#образовательные_вторники
Рассказывая о видео–арте и экспериментальном кино невозможно не вспомнить Энди Уорхола.
Энди Уорхол вошел в историю искусства в первую очередь благодаря своим шелкографическим работам — бесконечным рядам банок супа «Кэмпбелл», бутылок кока-колы, многократно воспроизведенным портретам Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Мика Джаггера и других икон поп-культуры.
Но также как графическое творчество художника, ставшее ироничным ответом на товарное перепроизводство и одержимость людей вещами, кино Уорхола было во всем эстетически противоположно общепринятым голливудским стандартам.
За пять лет (1963–1968 годы), на которые и пришлась режиссерская карьера Уорхола, он успел снять несколько сотен картин, в том числе десятки полнометражных фильмов (некоторые из них так и не увидели свет). Характерной чертой режиссерского стиля Уорхола было не вмешиваться в съемки, часто его участие ограничивалось лишь подбором актеров и установкой камеры.
Главный свой антифильм Уорхол снял в 1964 году. В седьмом часу вечера 25 июля 1964 года Энди Уорхол, оператор Йонас Мекас (еще одна легенда американского авангарда) и два ассистента Уорхола поднялись на 44-й этаж Тайм-лайф-билдинг на Среднем Манхэттене и в течение 6 часов 30 минут снимали верхушку Эмпайр-стейт-билдинг. По замыслу Уорхола, зритель должен был вернуться к реальности, в «нерасчлененный [монтажом] поток времени», а поэтому для пущего эффекта при проекции режиссер замедлил фильм до феноменальных восьми часов (8"05). На протяжении фильма в кадре ничего кроме здания не появляетсяю, лишь внимательный зритель может заметить в оконном стекле отражение фигуры Энди Уорхола.
В галерее ОкNo до 27 ноября можно посмотреть видеоработы российских художниц Лидии Риккер и Варвары Кузьминой и обсудить их с нашими медиаторами.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Рассказывая о видео–арте и экспериментальном кино невозможно не вспомнить Энди Уорхола.
Энди Уорхол вошел в историю искусства в первую очередь благодаря своим шелкографическим работам — бесконечным рядам банок супа «Кэмпбелл», бутылок кока-колы, многократно воспроизведенным портретам Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Мика Джаггера и других икон поп-культуры.
Но также как графическое творчество художника, ставшее ироничным ответом на товарное перепроизводство и одержимость людей вещами, кино Уорхола было во всем эстетически противоположно общепринятым голливудским стандартам.
За пять лет (1963–1968 годы), на которые и пришлась режиссерская карьера Уорхола, он успел снять несколько сотен картин, в том числе десятки полнометражных фильмов (некоторые из них так и не увидели свет). Характерной чертой режиссерского стиля Уорхола было не вмешиваться в съемки, часто его участие ограничивалось лишь подбором актеров и установкой камеры.
Главный свой антифильм Уорхол снял в 1964 году. В седьмом часу вечера 25 июля 1964 года Энди Уорхол, оператор Йонас Мекас (еще одна легенда американского авангарда) и два ассистента Уорхола поднялись на 44-й этаж Тайм-лайф-билдинг на Среднем Манхэттене и в течение 6 часов 30 минут снимали верхушку Эмпайр-стейт-билдинг. По замыслу Уорхола, зритель должен был вернуться к реальности, в «нерасчлененный [монтажом] поток времени», а поэтому для пущего эффекта при проекции режиссер замедлил фильм до феноменальных восьми часов (8"05). На протяжении фильма в кадре ничего кроме здания не появляетсяю, лишь внимательный зритель может заметить в оконном стекле отражение фигуры Энди Уорхола.
В галерее ОкNo до 27 ноября можно посмотреть видеоработы российских художниц Лидии Риккер и Варвары Кузьминой и обсудить их с нашими медиаторами.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Сегодняшний пост завершает экскурс в искусство видео–арта.
Третьей самой популярной темой видео–арта стала массовая культура и глобализация. Российская арт–группа AES+F* создает грандиозные видеоинсталляции на тему распада современной цивилизации. Видеоработы AES+F — снятые в безупречной глянцевой эстетике, критикуют этические основы современного общества. Эпические по размаху действа будто бы предъявляют зрителю его же потребительскую модель поведения.
«Пире Трималхиона»** (2010) AES+F завораживающее видео, погружающее зрителя в пространство современного пятизвездочного гостиничного рая, с оплаченным проживанием, где он становится свидетелем таких пороков, как непомерное гурманство, чрезмерное расточительство и богатство, символом которых и стал сам Трималхион, персонаж романа «Сатирикон». Художники создали свою работу по всем канонам рекламной кампании для люксового бренда.На них люди заняты только наслаждением такого рода, что предлагают им глянцевые журналы. Собранные вместе стратегии счастья из массовой культуры создают гигантскую имитацию гармонии и счастья, пугающую своей нереалистичностью.
