017. Сайт, сделанный по правилам, который потом был аглифицирован
Часто говорят, что цифровая среда должна быть рациональной, удобной и даже незаметной. Когда мы (сегодня это слово пишет Виталик) работали над онлайн-магазином для Ugly Sweater Club, это представление противоречило нашей главной задаче — сохранить в сайте характер бренда, который полюбился людям своей непринужденностью, живостью и экспериментальностью.
Мы подумали, что непринужденность нельзя сымитировать, поэтому добавили в работу элемент игры: сначала сделали аккуратный сайт, а затем попытались его сломать. И даже придумали для этого процесса термин — сайт нужно было «аглифицировать». Это пример моего (Виталика) любимого метода — перформативного дизайна, когда метафора применяется не только к визуальному языку, но и к самому процессу работы.
В одежде Ugly Sweater Club используют вязку шиворот-навыворот и неожиданные сочетания цветов, оставляют вылезающую в процессе пряжу, искажают привычные силуэты. Так же и в сайте незаметное становится огромным и ярким, меню висит как торчащие нитки, а элементы наслаиваются и прилипают друг к другу. Один из главных приёмов — неаккуратно обрезанные фотографии — был взят из снимков рабочего процесса команды бренда.
Для нас было важно не переборщить с «аглификацией» и сохранить функциональность сайта, хоть и в стилизованном варианте: стартовая страница показывает последние съёмки и новые товары, каталог сделан привычной сеткой с фильтрами и поиском, а страница товара свёрстана понятным сплит-скрином с крупной фотографией и подробным описанием. С яркими цветами мы работали по принципам цифровой доступности: проверяли контрастность и не использовали цвет как единственный индикатор состояния.
Отдельно хочется рассказать о реализации сайта. Для команды Ugly Sweater Club важно легко обновлять контент и принимать оплату в рублях, поэтому сайт собирали на Тильде. Почти все использованные здесь блоки — базовые, лишь шапка и подвал написаны HTML-кодом. Мы модифицировали базовые блоки с помощью CSS-кода, который применён ко всему сайту, так что ребята могут самостоятельно собирать новые страницы или менять структуру.
Ссылка на сайт ↗
Часто говорят, что цифровая среда должна быть рациональной, удобной и даже незаметной. Когда мы (сегодня это слово пишет Виталик) работали над онлайн-магазином для Ugly Sweater Club, это представление противоречило нашей главной задаче — сохранить в сайте характер бренда, который полюбился людям своей непринужденностью, живостью и экспериментальностью.
Мы подумали, что непринужденность нельзя сымитировать, поэтому добавили в работу элемент игры: сначала сделали аккуратный сайт, а затем попытались его сломать. И даже придумали для этого процесса термин — сайт нужно было «аглифицировать». Это пример моего (Виталика) любимого метода — перформативного дизайна, когда метафора применяется не только к визуальному языку, но и к самому процессу работы.
В одежде Ugly Sweater Club используют вязку шиворот-навыворот и неожиданные сочетания цветов, оставляют вылезающую в процессе пряжу, искажают привычные силуэты. Так же и в сайте незаметное становится огромным и ярким, меню висит как торчащие нитки, а элементы наслаиваются и прилипают друг к другу. Один из главных приёмов — неаккуратно обрезанные фотографии — был взят из снимков рабочего процесса команды бренда.
Для нас было важно не переборщить с «аглификацией» и сохранить функциональность сайта, хоть и в стилизованном варианте: стартовая страница показывает последние съёмки и новые товары, каталог сделан привычной сеткой с фильтрами и поиском, а страница товара свёрстана понятным сплит-скрином с крупной фотографией и подробным описанием. С яркими цветами мы работали по принципам цифровой доступности: проверяли контрастность и не использовали цвет как единственный индикатор состояния.
Отдельно хочется рассказать о реализации сайта. Для команды Ugly Sweater Club важно легко обновлять контент и принимать оплату в рублях, поэтому сайт собирали на Тильде. Почти все использованные здесь блоки — базовые, лишь шапка и подвал написаны HTML-кодом. Мы модифицировали базовые блоки с помощью CSS-кода, который применён ко всему сайту, так что ребята могут самостоятельно собирать новые страницы или менять структуру.
Ссылка на сайт ↗
018. Объективация Нон-Обджектив
В ближайшее время расскажу подробнее про вазу VASE-21, которую мы выпустили в рамках Apropos Editions, — а сегодня хочу немного задать контекст и объяснить, как и зачем появился сам проект Apropos.
В ежедневной работе и образовательной практике, в интервью и лекциях мы часто говорим о нашем понимании дизайна. Для нас он — про идеи. Про придумывание и проектирование. Про работу головой, а не только руками. Про мысль, а не только про рисование картинок. С этим тесно переплетена и другая важная мысль: все «дизайны» — графический, интерьерный, мода, предметный дизайн, архитектура, дисциплины, сфокусированные на проектировании, — на самом деле не так уж разделены. Напротив, они могут и должны соприкасаться, потому что эти точки контакта провоцируют появление нового. Ведь дизайнер — это не просто набор технических навыков, а носитель подхода, видения, личного контекста. И это видение не обязано ограничиваться рамками одной индустрии или дисциплины. Идеи не знают границ.
С этими мыслями — и с давним желанием делать больше собственных физических вещей, а не только двигать пиксели на экранах — мы решили запустить своё небольшое издательство. Так появился Apropos Press. Почти сразу он трансформировался в Apropos Editions: слово Editions освободило нас от исключительно печатного и ввело другую рамку — тиражность. От одного экземпляра до бесконечности.
Первым проектом стала книга-каталог «Outcomes Studies», которая подытожила наш исследовательский проект, который прежде существовал онлайн и был показан на выставке в миланском Small Small Space. Следом — небольшая книжка (про неё тоже расскажу, когда напечатаем новый тираж) об истории и идеологии Non-Objective, напечатанная уже к сеульской выставке, — она получилась куда содержательнее и эффектнее, чем визитки.
А параллельно всё это время мы работали над первым небумажным проектом Apropos — вазой VASE-21. Пока она оформлялась и доводилась до финала, стало ясно, что Apropos мы видим таким инди-брендом, выпускающим Non-Objective objectified вещи. То есть не только публикации и объекты, выросшие из нашего процесса и ставшие сайд-проектами, но и самостоятельные, автономные вещи (как, например, ваза, которая планирует тур по европейским дизайн-ярмаркам и выставкам). Объекты, которые могут существовать без прямой связки с основной студийной практикой, но остаются при этом очень нашими — ведь они проходят через наш подход и визуальный язык, наше видение, наши интересы в моменте. Просто теперь они обрели форму и пошли в мир.
У нас есть небольшой сайт ↗ с примерным планом релизов, а ещё можно поглядеть на первые штуки в соцсетях ↗
В ближайшее время расскажу подробнее про вазу VASE-21, которую мы выпустили в рамках Apropos Editions, — а сегодня хочу немного задать контекст и объяснить, как и зачем появился сам проект Apropos.
В ежедневной работе и образовательной практике, в интервью и лекциях мы часто говорим о нашем понимании дизайна. Для нас он — про идеи. Про придумывание и проектирование. Про работу головой, а не только руками. Про мысль, а не только про рисование картинок. С этим тесно переплетена и другая важная мысль: все «дизайны» — графический, интерьерный, мода, предметный дизайн, архитектура, дисциплины, сфокусированные на проектировании, — на самом деле не так уж разделены. Напротив, они могут и должны соприкасаться, потому что эти точки контакта провоцируют появление нового. Ведь дизайнер — это не просто набор технических навыков, а носитель подхода, видения, личного контекста. И это видение не обязано ограничиваться рамками одной индустрии или дисциплины. Идеи не знают границ.
С этими мыслями — и с давним желанием делать больше собственных физических вещей, а не только двигать пиксели на экранах — мы решили запустить своё небольшое издательство. Так появился Apropos Press. Почти сразу он трансформировался в Apropos Editions: слово Editions освободило нас от исключительно печатного и ввело другую рамку — тиражность. От одного экземпляра до бесконечности.
Первым проектом стала книга-каталог «Outcomes Studies», которая подытожила наш исследовательский проект, который прежде существовал онлайн и был показан на выставке в миланском Small Small Space. Следом — небольшая книжка (про неё тоже расскажу, когда напечатаем новый тираж) об истории и идеологии Non-Objective, напечатанная уже к сеульской выставке, — она получилась куда содержательнее и эффектнее, чем визитки.
А параллельно всё это время мы работали над первым небумажным проектом Apropos — вазой VASE-21. Пока она оформлялась и доводилась до финала, стало ясно, что Apropos мы видим таким инди-брендом, выпускающим Non-Objective objectified вещи. То есть не только публикации и объекты, выросшие из нашего процесса и ставшие сайд-проектами, но и самостоятельные, автономные вещи (как, например, ваза, которая планирует тур по европейским дизайн-ярмаркам и выставкам). Объекты, которые могут существовать без прямой связки с основной студийной практикой, но остаются при этом очень нашими — ведь они проходят через наш подход и визуальный язык, наше видение, наши интересы в моменте. Просто теперь они обрели форму и пошли в мир.
У нас есть небольшой сайт ↗ с примерным планом релизов, а ещё можно поглядеть на первые штуки в соцсетях ↗
019. Формула, по которой собираются пространства RADIUS
Привет, сегодня здесь Катя, и я пришла рассказать про то, как придумывался «конструктор» пространств для бренда оптики RADIUS, наших друзей и постоянных клиентов.
