Астрономия, время, часовое искусство: «От гномона до секундной стрелки»
14 ноября, в четверг, наш традиционный лекционный день, в 18:00 в музее «Собрание» состоится лекция «От гномона до секундной стрелки» из цикла «Астрономия, время, часовое искусство»
История измерения времени насчитывает не одно тысячелетие. Начиналось все с простейших конструкций солнечных часов, продолжилось сложными богато украшенными конструкциями из шестеренок и рычагов, и закончилось атомным переходом как эталоном секунды. И на каждом этапе развития часового дела мастерам помогала астрономия. Вначале Солнце и планеты, затем далекие древние звезды и наконец - самые яркие из известных галактик, квазары. На лекции пройдемся по истории часового дела, а также разберемся, как далекие небесные объекты помогают измерять точное время.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
Продолжительность лекции 60 минут.
14 ноября, в четверг, наш традиционный лекционный день, в 18:00 в музее «Собрание» состоится лекция «От гномона до секундной стрелки» из цикла «Астрономия, время, часовое искусство»
История измерения времени насчитывает не одно тысячелетие. Начиналось все с простейших конструкций солнечных часов, продолжилось сложными богато украшенными конструкциями из шестеренок и рычагов, и закончилось атомным переходом как эталоном секунды. И на каждом этапе развития часового дела мастерам помогала астрономия. Вначале Солнце и планеты, затем далекие древние звезды и наконец - самые яркие из известных галактик, квазары. На лекции пройдемся по истории часового дела, а также разберемся, как далекие небесные объекты помогают измерять точное время.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
Продолжительность лекции 60 минут.
Янтарь – минералоид ноября
Янтарь — это не просто красивый камень, а настоящее окно в историю, которое восходит к временам, когда Земля была совсем другой. Это застывшая смола древних хвойных деревьев, пролежавшая миллионы лет под давлением, чтобы обрести прочность и уникальный блеск, которыми мы восхищаемся сегодня. Его возраст часто достигает 40–50 миллионов лет, и за это время он вобрал в себя не только энергию прошлого, но и редкие элементы природы. Цвета янтаря варьируются от солнечно-желтого до глубокого медового и редких оттенков синего и зеленого, встречающихся лишь на нескольких месторождениях мира. Особенную ценность ему придают включения — частицы древних растений и насекомых, ставшие уникальным источником информации для ученых.
Уже в античные времена люди были очарованы его мистическими свойствами. Греки и римляне считали, что янтарь приносит удачу и способен защитить от злых духов, а славяне верили, что он может исцелять. Легенды о происхождении янтаря передавались из поколения в поколение: в Древней Греции его называли слезами, пролитые сестрами Фаэтона, безрассудного сына бога Солнца, а литовская мифология представляла янтарь как слезы богини Юрате, тоскующей по возлюбленному. В каждой культуре этому минералу приписывались магические свойства, и его использовали в качестве амулета, оберега или талисмана.
В медицинской практике янтарь и сегодня сохраняет свое значение. В его составе присутствует янтарная кислота, известная своими противовоспалительными и антитоксичными свойствами. В косметологии и медицине янтарь помогает укрепить нервную систему, улучшить работу сердца и почек. Его антистрессовые свойства оценены высоко: он до сих пор применяется как средство для снятия напряжения и восстановления сил. А в древности из него создавали посуду, считая, что янтарные кубки и ложки могут обезвредить яды, и даже использовали его в производстве увеличительных стекол, линз для очков и лакового покрытия для музыкальных инструментов.
Балтийский янтарь считается драгоценным камнем, и лишь немногие знают, что единственный в мире карьер по его добыче находится в Калининградской области. Именно отсюда поступает уникальный материал, вдохновляющий ювелиров, художников и ремесленников на создание изысканных украшений, картин и предметов искусства. Благодаря особой прочности и способности к полировке, янтарь легко обрабатывается и обретает выразительный блеск. С ним связана и одна из самых загадочных утрат в мировой истории — «Янтарная комната» Екатерининского дворца, исчезнувшая во времена Второй мировой войны и до сих пор не найденная.
Фотоальбом с изображением предметов, созданных из солнечного и теплого осеннего янтаря, представленных в экспозиции музея «Собрание», размещен в нашей Фотогалерее.