* Московская группа AES+F из четырех художников: Татьяны Арзамасовой, Льва Евзовича, Евгения Святского и Владимира Фридкеса.
** 9-ти канальная видеоинсталляция «Пире Трималхиона» была впервые показана на 53-й Венецианской биеннале в составе выставки «Безусловная Любовь».
Галерея ОкNо завершает на этой неделе (24— 27 ноября) показ видеоработ российских художниц — Лидии Риккер и Варвары Кузьминой.
ул. Сони Кривой, 79 А
четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Сегодняшний пост завершает экскурс в искусство видео–арта.
Третьей самой популярной темой видео–арта стала массовая культура и глобализация. Российская арт–группа AES+F* создает грандиозные видеоинсталляции на тему распада современной цивилизации. Видеоработы AES+F — снятые в безупречной глянцевой эстетике, критикуют этические основы современного общества. Эпические по размаху действа будто бы предъявляют зрителю его же потребительскую модель поведения.
«Пире Трималхиона»** (2010) AES+F завораживающее видео, погружающее зрителя в пространство современного пятизвездочного гостиничного рая, с оплаченным проживанием, где он становится свидетелем таких пороков, как непомерное гурманство, чрезмерное расточительство и богатство, символом которых и стал сам Трималхион, персонаж романа «Сатирикон». Художники создали свою работу по всем канонам рекламной кампании для люксового бренда.На них люди заняты только наслаждением такого рода, что предлагают им глянцевые журналы. Собранные вместе стратегии счастья из массовой культуры создают гигантскую имитацию гармонии и счастья, пугающую своей нереалистичностью.
* Московская группа AES+F из четырех художников: Татьяны Арзамасовой, Льва Евзовича, Евгения Святского и Владимира Фридкеса.
** 9-ти канальная видеоинсталляция «Пире Трималхиона» была впервые показана на 53-й Венецианской биеннале в составе выставки «Безусловная Любовь».
Галерея ОкNо завершает на этой неделе (24— 27 ноября) показ видеоработ российских художниц — Лидии Риккер и Варвары Кузьминой.
ул. Сони Кривой, 79 А
четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
На протяжении работы выставки кинетических объектов Анастасии Крохалевой «Звуки тишины» будем вам рассказывать об истории кинетического искусства.
Глубокие исторические корни кинетизма обнаруживаются в античности — сохранились многочисленные документальные свидетельства о создании греческими мастерами движущихся фигур птиц и животных. В XVI веке после изобретения часов с пружинным приводом в Европе приобрели большую популярность автоматоны — всевозможные марионетки с механическим приводом. Они умели двигаться и издавать звуки. С начала XVIII века во многих европейских городах на ратушах стали появляться часы с движущимися механизмами — стилизованные фигурки людей и животных каждый час приходили в движение под музыку, совершая незамысловатые действия. Все приведенные в пример объекты относились к сфере декоративно-прикладного искусства и были предназначены для развлечения публики.
В изобразительном искусстве творческие эксперименты по преодолению классической неподвижности произведений искусства начали в начале XXвека футуристы и дадаисты.
В 1913 году Марсель Дюшан создал реди-мейд «Велосипедное колесо» — первый, по мнению большинства специалистов, объект кинетического искусства.
На фото: Марсель Дюшан «Велосипедное колесо», 1913
Современные кинетические объекты можно увидеть на выставке Анастасии Крохалевой «Звуки тишины».
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
На протяжении работы выставки кинетических объектов Анастасии Крохалевой «Звуки тишины» будем вам рассказывать об истории кинетического искусства.
Глубокие исторические корни кинетизма обнаруживаются в античности — сохранились многочисленные документальные свидетельства о создании греческими мастерами движущихся фигур птиц и животных. В XVI веке после изобретения часов с пружинным приводом в Европе приобрели большую популярность автоматоны — всевозможные марионетки с механическим приводом. Они умели двигаться и издавать звуки. С начала XVIII века во многих европейских городах на ратушах стали появляться часы с движущимися механизмами — стилизованные фигурки людей и животных каждый час приходили в движение под музыку, совершая незамысловатые действия. Все приведенные в пример объекты относились к сфере декоративно-прикладного искусства и были предназначены для развлечения публики.
В изобразительном искусстве творческие эксперименты по преодолению классической неподвижности произведений искусства начали в начале XXвека футуристы и дадаисты.
В 1913 году Марсель Дюшан создал реди-мейд «Велосипедное колесо» — первый, по мнению большинства специалистов, объект кинетического искусства.