Как сделать так, чтобы теперь все интерьеры RADIUS были частью общей «вселенной» бренда, а не отдельными единицами? К этому моменту у бренда было уже несколько магазинов, которые были разрознены визуально и делались разными архитекторами. Понимая, что в будущем будут открываться новые магазины и закроется часть старых, мы решили сформировать креативную рамку для всех пространств, которая при этом будет гибкой, но всё равно узнаваемой за счёт верхнеуровневой идеи и общих архитектурных принципов.
Очки RADIUS помогают каждому видеть всё на 100% и испытывать любые эмоции, смотря на мир вокруг, и поэтому пространства магазинов должны давать посетителям возможность испытать новую эмоцию или опыт. Так мы нащупали принцип: каждый магазин RADIUS — это свой уникальный формат, новый опыт и своё название.
Каждый магазин бренда — самостоятельное «место» со своим форматом, диктующим его эстетику и особенности. RADIUS Shop&Cafe на Петроградке, RADIUS Office на Покровке — а в будущем RADIUS Cinema, или может RADIUS Court, или Library?
Для того чтобы сохранять цельность, мы придумали «формулу», по которой собирается любое пространство RADIUS: узнаваемое ДНК (80%) + надстройки (20%). В первом мы собрали основы визуального языка и подхода RADIUS: какие материалы используем, какими они должны быть тактильно, какие должны быть ограничения по палитре, какие есть принципы работы с мебелью. А надстройки состоят из подхода к кастомным решениям в мебели, продуманном опыте в сервисе, униформе и графическом оформлении для каждого отдельного пространства. Так как надстройки составляют всего 20%, они позволяют бренду сохранять эклектичность, но в понятных рамках — хотя и без строгих гайдлайнов.
Прошлым летом открылось первое пространство бренда в формате корнера в универмаге. Его — уже по новой формуле — создавали со студией Slackers и чутким консультированием нашего друга Вовы Спакиса. Концепция про офис родилась у нас из мысли, что универмаг — это большой опенсейс, где у каждого бренда есть свой cubicle. Она была поддержана нарочитой функциональностью стеллажей, на которых (будто бы папки в архиве) стояли коробки с очками, зеркалом-вайтбордом на колёсиках, рабочим местом — стойкой консультанта, у которых были намеренно корпоративные бейджи в качестве обязательной части униформы.
А ещё мини-история в качестве бонуса. Теперь здесь Артём, привет.
Накануне открытия выяснилось, что подрядчик (здесь будет честным пожелать всем никогда не пересекаться с Factura Factory, контакт с которыми не оставил у нас всех ни единой реакции, которую пропустила бы цензура этого канала), отвечающий за мебель, привёз полностью испорченные стеллажи, а все остальные объекты — с серьёзными дефектами.
Переносить открытие, на которое уже позвали много гостей и друзей бренда, было невозможно, поэтому пришлось экстренно придумывать решение. Что-то, что помогло бы отвлечь гостей от всех недочётов, что было бы эффектным визуально — но быстрым в реализации, ведь у нас было буквально два дня. И, видимо, на адреналине мы нашли замечательную в своей простоте идею — заклеить вообще всё пространство post-it стикерами. И вот просто так то, что было придумано как заплатка, в итоге сработало и было воспринято как цельная инсталляция в офискор-духе.
Привет, сегодня здесь Катя, и я пришла рассказать про то, как придумывался «конструктор» пространств для бренда оптики RADIUS, наших друзей и постоянных клиентов.
Как сделать так, чтобы теперь все интерьеры RADIUS были частью общей «вселенной» бренда, а не отдельными единицами? К этому моменту у бренда было уже несколько магазинов, которые были разрознены визуально и делались разными архитекторами. Понимая, что в будущем будут открываться новые магазины и закроется часть старых, мы решили сформировать креативную рамку для всех пространств, которая при этом будет гибкой, но всё равно узнаваемой за счёт верхнеуровневой идеи и общих архитектурных принципов.
Очки RADIUS помогают каждому видеть всё на 100% и испытывать любые эмоции, смотря на мир вокруг, и поэтому пространства магазинов должны давать посетителям возможность испытать новую эмоцию или опыт. Так мы нащупали принцип: каждый магазин RADIUS — это свой уникальный формат, новый опыт и своё название.
Каждый магазин бренда — самостоятельное «место» со своим форматом, диктующим его эстетику и особенности. RADIUS Shop&Cafe на Петроградке, RADIUS Office на Покровке — а в будущем RADIUS Cinema, или может RADIUS Court, или Library?
Для того чтобы сохранять цельность, мы придумали «формулу», по которой собирается любое пространство RADIUS: узнаваемое ДНК (80%) + надстройки (20%). В первом мы собрали основы визуального языка и подхода RADIUS: какие материалы используем, какими они должны быть тактильно, какие должны быть ограничения по палитре, какие есть принципы работы с мебелью. А надстройки состоят из подхода к кастомным решениям в мебели, продуманном опыте в сервисе, униформе и графическом оформлении для каждого отдельного пространства. Так как надстройки составляют всего 20%, они позволяют бренду сохранять эклектичность, но в понятных рамках — хотя и без строгих гайдлайнов.
Прошлым летом открылось первое пространство бренда в формате корнера в универмаге. Его — уже по новой формуле — создавали со студией Slackers и чутким консультированием нашего друга Вовы Спакиса. Концепция про офис родилась у нас из мысли, что универмаг — это большой опенсейс, где у каждого бренда есть свой cubicle. Она была поддержана нарочитой функциональностью стеллажей, на которых (будто бы папки в архиве) стояли коробки с очками, зеркалом-вайтбордом на колёсиках, рабочим местом — стойкой консультанта, у которых были намеренно корпоративные бейджи в качестве обязательной части униформы.
А ещё мини-история в качестве бонуса. Теперь здесь Артём, привет.
Накануне открытия выяснилось, что подрядчик (здесь будет честным пожелать всем никогда не пересекаться с Factura Factory, контакт с которыми не оставил у нас всех ни единой реакции, которую пропустила бы цензура этого канала), отвечающий за мебель, привёз полностью испорченные стеллажи, а все остальные объекты — с серьёзными дефектами.
Переносить открытие, на которое уже позвали много гостей и друзей бренда, было невозможно, поэтому пришлось экстренно придумывать решение. Что-то, что помогло бы отвлечь гостей от всех недочётов, что было бы эффектным визуально — но быстрым в реализации, ведь у нас было буквально два дня. И, видимо, на адреналине мы нашли замечательную в своей простоте идею — заклеить вообще всё пространство post-it стикерами. И вот просто так то, что было придумано как заплатка, в итоге сработало и было воспринято как цельная инсталляция в офискор-духе.
🔥26
Non-Objective 5
Сегодня студии исполняется пять. Меняясь и понемногу разрастаясь с каждым годом, студийная практика Non-Objective остаётся для нас поводом и возможностью заниматься самым любимым: работать вместе с теми, в кого мы верим, помогать другим и знакомиться с новым, запускать собственные проекты, вносить вклад в визуальный ландшафт — и постепенно переосмыслять роль дизайнера в сегодняшнем мире.
Всё это было бы невозможно без команды, границы которой уже невозможно провести чётко: Катя, Лиза, Ваня, Катя, Аня, Виталик, Маша, Лена, Дима, Рома, Влада, Матвей, Настя, Борис, Ася — спасибо вам всем. И, конечно, это было бы невозможно без всех наших соавторов: клиентов, друзей, студентов и нашего комьюнити — спасибо вам всем.
Чтобы осознать момент и пополнить архив бескрайнего интернета, мы оставляем небольшую засечку — и раз в год обновляем студийный сайт. В этот раз — как обычно — добавили новые проекты в раздел Gallery, освежили общий дизайн, попрощались с Favorit, который сопровождал нас все пять лет, и перешли на ABC Diatype. Обновили иллюстрацию: описать её можно, как и всегда, одним главным словом — non-objective. Конечно же, она авторства бессменной Насти Ким. Пересобрали архив и пересмотрели тексты и формулировки в разделе Studio.
А ещё добавили новый раздел — Extensions — для проектов, которые выходят за рамки основной студийной практики: для художественных и исследовательских проектов, публикаций, объектов, медийных и образовательных форматов. То, что всё больше занимает нас — и в работе, и в размышлениях.
В общем, много нового — но одно точно неизменно: сайт остаётся нашим манифестом. Он по-прежнему отражает то, что нас интересует, как мы работаем и куда сейчас смотрим.
Смотрите:
www.non-objective.works
Сегодня студии исполняется пять. Меняясь и понемногу разрастаясь с каждым годом, студийная практика Non-Objective остаётся для нас поводом и возможностью заниматься самым любимым: работать вместе с теми, в кого мы верим, помогать другим и знакомиться с новым, запускать собственные проекты, вносить вклад в визуальный ландшафт — и постепенно переосмыслять роль дизайнера в сегодняшнем мире.
Всё это было бы невозможно без команды, границы которой уже невозможно провести чётко: Катя, Лиза, Ваня, Катя, Аня, Виталик, Маша, Лена, Дима, Рома, Влада, Матвей, Настя, Борис, Ася — спасибо вам всем. И, конечно, это было бы невозможно без всех наших соавторов: клиентов, друзей, студентов и нашего комьюнити — спасибо вам всем.