Янтарь — это не просто красивый камень, а настоящее окно в историю, которое восходит к временам, когда Земля была совсем другой. Это застывшая смола древних хвойных деревьев, пролежавшая миллионы лет под давлением, чтобы обрести прочность и уникальный блеск, которыми мы восхищаемся сегодня. Его возраст часто достигает 40–50 миллионов лет, и за это время он вобрал в себя не только энергию прошлого, но и редкие элементы природы. Цвета янтаря варьируются от солнечно-желтого до глубокого медового и редких оттенков синего и зеленого, встречающихся лишь на нескольких месторождениях мира. Особенную ценность ему придают включения — частицы древних растений и насекомых, ставшие уникальным источником информации для ученых.
Уже в античные времена люди были очарованы его мистическими свойствами. Греки и римляне считали, что янтарь приносит удачу и способен защитить от злых духов, а славяне верили, что он может исцелять. Легенды о происхождении янтаря передавались из поколения в поколение: в Древней Греции его называли слезами, пролитые сестрами Фаэтона, безрассудного сына бога Солнца, а литовская мифология представляла янтарь как слезы богини Юрате, тоскующей по возлюбленному. В каждой культуре этому минералу приписывались магические свойства, и его использовали в качестве амулета, оберега или талисмана.
В медицинской практике янтарь и сегодня сохраняет свое значение. В его составе присутствует янтарная кислота, известная своими противовоспалительными и антитоксичными свойствами. В косметологии и медицине янтарь помогает укрепить нервную систему, улучшить работу сердца и почек. Его антистрессовые свойства оценены высоко: он до сих пор применяется как средство для снятия напряжения и восстановления сил. А в древности из него создавали посуду, считая, что янтарные кубки и ложки могут обезвредить яды, и даже использовали его в производстве увеличительных стекол, линз для очков и лакового покрытия для музыкальных инструментов.
Балтийский янтарь считается драгоценным камнем, и лишь немногие знают, что единственный в мире карьер по его добыче находится в Калининградской области. Именно отсюда поступает уникальный материал, вдохновляющий ювелиров, художников и ремесленников на создание изысканных украшений, картин и предметов искусства. Благодаря особой прочности и способности к полировке, янтарь легко обрабатывается и обретает выразительный блеск. С ним связана и одна из самых загадочных утрат в мировой истории — «Янтарная комната» Екатерининского дворца, исчезнувшая во времена Второй мировой войны и до сих пор не найденная.
Фотоальбом с изображением предметов, созданных из солнечного и теплого осеннего янтаря, представленных в экспозиции музея «Собрание», размещен в нашей Фотогалерее.
Симфоническая картина «В Средней Азии» Александра Бородина
Александр Бородин — одна из самых ярких фигур русской культуры второй половины XIX века. Он был не только выдающимся композитором, но и талантливым ученым-химиком, активным общественным деятелем и педагогом. Несмотря на то, что Бородин создал сравнительно немного произведений, каждое из них отмечено глубокой музыкальной мыслью, богатством гармоний и мелодичностью. Его творчество в первую очередь связано с русским эпосом и народной тематикой, что делает его музыку по-настоящему эпической и незабываемой.
В честь 190-летия со дня рождения Бородина музей «Собрание» оцифровал его знаменитое произведение — симфоническую картину «В Средней Азии», написанную в 1879 году. Это произведение было создано для грандиозного торжественного представления, приуроченного к 25-летнему юбилею восшествия на престол императора Александра II. В числе других композиторов, приглашенных к участию в проекте, были Римский-Корсаков и Мусоргский. Однако несмотря на отмену самого представления, музыка Бородина продолжала жить своей жизнью, став одной из самых исполняемых и любимых в российской и мировой музыкальной практике.
«В Средней Азии» посвящено важным историческим событиям того времени — присоединению к России территорий Бухарского эмирата, Кокандского и Хивинского ханств в 1860-1870-х годах. В музыкальной картине Бородин описывает идеализированную картину этого процесса, создавая яркую и гармоничную картину сосуществования русской и восточной культур. В программе к произведению композитор пишет: «В однообразной песчаной степи Средней Азии впервые раздается чуждый ей напев мирной русской песни. Слышится приближающийся топот коней и верблюдов, заунывные звуки восточного напева…»
«В Средней Азии» — это произведение, где плавно переплетаются русские и восточные музыкальные элементы, создавая уникальную атмосферу. Музыка Бородина передает дух эпохи и величие исторического момента, когда Россия расширяла свои границы на восток. Это произведение стало важным этапом в развитии русской симфонической музыки и привнесло в нее новые звучания и тембры.