На фото: Марсель Дюшан «Велосипедное колесо», 1913
Современные кинетические объекты можно увидеть на выставке Анастасии Крохалевой «Звуки тишины».
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
В прошлый раз мы говорили о протокинетических объектах античности, XVI и XVIII вв., о первых опытах Дюшана. Попытки создать подвижные произведения искусства предпринимали также скульпторы -дадаисты и конструктивисты в 1930-е годы, но о кинетическом искусстве как отдельном направлении заговорили в 1955 году, когда в парижской галерее Дениз Рене прошла выставка «Движение», в которой приняли участие сегодня самые известные представители кинетизма: Жан Тэнгли со скульптурой «Мета-Малевич», Марсель Дюшан с «Вращающейся полусферой» и Александр Колдер с подвешенным под потолком мобилем.
Александра Колдера, также как Марселя Дюшана, относят к пионерам кинетизма. Он начал делать свои подвесные конструкции за 20 лет до того, как о кинетическом искусстве активно заговорили. Колдер уравновешивал элементы — шары или пластины, подвешивая их на тонких нитях и проволоке, они двигались от движения потоков воздуха.
На фото:
Экспозиция выставки в галерее Дениз Рене. Париж, 1955
Александр Колдер «Башня». 1952
Кинетические объекты современного автора можно увидеть на выставке Анастасии Крохалевой «Звуки тишины».
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота — 14:00–18:00
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporary art #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
В прошлый раз мы говорили о протокинетических объектах античности, XVI и XVIII вв., о первых опытах Дюшана. Попытки создать подвижные произведения искусства предпринимали также скульпторы -дадаисты и конструктивисты в 1930-е годы, но о кинетическом искусстве как отдельном направлении заговорили в 1955 году, когда в парижской галерее Дениз Рене прошла выставка «Движение», в которой приняли участие сегодня самые известные представители кинетизма: Жан Тэнгли со скульптурой «Мета-Малевич», Марсель Дюшан с «Вращающейся полусферой» и Александр Колдер с подвешенным под потолком мобилем.
Александра Колдера, также как Марселя Дюшана, относят к пионерам кинетизма. Он начал делать свои подвесные конструкции за 20 лет до того, как о кинетическом искусстве активно заговорили. Колдер уравновешивал элементы — шары или пластины, подвешивая их на тонких нитях и проволоке, они двигались от движения потоков воздуха.
На фото:
Экспозиция выставки в галерее Дениз Рене. Париж, 1955
Александр Колдер «Башня». 1952
Кинетические объекты современного автора можно увидеть на выставке Анастасии Крохалевой «Звуки тишины».
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота — 14:00–18:00
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporary art #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
#образовательные_вторники
В рамках проекта кинетических объектов Анастасии Крохалевой «Звуки тишины»* продолжаем рассказывать об истории кинетизма и художниках, работавших в этом виде искусстве.
Наравне с американцем Александром Колдером одним из ярчайших представителей европейского кинетического искусства стал швейцарский скульптор Жан Тэнгли.
Жан Тэнгли получил известность в 1950-е годы своими движущимися картинами Мета-Малевич и Мета-Кандинский и «рисующими» объектами Meta-Matic.
Следующим шагом стали его эпатирующие публику «саморазрушающиеся машины»: крупные ассамбляжи из моторов, колес, труб и разного металлического хлама, которые вновь превращались в кучу мусора в пламени взрывов и фейерверков.
Первая саморазрушающаяся скульптура Тэнгли Hommage to New York (1960) была представлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке и просуществовала 27 минут.
На фото:
1. Мета-Кандинский I, 1956. Музей Тэнгли, Базель.
2. Meta-Matic №6, 1959
3. Hommage to New York, 1960.
* Обращаем ваше внимание, что с 25 декабря галерея ушла на каникулы, проект Анастасии Крохалевой продолжит работу с 12 января 2023 года.
С Наступающим Новым годом!
В рамках проекта кинетических объектов Анастасии Крохалевой «Звуки тишины»* продолжаем рассказывать об истории кинетизма и художниках, работавших в этом виде искусстве.
Наравне с американцем Александром Колдером одним из ярчайших представителей европейского кинетического искусства стал швейцарский скульптор Жан Тэнгли.
Жан Тэнгли получил известность в 1950-е годы своими движущимися картинами Мета-Малевич и Мета-Кандинский и «рисующими» объектами Meta-Matic.
Следующим шагом стали его эпатирующие публику «саморазрушающиеся машины»: крупные ассамбляжи из моторов, колес, труб и разного металлического хлама, которые вновь превращались в кучу мусора в пламени взрывов и фейерверков.