Чтобы осознать момент и пополнить архив бескрайнего интернета, мы оставляем небольшую засечку — и раз в год обновляем студийный сайт. В этот раз — как обычно — добавили новые проекты в раздел Gallery, освежили общий дизайн, попрощались с Favorit, который сопровождал нас все пять лет, и перешли на ABC Diatype. Обновили иллюстрацию: описать её можно, как и всегда, одним главным словом — non-objective. Конечно же, она авторства бессменной Насти Ким. Пересобрали архив и пересмотрели тексты и формулировки в разделе Studio.
А ещё добавили новый раздел — Extensions — для проектов, которые выходят за рамки основной студийной практики: для художественных и исследовательских проектов, публикаций, объектов, медийных и образовательных форматов. То, что всё больше занимает нас — и в работе, и в размышлениях.
В общем, много нового — но одно точно неизменно: сайт остаётся нашим манифестом. Он по-прежнему отражает то, что нас интересует, как мы работаем и куда сейчас смотрим.
Смотрите:
www.non-objective.works
«В будущее возьмут не всех: честное интервью со студией Non-Objective»
В этом году концепцию и айдентику фестиваля G8 выпало придумывать нам — и на фоне этого случился наш с Катей разговор с Ксюшей Коростелевой из медиа «поле». Про айдентику мы ещё расскажем отдельно, а вот выход интервью случайным образом совпал с днём рождения студии — и это как раз одна из тех случайностей, что мы так любим, потому что оно вышло достаточно манифестационным.
Получилось вроде бы и про айдентику G8, но на самом деле — про волнующее нас всех глобальное: про будущее, иррациональное, конфликты и про то, как дизайнеры становятся заложниками удобного и безопасного.
Ссылка ↗
В этом году концепцию и айдентику фестиваля G8 выпало придумывать нам — и на фоне этого случился наш с Катей разговор с Ксюшей Коростелевой из медиа «поле». Про айдентику мы ещё расскажем отдельно, а вот выход интервью случайным образом совпал с днём рождения студии — и это как раз одна из тех случайностей, что мы так любим, потому что оно вышло достаточно манифестационным.
Получилось вроде бы и про айдентику G8, но на самом деле — про волнующее нас всех глобальное: про будущее, иррациональное, конфликты и про то, как дизайнеры становятся заложниками удобного и безопасного.
Ссылка ↗
020. Айдентика галереи, (буквально) переворачивающая привычную оптику
Мы давно хотели поработать с Анной Мерман — многим она знакома по замечательному «объединению». Когда Аня написала нам насчёт айдентики и сайта для её нового проекта, мы просто не могли не согласиться. Проектом оказалась Galerie Merman — парижская галерея с фокусом на онлайн. С момента первого обсуждения прошёл почти год: за это время галерея успела запуститься, а недавно ребята попросили поделиться мыслями о визуальном языке, который мы придумали, в рамках небольшого интервью. Частично его перескажу.
В Non-Objective точка входа в каждый проект — исследование, на котором мы вместе с партнёром формулируем образ и характер. С Аней мы пришли к нужному ощущению, что в визуальном языке должен быть точно настроен баланс инакового и понятного, который давал бы возможность встроиться в уже существующую арт-среду, но в то же время показать в ней что-то совершенно новое (а именно: онлайн (!) галерея в не самом диджитализированном европейском рынке).
Мы решили, что смена оптики и переворот привычного восприятия — это то что надо. Ведь речь не только о новом формате галереи, но и о представлении новых художников незнакомой аудитории. Внутри этого переворота важно было не удариться в крайности, а создать простор сразу для нескольких плоскостей коммуникации: чтобы у галереи был свой голос, но в то же время чтобы он не заглушал художников и их высказывания.
Идея про переворот привычной оптики работает через простое, но изящное решение в вёрстке: мы буквально выстраиваем макеты сразу в двух ориентациях, а когда голоса из разных «плоскостей» накладываются, они не перебивают, а дополняют друг друга, создавая более цельную картину.
С этим помогает и выбор шрифтовой пары: поплывший краской гротеск Rauschen B отвечает за тактильность, не становясь при этом в лоб диджитальным. Вместе с ним используется ABC Daily, чудесным образом попавший к нам до своего официального релиза — антиква, которая заигрывает с традиционно музейным, но из-за моноширинности не теряет ироничности и современности. Вместе с достаточно широкой для галереи палитрой (мы отказываемся от строгого чёрно-белого) все элементы айдентики дают нам не только нужные ощущения, но и широкий набор инструментов, с которым Galerie Merman легко будет коммуницировать как про себя, так и про работы художников; про личные выставки и про групповые; в онлайне и офлайне; с серьёзным лицом и с расслабленной улыбкой.
Важным было ощущение объёма: чтобы проект не выглядел набором картинок на странице в интернете, а чувствовался именно диджитал-фёрст галерей. Для этого мы отказались от той самой «диджитальности в лоб»: например, просто перевернули (то есть очень даже в духе всей айдентики) привычную ориентацию меню и навигационных элементов на 90°, оставив в центре страницы бесконечную «стену» для работ, которым ничего не мешает ни сверху, ни снизу — а галерея и технический «интерфейс» сайта будто бы обрамляет их. Про этот пользовательский путь вдоль всех работ мы внутри команды шутили, что это перенос открывающих титров «Молодого папы» Соррентино в онлайн.
Ещё не хотелось слишком «коммерческого» ощущения от основного раздела сайта — от галереи со всеми работами художников. Для этого придумали то, что Миша Дериченко — дизайнер этого проекта — назвал «джазовой партитурой». Вместо более конвенциальной плитки, как в онлайн-магазинах, работы раскиданы в ритмичном, но будто бы случайном порядке (но это лишь кажущаяся случайность) — так мы имитируем посещение галереи в офлайне, где есть работы разного размера, довольно часто развешанные неравномерно.
В целом, нам хотелось, чтобы и айдентика, и сайт ощущались effortlessly cool: достаточно нарядными (новая любимая дизайн-характеристика — слово, которое я подцепил у Юли Кондратьевой), но без злоупотребления дизайном — где всего в меру. Кажется, это самый честный и открытый сеттинг для того, чтобы смотреть по-новому на привычное и встречать новые имена в мире искусства.
Ссылка ↗
Мы давно хотели поработать с Анной Мерман — многим она знакома по замечательному «объединению». Когда Аня написала нам насчёт айдентики и сайта для её нового проекта, мы просто не могли не согласиться. Проектом оказалась Galerie Merman — парижская галерея с фокусом на онлайн. С момента первого обсуждения прошёл почти год: за это время галерея успела запуститься, а недавно ребята попросили поделиться мыслями о визуальном языке, который мы придумали, в рамках небольшого интервью. Частично его перескажу.
В Non-Objective точка входа в каждый проект — исследование, на котором мы вместе с партнёром формулируем образ и характер. С Аней мы пришли к нужному ощущению, что в визуальном языке должен быть точно настроен баланс инакового и понятного, который давал бы возможность встроиться в уже существующую арт-среду, но в то же время показать в ней что-то совершенно новое (а именно: онлайн (!) галерея в не самом диджитализированном европейском рынке).
Мы решили, что смена оптики и переворот привычного восприятия — это то что надо. Ведь речь не только о новом формате галереи, но и о представлении новых художников незнакомой аудитории. Внутри этого переворота важно было не удариться в крайности, а создать простор сразу для нескольких плоскостей коммуникации: чтобы у галереи был свой голос, но в то же время чтобы он не заглушал художников и их высказывания.
Идея про переворот привычной оптики работает через простое, но изящное решение в вёрстке: мы буквально выстраиваем макеты сразу в двух ориентациях, а когда голоса из разных «плоскостей» накладываются, они не перебивают, а дополняют друг друга, создавая более цельную картину.
С этим помогает и выбор шрифтовой пары: поплывший краской гротеск Rauschen B отвечает за тактильность, не становясь при этом в лоб диджитальным. Вместе с ним используется ABC Daily, чудесным образом попавший к нам до своего официального релиза — антиква, которая заигрывает с традиционно музейным, но из-за моноширинности не теряет ироничности и современности. Вместе с достаточно широкой для галереи палитрой (мы отказываемся от строгого чёрно-белого) все элементы айдентики дают нам не только нужные ощущения, но и широкий набор инструментов, с которым Galerie Merman легко будет коммуницировать как про себя, так и про работы художников; про личные выставки и про групповые; в онлайне и офлайне; с серьёзным лицом и с расслабленной улыбкой.
Важным было ощущение объёма: чтобы проект не выглядел набором картинок на странице в интернете, а чувствовался именно диджитал-фёрст галерей. Для этого мы отказались от той самой «диджитальности в лоб»: например, просто перевернули (то есть очень даже в духе всей айдентики) привычную ориентацию меню и навигационных элементов на 90°, оставив в центре страницы бесконечную «стену» для работ, которым ничего не мешает ни сверху, ни снизу — а галерея и технический «интерфейс» сайта будто бы обрамляет их. Про этот пользовательский путь вдоль всех работ мы внутри команды шутили, что это перенос открывающих титров «Молодого папы» Соррентино в онлайн.
Ещё не хотелось слишком «коммерческого» ощущения от основного раздела сайта — от галереи со всеми работами художников. Для этого придумали то, что Миша Дериченко — дизайнер этого проекта — назвал «джазовой партитурой». Вместо более конвенциальной плитки, как в онлайн-магазинах, работы раскиданы в ритмичном, но будто бы случайном порядке (но это лишь кажущаяся случайность) — так мы имитируем посещение галереи в офлайне, где есть работы разного размера, довольно часто развешанные неравномерно.