Произведение впервые было исполнено в 1880 году под управлением Римского-Корсакова, а затем стало часто исполняться в России и за рубежом, всегда получая признание слушателей. К дню рождения А.П. Бородина мы оцифровали программное произведение композитора – симфоническую картину «В Средней Азии», закодированное на музыкальных носителях, представленных в фонотеке музея «Собрание».
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3381
Александр Бородин — одна из самых ярких фигур русской культуры второй половины XIX века. Он был не только выдающимся композитором, но и талантливым ученым-химиком, активным общественным деятелем и педагогом. Несмотря на то, что Бородин создал сравнительно немного произведений, каждое из них отмечено глубокой музыкальной мыслью, богатством гармоний и мелодичностью. Его творчество в первую очередь связано с русским эпосом и народной тематикой, что делает его музыку по-настоящему эпической и незабываемой.
В честь 190-летия со дня рождения Бородина музей «Собрание» оцифровал его знаменитое произведение — симфоническую картину «В Средней Азии», написанную в 1879 году. Это произведение было создано для грандиозного торжественного представления, приуроченного к 25-летнему юбилею восшествия на престол императора Александра II. В числе других композиторов, приглашенных к участию в проекте, были Римский-Корсаков и Мусоргский. Однако несмотря на отмену самого представления, музыка Бородина продолжала жить своей жизнью, став одной из самых исполняемых и любимых в российской и мировой музыкальной практике.
«В Средней Азии» посвящено важным историческим событиям того времени — присоединению к России территорий Бухарского эмирата, Кокандского и Хивинского ханств в 1860-1870-х годах. В музыкальной картине Бородин описывает идеализированную картину этого процесса, создавая яркую и гармоничную картину сосуществования русской и восточной культур. В программе к произведению композитор пишет: «В однообразной песчаной степи Средней Азии впервые раздается чуждый ей напев мирной русской песни. Слышится приближающийся топот коней и верблюдов, заунывные звуки восточного напева…»
«В Средней Азии» — это произведение, где плавно переплетаются русские и восточные музыкальные элементы, создавая уникальную атмосферу. Музыка Бородина передает дух эпохи и величие исторического момента, когда Россия расширяла свои границы на восток. Это произведение стало важным этапом в развитии русской симфонической музыки и привнесло в нее новые звучания и тембры.
Произведение впервые было исполнено в 1880 году под управлением Римского-Корсакова, а затем стало часто исполняться в России и за рубежом, всегда получая признание слушателей. К дню рождения А.П. Бородина мы оцифровали программное произведение композитора – симфоническую картину «В Средней Азии», закодированное на музыкальных носителях, представленных в фонотеке музея «Собрание».
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3381
Mus-Col
Фонотека
Тематические подборки музыкальных произведений записанных с экспонатов музея Собрание
Серия открыток с изображением Е. Гельцер – звезды балетной сцены
Екатерина Васильевна Гельцер – не просто одно из имен в истории русского балета, это одна из ярчайших звёзд отечественной сцены, выдающаяся представительница русской школы классического танца.
Талант, умноженный на труд, сделал ее любимицей публики, которую повсюду принимали с восторгом. Екатерина Гельцер темпераментной, исполненной природного обаяния танцовщицей, в которой была яркая индивидуальность. У Гельцер была потрясающая балетная техника, экспрессия, казалось, в ней жила магия. В исполнении балерины соединялись безукоризненная техника, музыкальность, танцевальная выразительность и глубокое проникновение в сценический образ. Балетные критики писали о Гельцер: «Своими головокружительными и умопомрачительными турами, пируэтами и другими тонкостями хореографического искусства, балерина приводит в неописуемый восторг весь зрительный зал».
В те времена на русской балетной сцене царили итальянские балерины: Пьерина Леньяни, Вирджиния Цукки, Антония Дель Эра, отличавшиеся виртуозностью и безукоризненной техникой. Гельцер превзошла своих итальянских коллег, во многом благодаря мудрейшему балетному педагогу-Христиану Иогансону, к которому Екатерина приехала в Петербург, в Мариинский театр, в класс усовершенствования и одновременно танцевала на сцене Мариинского театра.
Гельцер танцевала до 70 лет и была в прекрасной форме!
Альбом, составленный из почтовых карточек с фотографиями русской балерины Екатерины Гельцер, размещен в Фотогалерее музея.