Первая саморазрушающаяся скульптура Тэнгли Hommage to New York (1960) была представлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке и просуществовала 27 минут.
На фото:
1. Мета-Кандинский I, 1956. Музей Тэнгли, Базель.
2. Meta-Matic №6, 1959
3. Hommage to New York, 1960.
* Обращаем ваше внимание, что с 25 декабря галерея ушла на каникулы, проект Анастасии Крохалевой продолжит работу с 12 января 2023 года.
С Наступающим Новым годом!
#образовательные_вторники
Рассказывая о кинетическом искусстве, невозможно не представить творчество одного из самых ярких представителей кинетического искусства в России — Вячеслава Колейчука. Создатель самонапряженных и «самовозводящихся» конструкций, вантово-стержневых структур, самоколлажей, штриховых стереографий и установок светового формообразования, акустических конструкций и необычных музыкальных инструментов — овалоидов и пластинофонов, и, наконец, «гравицапы» — объекта для фильма «Кин-дза-дза!», Вячеслав Колейчук на протяжении всего своего творческого пути работал на стыке разных видов искусств.
Атом. 1967
Одним из первых и самым дерзким проектом Колейчука стал 13-метровый вращающийся и звучащий «Атом». Кинетическая композиция, установленная в 1967 году перед зданием Института атомной энергии Академии наук СССР им. И. В. Курчатова.
Стоящая нить. 1976
Самая известная работа Колейчука, где художник экспериментирует с вертикальными конструкциями. Объект представляет собой тянущуюся снизу вверх струну, которая закреплена только с одной стороны. Держаться вертикально и не падать ей помогает система противовесов — гибких стальных лепестков. Для того, чтобы его стальная нить стояла, Колейчук использовал принцип натяжения тетивы в луке.
Три стакана. 1996
Работа выполнена в технике штриховой стереографии, когда на стальную поверхность наносится множество насечек. Падающий на эту гравированную поверхность свет создает оптическую иллюзию объемного объекта. Чтобы окончательно смутить зрителя, Колейчук на эту же поверхность ставит настоящий граненый стакан.
Гравицапа. 1985
Гравицапа, как и многие другие предметы вымышленного мира кинокартины «Кин-дза-дза», придумана Колейчуком.
Кинетические объекты екатеринбургской художницы Анастасии Крохалевой можно увидеть на выставке «Звуки тишины» в галерее современного искусства ОкNо ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporaryart #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
Рассказывая о кинетическом искусстве, невозможно не представить творчество одного из самых ярких представителей кинетического искусства в России — Вячеслава Колейчука. Создатель самонапряженных и «самовозводящихся» конструкций, вантово-стержневых структур, самоколлажей, штриховых стереографий и установок светового формообразования, акустических конструкций и необычных музыкальных инструментов — овалоидов и пластинофонов, и, наконец, «гравицапы» — объекта для фильма «Кин-дза-дза!», Вячеслав Колейчук на протяжении всего своего творческого пути работал на стыке разных видов искусств.
Атом. 1967
Одним из первых и самым дерзким проектом Колейчука стал 13-метровый вращающийся и звучащий «Атом». Кинетическая композиция, установленная в 1967 году перед зданием Института атомной энергии Академии наук СССР им. И. В. Курчатова.
Стоящая нить. 1976
Самая известная работа Колейчука, где художник экспериментирует с вертикальными конструкциями. Объект представляет собой тянущуюся снизу вверх струну, которая закреплена только с одной стороны. Держаться вертикально и не падать ей помогает система противовесов — гибких стальных лепестков. Для того, чтобы его стальная нить стояла, Колейчук использовал принцип натяжения тетивы в луке.
Три стакана. 1996
Работа выполнена в технике штриховой стереографии, когда на стальную поверхность наносится множество насечек. Падающий на эту гравированную поверхность свет создает оптическую иллюзию объемного объекта. Чтобы окончательно смутить зрителя, Колейчук на эту же поверхность ставит настоящий граненый стакан.
Гравицапа. 1985
Гравицапа, как и многие другие предметы вымышленного мира кинокартины «Кин-дза-дза», придумана Колейчуком.
Кинетические объекты екатеринбургской художницы Анастасии Крохалевой можно увидеть на выставке «Звуки тишины» в галерее современного искусства ОкNо ул. Сони Кривой, 79А
Время работы: четверг, пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#oknogallery #oknoartists #oknofriends #современноеискусство #contemporaryart #chelyabinsk #челябинск #челябинск74
#образовательные_вторники
Посты в этой рубрике обычно связаны с видом искусства или проблемой, которыми занимается художник, чей проект инсталлируется в галерее. Сегодня — исключение.