В целом, нам хотелось, чтобы и айдентика, и сайт ощущались effortlessly cool: достаточно нарядными (новая любимая дизайн-характеристика — слово, которое я подцепил у Юли Кондратьевой), но без злоупотребления дизайном — где всего в меру. Кажется, это самый честный и открытый сеттинг для того, чтобы смотреть по-новому на привычное и встречать новые имена в мире искусства.
Ссылка ↗
Мы ищем проджект-менеджера / продюсера в Non-Objective. Ключевое для нас — опыт и понимание того, как работает дизайн и как работать с дизайнерами, как устроена клиентско-студийная среда, а также — как отстаивать решения, которые принимаются в студии. Необходимые качества — самостоятельность, чёткость и ответственность за продвижение проекта из точки начала к точке сдачи.
Глобально работа состоит из трёх блоков:
① Ведение проекта: контроль и менеджмент внутренней команды по проекту; ответственность за коммуникацию и сроки.
② Коммуникация: ведение коммуникации внутри команды и снаружи — с клиентами.
③ Контроль процессов: планирование загруженности, понимание, что происходит в проектах, которые сейчас в работе.
Начнём с одного совместного проекта, а дальше будем рассматривать возможность долгосрочного сотрудничества. Мы работаем удалённо, но в часовых поясах в промежутке GMT+2 – +4. Условия будем обсуждать ситуативно.
Присылайте рассказ про себя, свой опыт работы и резюме на
Нам снова написало очень много людей — спасибо вам! Закрываем пока наш поиск.
🔥24👀12
Курс Identity from I to Y, сезон 5
Быстро расскажу, что сегодня открылся пятый набор на курс про айдентику в школе Werkstatt, и он станет последним. Но всё не так драматично: просто после него точно будет какой-то перерыв, а после перерыва курс обязательно как-то трансформируется.
А в пятом сезоне — всё как всегда. Будем вместе проходить весь путь от первой коммуникации с клиентом до сборки кейса. Будем говорить про дизайн и про всё вокруг него. Буду я и будут гости. И, как обычно, будут практики и будут слушатели. Так что успевайте записаться, если хотели. А если не хотели, то не спешите.
Ссылка на страницу курса ↗
Быстро расскажу, что сегодня открылся пятый набор на курс про айдентику в школе Werkstatt, и он станет последним. Но всё не так драматично: просто после него точно будет какой-то перерыв, а после перерыва курс обязательно как-то трансформируется.
А в пятом сезоне — всё как всегда. Будем вместе проходить весь путь от первой коммуникации с клиентом до сборки кейса. Будем говорить про дизайн и про всё вокруг него. Буду я и будут гости. И, как обычно, будут практики и будут слушатели. Так что успевайте записаться, если хотели. А если не хотели, то не спешите.
Ссылка на страницу курса ↗
021. Экспозиционное решение, меняющее контекст восприятия ежедневных объектов
Зимой 2022 года посчастливилось придумывать и курировать в «Координате» (пространство современного дизайна в Петербурге, с которым мы дружим и работаем в совершенно разных ролях) выставку стульев современных российских дизайнеров — «Точка опоры. Стулья здесь и сейчас». В каком-то смысле она появилась как ответ выставке Русского музея «Кресло, стул, табурет в русском искусстве XVIII–XX веков». Или не ответ, а продолжение её — потому что хотелось подсветить замечательных дизайнеров сегодняшнего дня. Ведь многие из них остаются в тени, хотя на их «работах» сидят и в модных ресторанах, и в локальных кофейнях, и в коворкингах, и в яндексах.
Тема дизайна ежедневных объектов интересует нас уже очень давно. И одна из главных сложностей, с которыми эта тема обычно сталкивается, — это неумение аудитории быстро переключаться между разными оптиками: как — хотя бы ненадолго — перестать видеть в совершенно бытовом объекте что-то большее, объект дизайна, у которого есть своя история, бэкграунд и за которым так или иначе обязательно стоит свой автор.
Рассказ про саму выставку и её участников заслуживает отдельной заметки, но для контекста, совсем вкратце: мы собрали наиболее заметных дизайнеров и бренды, до которых смогли дотянуться. Балансируя между функциональным и художественным, массовым и более малотиражным, традиционным и переосмысленным, подборка ограничивалась возможностями пространства, но всё-таки довольно ярко очерчивала границы существующего и подсвечивала разные грани того, что происходит в современном объектном дизайне.
А сегодня расскажу, как экспозиционное решение помогло поменять контекст восприятия объектов. Главный вопрос, на который нужно было ответить: как создать нужную дистанцию между зрителями и экспонатами, чтобы объекты стали восприниматься самодостаточными, а не бытовыми и функциональными? Эта дистанция необходима — именно за счёт неё у нас получается смотреть на объект, а не пользоваться им: функция должна отойти на второй план, на первом нам нужен объект исследования.
Ставить стулья за традиционные музейные оградки, как это было в Русском музее, точно не хотелось: в таком случае дистанция была бы слишком большой, плюс исчезло бы ощущение, что всё-таки это бытовые объекты, которые мы легко можем встретить в городской среде или, например, у друзей дома. Но в том, что нужно искать пространственное решение, сомнений не было. Так придумались постаменты: но чтобы не загромождать и без того небольшое пространство ненужными объёмами, было решено сделать их бумажными — из белых листов А0.
Чистый белый лист на полу — не только визуальная, но и мощная условная, психологическая граница (передаю привет Лёше Оситнянко). То есть он не только визуально выделяет объект на сером полу, но и подталкивает выдерживать дистанцию, на него точно не хочется случайно наступить. А ещё понравилось, как сработала концептуальная дистанция: объект находится будто бы на пьедестале, переставая быть стулом, который можно подвигать туда-сюда и протестировать. Приятным дополнительным слоем стало то, что изначально функциональное решение стало ещё и эффектным художественным приёмом — ведь этикетки ко всем стульям вполне логично перебрались на эти самые белые листы-постаменты.
Картинки 1–4 ↗
Зимой 2022 года посчастливилось придумывать и курировать в «Координате» (пространство современного дизайна в Петербурге, с которым мы дружим и работаем в совершенно разных ролях) выставку стульев современных российских дизайнеров — «Точка опоры. Стулья здесь и сейчас». В каком-то смысле она появилась как ответ выставке Русского музея «Кресло, стул, табурет в русском искусстве XVIII–XX веков». Или не ответ, а продолжение её — потому что хотелось подсветить замечательных дизайнеров сегодняшнего дня. Ведь многие из них остаются в тени, хотя на их «работах» сидят и в модных ресторанах, и в локальных кофейнях, и в коворкингах, и в яндексах.
Тема дизайна ежедневных объектов интересует нас уже очень давно. И одна из главных сложностей, с которыми эта тема обычно сталкивается, — это неумение аудитории быстро переключаться между разными оптиками: как — хотя бы ненадолго — перестать видеть в совершенно бытовом объекте что-то большее, объект дизайна, у которого есть своя история, бэкграунд и за которым так или иначе обязательно стоит свой автор.
Рассказ про саму выставку и её участников заслуживает отдельной заметки, но для контекста, совсем вкратце: мы собрали наиболее заметных дизайнеров и бренды, до которых смогли дотянуться. Балансируя между функциональным и художественным, массовым и более малотиражным, традиционным и переосмысленным, подборка ограничивалась возможностями пространства, но всё-таки довольно ярко очерчивала границы существующего и подсвечивала разные грани того, что происходит в современном объектном дизайне.
А сегодня расскажу, как экспозиционное решение помогло поменять контекст восприятия объектов. Главный вопрос, на который нужно было ответить: как создать нужную дистанцию между зрителями и экспонатами, чтобы объекты стали восприниматься самодостаточными, а не бытовыми и функциональными? Эта дистанция необходима — именно за счёт неё у нас получается смотреть на объект, а не пользоваться им: функция должна отойти на второй план, на первом нам нужен объект исследования.
Ставить стулья за традиционные музейные оградки, как это было в Русском музее, точно не хотелось: в таком случае дистанция была бы слишком большой, плюс исчезло бы ощущение, что всё-таки это бытовые объекты, которые мы легко можем встретить в городской среде или, например, у друзей дома. Но в том, что нужно искать пространственное решение, сомнений не было. Так придумались постаменты: но чтобы не загромождать и без того небольшое пространство ненужными объёмами, было решено сделать их бумажными — из белых листов А0.
Чистый белый лист на полу — не только визуальная, но и мощная условная, психологическая граница (передаю привет Лёше Оситнянко). То есть он не только визуально выделяет объект на сером полу, но и подталкивает выдерживать дистанцию, на него точно не хочется случайно наступить. А ещё понравилось, как сработала концептуальная дистанция: объект находится будто бы на пьедестале, переставая быть стулом, который можно подвигать туда-сюда и протестировать. Приятным дополнительным слоем стало то, что изначально функциональное решение стало ещё и эффектным художественным приёмом — ведь этикетки ко всем стульям вполне логично перебрались на эти самые белые листы-постаменты.
Картинки 1–4 ↗
022. Айдентика как взгляд через иллюминатор стиральной машины
Мы очень любим браться за нетипичные для нас проекты, поэтому работу с Lavadouro продали сами себе уже после входящего имейла с темой «прачечные самообслуживания в Португалии». Тем более что ландроматы — это и про ежедневный быт, который нас так интересует, и про формирование гиперлокальных комьюнити.
