Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Пасхальные сувениры из коллекции музея «Собрание»
Символом Пасхи давным-давно стало яйцо. С древности яйцо олицетворяет весеннее солнце – источник жизни, течение времени и возрождение природы, непреложность устройства мира; яркость и величие, тепло и свет, счастье и удачу. Когда-то было принято подносить яйцо в дар языческим богам, дарить яйца друзьям и родственникам и в первый день Нового года, и в день рождения. Состоятельные люди вместо раскрашенных куриных яиц зачастую подносили золотые или позолоченные яйца, символизировавшие солнце. Для наших предков яйцо служило символом жизни, так как в нем хранится зародыш солнечной птицы – петуха, будившего утро.
Традиция обмена крашеными яйцами на Пасху имеет давние корни в России. Пасхальные яйца изготавливались из различных материалов и в разнообразных техниках. В России с начала XVII века основными производителями этих пасхальных сувениров была Оружейная палата и иконописные мастерские при крупных монастырях. Именно оттуда к царскому двору, а также в знатные боярские семьи, поставлялись вырезанные из дерева или кости, богато расписанные и затейливо декорированные пасхальные украшения.
С середины XVIII века яйца стали изготавливать из стекла и фарфора, и основная часть заказов приходилась на Императорский фарфоровый завод. Интересно, что в начале XIX века были очень популярны подвесные фарфоровые яйца, которые украшались нарядными шелковыми лентами и подвешивались под иконами. Немного позднее в моду вошли пасхальные яйца из папье-маше, которые создавали в мастерских лаковой миниатюры Палеха, Мстеры и Федоскино.
С середины XIX века изготовление пасхальных сувениров стало одним из важных направлений работы различных ювелирных мастерских. Изготавливались они из серебра и золота, декорировались эмалью, бисером, сканью, драгоценными камнями. Иногда мастера экспериментировали с нетрадиционными материалами. Это мог быть горный хрусталь или ценные сорта древесины. Наибольшую известность имели пасхальные яйца, выполненные по заказу императорской семьи в мастерских Карла Фаберже. Именно там стали создавать пасхальные яйца-сюрпризы: с заводными механизмами, миниатюрными фигурками, портретными медальонами. Высочайшая техника исполнения, богатство отделки, мастерство и фантазия художников, все это стало залогом всемирного признания.
В коллекции музея «Собрание» собраны разнообразные пасхальные сувениры: миниатюрные кулоны, рюмки-трансформеры в виде пасхальных яиц, декорированные эмалями, удивительные яйца-шкатулки, оригинальные композиции в виде пасхальных яиц с секретом. В экспозиции представлены как произведения мастеров старой, классической русской школы (Александра Любавина, Ореста Курлюкова, Павла Овчинникова и др.) так и работы наших современников (мастеров «новой волны» камнерезного центра Европы – немецкого города Идар-Оберштайн).
Сегодня, в Светлое Христово Воскресение, Пасху, – один из древнейших христианских праздников и главное событие года для православных христиан, предлагаем вам посмотреть два видео ролика, посвящённых пасхальным сувенирам из коллекции декоративно-прикладного искусства музея «Собрание», которые размещены в нашем «Видеоархиве» и тематический альбом «Пасхальные сувениры» – в Фотогалерее музея.
Альбом для раскрашивания «Пасхальные сувениры», опубликованный в разделе «Печатные материалы», это прекрасная возможность для детей сменить активность и отдохнуть. Раскрашивание картинок – увлекательный процесс, который завораживает малышей и полностью занимает их внимание. Выберите понравившиеся вам изображения, раскрасьте их или сделайте собственную открытку, чтобы поздравить своих близких.
Пусть наши публикации о пасхальных сувенирах, представленных в коллекции музея «Собрание», подарят вам настроение праздничного торжества.
Символом Пасхи давным-давно стало яйцо. С древности яйцо олицетворяет весеннее солнце – источник жизни, течение времени и возрождение природы, непреложность устройства мира; яркость и величие, тепло и свет, счастье и удачу. Когда-то было принято подносить яйцо в дар языческим богам, дарить яйца друзьям и родственникам и в первый день Нового года, и в день рождения. Состоятельные люди вместо раскрашенных куриных яиц зачастую подносили золотые или позолоченные яйца, символизировавшие солнце. Для наших предков яйцо служило символом жизни, так как в нем хранится зародыш солнечной птицы – петуха, будившего утро.