Кто из нас не любит лениться. Вот сегодня у меня было несколько причин пропустить публикацию: следующий наш проект откроется только в начале февраля, весь день было ужасное самочувствие (и не факт, что я еще не разболеюсь), но зная об особенностях работы мозга человека, пришлось взять себя в руки.
В связи с этим в голову пришла идея — поделиться с вами информацией о том, что управляет нашей волей и можно ли ее тренировать. Не торопитесь перелистывать, если опасаетесь, что я стану предлагать 10 способов тренировать волю. Спойлер — это невозможно.
«Волевой» или «не волевой» вы человек зависит не от вас. Эта особенность обусловлена генной предрасположенностью и работой головного мозга, точнее одного из «древнейших» его разделов» — лимбической системой. Именно лимбическая система подкидывает нам сиюминутное решение отложить на потом или вовсе не делать что-то, а лучше получить немедленно какое-нибудь удовольствие, отвлечься.
Зная особенности работы нашего мозга, и не обладая волей, можно использовать разные механизмы договориться с собой, вернее с другими отделами нашего мозга, с лимбической системой даже не пробуйте, она недоговороспособна.
Чтобы разобраться в этом вопросе и узнать много полезного, рекомендую книгу биолога, научного журналиста Ирины Якутенко «Воля и самоконтроль. Как гены и мозг мешают нам бороться с соблазнами».
Несколько советов от Ирины:
1. Бросьте привычку«начинать новую жизнь» с 1 января
2. Не принимайте ответственных решений, если вы голодны: в таком состоянии сложнее контролировать порывы
3. Избегайте сверх жестких диет: из-за недостатка глюкозы мозг рано или поздно сдастся, и вы сорветесь
4. Не сдерживайте свои эмоции
Посты в этой рубрике обычно связаны с видом искусства или проблемой, которыми занимается художник, чей проект инсталлируется в галерее. Сегодня — исключение.
Кто из нас не любит лениться. Вот сегодня у меня было несколько причин пропустить публикацию: следующий наш проект откроется только в начале февраля, весь день было ужасное самочувствие (и не факт, что я еще не разболеюсь), но зная об особенностях работы мозга человека, пришлось взять себя в руки.
В связи с этим в голову пришла идея — поделиться с вами информацией о том, что управляет нашей волей и можно ли ее тренировать. Не торопитесь перелистывать, если опасаетесь, что я стану предлагать 10 способов тренировать волю. Спойлер — это невозможно.
«Волевой» или «не волевой» вы человек зависит не от вас. Эта особенность обусловлена генной предрасположенностью и работой головного мозга, точнее одного из «древнейших» его разделов» — лимбической системой. Именно лимбическая система подкидывает нам сиюминутное решение отложить на потом или вовсе не делать что-то, а лучше получить немедленно какое-нибудь удовольствие, отвлечься.
Зная особенности работы нашего мозга, и не обладая волей, можно использовать разные механизмы договориться с собой, вернее с другими отделами нашего мозга, с лимбической системой даже не пробуйте, она недоговороспособна.
Чтобы разобраться в этом вопросе и узнать много полезного, рекомендую книгу биолога, научного журналиста Ирины Якутенко «Воля и самоконтроль. Как гены и мозг мешают нам бороться с соблазнами».
Несколько советов от Ирины:
1. Бросьте привычку«начинать новую жизнь» с 1 января
2. Не принимайте ответственных решений, если вы голодны: в таком состоянии сложнее контролировать порывы
3. Избегайте сверх жестких диет: из-за недостатка глюкозы мозг рано или поздно сдастся, и вы сорветесь
4. Не сдерживайте свои эмоции
#образовательные_вторники
С 10 февраля в галерее экспонируется проект Анастасии Богомоловой «Высота отделения» (инсталляция, видео).
Анастасия Богомолова — художница, работающая с перформативными практиками, документирующая процесс в инсталляциях, фотографиях, скульптурах, видео, звуке и тексте. О ее проекте мы будем рассказывать в отдельных постах, а по вторникам — будем говорить с вами об истории перформанса и самых значительных художниках этого медиума.
Перформанс, или «живое искусство» (Live Art), возникает в той же интеллектуальной среде, что и концептуализм, и вырастает из социальных движений. В одной из первых деклараций международного движения «Флюксус» в 1961 году, провозгласившей «живое искусство», говорится, что действия художника могут стать произведением искусства и иметь концептуальный замысел.
Участница «Флюксус» Йоко Оно в акции «Отрежь кусок» (1964), посвященной теме насилия над женщиной, предложила публике резать ее одежду.
В 1960—1970-е годы акции художников выражали идеи, не оставляя после себя художественных объектов, снимая вопросы эстетики и коммерции.