Ключевая идея Lavadouro — стать сетью современных и удобных (as in диджитализированных) прачечных, которые при этом были бы комфортным, а не вынужденным местом для случайной встречи с соседями по району. Что нужно в дизайне? Найти баланс между удобством, быстротой взаимодействия и дружелюбием коммуникации, хорошей диджитальностью.
Без лишней концептуализации сразу случилась визуально-ощущенческая находка: без каких-либо дальнейших планов на этапе поиска нарисовали букву «a», увидев её в открытой дверце стиральной машинки. И только потом рассмотрели в ней такую пластику и залипы, которые хорошо попали в нужное настроение, — и так к «a» добавились d, o, r, а потом и остальные буквы названия.
Но логотип — лишь одна сюжетная линия, которой было недостаточно для полноценного рассказа. Тогда мы решили примерить взгляд через всё те же круглые дверцы — через главные «окна» прачечной. Через них мы увидели разные сюжеты, довести до ума которые нам помогла великая Настя Сорокоумова. Она нарисовала иллюстрации про правильное использование стиральных и сушильных машин, про забытые в карманах вещи, способы оплаты и многие другие типичные для прачечной сценарии. Все они, конечно же, буквально встроены в круг: где-то это цикл, где-то — взгляд наружу, на происходящее в прачечной, а где-то этот иллюминатор становится ироничной «клеткой» для нарушителя-вандала.
Наверное, моя любимая — идейно заглавная иллюстрация про цикл (pun intended) посещения прачечной, которая становится местом встречи и точкой контакта нескольких жителей, например, одного квартала. Вот парень только пришёл и приветственно машет рукой знакомым, другая героиня в это время перекладывает вещи из стиралки в сушилку. А вот кто-то залипает в ноутбук с чашечкой кофе (потому что в Lavadouro есть вайфай и кофемашина), пока четвёртая героиня, помахав на прощание соседям, уходит со стопкой чистых, сверкающих вещей.
К этому всему добавилась ненавязчивая шрифтовая пара из Suisse Intl и Cigars (к слову, безумно красивой антиквы), нужная для билингвальности, и структурная, последовательная вёрстка — чтобы минимально задумываться, как чем пользоваться.
Дружелюбно, чисто и не без лоска. Под конец этого поста должна прозвучать мелодия, как в конце стирки.
Картинки 1–12 ↗
Мы очень любим браться за нетипичные для нас проекты, поэтому работу с Lavadouro продали сами себе уже после входящего имейла с темой «прачечные самообслуживания в Португалии». Тем более что ландроматы — это и про ежедневный быт, который нас так интересует, и про формирование гиперлокальных комьюнити.
Ключевая идея Lavadouro — стать сетью современных и удобных (as in диджитализированных) прачечных, которые при этом были бы комфортным, а не вынужденным местом для случайной встречи с соседями по району. Что нужно в дизайне? Найти баланс между удобством, быстротой взаимодействия и дружелюбием коммуникации, хорошей диджитальностью.
Без лишней концептуализации сразу случилась визуально-ощущенческая находка: без каких-либо дальнейших планов на этапе поиска нарисовали букву «a», увидев её в открытой дверце стиральной машинки. И только потом рассмотрели в ней такую пластику и залипы, которые хорошо попали в нужное настроение, — и так к «a» добавились d, o, r, а потом и остальные буквы названия.
Но логотип — лишь одна сюжетная линия, которой было недостаточно для полноценного рассказа. Тогда мы решили примерить взгляд через всё те же круглые дверцы — через главные «окна» прачечной. Через них мы увидели разные сюжеты, довести до ума которые нам помогла великая Настя Сорокоумова. Она нарисовала иллюстрации про правильное использование стиральных и сушильных машин, про забытые в карманах вещи, способы оплаты и многие другие типичные для прачечной сценарии. Все они, конечно же, буквально встроены в круг: где-то это цикл, где-то — взгляд наружу, на происходящее в прачечной, а где-то этот иллюминатор становится ироничной «клеткой» для нарушителя-вандала.
Наверное, моя любимая — идейно заглавная иллюстрация про цикл (pun intended) посещения прачечной, которая становится местом встречи и точкой контакта нескольких жителей, например, одного квартала. Вот парень только пришёл и приветственно машет рукой знакомым, другая героиня в это время перекладывает вещи из стиралки в сушилку. А вот кто-то залипает в ноутбук с чашечкой кофе (потому что в Lavadouro есть вайфай и кофемашина), пока четвёртая героиня, помахав на прощание соседям, уходит со стопкой чистых, сверкающих вещей.
К этому всему добавилась ненавязчивая шрифтовая пара из Suisse Intl и Cigars (к слову, безумно красивой антиквы), нужная для билингвальности, и структурная, последовательная вёрстка — чтобы минимально задумываться, как чем пользоваться.
Дружелюбно, чисто и не без лоска. Под конец этого поста должна прозвучать мелодия, как в конце стирки.
Картинки 1–12 ↗
023. Айдентика, которая помещает в раму не только работы, но и саму галерею
Галерея pop/off/art — большое имя в российском современном искусстве: здесь и художники уровня Эрика Булатова и Юрия Злотникова, и 20-летняя история, и место, ставшее для многих точкой входа в сферу. Это галерея, которая на протяжении двух десятилетий (!) сумела не растерять чувства и понимания момента. Но, как это часто бывает, визуальный язык не всегда за ней поспевает — на этом фоне мы и познакомились.
Как всегда в работе с уже сложившимися брендами и проектами с большим наследием, нам нужно было оставаться предельно аккуратными и внимательными к тому, что уже есть: дробное написание названия, минималистичный подход, ведущий красный, даже плашка в логотипе.
Но что делать, когда все самые узнаваемые элементы одновременно оказываются самыми уязвимыми в контексте современного дизайна? Уже существующий красный — мутноватый и грязноватый, шрифт в логотипе явно устал там находиться, а плашка при частом использовании превращает всё в корпоративные макеты из нулевых.
Мы довольно быстро разобрались с уточнением красного и обновлением шрифта, но застряли на плашке: убирать её было бы некорректно, но и закрыть глаза на её неуместность мы тоже не могли. Тогда мы, как обычно, начали придумывать от ограничения — не злиться на него, а пытаться перевернуть всё в свою пользу.
Обычно галерейное пространство полно рам — и в буквальном, и в концептуальном смысле. Рамки вокруг работ привычны в контексте искусства. Это хорошо поддержало идею о том, что плашка в логотипе — в каком-то смысле тоже рама, только вокруг шрифта. Так мы решили поместить в рамку саму галерею, позволив ей стать самостоятельным произведением, высказыванием, ориентиром — и начали гиперболизировать эту идею, насыщая её деталями.
Теперь бóльшая часть визуальной коммуникации стала строиться вокруг двух рам: в одну помещается работа художника, в другую — «работа» галереи, то есть коммуникация от лица pop/off/art, например, анонс новой выставки. Рядом с каждой рамой — этикетка (те самые детали) с указанием авторства, названия работы и года. В случае «галерейной» рамки на этикетке указаны название галереи, тип события и год.
Получилась гибкая и выразительная двухчастная система, которая подчёркивает значимость самой галереи и одновременно решает нашу проблему с вездесущей плашкой — теперь она масштабировалась до более самостоятельного элемента.
Как мы и планировали, удалось сохранить всё, что уже стало визуальным почерком pop/off/art — фирменный красный и респектабельный минимализм, — и усилить это новым дизайн-языком, связав всё в единую систему. Никаких радикальных жестов — только история, обрамлённая в современный контекст, где галерея с её 20-летней историей становится самостоятельным объектом визуального изучения.
Картинки 1–12 ↗
Галерея pop/off/art — большое имя в российском современном искусстве: здесь и художники уровня Эрика Булатова и Юрия Злотникова, и 20-летняя история, и место, ставшее для многих точкой входа в сферу. Это галерея, которая на протяжении двух десятилетий (!) сумела не растерять чувства и понимания момента. Но, как это часто бывает, визуальный язык не всегда за ней поспевает — на этом фоне мы и познакомились.
Как всегда в работе с уже сложившимися брендами и проектами с большим наследием, нам нужно было оставаться предельно аккуратными и внимательными к тому, что уже есть: дробное написание названия, минималистичный подход, ведущий красный, даже плашка в логотипе.
Но что делать, когда все самые узнаваемые элементы одновременно оказываются самыми уязвимыми в контексте современного дизайна? Уже существующий красный — мутноватый и грязноватый, шрифт в логотипе явно устал там находиться, а плашка при частом использовании превращает всё в корпоративные макеты из нулевых.
Мы довольно быстро разобрались с уточнением красного и обновлением шрифта, но застряли на плашке: убирать её было бы некорректно, но и закрыть глаза на её неуместность мы тоже не могли. Тогда мы, как обычно, начали придумывать от ограничения — не злиться на него, а пытаться перевернуть всё в свою пользу.
Обычно галерейное пространство полно рам — и в буквальном, и в концептуальном смысле. Рамки вокруг работ привычны в контексте искусства. Это хорошо поддержало идею о том, что плашка в логотипе — в каком-то смысле тоже рама, только вокруг шрифта. Так мы решили поместить в рамку саму галерею, позволив ей стать самостоятельным произведением, высказыванием, ориентиром — и начали гиперболизировать эту идею, насыщая её деталями.