Традиция обмена крашеными яйцами на Пасху имеет давние корни в России. Пасхальные яйца изготавливались из различных материалов и в разнообразных техниках. В России с начала XVII века основными производителями этих пасхальных сувениров была Оружейная палата и иконописные мастерские при крупных монастырях. Именно оттуда к царскому двору, а также в знатные боярские семьи, поставлялись вырезанные из дерева или кости, богато расписанные и затейливо декорированные пасхальные украшения.
С середины XVIII века яйца стали изготавливать из стекла и фарфора, и основная часть заказов приходилась на Императорский фарфоровый завод. Интересно, что в начале XIX века были очень популярны подвесные фарфоровые яйца, которые украшались нарядными шелковыми лентами и подвешивались под иконами. Немного позднее в моду вошли пасхальные яйца из папье-маше, которые создавали в мастерских лаковой миниатюры Палеха, Мстеры и Федоскино.
С середины XIX века изготовление пасхальных сувениров стало одним из важных направлений работы различных ювелирных мастерских. Изготавливались они из серебра и золота, декорировались эмалью, бисером, сканью, драгоценными камнями. Иногда мастера экспериментировали с нетрадиционными материалами. Это мог быть горный хрусталь или ценные сорта древесины. Наибольшую известность имели пасхальные яйца, выполненные по заказу императорской семьи в мастерских Карла Фаберже. Именно там стали создавать пасхальные яйца-сюрпризы: с заводными механизмами, миниатюрными фигурками, портретными медальонами. Высочайшая техника исполнения, богатство отделки, мастерство и фантазия художников, все это стало залогом всемирного признания.
В коллекции музея «Собрание» собраны разнообразные пасхальные сувениры: миниатюрные кулоны, рюмки-трансформеры в виде пасхальных яиц, декорированные эмалями, удивительные яйца-шкатулки, оригинальные композиции в виде пасхальных яиц с секретом. В экспозиции представлены как произведения мастеров старой, классической русской школы (Александра Любавина, Ореста Курлюкова, Павла Овчинникова и др.) так и работы наших современников (мастеров «новой волны» камнерезного центра Европы – немецкого города Идар-Оберштайн).
Сегодня, в Светлое Христово Воскресение, Пасху, – один из древнейших христианских праздников и главное событие года для православных христиан, предлагаем вам посмотреть два видео ролика, посвящённых пасхальным сувенирам из коллекции декоративно-прикладного искусства музея «Собрание», которые размещены в нашем «Видеоархиве» и тематический альбом «Пасхальные сувениры» – в Фотогалерее музея.
Альбом для раскрашивания «Пасхальные сувениры», опубликованный в разделе «Печатные материалы», это прекрасная возможность для детей сменить активность и отдохнуть. Раскрашивание картинок – увлекательный процесс, который завораживает малышей и полностью занимает их внимание. Выберите понравившиеся вам изображения, раскрасьте их или сделайте собственную открытку, чтобы поздравить своих близких.
Пусть наши публикации о пасхальных сувенирах, представленных в коллекции музея «Собрание», подарят вам настроение праздничного торжества.
Онлайн-версия каталога «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили»
В рамках проекта «Возвращение забытых имен», музей «Собрание» представляет каталог «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили». Это издание для музея является вторым, в 2021-м году вышел в свет масштабный каталог «Федор Лорие и Егор Черятов».
По количеству опубликованного материала (более 260 работ) книга даёт возможность, на примере одной коллекции, представить разнообразие творческого наследия венгерского художника Михая Зичи (1827-1906), работавшего более полувека при русском Императорском Дворе. Его имя в настоящее время хорошо известно в Венгрии, – стране, с которой он никогда не прерывал связь и где был похоронен, в то время как в России, где хранится богатейшее наследие художника, он менее известен.
Большая часть работ, опубликованных в издании, практически неизвестна публике. Есть и такие, которые считались «утерянными» (например, «Спасение детей», 1895). Уточнению их атрибуции, а также выявлению максимально полной информации о произведении помогло не только обращение к литературным источникам и к сохранившемуся в других музеях наследию Михая Зичи, но и хранящаяся в Государственном Эрмитаже рукопись «Список работ М.А. Зичи, исполненных им по заказу Двора». Специально для данного издания из Российского Государственного Исторического архива в Санкт-Петербурге было заказано личное дело художника, полный текст которого опубликован впервые.
Выпущенное музеем «Собрание» издание будет интересно самому широкому кругу читателей от специалистов и знатоков-искусствоведов до любителей. Каталог содержит уникальную информацию о художнике и его работах, многие из которых представляют собой ценный источник, повествующий о важнейших событиях прошлого. Знания, полученные благодаря сохранившимся артефактам, свидетельствам былого, должны быть доступны всем, и наш каталог даёт такую возможность.
