек —200 руб., индивидуальная — 300 руб.
В галерее ОкNо до 31 марта выставка живописи Бориса Чернышева «Элизиум» (2017-2024 гг).
Борис Чернышев — ключевая фигура в неофициальном искусстве Челябинска, лидер творческого движения «Африканский клуб».
Появление в 1988 году «Африканского клуба» стало событием в художественной жизни Челябинска. Борис Чернышев, Андрей Замятин и Евгений Демченко решили «внести оживление, энергичные ритмы, интригу в сонную, бюрократическую, скучную провинцию». Художники с энтузиазмом занялись преобразованием окружающей серой, холодной, отчужденной среды, прибегнув к цветовым ассоциациям жаркой солнечной Африки, призванным «компенсировать средствами искусства недостаток впечатлений, эмоциональный голод». Живописная работа А. Замятина «Русско-африканский натюрморт» послужила своеобразным импульсом зарождающемуся движению.
Идейным вдохновителем группы Готлибом Краузе (Борис Чернышев) был написал искрометный манифест африканского движения на Южном Урале, идеи которого заключались в призыве не мыслить шаблонными формами, не заниматься воспроизводством угрюмого неприспособленного мира. За именованием «африканский» мыслилось живое участие в современных процессах, активная позиция, проявление индивидуального творческого темперамента. Обозначив круг идей и принципов объединения, «африканцы» приступили к их реализации посредством ряда выставок с четко сформулированными концепциями. Программа была расписана на несколько лет вперед, периодичность выставок — два раза в год.
Продолжение следует.
10.02—31. 03.2024 | Борис Чернышев | Элизиум | живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00 в группе от 2 человек —200 руб., индивидуальная — 300 руб.
#образовательные_вторники
В галерее ОкNо до 31 марта выставка живописи Бориса Чернышева «Элизиум».
С именем Чернышева связана история челябинского неформального искусства. Продолжаем рассказывать о творческом объединении «Африканский клуб», лидером которого был Чернышев.
Первая выставка «Африканский клуб представляет» состоялась в мае — июне 1988 года в выставочном зале фотолюбителей («Каменный пояс»). Афиша, предваряющая выставку, звучно заявляла о появлении на челябинской художественной сцене необычного объединения. В экспозиции были представлены картины Андрея Замятина на африканскую тему и среди них легендарный «Русско–африканский натюрморт». Насыщенные цвета, «горячее» сочетание красного, желтого, черного и белого, само содержание работ подчеркивало дух игры и художественной условности, напрочь исключенной из советской живописи. Столь же необычными для восприятия зрителей были объекты Евгения Демченко — абстрактные композиции из дерева и металла. Борис Чернышев показал серию плакатов «Социальная терапия» и дизайн–проект интерьера пионерского лагеря «Солнечная поляна». Странная афиша, непривычные по форме, колористической гамме и содержанию произведения, обращение к публике в виде манифеста — все указывало на нестандартность мышления авторов, подвигало на размышления.
Продолжение следует.
В галерее ОкNо до 31 марта выставка живописи Бориса Чернышева «Элизиум».
С именем Чернышева связана история челябинского неформального искусства. Продолжаем рассказывать о творческом объединении «Африканский клуб», лидером которого был Чернышев.
Первая выставка «Африканский клуб представляет» состоялась в мае — июне 1988 года в выставочном зале фотолюбителей («Каменный пояс»). Афиша, предваряющая выставку, звучно заявляла о появлении на челябинской художественной сцене необычного объединения. В экспозиции были представлены картины Андрея Замятина на африканскую тему и среди них легендарный «Русско–африканский натюрморт». Насыщенные цвета, «горячее» сочетание красного, желтого, черного и белого, само содержание работ подчеркивало дух игры и художественной условности, напрочь исключенной из советской живописи. Столь же необычными для восприятия зрителей были объекты Евгения Демченко — абстрактные композиции из дерева и металла. Борис Чернышев показал серию плакатов «Социальная терапия» и дизайн–проект интерьера пионерского лагеря «Солнечная поляна». Странная афиша, непривычные по форме, колористической гамме и содержанию произведения, обращение к публике в виде манифеста — все указывало на нестандартность мышления авторов, подвигало на размышления.