Теперь бóльшая часть визуальной коммуникации стала строиться вокруг двух рам: в одну помещается работа художника, в другую — «работа» галереи, то есть коммуникация от лица pop/off/art, например, анонс новой выставки. Рядом с каждой рамой — этикетка (те самые детали) с указанием авторства, названия работы и года. В случае «галерейной» рамки на этикетке указаны название галереи, тип события и год.
Получилась гибкая и выразительная двухчастная система, которая подчёркивает значимость самой галереи и одновременно решает нашу проблему с вездесущей плашкой — теперь она масштабировалась до более самостоятельного элемента.
Как мы и планировали, удалось сохранить всё, что уже стало визуальным почерком pop/off/art — фирменный красный и респектабельный минимализм, — и усилить это новым дизайн-языком, связав всё в единую систему. Никаких радикальных жестов — только история, обрамлённая в современный контекст, где галерея с её 20-летней историей становится самостоятельным объектом визуального изучения.
Картинки 1–12 ↗
🔥20❤🔥18❤9👀5
Катя Сикачева — гостевой автор project × beta
Привет! Врываемся в эфир с коротким анонсом: на этой неделе Катя — партнёр и креативный директор Non-Objective — станет гостьей и со-админом телеграм-канала project × beta, где будет рассказывать про свой взгляд на креативную индустрию и особенности работы нашей студии. Будет микс того, про что она пишет в «иррациональных предпочтениях», и того, о чём мы обычно рассказываем в этом канале, — вот такое прекрасное комбо. Подключайтесь!
Ссылка ↗
Привет! Врываемся в эфир с коротким анонсом: на этой неделе Катя — партнёр и креативный директор Non-Objective — станет гостьей и со-админом телеграм-канала project × beta, где будет рассказывать про свой взгляд на креативную индустрию и особенности работы нашей студии. Будет микс того, про что она пишет в «иррациональных предпочтениях», и того, о чём мы обычно рассказываем в этом канале, — вот такое прекрасное комбо. Подключайтесь!
Ссылка ↗
🔥24❤🔥15👀7
Лиза Тютяева на KURS Radio
А вдогонку ещё один быстрый и недолговечный анонс: прямо сегодня в 19:00 (по Мск) на нашем любимом радио KURS будет включать музыку Лиза Тютяева — между прочим, первый дизайнер Non-Objective. Опять же — подключайтесь!
Ссылка на трансляцию ↗
А вдогонку ещё один быстрый и недолговечный анонс: прямо сегодня в 19:00 (по Мск) на нашем любимом радио KURS будет включать музыку Лиза Тютяева — между прочим, первый дизайнер Non-Objective. Опять же — подключайтесь!
Ссылка на трансляцию ↗
❤🔥40🔥17👀12
024. Айдентика кофейного проекта, которая тонизирует
Сегодня расскажу про компактный, но очень любимый проект — кофейню и магазин кофе Resource, которые какое-то время обитали и работали в Петербурге. Resource — импортёр зелёного кофе, который через новый формат решил попробовать себя в B2C. Из сильных качеств, с которыми просто невозможно спорить, — свежайший кофе и обжарка прямо на месте, а также три вида фильтра, меняющихся ежедневно. (С чистой совестью скажу, что это был самый вкусный кофе, который я когда-либо пил в России — а пил я его немало).
Не буду подробно рассказывать про айдентику целиком: мы довольно быстро нашли подходящие по характеру шрифты и сформулировали приём с небольшим поворотом основного блока в макетах — он удачно транслировал неуловимое чувство какого-то нового кофейно-вкусового опыта. А остановиться хочется на знаке (если его можно так назвать), с которого в каком-то смысле и начались наши размышления о запуске Fine Graphics Dept — студии абстрактной иллюстрации.
Понимая, что исключительно особенностями вёрстки и типографики не обойдёшься, мы стали искать иллюстрацию или графику, которая могла бы стать самостоятельным символом всего проекта. За несколько итераций вместе с гениальной Настей Ким и её не менее гениальными руками мы придумали нашего персонажа, который сформулировался чисто ощущенчески, но потом оброс своим мифом: это такой человечек, который будто бы выпил три фильтра (вот же здесь три капельки) — и его слегка накрыло кафеиновым кайфом. В нём нашлось то, что мы обычно так любим и ценим — он был по-хорошему дурацким: настолько, что потенциала этой очаровательнойебанцы странности точно хватало бы для становления знаком.
Кроме того, в нём была замечательная особенность — рукотворность и неидеальность как противопоставление всему векторно-корпоративному. В среде, где всё упростилось в пользу масштабируемости, быстроты использования, лёгкости понимания — и, в результате, бездушности и шаблонности, — такие решения дают приятную свежесть. А ведь это то, что когда-то было привычным, но потом заменилось едва отличающимися друг от друга шрифтовыми логотипами. Приятно замыкать этот круг — заново открывая новый цикл. (Похожую штуку мы позже провернём в проекте Ruby, о котором будет отдельный пост, — там мы полностью откажемся от шрифтового лого в пользу ручной иллюстрации.)
Наш накофеиненный человечек красиво пожил на стаканчиках, упаковке и других печатных штуках, а потом исчез вместе с Resource coffee&shop, которые, к сожалению, просто не сумели справиться с B2C-сегментом. Но он навсегда останется жить в пинтерестах и в наших сердцах.
Картинки 1–11 ↗
Сегодня расскажу про компактный, но очень любимый проект — кофейню и магазин кофе Resource, которые какое-то время обитали и работали в Петербурге. Resource — импортёр зелёного кофе, который через новый формат решил попробовать себя в B2C. Из сильных качеств, с которыми просто невозможно спорить, — свежайший кофе и обжарка прямо на месте, а также три вида фильтра, меняющихся ежедневно. (С чистой совестью скажу, что это был самый вкусный кофе, который я когда-либо пил в России — а пил я его немало).
Не буду подробно рассказывать про айдентику целиком: мы довольно быстро нашли подходящие по характеру шрифты и сформулировали приём с небольшим поворотом основного блока в макетах — он удачно транслировал неуловимое чувство какого-то нового кофейно-вкусового опыта. А остановиться хочется на знаке (если его можно так назвать), с которого в каком-то смысле и начались наши размышления о запуске Fine Graphics Dept — студии абстрактной иллюстрации.
Понимая, что исключительно особенностями вёрстки и типографики не обойдёшься, мы стали искать иллюстрацию или графику, которая могла бы стать самостоятельным символом всего проекта. За несколько итераций вместе с гениальной Настей Ким и её не менее гениальными руками мы придумали нашего персонажа, который сформулировался чисто ощущенчески, но потом оброс своим мифом: это такой человечек, который будто бы выпил три фильтра (вот же здесь три капельки) — и его слегка накрыло кафеиновым кайфом. В нём нашлось то, что мы обычно так любим и ценим — он был по-хорошему дурацким: настолько, что потенциала этой очаровательной
Кроме того, в нём была замечательная особенность — рукотворность и неидеальность как противопоставление всему векторно-корпоративному. В среде, где всё упростилось в пользу масштабируемости, быстроты использования, лёгкости понимания — и, в результате, бездушности и шаблонности, — такие решения дают приятную свежесть. А ведь это то, что когда-то было привычным, но потом заменилось едва отличающимися друг от друга шрифтовыми логотипами. Приятно замыкать этот круг — заново открывая новый цикл. (Похожую штуку мы позже провернём в проекте Ruby, о котором будет отдельный пост, — там мы полностью откажемся от шрифтового лого в пользу ручной иллюстрации.)
Наш накофеиненный человечек красиво пожил на стаканчиках, упаковке и других печатных штуках, а потом исчез вместе с Resource coffee&shop, которые, к сожалению, просто не сумели справиться с B2C-сегментом. Но он навсегда останется жить в пинтерестах и в наших сердцах.
Картинки 1–11 ↗
❤🔥26🔥16👀10
025. Айдентика, которая складывается как цифровой ковёр
Armat — цифровой музей армянской идентичности. Это вечно пополняющееся хранилище личных свидетельств и воспоминаний, которое начинается с одной из самых чувствительных тем — Арцаха. Проект создавался вне политического контекста: это попытка сохранить исчезающее через рассказы людей, которые были вынуждены покинуть свой дом.
Мы (сегодня здесь Лиза и Виталик) начали работу с визуального кода, который уже существовал в контексте проекта: флаг Республики Арцах. Его пятизубчатый ступенчатый узор символизирует надежду на воссоединение с родиной. Но одна фотография заставила нас увидеть его по-другому: флаг висел вертикально, и в этом положении ковровый мотив напоминал крышу дома. Так родился наш знак — символ места, которое остаётся с тобой.
Из этого элемента родилась вся система. При добавлении к знаку дополнительных модулей он начинает разрастаться, превращаясь в ковровое полотно. Такую структуру можно масштабировать или удалять часть элементов — и каждый раз она будет складываться из новых смыслов.
Визуальный язык получился блочный, почти пиксельный — и в этом тоже есть точность: Armat существует в digital-среде, и его «ткань» — цифровая. Это музей, который ткут не архивисты, а свидетели. Каждый модуль — это рассказ, фрагмент общей памяти.
Палитра сложилась интуитивно: тёплые, немного выцветшие оттенки основных цветов армянского флага. Каждому цвету мы подобрали пару — более светлую, чуть прозрачную. Они будто бы прошли сквозь время и сохранились на полке памяти, слегка поблекнув, но не утратив сути.