В разделе «Графика» постоянной экспозиции музея «Собрание» представлено несколько десятков графических работ Михая Зичи. В планах музея – проведение тематической выставки, посвященной творчеству мастера, справедливо названного «художником четырёх российских императоров».
От всей души благодарим всех тех, кто работал над изданием, за их огромный труд, уникальные знания, преданность своему делу, понимание значения коллекции и трепетное к ней отношение.
https://mus-col.com/events/37118/
В рамках проекта «Возвращение забытых имен», музей «Собрание» представляет каталог «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили». Это издание для музея является вторым, в 2021-м году вышел в свет масштабный каталог «Федор Лорие и Егор Черятов».
По количеству опубликованного материала (более 260 работ) книга даёт возможность, на примере одной коллекции, представить разнообразие творческого наследия венгерского художника Михая Зичи (1827-1906), работавшего более полувека при русском Императорском Дворе. Его имя в настоящее время хорошо известно в Венгрии, – стране, с которой он никогда не прерывал связь и где был похоронен, в то время как в России, где хранится богатейшее наследие художника, он менее известен.
Большая часть работ, опубликованных в издании, практически неизвестна публике. Есть и такие, которые считались «утерянными» (например, «Спасение детей», 1895). Уточнению их атрибуции, а также выявлению максимально полной информации о произведении помогло не только обращение к литературным источникам и к сохранившемуся в других музеях наследию Михая Зичи, но и хранящаяся в Государственном Эрмитаже рукопись «Список работ М.А. Зичи, исполненных им по заказу Двора». Специально для данного издания из Российского Государственного Исторического архива в Санкт-Петербурге было заказано личное дело художника, полный текст которого опубликован впервые.
Выпущенное музеем «Собрание» издание будет интересно самому широкому кругу читателей от специалистов и знатоков-искусствоведов до любителей. Каталог содержит уникальную информацию о художнике и его работах, многие из которых представляют собой ценный источник, повествующий о важнейших событиях прошлого. Знания, полученные благодаря сохранившимся артефактам, свидетельствам былого, должны быть доступны всем, и наш каталог даёт такую возможность.
В разделе «Графика» постоянной экспозиции музея «Собрание» представлено несколько десятков графических работ Михая Зичи. В планах музея – проведение тематической выставки, посвященной творчеству мастера, справедливо названного «художником четырёх российских императоров».
От всей души благодарим всех тех, кто работал над изданием, за их огромный труд, уникальные знания, преданность своему делу, понимание значения коллекции и трепетное к ней отношение.
https://mus-col.com/events/37118/
Пресс-конференция. Презентация каталога Михая Зичи
Работы венгерского художника Михая (Михаила) Зичи, который был придворным живописцем династии Романовых, представили в Москве, презентация каталога с его картинами прошла на пресс-конференции в ТАСС.
«Личность Зичи совершенно уникальна и очень интересна. Однако для широких кругов его имя в значительной степени подзабыто. Мы надеемся вернуть память о нем в общественное сознание, поскольку историки искусства и коллекционеры хорошо его знают. Он высоко ценится в художественной среде», - сказал историк искусства, коллекционер, научный консультант проекта Сергей Подстаницкий.
По его словам, прежде всего, Зичи оценивают как исторического художника-документалиста. В середине XIX века, когда фотография еще не стала широкодоступной, он смог запечатлеть многофигурные композиции и массовые события. «Поэтому такие художники, как Зичи, выступали своего рода корреспондентами, способными изображать крупные события с большим количеством участников, создавая мемориальные наброски», обратил внимание эксперт.
Он отметил, что документальность произведений Зичи позволяет увидеть художественные изображения, представляющие собой фотографически точные картины не только расположения участников на церемониях, но и мельчайшие детали – ордена, шпаги. Кроме того, художник изображал императоров с подчеркнутым уважением, но также умело передавал характер их окружения – генералов и придворных – иногда в карикатурном, но правдивом виде. Это качество ценилось в художественной среде, так как он мог изображать события смешно и достоверно, не бросая тень на придворную жизнь.
Фотографии с пресс-конференции Фотогалерее музея.
https://mus-col.com/events/37118/
Работы венгерского художника Михая (Михаила) Зичи, который был придворным живописцем династии Романовых, представили в Москве, презентация каталога с его картинами прошла на пресс-конференции в ТАСС.
«Личность Зичи совершенно уникальна и очень интересна. Однако для широких кругов его имя в значительной степени подзабыто. Мы надеемся вернуть память о нем в общественное сознание, поскольку историки искусства и коллекционеры хорошо его знают. Он высоко ценится в художественной среде», - сказал историк искусства, коллекционер, научный консультант проекта Сергей Подстаницкий.