На фото: Йоко Оно «Отрежь кусок». 1964
© Imagine Peace
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00; суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
С 10 февраля в галерее экспонируется проект Анастасии Богомоловой «Высота отделения» (инсталляция, видео).
Анастасия Богомолова — художница, работающая с перформативными практиками, документирующая процесс в инсталляциях, фотографиях, скульптурах, видео, звуке и тексте. О ее проекте мы будем рассказывать в отдельных постах, а по вторникам — будем говорить с вами об истории перформанса и самых значительных художниках этого медиума.
Перформанс, или «живое искусство» (Live Art), возникает в той же интеллектуальной среде, что и концептуализм, и вырастает из социальных движений. В одной из первых деклараций международного движения «Флюксус» в 1961 году, провозгласившей «живое искусство», говорится, что действия художника могут стать произведением искусства и иметь концептуальный замысел.
Участница «Флюксус» Йоко Оно в акции «Отрежь кусок» (1964), посвященной теме насилия над женщиной, предложила публике резать ее одежду.
В 1960—1970-е годы акции художников выражали идеи, не оставляя после себя художественных объектов, снимая вопросы эстетики и коммерции.
На фото: Йоко Оно «Отрежь кусок». 1964
© Imagine Peace
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00; суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Йозеф Бойс — еще один участник международного арт-движения «Флюксус» — считал, что искусство должно по-настоящему менять повседневную жизнь человека. В попытках преобразовать сознание людей, он прибегал к драматическим жестам.
Перформанс «Как объяснить картины мертвому зайцу» состоялся 26 ноября 1965 года в дюссельдорфской галерее Альфреда Шмелы. Бойс, вымазав голову медом и покрыв ее сусальным золотом, взял в руки мертвого зайца и тихо расхаживал с ним среди своих рисунков и живописных полотен, «так, чтобы он мог прикасаться лапками к картинам». Затем он сел на стул в углу и принялся разъяснять мертвому животному смысл этих произведений, «потому что рассказывать о них людям мне не особенно нравятся… а заяц, даже мертвый, обладает большей чувствительностью и инстинктивным пониманием, чем некоторые люди с их твердолобым рациональным мышлением».
Перформанс «Я люблю Америку, а Америка любит меня» (1974) начался с путешествия из Дюссельдорфа в Нью-Йорк и продлился неделю. Бойс прилетел в аэропорт Джона Кеннеди с ног до головы укутанный в войлок, который должен был обеспечить ему изоляцию как в буквальном, так и в переносном смысле. Его погрузили в машину скорой помощи и привезли в галерею Рене Блока, где он провел 7 дней с койотом. В течение этого времени он вел беседы с животным , от посетителей их отделяла лишь сетчатая преграда. Он знакомил животное с предметами, среди которых был войлок, трость, кожаные перчатки, карманный фонарик, экземпляры Wall Street Journal. «Мне хотелось сосредоточится на одном койоте… отделиться, изолировать себя, не видеть Америки, видеть только койота … и поменяться с ним ролями». Для Бойса этот перформанс стал отражением истории преследования американских индейцев. Койот – символ первобытной Америки, и Бойс хотел познакомиться именно с ней, избегая Америки цивилизованной. После окончания перформанса художника увезли в аэропорт.
На фото перформансы Йозефа Бойса:
1. «Как объяснить картины мёртвому зайцу», 1965
2-4. «Я люблю Америку, а Америка любит меня», 1974.
В посте использованы материалы книги Роузли Голдберг «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней».
Приглашаем в галерею на выставку Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Йозеф Бойс — еще один участник международного арт-движения «Флюксус» — считал, что искусство должно по-настоящему менять повседневную жизнь человека. В попытках преобразовать сознание людей, он прибегал к драматическим жестам.
Перформанс «Как объяснить картины мертвому зайцу» состоялся 26 ноября 1965 года в дюссельдорфской галерее Альфреда Шмелы. Бойс, вымазав голову медом и покрыв ее сусальным золотом, взял в руки мертвого зайца и тихо расхаживал с ним среди своих рисунков и живописных полотен, «так, чтобы он мог прикасаться лапками к картинам». Затем он сел на стул в углу и принялся разъяснять мертвому животному смысл этих произведений, «потому что рассказывать о них людям мне не особенно нравятся… а заяц, даже мертвый, обладает большей чувствительностью и инстинктивным пониманием, чем некоторые люди с их твердолобым рациональным мышлением».