В основу сайта также заложен этот ступенчатый узор — но помимо прямого графического использования, здесь он ещё задает принцип повествования и работы с контентом. Мы хотели показать, как все собранные проектом свидетельства — от слов в интервью до сохранённых арцахцами памятных и бытовых вещей — собираются в общую историю народа. Поэтому сайт состоит из единой ленты постов, которые бывают трёх типов: артефакты, видео и страницы. У каждого типа контента заданы свои размеры карточки, из-за чего лента превращается в ступенчатый рельеф.
Пользователь сайта может листать ленту в хронологическом порядке, либо пользоваться тегами категорий для более детального изучения. Мы заложили в эту систему возможность добавлять новые типы постов и теги, чтобы в будущем проект мог расширять и углублять коллекцию, сохраняя общую линию повествования и лёгкость навигации.
А сам сайт собрали на Webflow — это позволило нам передать команде проекта лёгкий в пользовании административный интерфейс. Новые посты добавляются с помощью базового функционала CMS и автоматически встраиваются в ленту, поэтому для обновления сайта команде Armat не нужен дизайнер — хорошие дела должны делаться легко.
Картинки 1–16 ↗
Armat — цифровой музей армянской идентичности. Это вечно пополняющееся хранилище личных свидетельств и воспоминаний, которое начинается с одной из самых чувствительных тем — Арцаха. Проект создавался вне политического контекста: это попытка сохранить исчезающее через рассказы людей, которые были вынуждены покинуть свой дом.
Мы (сегодня здесь Лиза и Виталик) начали работу с визуального кода, который уже существовал в контексте проекта: флаг Республики Арцах. Его пятизубчатый ступенчатый узор символизирует надежду на воссоединение с родиной. Но одна фотография заставила нас увидеть его по-другому: флаг висел вертикально, и в этом положении ковровый мотив напоминал крышу дома. Так родился наш знак — символ места, которое остаётся с тобой.
Из этого элемента родилась вся система. При добавлении к знаку дополнительных модулей он начинает разрастаться, превращаясь в ковровое полотно. Такую структуру можно масштабировать или удалять часть элементов — и каждый раз она будет складываться из новых смыслов.
Визуальный язык получился блочный, почти пиксельный — и в этом тоже есть точность: Armat существует в digital-среде, и его «ткань» — цифровая. Это музей, который ткут не архивисты, а свидетели. Каждый модуль — это рассказ, фрагмент общей памяти.
Палитра сложилась интуитивно: тёплые, немного выцветшие оттенки основных цветов армянского флага. Каждому цвету мы подобрали пару — более светлую, чуть прозрачную. Они будто бы прошли сквозь время и сохранились на полке памяти, слегка поблекнув, но не утратив сути.
В основу сайта также заложен этот ступенчатый узор — но помимо прямого графического использования, здесь он ещё задает принцип повествования и работы с контентом. Мы хотели показать, как все собранные проектом свидетельства — от слов в интервью до сохранённых арцахцами памятных и бытовых вещей — собираются в общую историю народа. Поэтому сайт состоит из единой ленты постов, которые бывают трёх типов: артефакты, видео и страницы. У каждого типа контента заданы свои размеры карточки, из-за чего лента превращается в ступенчатый рельеф.
Пользователь сайта может листать ленту в хронологическом порядке, либо пользоваться тегами категорий для более детального изучения. Мы заложили в эту систему возможность добавлять новые типы постов и теги, чтобы в будущем проект мог расширять и углублять коллекцию, сохраняя общую линию повествования и лёгкость навигации.
А сам сайт собрали на Webflow — это позволило нам передать команде проекта лёгкий в пользовании административный интерфейс. Новые посты добавляются с помощью базового функционала CMS и автоматически встраиваются в ленту, поэтому для обновления сайта команде Armat не нужен дизайнер — хорошие дела должны делаться легко.
Картинки 1–16 ↗
🔥17❤🔥9👀5
Лекция Виталия Гачковского «Design as scholarship: building observation-based metaphors»
В следующий понедельник Виталик, уже знакомый вам по постам в этом канале, будет рассказывать лекцию про то, как он использует культурологические, академические и научные исследования в дизайн-процессе.
Наверное, здесь важно отметить, что одной из главных причин, почему мы (как студия) когда-то познакомились с Виталиком, был его очевидный интерес к исследовательскому, стремление смотреть вглубь и интегрировать найденное в собственные и рабочие проекты — то есть желание не декорировать, а погружаться в контекст и осмысленно проектировать. Так что мы не сомневаемся, что рассказ будет интересный.
Лекция открытая и бесплатная, а звучать она будет на английском. Подключайтесь 11 августа в 18:00 (по Мск) —ссылку на зум мы добавим в день лекции по этой зум-ссылке.
В следующий понедельник Виталик, уже знакомый вам по постам в этом канале, будет рассказывать лекцию про то, как он использует культурологические, академические и научные исследования в дизайн-процессе.
Наверное, здесь важно отметить, что одной из главных причин, почему мы (как студия) когда-то познакомились с Виталиком, был его очевидный интерес к исследовательскому, стремление смотреть вглубь и интегрировать найденное в собственные и рабочие проекты — то есть желание не декорировать, а погружаться в контекст и осмысленно проектировать. Так что мы не сомневаемся, что рассказ будет интересный.
Лекция открытая и бесплатная, а звучать она будет на английском. Подключайтесь 11 августа в 18:00 (по Мск) —
❤🔥41🔥16👀12
026. Проект, который исследует неслучайные случайности
Привет, сегодня я (сегодня «я» — это Катя) расскажу вам про Outcomes Studies — это наш исследовательский проект о природе случайности.
Как и многие другие проекты, этот начался с вопроса. Что можно считать случайностью? Можно ли спровоцировать случайность? Случайность, к которой приложил руку человек, всё ещё случайна? Обо всём этом мы задумались, когда весной 2023 года придумывали тему для собственного research-проекта на сезон.
В качестве объектов исследования было решено использовать повседневные предметы — те, с которыми каждый и так взаимодействует постоянно, но без осознанной интенции. Первый этап исследования включал в себя работу с 7 повседневными объектами. Метод исследования заключался в том, что для каждого предмета было выбрано одно действие, которое в дальнейшем повторялось ежедневно в течение всего времени проведения эксперимента — то есть в течение 30 дней. Таким образом, случайность постепенно переставала быть абсолютно случайной, ведь она становилась последствием осознанного действия, но парадоксально каждый результат оставался непредсказуемым визуально, структурно, по характеру.
Каждый результат взаимодействия с объектами документировала наша подруга, также выступившая в роли специального исследователя, — фотограф Даша Фомина. Так мы могли отслеживать предсказуемость процесса и непредсказуемый визуальный outcome.
Проект мы начали весной 2023 года и закончили поздней зимой 2024 года, запустив сайт с результатами исследования. Но мы сразу понимали, что это будет лишь первое проявление Outcomes Studies, и заранее планировали следующие шаги. О них я расскажу в следующем посте.
Ссылка на исследование ↗
Привет, сегодня я (сегодня «я» — это Катя) расскажу вам про Outcomes Studies — это наш исследовательский проект о природе случайности.
Как и многие другие проекты, этот начался с вопроса. Что можно считать случайностью? Можно ли спровоцировать случайность? Случайность, к которой приложил руку человек, всё ещё случайна? Обо всём этом мы задумались, когда весной 2023 года придумывали тему для собственного research-проекта на сезон.
В качестве объектов исследования было решено использовать повседневные предметы — те, с которыми каждый и так взаимодействует постоянно, но без осознанной интенции. Первый этап исследования включал в себя работу с 7 повседневными объектами. Метод исследования заключался в том, что для каждого предмета было выбрано одно действие, которое в дальнейшем повторялось ежедневно в течение всего времени проведения эксперимента — то есть в течение 30 дней. Таким образом, случайность постепенно переставала быть абсолютно случайной, ведь она становилась последствием осознанного действия, но парадоксально каждый результат оставался непредсказуемым визуально, структурно, по характеру.
Каждый результат взаимодействия с объектами документировала наша подруга, также выступившая в роли специального исследователя, — фотограф Даша Фомина. Так мы могли отслеживать предсказуемость процесса и непредсказуемый визуальный outcome.
Проект мы начали весной 2023 года и закончили поздней зимой 2024 года, запустив сайт с результатами исследования. Но мы сразу понимали, что это будет лишь первое проявление Outcomes Studies, и заранее планировали следующие шаги. О них я расскажу в следующем посте.
Ссылка на исследование ↗
❤🔥23🔥12👀11
Онлайн-выставка «Clockwise and Otherwise: Non-Objective Times»
Мимолётная выставка «Clockwise and Otherwise: Non-Objective Times», которую мы показывали весной в Сеуле, обрела форму диджитальной выставки, которая будет с нами до тех пор, пока не закончится интернет.
В ней мы собрали 145 циферблатов, которые придумали для этого проекта, и сопроводили их все небольшими текстовыми комментариями от авторов. А также — это радостная случайность — на сайте появилось почти два десятка оживших циферблатов, которые сделал для нас настоящий энтузиаст Илья Симантовский, с которым мы познакомились благодаря школе Werkstatt.
Ещё, кажется, надо сказать пару слов про не самый радостный контекст, сопровождающий перемещение проекта из офлайна в онлайн. С момента, как мы сделали выставку в Pop Hannam — пространстве нежно любимого книжного Post Poetics, — и пространство, и сам книжный успели закрыться. Вот так наша временная выставка про неуловимость времени срифмовалась с печальным осознанием, что и Post Poetics тоже не вечный. Но приятно знать, что мы всё-таки успели не только подружиться с его командой, но и вписать себя на одну из страниц истории проекта, которым всегда восхищались.