По его словам, прежде всего, Зичи оценивают как исторического художника-документалиста. В середине XIX века, когда фотография еще не стала широкодоступной, он смог запечатлеть многофигурные композиции и массовые события. «Поэтому такие художники, как Зичи, выступали своего рода корреспондентами, способными изображать крупные события с большим количеством участников, создавая мемориальные наброски», обратил внимание эксперт.
Он отметил, что документальность произведений Зичи позволяет увидеть художественные изображения, представляющие собой фотографически точные картины не только расположения участников на церемониях, но и мельчайшие детали – ордена, шпаги. Кроме того, художник изображал императоров с подчеркнутым уважением, но также умело передавал характер их окружения – генералов и придворных – иногда в карикатурном, но правдивом виде. Это качество ценилось в художественной среде, так как он мог изображать события смешно и достоверно, не бросая тень на придворную жизнь.
Фотографии с пресс-конференции Фотогалерее музея.
https://mus-col.com/events/37118/
Презентации каталога Михая Зичи в музее «Собрание»
В конце 2024 года коллектив музея «Собрание» выпустил каталог «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили». Это издание для музея является вторым и выходит в рамках проекта «Возвращение забытых имён».
По количеству опубликованного материала (более 260 работ) книга даёт возможность, на примере одной коллекции, представить разнообразие творческого наследия венгерского художника Михая Зичи (1827-1906), работавшего более полувека при русском Императорском Дворе. Его имя в настоящее время хорошо известно в Венгрии, – стране, с которой он никогда не прерывал связь и где был похоронен, в то время как в России, где хранится богатейшее наследие художника, он менее известен.
В рамках проекта «Возвращение забытых имен», в музее «Собрание» прошла презентация каталога «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили»
Фоторепортаж о мероприятии – в Фотогалерее музея.
https://mus-col.com/events/37178/
В конце 2024 года коллектив музея «Собрание» выпустил каталог «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили». Это издание для музея является вторым и выходит в рамках проекта «Возвращение забытых имён».
По количеству опубликованного материала (более 260 работ) книга даёт возможность, на примере одной коллекции, представить разнообразие творческого наследия венгерского художника Михая Зичи (1827-1906), работавшего более полувека при русском Императорском Дворе. Его имя в настоящее время хорошо известно в Венгрии, – стране, с которой он никогда не прерывал связь и где был похоронен, в то время как в России, где хранится богатейшее наследие художника, он менее известен.
В рамках проекта «Возвращение забытых имен», в музее «Собрание» прошла презентация каталога «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили»
Фоторепортаж о мероприятии – в Фотогалерее музея.
https://mus-col.com/events/37178/
Международный день скульптуры отмечает десятилетие
Международный день скульптуры был учреждён Международным центром скульптуры в 2015 году. Его цель — привлечь внимание к скульптуре как к важнейшему виду изобразительного искусства и подчеркнуть её роль в культурном развитии общества.
Термин «скульптура» охватывает все произведения, обладающие объёмной формой: бюсты, статуи, рельефы и абстрактные композиции. Само слово происходит от латинского sculptura — «вырезать», «высекать».
Скульптура делится на монументальную и станковую. Монументальные произведения отличаются крупными размерами, нередко связаны с архитектурой и посвящены историческим событиям или выдающимся личностям. Станковая скульптура предназначена для восприятия с близкого расстояния, носит камерный характер и размещается в музеях, выставочных залах и жилых интерьерах. Её отличают внимание к внутреннему миру человека, повествовательность и психологизм.
Особое место занимает мелкая пластика — небольшие скульптурные формы, часто дополняющие убранство интерьеров. К скульптуре малых форм также относятся изделия медальерного искусства и глиптики. Эти произведения обычно создаются из различных материалов, таких как бронза, фарфор, камень, дерево.
Техника исполнения скульптуры зависит от используемых материалов. Мягкие вещества (глина, воск) подходят для лепки — постепенного наращивания объёма. Твёрдые материалы (камень, дерево) обрабатываются путём отсечения лишнего, выявляя скрытую форму.
Скульптурные произведения классифицируются и по жанрам:
- Анималистический — изображения животных, птиц и рыб.
- Аллегорический и символический — фигуры, олицетворяющие абстрактные идеи, такие как справедливость или добродетель.
- Исторический — памятники событиям и выдающимся личностям.
- Мифологический — сюжеты из мифологии и народных преданий.
- Портретный — изображения конкретных людей, с точной передачей черт лица и характера.