В альбоме представлены почтовые карточки, напечатанные с фотографий Екатерины Гельцер, товариществом «Скоропечатня «А.А. Левенсон и Ко», в начале XX века.
https://mus-col.com/gallery/list.php?section=5414
Екатерина Васильевна Гельцер – не просто одно из имен в истории русского балета, это одна из ярчайших звёзд отечественной сцены, выдающаяся представительница русской школы классического танца.
Талант, умноженный на труд, сделал ее любимицей публики, которую повсюду принимали с восторгом. Екатерина Гельцер темпераментной, исполненной природного обаяния танцовщицей, в которой была яркая индивидуальность. У Гельцер была потрясающая балетная техника, экспрессия, казалось, в ней жила магия. В исполнении балерины соединялись безукоризненная техника, музыкальность, танцевальная выразительность и глубокое проникновение в сценический образ. Балетные критики писали о Гельцер: «Своими головокружительными и умопомрачительными турами, пируэтами и другими тонкостями хореографического искусства, балерина приводит в неописуемый восторг весь зрительный зал».
В те времена на русской балетной сцене царили итальянские балерины: Пьерина Леньяни, Вирджиния Цукки, Антония Дель Эра, отличавшиеся виртуозностью и безукоризненной техникой. Гельцер превзошла своих итальянских коллег, во многом благодаря мудрейшему балетному педагогу-Христиану Иогансону, к которому Екатерина приехала в Петербург, в Мариинский театр, в класс усовершенствования и одновременно танцевала на сцене Мариинского театра.
Гельцер танцевала до 70 лет и была в прекрасной форме!
Альбом, составленный из почтовых карточек с фотографиями русской балерины Екатерины Гельцер, размещен в Фотогалерее музея.
В альбоме представлены почтовые карточки, напечатанные с фотографий Екатерины Гельцер, товариществом «Скоропечатня «А.А. Левенсон и Ко», в начале XX века.
https://mus-col.com/gallery/list.php?section=5414
До конца ноября на площадке нашего музея работает временная тематическая выставка «Красота в глазах смотрящего».
Экспозиция объединила редкие скульптуры французских и русских мастеров второй половины XIX - начала ХХ веков и старинные почтовые открытки из наших фондов.
Мы готовим для наших подписчиков традиционную видео-экскурсию по этой выставке, а пока представляем вам наш фотоальбом.
Подробнее об экспозиции, авторах и произведениях выставки - на сайте музея
https://mus-col.com/search/?q=Красота+в+глазах+смотрящего
Экспозиция объединила редкие скульптуры французских и русских мастеров второй половины XIX - начала ХХ веков и старинные почтовые открытки из наших фондов.
Мы готовим для наших подписчиков традиционную видео-экскурсию по этой выставке, а пока представляем вам наш фотоальбом.
Подробнее об экспозиции, авторах и произведениях выставки - на сайте музея
https://mus-col.com/search/?q=Красота+в+глазах+смотрящего
Звезды джаза. Банни Бериган
Роланд Бернард "Банни" Бериган (1908–1942) — один из самых ярких трубачей и руководителей оркестра эпохи свинга. Родился в маленьком городке Гилберт, штат Висконсин, и вырос в музыкальной семье. Уже в шесть лет Банни виртуозно играл на скрипке, а к 10 годам освоил трубу. Талантливый юноша выступал в оркестре своего деда и удивлял публику чувством мелодии и мастерством.
Его профессиональная карьера началась в 1928 году, когда он переехал в Нью-Йорк. Сначала он играл в оркестре Хэла Кэмпа, с которым отправился в тур по Европе. Вернувшись, Бериган окончательно обосновался на Восточном побережье. В 1930-е годы он сотрудничал с лучшими джазовыми бэндами, включая коллективы Томми Дорси, Бенни Гудмана и Пола Уайтмена. Особенно запоминающимся стало его участие в знаменитом турне оркестра Гудмана в 1935 году, завершившемся триумфальным концертом в Лос-Анджелесе, который многие считают началом Эры свинга.
В 1937 году Бериган создал собственный оркестр, где работали выдающиеся музыканты, такие как Бадди Рич и Джордж Олд. Именно в этот период он записал свою самую известную композицию — «I Can’t Get Started», которая вошла в Зал Славы Грэмми в 1975 году. Луи Армстронг настолько высоко оценил эту запись, что отказался исполнять ее, назвав «песней Банни».