Отдельным абзацем хочется поблагодарить всех причастных к проекту: Катю Сикачеву и Аню Емец, Лизу Тютяеву, Виталика Гачковского, Ваню Кольцова, Машу Красину, Владу Олейник, Лену Гавриленко, Дашу Левашову, Бориса Сатина, Карима Болгари, Глеба Куликова, Рому Белякова, Катю Прим, уже упомянутого выше Илью, Даню Шабака и Толю Гращенко — спасибо вам!
1-145.non-objective.works
Мимолётная выставка «Clockwise and Otherwise: Non-Objective Times», которую мы показывали весной в Сеуле, обрела форму диджитальной выставки, которая будет с нами до тех пор, пока не закончится интернет.
В ней мы собрали 145 циферблатов, которые придумали для этого проекта, и сопроводили их все небольшими текстовыми комментариями от авторов. А также — это радостная случайность — на сайте появилось почти два десятка оживших циферблатов, которые сделал для нас настоящий энтузиаст Илья Симантовский, с которым мы познакомились благодаря школе Werkstatt.
Ещё, кажется, надо сказать пару слов про не самый радостный контекст, сопровождающий перемещение проекта из офлайна в онлайн. С момента, как мы сделали выставку в Pop Hannam — пространстве нежно любимого книжного Post Poetics, — и пространство, и сам книжный успели закрыться. Вот так наша временная выставка про неуловимость времени срифмовалась с печальным осознанием, что и Post Poetics тоже не вечный. Но приятно знать, что мы всё-таки успели не только подружиться с его командой, но и вписать себя на одну из страниц истории проекта, которым всегда восхищались.
Отдельным абзацем хочется поблагодарить всех причастных к проекту: Катю Сикачеву и Аню Емец, Лизу Тютяеву, Виталика Гачковского, Ваню Кольцова, Машу Красину, Владу Олейник, Лену Гавриленко, Дашу Левашову, Бориса Сатина, Карима Болгари, Глеба Куликова, Рому Белякова, Катю Прим, уже упомянутого выше Илью, Даню Шабака и Толю Гращенко — спасибо вам!
1-145.non-objective.works
❤🔥34🔥19👀10
027. Случайно сложившаяся выставка о случайностях
Обещанное продолжение рассказа про Outcomes Studies. Всем привет, здесь Катя!
Вполне в духе этого проекта все события были счастливыми случайностями. Весной 2024 мы с Артёмом были в Милане — и случайно, через нашу знакомую, Джулию (которая, к слову, делает великий Cose Journal), узнали про галерею Small Small Space.
Это, во-первых, очень-очень маленькое пространство, название не врёт. Во-вторых, оно находится в арке — сквозном проходе через жилой дом: как нам потом рассказали основатели SSS, раньше там было что-то вроде «дома быта». И, наконец, у него совершенно удивительная планировка, на первый взгляд немыслимая для галереи. По сути всё пространство — это двусоставная витрина: и если в одну часть ещё можно попасть, то вторая — это просто четыре «окна». И это автоматически значит, что приходить на выставку даже не нужно — каждый прохожий невольно становится зрителем, в любое время дня или ночи.
Нам показалось, что это всё красиво перекликается с идеей проекта: выставка о природе случайности, которую можно посетить совершенно случайно. Концептуально оправданное и немного абсурдное — это наше любимое.
Через месяц мы уже на связи с ребятами из галереи и договариваемся о звонке-знакомстве, чтобы обсудить возможную выставку. Дальше был один зум-звонок на 30 минут, много взаимных комплиментов — и вот мы уже фиксируем даты выставки: с 24 по 30 сентября, Милан, Small Small Space.
Следующие три месяца посвящены подготовке к выставке: нужно придумать экспозиционное решение и решить, что делать с продакшеном. Ещё мы сразу поняли, что не хотим просто дублировать то, что уже есть на сайте проекта, — и решили придумать какое-то site-specific продолжение. Поиск был довольно долгим, но мы справились (привет Артёму и Ане!). Решили разделить выставку на две части, подчеркнув двухчастность доступного нам пространства: на визуальную и на текстовую.
Визуальная состояла из фотодокументации взаимодействия с тремя объектами. Специально для выставки мы провели несколько новых экспериментов, чтобы показать новые объекты. Текстовая же часть состояла из карточек-инструкций о том, как можно интегрировать в свою жизнь контролируемую случайность. Мы написали 30 специальных рекомендаций, которые призывали задуматься о том, что же получается в результате случайных взаимодействий, — и в принципе мотивировали быть внимательнее к своему быту, учиться искать красивое или весёлое в будничном. (Здесь мы собирали небольшую гифку с этими карточками.)
И, конечно же, у каждой выставки должен быть свой каталог — и он стал завершающим элементом, связывающим две части (визуальную и текстовую) воедино. Но мы были бы не мы, если бы и в каталог не добавили какой-то случайности. Мы придумали, что он тоже станет одним из объектов исследования Outcomes Studies — и предложили владельцам книги отрывать её первый лист, тем самым создавая случайный и уникальный вариант обложки. (Весь тираж каталогов разлетелся за первые дни, но мы обязательно допечатаем его в каком-то обозримом будущем.)
А ещё пара слов про продакшен выставки. Оценив возможности (и стоимость…) печати в Милане, мы решили напечатать всё в Москве — и привезти всё с собой в чемодане. Так, в очередной раз — из ограничения, появилось решение, что вся выставка будет собираться из листов А5: так мы сможем легко всё упаковать, довезти и легко смонтировать на месте. И тогда же родилась идея «выставок в чемодане», которую мы продолжили в Сеуле — и планируем развивать и дальше. Есть что-то будоражащее воображение в том, чтобы придумывать, как при таких ограничениях делать разные выставки и так же безболезненно перевозить их из страны в страну.
Картинки 1–11 ↗
Обещанное продолжение рассказа про Outcomes Studies. Всем привет, здесь Катя!
Вполне в духе этого проекта все события были счастливыми случайностями. Весной 2024 мы с Артёмом были в Милане — и случайно, через нашу знакомую, Джулию (которая, к слову, делает великий Cose Journal), узнали про галерею Small Small Space.
Это, во-первых, очень-очень маленькое пространство, название не врёт. Во-вторых, оно находится в арке — сквозном проходе через жилой дом: как нам потом рассказали основатели SSS, раньше там было что-то вроде «дома быта». И, наконец, у него совершенно удивительная планировка, на первый взгляд немыслимая для галереи. По сути всё пространство — это двусоставная витрина: и если в одну часть ещё можно попасть, то вторая — это просто четыре «окна». И это автоматически значит, что приходить на выставку даже не нужно — каждый прохожий невольно становится зрителем, в любое время дня или ночи.
Нам показалось, что это всё красиво перекликается с идеей проекта: выставка о природе случайности, которую можно посетить совершенно случайно. Концептуально оправданное и немного абсурдное — это наше любимое.
Через месяц мы уже на связи с ребятами из галереи и договариваемся о звонке-знакомстве, чтобы обсудить возможную выставку. Дальше был один зум-звонок на 30 минут, много взаимных комплиментов — и вот мы уже фиксируем даты выставки: с 24 по 30 сентября, Милан, Small Small Space.
Следующие три месяца посвящены подготовке к выставке: нужно придумать экспозиционное решение и решить, что делать с продакшеном. Ещё мы сразу поняли, что не хотим просто дублировать то, что уже есть на сайте проекта, — и решили придумать какое-то site-specific продолжение. Поиск был довольно долгим, но мы справились (привет Артёму и Ане!). Решили разделить выставку на две части, подчеркнув двухчастность доступного нам пространства: на визуальную и на текстовую.
Визуальная состояла из фотодокументации взаимодействия с тремя объектами. Специально для выставки мы провели несколько новых экспериментов, чтобы показать новые объекты. Текстовая же часть состояла из карточек-инструкций о том, как можно интегрировать в свою жизнь контролируемую случайность. Мы написали 30 специальных рекомендаций, которые призывали задуматься о том, что же получается в результате случайных взаимодействий, — и в принципе мотивировали быть внимательнее к своему быту, учиться искать красивое или весёлое в будничном. (Здесь мы собирали небольшую гифку с этими карточками.)
И, конечно же, у каждой выставки должен быть свой каталог — и он стал завершающим элементом, связывающим две части (визуальную и текстовую) воедино. Но мы были бы не мы, если бы и в каталог не добавили какой-то случайности. Мы придумали, что он тоже станет одним из объектов исследования Outcomes Studies — и предложили владельцам книги отрывать её первый лист, тем самым создавая случайный и уникальный вариант обложки. (Весь тираж каталогов разлетелся за первые дни, но мы обязательно допечатаем его в каком-то обозримом будущем.)
А ещё пара слов про продакшен выставки. Оценив возможности (и стоимость…) печати в Милане, мы решили напечатать всё в Москве — и привезти всё с собой в чемодане. Так, в очередной раз — из ограничения, появилось решение, что вся выставка будет собираться из листов А5: так мы сможем легко всё упаковать, довезти и легко смонтировать на месте. И тогда же родилась идея «выставок в чемодане», которую мы продолжили в Сеуле — и планируем развивать и дальше. Есть что-то будоражащее воображение в том, чтобы придумывать, как при таких ограничениях делать разные выставки и так же безболезненно перевозить их из страны в страну.
Картинки 1–11 ↗
❤🔥12👀8🔥6