Продолжение следует.
#образовательные_вторники
Продолжаем рассказывать о выставках «Африканского клуба» конца 1980-х годов
Вторая выставка «Стереотип в массовом сознании» состоялась в ноябре 1988 года в фойе Театра юного зрителя. Наряду с оригинальными произведениями (гуашами, коллажами) в пространство выставки были введены предметы китча, календари, наклейки, открытки, имевшие массовое распространение в то время. И как камертон незамутненного творческого сознания – рисунки четырехлетнего Антона Чернышева. В столкновении разных по природе предметов Борис Чернышев выявлял механизмы манипуляции восприятием человека, искал вариант примирения массового и качественного, распространения «хороших стереотипов», внедрения хорошего вкуса в массовую продукцию.
Продолжение следует.
На фото — Борис и Антон Чернышевы на фоне выставки
До 31 марта в ОкNo экспонируется выставка Б. Чернышева «Элизиум», живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00 —200 руб. / 300 руб.
Продолжаем рассказывать о выставках «Африканского клуба» конца 1980-х годов
Вторая выставка «Стереотип в массовом сознании» состоялась в ноябре 1988 года в фойе Театра юного зрителя. Наряду с оригинальными произведениями (гуашами, коллажами) в пространство выставки были введены предметы китча, календари, наклейки, открытки, имевшие массовое распространение в то время. И как камертон незамутненного творческого сознания – рисунки четырехлетнего Антона Чернышева. В столкновении разных по природе предметов Борис Чернышев выявлял механизмы манипуляции восприятием человека, искал вариант примирения массового и качественного, распространения «хороших стереотипов», внедрения хорошего вкуса в массовую продукцию.
Продолжение следует.
На фото — Борис и Антон Чернышевы на фоне выставки
До 31 марта в ОкNo экспонируется выставка Б. Чернышева «Элизиум», живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00 —200 руб. / 300 руб.
#образовательные_вторники
Продолжаем рассказывать о выставках «Африканского клуба» конца 1980-х годов
«Челябинский эрос» — третья выставка «Африканского клуба» состоялась в Каменном поясе в марте 1989 года. К участию в ней был приглашен челябинский архитектор Николай Семейкин. Предметом рассмотрения стал жанр ню. Казалось бы, что тут нового? Однако выставка вызвала оживленную дискуссию, обнаружив неготовность челябинской публики воспринимать обнаженное тело, как повод для разговора о красоте и жизни в целом.
Продолжение следует.
На фото — Борис Чернышев на фоне работ А. Замятина и Н. Семейкина, 1989
До 31 марта 2024 в галерее «ОкNо» экспонируется выставка Бориса Чернышева «Элизиум», живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00—200 руб. / 300 руб.
Всегда рады встрече с вами!
Продолжаем рассказывать о выставках «Африканского клуба» конца 1980-х годов
«Челябинский эрос» — третья выставка «Африканского клуба» состоялась в Каменном поясе в марте 1989 года. К участию в ней был приглашен челябинский архитектор Николай Семейкин. Предметом рассмотрения стал жанр ню. Казалось бы, что тут нового? Однако выставка вызвала оживленную дискуссию, обнаружив неготовность челябинской публики воспринимать обнаженное тело, как повод для разговора о красоте и жизни в целом.
Продолжение следует.
На фото — Борис Чернышев на фоне работ А. Замятина и Н. Семейкина, 1989
До 31 марта 2024 в галерее «ОкNо» экспонируется выставка Бориса Чернышева «Элизиум», живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00—200 руб. / 300 руб.
Всегда рады встрече с вами!