Перформанс «Я люблю Америку, а Америка любит меня» (1974) начался с путешествия из Дюссельдорфа в Нью-Йорк и продлился неделю. Бойс прилетел в аэропорт Джона Кеннеди с ног до головы укутанный в войлок, который должен был обеспечить ему изоляцию как в буквальном, так и в переносном смысле. Его погрузили в машину скорой помощи и привезли в галерею Рене Блока, где он провел 7 дней с койотом. В течение этого времени он вел беседы с животным , от посетителей их отделяла лишь сетчатая преграда. Он знакомил животное с предметами, среди которых был войлок, трость, кожаные перчатки, карманный фонарик, экземпляры Wall Street Journal. «Мне хотелось сосредоточится на одном койоте… отделиться, изолировать себя, не видеть Америки, видеть только койота … и поменяться с ним ролями». Для Бойса этот перформанс стал отражением истории преследования американских индейцев. Койот – символ первобытной Америки, и Бойс хотел познакомиться именно с ней, избегая Америки цивилизованной. После окончания перформанса художника увезли в аэропорт.
На фото перформансы Йозефа Бойса:
1. «Как объяснить картины мёртвому зайцу», 1965
2-4. «Я люблю Америку, а Америка любит меня», 1974.
В посте использованы материалы книги Роузли Голдберг «Искусство перформанса. От футуризма до наших дней».
Приглашаем в галерею на выставку Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Одной из значительных фигур в истории перформанса несомненно стал Джон Кейдж — композитор, художник, теоретик, повлиявший не только на современную музыку, но и на целое направление в искусстве середины XX века, связанное с использованием «случайных» элементов (алеаторика). В свои музыкальные перформансы Кейдж включал элементы «шума» и «тишины».
В манифесте «Будущее музыки: кредо» Джон Кейдж писал: «Где бы мы ни были, чтобы мы не слышали, это в основном шумы: гул грузовика на скорости 50 миль в час, помехи между радиостанциями, дождь». Кейдж хотел «завладеть этими шумами контролировать их и использовать не как акустические эффекты, а как музыкальные инструменты».
В 1952 году Кейдж написал, наверное, самую известную свою пьесу «4’33» для любого инструмента (или их комбинации), состоящую из трёх движений, фактически предписывающих исполнителю не играть на инструменте в течение всего произведения. Первое движение составляет 30 секунд; второе — две минуты и 23 секунды, и третье — одну минуту и 40 секунд. В действительности это исполненное музыкальное произведение Кейджа состояло из звуков окружающей среды.
В галерее проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы:
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Одной из значительных фигур в истории перформанса несомненно стал Джон Кейдж — композитор, художник, теоретик, повлиявший не только на современную музыку, но и на целое направление в искусстве середины XX века, связанное с использованием «случайных» элементов (алеаторика). В свои музыкальные перформансы Кейдж включал элементы «шума» и «тишины».
В манифесте «Будущее музыки: кредо» Джон Кейдж писал: «Где бы мы ни были, чтобы мы не слышали, это в основном шумы: гул грузовика на скорости 50 миль в час, помехи между радиостанциями, дождь». Кейдж хотел «завладеть этими шумами контролировать их и использовать не как акустические эффекты, а как музыкальные инструменты».
В 1952 году Кейдж написал, наверное, самую известную свою пьесу «4’33» для любого инструмента (или их комбинации), состоящую из трёх движений, фактически предписывающих исполнителю не играть на инструменте в течение всего произведения. Первое движение составляет 30 секунд; второе — две минуты и 23 секунды, и третье — одну минуту и 40 секунд. В действительности это исполненное музыкальное произведение Кейджа состояло из звуков окружающей среды.
В галерее проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея современного искусства ОкNо
ул. Сони Кривой, 79А
Время работы:
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
#образовательные_вторники
Марина Абрамович — имя этой художницы, кажется, известно даже тем, кто никогда не интересовался современным искусством. С середины 1970-х Абрамович начала заниматься перформансами, объявив собственное тело главным объектом и средством художественного выражения в своих произведениях.
Она начала с серии длительных протестных перформансов, связанных с политическим устройством социалистической Югославии. В ранних перформансах Абрамович, как правило, ставила себя, а иногда и зрителей в экстремальные условия — наносила себе раны, втыкая ножи между пальцами («Ритм 10», 1973), лежала в горящей конструкции в виде пятиконечной звезды («Ритм 5», 1974), вырезала бритвой звезду у себя на животе и затем лежала на льду с кровоточащими ранами («Губы Томаса», 1975).
Кульминацией экспериментов над собственным телом стал перформанс «Ритм 0» (1974) в галерее Morra в Неаполе, во время которого Абрамович разложила перед зрителями 72 предмета, которыми люди могли пользоваться как угодно. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями.
Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович вспоминала: «Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. <...> Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».
Продолжение следует.
А в ОкNo проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб
Марина Абрамович — имя этой художницы, кажется, известно даже тем, кто никогда не интересовался современным искусством. С середины 1970-х Абрамович начала заниматься перформансами, объявив собственное тело главным объектом и средством художественного выражения в своих произведениях.