Однако талантливый трубач страдал от алкогольной зависимости, что осложняло как его личную жизнь, так и работу. Несмотря на популярность, его оркестр столкнулся с финансовыми трудностями. Неудачи не сломили Банни: он продолжал работать, создавать музыку, выступать с лучшими вокалистами того времени, включая Билли Холидей и Бинга Кросби.
Бериган обладал уникальным стилем игры, его труба звучала то нежно и глубоко, то мощно и экспрессивно. Его соло в композициях «Marie» и «Song of India» стали настоящими шедеврами, которые до сих пор вдохновляют музыкантов. Его исполнение джазовых стандартов, таких как «Blue Skies» и «Sometimes I’m Happy», остается эталоном.
К сожалению, из-за проблем с алкоголем здоровье музыканта ухудшалось, и врачи запретили ему играть. Но Банни не мог жить без музыки. Он продолжал выступать до последнего, пока переутомление, пневмония и цирроз печени не привели к его смерти в возрасте всего 33 лет.
Банни Бериган оставил после себя богатое музыкальное наследие. Его труба, способная «парить» над оркестром, и талант превращать любую мелодию в шедевр сделали его одной из главных фигур джаза. Сегодня его музыка продолжает вдохновлять слушателей и музыкантов, напоминая о блеске и трагедии настоящего гения эпохи свинга.
https://mus-col.com/events/36458/
Роланд Бернард "Банни" Бериган (1908–1942) — один из самых ярких трубачей и руководителей оркестра эпохи свинга. Родился в маленьком городке Гилберт, штат Висконсин, и вырос в музыкальной семье. Уже в шесть лет Банни виртуозно играл на скрипке, а к 10 годам освоил трубу. Талантливый юноша выступал в оркестре своего деда и удивлял публику чувством мелодии и мастерством.
Его профессиональная карьера началась в 1928 году, когда он переехал в Нью-Йорк. Сначала он играл в оркестре Хэла Кэмпа, с которым отправился в тур по Европе. Вернувшись, Бериган окончательно обосновался на Восточном побережье. В 1930-е годы он сотрудничал с лучшими джазовыми бэндами, включая коллективы Томми Дорси, Бенни Гудмана и Пола Уайтмена. Особенно запоминающимся стало его участие в знаменитом турне оркестра Гудмана в 1935 году, завершившемся триумфальным концертом в Лос-Анджелесе, который многие считают началом Эры свинга.
В 1937 году Бериган создал собственный оркестр, где работали выдающиеся музыканты, такие как Бадди Рич и Джордж Олд. Именно в этот период он записал свою самую известную композицию — «I Can’t Get Started», которая вошла в Зал Славы Грэмми в 1975 году. Луи Армстронг настолько высоко оценил эту запись, что отказался исполнять ее, назвав «песней Банни».
Однако талантливый трубач страдал от алкогольной зависимости, что осложняло как его личную жизнь, так и работу. Несмотря на популярность, его оркестр столкнулся с финансовыми трудностями. Неудачи не сломили Банни: он продолжал работать, создавать музыку, выступать с лучшими вокалистами того времени, включая Билли Холидей и Бинга Кросби.
Бериган обладал уникальным стилем игры, его труба звучала то нежно и глубоко, то мощно и экспрессивно. Его соло в композициях «Marie» и «Song of India» стали настоящими шедеврами, которые до сих пор вдохновляют музыкантов. Его исполнение джазовых стандартов, таких как «Blue Skies» и «Sometimes I’m Happy», остается эталоном.
К сожалению, из-за проблем с алкоголем здоровье музыканта ухудшалось, и врачи запретили ему играть. Но Банни не мог жить без музыки. Он продолжал выступать до последнего, пока переутомление, пневмония и цирроз печени не привели к его смерти в возрасте всего 33 лет.
Банни Бериган оставил после себя богатое музыкальное наследие. Его труба, способная «парить» над оркестром, и талант превращать любую мелодию в шедевр сделали его одной из главных фигур джаза. Сегодня его музыка продолжает вдохновлять слушателей и музыкантов, напоминая о блеске и трагедии настоящего гения эпохи свинга.
https://mus-col.com/events/36458/
Mus-Col
Звезды джаза. Банни Бериган
Конечно! Пожалуйста, предоставьте текст, для которого нужно создать META DESCRIPTION.
Лекция «Культурный код Марии Тенишевой»
В пятницу, 22 ноября, в 18:00 в музее «Собрание» состоится лекция «Культурный код Марии Клавдиевны Тенишевой».