#образовательные_вторники
В мае 1989 года в зале Союза художников в рамках Молодежной выставки, организованной «Ассоциацией свободных художников», была представлена экспозиция «Африканского клуба» с символическим названием «365 дней в строю». Этой экспозицией «африканцы» отметили годовщину своего объединения. Кроме постоянных членов клуба в выставке приняли участие Борис Тряпицын и Юрий Окружной. А. Замятин и Е. Демченко показали живопись и скульптуру, Б. Чернышев — коллажи, Б. Тряпицын — керамику, Ю. Окружной — объекты из гипса и зеркал. Экспозицию составили произведения, представленные на предыдущих выставках клуба, получилась своеобразная ретроспектива. Молодежная выставка позволила челябинцам на одной площадке увидеть представителей двух альтернативных объединений.
Продолжение следует.
30 и 31 марта завершает работу выставка Б. Чернышева «Элизиум», живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
сб, вс— 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00—200 руб. / 300 руб.
Всегда рады встрече с вами!
В мае 1989 года в зале Союза художников в рамках Молодежной выставки, организованной «Ассоциацией свободных художников», была представлена экспозиция «Африканского клуба» с символическим названием «365 дней в строю». Этой экспозицией «африканцы» отметили годовщину своего объединения. Кроме постоянных членов клуба в выставке приняли участие Борис Тряпицын и Юрий Окружной. А. Замятин и Е. Демченко показали живопись и скульптуру, Б. Чернышев — коллажи, Б. Тряпицын — керамику, Ю. Окружной — объекты из гипса и зеркал. Экспозицию составили произведения, представленные на предыдущих выставках клуба, получилась своеобразная ретроспектива. Молодежная выставка позволила челябинцам на одной площадке увидеть представителей двух альтернативных объединений.
Продолжение следует.
30 и 31 марта завершает работу выставка Б. Чернышева «Элизиум», живопись
ОKNO Gallery
ул. Сони Кривой, 79 А
сб, вс— 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиации в 15.00 и 17.00—200 руб. / 300 руб.
Всегда рады встрече с вами!
#образовательные_вторники
Завершающий параграф в рассказе о выставках «Африканского клуба» кон.1980-х гг.
Продолжая работу по исследованию эстетических и пластических аспектов искусства, в ноябре 1989 года в Каминном зале Союза художников открылась экспозиция «Гостиная «Африканского клуба», посвященная беспредметному искусству. Для освещения этой темы Борис Чернышев пригласил художников Сергея Нефедова, Александра Данилова, Алексея Васько, Юрия Окружного. В небольшом зале были сопряжены утилитарные предметы — вышивка, домотканые половички, резные изделия, текстиль — и абстрактные произведения современных художников. Приемом совмещения подчеркивалось, что беспредметничество — привычная форма для народного творчества, давно укоренившаяся в сознании человека.
Выставка Бориса Чернышева завершила свою работу. С 13 апреля начнет работу проект Анастасии Пищугиной «Эвритмия повседневности», инсталляция, графика, видео-арт (г. Екатеринбург). Следите за анонсами.
Всегда рады встрече с вами!
Завершающий параграф в рассказе о выставках «Африканского клуба» кон.1980-х гг.
Продолжая работу по исследованию эстетических и пластических аспектов искусства, в ноябре 1989 года в Каминном зале Союза художников открылась экспозиция «Гостиная «Африканского клуба», посвященная беспредметному искусству. Для освещения этой темы Борис Чернышев пригласил художников Сергея Нефедова, Александра Данилова, Алексея Васько, Юрия Окружного. В небольшом зале были сопряжены утилитарные предметы — вышивка, домотканые половички, резные изделия, текстиль — и абстрактные произведения современных художников. Приемом совмещения подчеркивалось, что беспредметничество — привычная форма для народного творчества, давно укоренившаяся в сознании человека.
Выставка Бориса Чернышева завершила свою работу. С 13 апреля начнет работу проект Анастасии Пищугиной «Эвритмия повседневности», инсталляция, графика, видео-арт (г. Екатеринбург). Следите за анонсами.
Всегда рады встрече с вами!