Она начала с серии длительных протестных перформансов, связанных с политическим устройством социалистической Югославии. В ранних перформансах Абрамович, как правило, ставила себя, а иногда и зрителей в экстремальные условия — наносила себе раны, втыкая ножи между пальцами («Ритм 10», 1973), лежала в горящей конструкции в виде пятиконечной звезды («Ритм 5», 1974), вырезала бритвой звезду у себя на животе и затем лежала на льду с кровоточащими ранами («Губы Томаса», 1975).
Кульминацией экспериментов над собственным телом стал перформанс «Ритм 0» (1974) в галерее Morra в Неаполе, во время которого Абрамович разложила перед зрителями 72 предмета, которыми люди могли пользоваться как угодно. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями.
Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович вспоминала: «Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. <...> Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».
Продолжение следует.
А в ОкNo проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
Галерея ОкNо:
ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб
#образовательные_вторники
Марина Абрамович и Улай. 1976-1988
В 1976 году Марина Абрамович переезжает из Югославии в Амстердам, где знакомится с немецким художником, известным под псевдонимом Улай (Франк Уве Лайзипен), который становится соавтором работ, партнером в перформанса и в жизни. Вместе они продолжают исследовать границы возможностей тела, вопросы, связанные с индивидуальностью человека и его самоопределением во взаимодействии с Другим.
За 12 лет Абрамович и Улай сделали ряд перформансов. Расскажем о двух из них. Самый трудный, по мнению Марины Абрамович, перформанс — «Энергия покоя» (Дублин, 1980) — длился четыре минуты и десять секунд и был посвящен «безграничному доверию». Стоя друг напротив друга, художники отклонялись назад: Абрамович держала лук, а Улай тетиву и стрелу, направленную прямо ей в сердце. У обоих к груди были прикреплены микрофоны и звук их учащающегося сердцебиения транслировался во все помещения галереи. Одно неловкое движение Улая могло убить Абрамович.
«Влюбленные: Великая стена». 1988
В 1980 году Марина и Улай решили узаконить свои отношения, и сделать из этого перформанс — они немеривались покорить Великую Китайскую стену. Но в течение 8 лет они ждали разрешения Китая на перформанс, а когда получили, их отношения закончились, но перформанс они все же решили провести.
В течение трех месяцев художники шли навстречу друг другу с противоположных концов Китайской стены, чтобы встретившись на середине, сказать друг другу «прощай», разойтись и после жить и работать по отдельности.
В ОкNо проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
На фото: «Энергия покоя». 1980. Дублин, 1980; «Влюбленные: Великая стена». 1988. Китай
Продолжение следует.
Галерея ОкNо:ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.
Марина Абрамович и Улай. 1976-1988
В 1976 году Марина Абрамович переезжает из Югославии в Амстердам, где знакомится с немецким художником, известным под псевдонимом Улай (Франк Уве Лайзипен), который становится соавтором работ, партнером в перформанса и в жизни. Вместе они продолжают исследовать границы возможностей тела, вопросы, связанные с индивидуальностью человека и его самоопределением во взаимодействии с Другим.
За 12 лет Абрамович и Улай сделали ряд перформансов. Расскажем о двух из них. Самый трудный, по мнению Марины Абрамович, перформанс — «Энергия покоя» (Дублин, 1980) — длился четыре минуты и десять секунд и был посвящен «безграничному доверию». Стоя друг напротив друга, художники отклонялись назад: Абрамович держала лук, а Улай тетиву и стрелу, направленную прямо ей в сердце. У обоих к груди были прикреплены микрофоны и звук их учащающегося сердцебиения транслировался во все помещения галереи. Одно неловкое движение Улая могло убить Абрамович.
«Влюбленные: Великая стена». 1988
В 1980 году Марина и Улай решили узаконить свои отношения, и сделать из этого перформанс — они немеривались покорить Великую Китайскую стену. Но в течение 8 лет они ждали разрешения Китая на перформанс, а когда получили, их отношения закончились, но перформанс они все же решили провести.
В течение трех месяцев художники шли навстречу друг другу с противоположных концов Китайской стены, чтобы встретившись на середине, сказать друг другу «прощай», разойтись и после жить и работать по отдельности.
В ОкNо проходит выставка Анастасии Богомоловой «Высота отделения», где можно увидеть видеоперформансы уральской художницы.
На фото: «Энергия покоя». 1980. Дублин, 1980; «Влюбленные: Великая стена». 1988. Китай
Продолжение следует.
Галерея ОкNо:ул. Сони Кривой, 79 А
пятница — 16:00–20:00
суббота, воскресенье — 14:00–18:00
Вход — 200 руб., медиация — 50 руб.