В ходе лекции Ирина Кеня познакомит собравшихся с коллекцией Тенишевой, подаренной Русскому музею, расскажет о даре Клавдии Тенишевой городу Смоленску в виде музея «Русская старина».
Лектор познакомит слушателей с «художественным гнездом» России – селом Талашкино, расскажет о вкладе Тенишевой в развитие просвещения, русских народных промыслов, о её театральной деятельности. Будет представлена новая информация о выставках М.К. Тенишевой в Париже, Лондоне, Берлине, Праге, Брюсселе и Риме с показом экспонатов в ходе видеопрезентации.
Особое внимание будет уделено продвижению русского искусства в Европе, одним из инициаторов которого была Мария Клавдиевна Тенишева.
На лекции состоится презентация виртуального музея М.К. Тенишевой, созданного Фондом имени братьев Могилевцевых и будет демонстрироваться фильм «Созидательница», посвященный подвижнической деятельности М.К. Тенишевой и ее вкладу в развитие и продвижение русского национального искусства.
Также Ирина Кеня познакомит участников мероприятия со своей книгой «Социальное служение М.К. Тенишевой», опубликованной в 2024 г.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/
В пятницу, 22 ноября, в 18:00 в музее «Собрание» состоится лекция «Культурный код Марии Клавдиевны Тенишевой».
В ходе лекции Ирина Кеня познакомит собравшихся с коллекцией Тенишевой, подаренной Русскому музею, расскажет о даре Клавдии Тенишевой городу Смоленску в виде музея «Русская старина».
Лектор познакомит слушателей с «художественным гнездом» России – селом Талашкино, расскажет о вкладе Тенишевой в развитие просвещения, русских народных промыслов, о её театральной деятельности. Будет представлена новая информация о выставках М.К. Тенишевой в Париже, Лондоне, Берлине, Праге, Брюсселе и Риме с показом экспонатов в ходе видеопрезентации.
Особое внимание будет уделено продвижению русского искусства в Европе, одним из инициаторов которого была Мария Клавдиевна Тенишева.
На лекции состоится презентация виртуального музея М.К. Тенишевой, созданного Фондом имени братьев Могилевцевых и будет демонстрироваться фильм «Созидательница», посвященный подвижнической деятельности М.К. Тенишевой и ее вкладу в развитие и продвижение русского национального искусства.
Также Ирина Кеня познакомит участников мероприятия со своей книгой «Социальное служение М.К. Тенишевой», опубликованной в 2024 г.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/
Базовые технологии производства художественного стекла
19 ноября – профессиональный праздник работников стекольной промышленности. Начиная с 2000 года в России этот профессиональный праздник отмечается в день рождения выдающегося русского ученого М.В. Ломоносова (1711-1765). День был выбран неслучайно – Михаил Васильевич Ломоносов был изобретателем, создавшим химическое производство глазури, стекла, фарфора. Кроме того он разработал технологию и рецептуру цветных стекол (смальты), которые сам употреблял для создания мозаичных картин. Он же разработал состав фарфоровой массы.
Впервые стекло было получено свыше пяти тысяч лет назад. Древнейшие образцы изделий из стекла, дошедшие до нас, были обнаружены при раскопках египетских городов.
На Руси производство художественных изделий из стекла (мозаики, посуды, разнообразных украшений) существовало с начала XI столетия. Технология изготовления стекла была перенята от византийцев, и уже во времена Ярослава Мудрого киевские мастера производили свинцово-кремнеземное стекло. Основы классического научного подхода к производству стекла в России были заложены Ломоносовым в середине XVIII века.
Несмотря на столь древнюю историю, массовый характер производство стекла приобрело лишь в конце XIX столетия благодаря изобретению печи Сименса-Мартина и заводскому производству соды.
К профессиональному празднику стеклоделов и производителей художественного стекла, в разделе «Статьи и обзоры» размещена обзорная статья о базовых технологиях производства художественного стекла.
История династии Мальцовых, создавших феномен, именуемый «Мальцовской стекольной империей», – в рубрике «Аудио рассказы».
Семья Мальцовых внесла огромный вклад в развитие русского стеклоделия, вершиной которого стали изделия из цветного стекла и хрусталя, произведенные на семейных предприятиях. Продукция мальцовских фабрик широко представлена в коллекции Музея «Собрание». Изделия, созданные с высочайшим мастерством, можно увидеть в экспозиции и на сайте музея в разделе «Русское стекло и керамика».
https://mus-col.com/events/23352/
19 ноября – профессиональный праздник работников стекольной промышленности. Начиная с 2000 года в России этот профессиональный праздник отмечается в день рождения выдающегося русского ученого М.В. Ломоносова (1711-1765). День был выбран неслучайно – Михаил Васильевич Ломоносов был изобретателем, создавшим химическое производство глазури, стекла, фарфора. Кроме того он разработал технологию и рецептуру цветных стекол (смальты), которые сам употреблял для создания мозаичных картин. Он же разработал состав фарфоровой массы.
Впервые стекло было получено свыше пяти тысяч лет назад. Древнейшие образцы изделий из стекла, дошедшие до нас, были обнаружены при раскопках египетских городов.
На Руси производство художественных изделий из стекла (мозаики, посуды, разнообразных украшений) существовало с начала XI столетия. Технология изготовления стекла была перенята от византийцев, и уже во времена Ярослава Мудрого киевские мастера производили свинцово-кремнеземное стекло. Основы классического научного подхода к производству стекла в России были заложены Ломоносовым в середине XVIII века.
Несмотря на столь древнюю историю, массовый характер производство стекла приобрело лишь в конце XIX столетия благодаря изобретению печи Сименса-Мартина и заводскому производству соды.
К профессиональному празднику стеклоделов и производителей художественного стекла, в разделе «Статьи и обзоры» размещена обзорная статья о базовых технологиях производства художественного стекла.
История династии Мальцовых, создавших феномен, именуемый «Мальцовской стекольной империей», – в рубрике «Аудио рассказы».
Семья Мальцовых внесла огромный вклад в развитие русского стеклоделия, вершиной которого стали изделия из цветного стекла и хрусталя, произведенные на семейных предприятиях. Продукция мальцовских фабрик широко представлена в коллекции Музея «Собрание». Изделия, созданные с высочайшим мастерством, можно увидеть в экспозиции и на сайте музея в разделе «Русское стекло и керамика».
https://mus-col.com/events/23352/
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Представьте себе, как время превращается в захватывающее зрелище.
Сегодня мы познакомим вас с уникальными настольными часами «Катящийся шар», которые не просто показывают время, а делают это с изяществом и игривостью. Давайте вместе погрузимся в мир инновационного дизайна и узнаем, как эти необычные часы работают!
В основе часов лежит продуманный механизм, который позволяет шару катиться по заданной траектории. Например, на поверхности может быть нанесена специальная шкала с отметками часов и минут. Когда шар перемещается, он указывает на текущее время, создавая эффект динамичного движения. Это не только функционально, но и эстетично — вы можете наблюдать за тем, как шар плавно перемещается, что добавляет элемент игры и расслабления в повседневную рутину.
Сегодня мы познакомим вас с уникальными настольными часами «Катящийся шар», которые не просто показывают время, а делают это с изяществом и игривостью. Давайте вместе погрузимся в мир инновационного дизайна и узнаем, как эти необычные часы работают!
В основе часов лежит продуманный механизм, который позволяет шару катиться по заданной траектории. Например, на поверхности может быть нанесена специальная шкала с отметками часов и минут. Когда шар перемещается, он указывает на текущее время, создавая эффект динамичного движения. Это не только функционально, но и эстетично — вы можете наблюдать за тем, как шар плавно перемещается, что добавляет элемент игры и расслабления в повседневную рутину.
Музыкальная шкатулка в форме скрипки
Сегодня, мы с радостью представляем вам уникальную музыкальную шкатулку, выполненную в форме скрипки. Эта замечательная шкатулка была создана в Вене примерно в 1890 году и представляет собой не только музыкальный инструмент, но и произведение искусства.
Корпус шкатулки украшен позолоченным грифом, на котором изображена голова амура, что добавляет ей романтический и изысканный вид. Лицевая панель шкатулки украшена эмалевыми изображениями, на которых изображены юноша и девушка, сидящие под деревьями. Эти изображения являются копией картины «Невинность», написанной известным художником Николя Ланкре, что подчеркивает эстетическую ценность изделия.
На обратной стороне шкатулки также можно увидеть изображение юноши с гитарой и девушки с нотами, которые находятся у пьедестала с бюстом мужчины. Этот бюст, вероятно, изображает Пифагора и символизирует музыкальное вдохновение и философию. Изображения на шкатулке отражают различные стадии флирта и соблазнения, что придает ей особую атмосферу романтики и нежности.
На задней стороне грифа находится кнопка с накаткой для включения музыкального механизма с программным валиком на две мелодии, звуковой гребенкой и пружинным приводом. В нижней части обратной стороны – стационарный ключ для завода механизма.
Эта музыкальная шкатулка является прекрасным примером мастерства и художественного вкуса своего времени.
Сегодня, мы с радостью представляем вам уникальную музыкальную шкатулку, выполненную в форме скрипки. Эта замечательная шкатулка была создана в Вене примерно в 1890 году и представляет собой не только музыкальный инструмент, но и произведение искусства.
Корпус шкатулки украшен позолоченным грифом, на котором изображена голова амура, что добавляет ей романтический и изысканный вид. Лицевая панель шкатулки украшена эмалевыми изображениями, на которых изображены юноша и девушка, сидящие под деревьями. Эти изображения являются копией картины «Невинность», написанной известным художником Николя Ланкре, что подчеркивает эстетическую ценность изделия.
На обратной стороне шкатулки также можно увидеть изображение юноши с гитарой и девушки с нотами, которые находятся у пьедестала с бюстом мужчины. Этот бюст, вероятно, изображает Пифагора и символизирует музыкальное вдохновение и философию. Изображения на шкатулке отражают различные стадии флирта и соблазнения, что придает ей особую атмосферу романтики и нежности.
На задней стороне грифа находится кнопка с накаткой для включения музыкального механизма с программным валиком на две мелодии, звуковой гребенкой и пружинным приводом. В нижней части обратной стороны – стационарный ключ для завода механизма.
Эта музыкальная шкатулка является прекрасным примером мастерства и художественного вкуса своего времени.
Наши давние друзья, журнал «Мир музея» подготовили замечательный репортаж с тематической выставки «Красота в глазах смотрящего». С радостью делимся с вами атмосферным видео и желаем удачной недели в завершение ноября!
https://t.me/mmtwom/1868
https://t.me/mmtwom/1868
Forwarded from Журнал «Мир Музея»
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Когда на улице ноябрьский мрак, пора отправляться в музей за красотой. Если вы в Москве, то самое время посетить Музей «Собрание», одну из крупнейших частных коллекций в России. Там, в самом центре Москвы, на Солянке д. 16, среди множества замечательных редких экспонатов, открыта выставка «Красота в глазах смотрящего» (куратор — Яна Стрижевская).
Французские и русские скульпторы-неоклассицисты второй половины XIX — начала XX веков сегодня оказались в тени. Послушайте рассказ гида музея Ильи Малахова о произведениях Матюрена Моро, Антонина Мерсье, Эммануэля Вилланиса, Матвея Чижова и других выдающихся скульпторов и вы сможете лучше разглядеть в них подлинную красоту.
Оператор Алексей Плющев
Режиссёр Сергей Егоров
Музыкальный редактор Ольга Макарова
Продюсер Павел Морозов
Использована музыка:
К. Дебюсси «Сиринкс (Флейта Пана)»
Северино Гаццеллони, запись 1969 г.
Вальс из «Фантастической симфонии» Г. Берлиоза.
Нью-Йоркский филармонический оркестр, дирижер Л. Бернстайн, запись 1963 г.
И. Стравинский «Аполлон Мусагет»
Оркестр Comumbia Pictures, запись 1964 г. Дирижер И. Стравинский
Французские и русские скульпторы-неоклассицисты второй половины XIX — начала XX веков сегодня оказались в тени. Послушайте рассказ гида музея Ильи Малахова о произведениях Матюрена Моро, Антонина Мерсье, Эммануэля Вилланиса, Матвея Чижова и других выдающихся скульпторов и вы сможете лучше разглядеть в них подлинную красоту.
Оператор Алексей Плющев
Режиссёр Сергей Егоров
Музыкальный редактор Ольга Макарова
Продюсер Павел Морозов
Использована музыка:
К. Дебюсси «Сиринкс (Флейта Пана)»
Северино Гаццеллони, запись 1969 г.
Вальс из «Фантастической симфонии» Г. Берлиоза.
Нью-Йоркский филармонический оркестр, дирижер Л. Бернстайн, запись 1963 г.
И. Стравинский «Аполлон Мусагет»
Оркестр Comumbia Pictures, запись 1964 г. Дирижер И. Стравинский