Скульптура также подразделяется на круглую (обходную, доступную для обзора со всех сторон) и рельефную (когда фигура остаётся частью фона). В рельефах выделяют:
- Барельеф — низкий рельеф, слабо выступающий над плоскостью.
- Горельеф — более высокий рельеф.
- Контррельеф — углублённые изображения.
Миниатюрная скульптура или мелкая пластика включает небольшие сюжетные композиции, высотой обычно не более 10–15 см.
Отдельного внимания заслуживает коллекция скульптуры музея «Собрание». Она представляет собой результат многолетней работы по поиску, атрибуции и изучению произведений русских и европейских мастеров второй половины XIX — первой четверти XX веков. В разделе «Скульптура» собрана масштабная коллекция кабинетной станковой скульптуры. В центре внимания — монографические работы таких мастеров, как Е.А. Лансере, Н.А. Либерих, В.Я. Грачев, Л.В. Позен, А.М. Опекушин, М.М. Антокольский, П.П. Трубецкой, Н.Л. Аронсон, П.К. Клодт, С.Д. Эрьзя, Д. Чипарус и другие.
Коллекция музея позволяет проследить особенности творческого стиля каждого автора, их индивидуальный подход к материалу, форме и образу. Более подробную информацию о жизни и творчестве скульпторов можно найти в разделе «Авторы».
https://mus-col.com/events/37070/
Международный день скульптуры был учреждён Международным центром скульптуры в 2015 году. Его цель — привлечь внимание к скульптуре как к важнейшему виду изобразительного искусства и подчеркнуть её роль в культурном развитии общества.
Термин «скульптура» охватывает все произведения, обладающие объёмной формой: бюсты, статуи, рельефы и абстрактные композиции. Само слово происходит от латинского sculptura — «вырезать», «высекать».
Скульптура делится на монументальную и станковую. Монументальные произведения отличаются крупными размерами, нередко связаны с архитектурой и посвящены историческим событиям или выдающимся личностям. Станковая скульптура предназначена для восприятия с близкого расстояния, носит камерный характер и размещается в музеях, выставочных залах и жилых интерьерах. Её отличают внимание к внутреннему миру человека, повествовательность и психологизм.
Особое место занимает мелкая пластика — небольшие скульптурные формы, часто дополняющие убранство интерьеров. К скульптуре малых форм также относятся изделия медальерного искусства и глиптики. Эти произведения обычно создаются из различных материалов, таких как бронза, фарфор, камень, дерево.
Техника исполнения скульптуры зависит от используемых материалов. Мягкие вещества (глина, воск) подходят для лепки — постепенного наращивания объёма. Твёрдые материалы (камень, дерево) обрабатываются путём отсечения лишнего, выявляя скрытую форму.
Скульптурные произведения классифицируются и по жанрам:
- Анималистический — изображения животных, птиц и рыб.
- Аллегорический и символический — фигуры, олицетворяющие абстрактные идеи, такие как справедливость или добродетель.
- Исторический — памятники событиям и выдающимся личностям.
- Мифологический — сюжеты из мифологии и народных преданий.
- Портретный — изображения конкретных людей, с точной передачей черт лица и характера.
Скульптура также подразделяется на круглую (обходную, доступную для обзора со всех сторон) и рельефную (когда фигура остаётся частью фона). В рельефах выделяют:
- Барельеф — низкий рельеф, слабо выступающий над плоскостью.
- Горельеф — более высокий рельеф.
- Контррельеф — углублённые изображения.
Миниатюрная скульптура или мелкая пластика включает небольшие сюжетные композиции, высотой обычно не более 10–15 см.
Отдельного внимания заслуживает коллекция скульптуры музея «Собрание». Она представляет собой результат многолетней работы по поиску, атрибуции и изучению произведений русских и европейских мастеров второй половины XIX — первой четверти XX веков. В разделе «Скульптура» собрана масштабная коллекция кабинетной станковой скульптуры. В центре внимания — монографические работы таких мастеров, как Е.А. Лансере, Н.А. Либерих, В.Я. Грачев, Л.В. Позен, А.М. Опекушин, М.М. Антокольский, П.П. Трубецкой, Н.Л. Аронсон, П.К. Клодт, С.Д. Эрьзя, Д. Чипарус и другие.
Коллекция музея позволяет проследить особенности творческого стиля каждого автора, их индивидуальный подход к материалу, форме и образу. Более подробную информацию о жизни и творчестве скульпторов можно найти в разделе «Авторы».
https://mus-col.com/events/37070/
Международный день танца: история и традиции праздника
К международному дню танца мы подготовили музыкальную подборку танцевальной музыки – от классической музыки до музыки XX века, записанную с музыкальных носителей, хранящихся в Библиотеке звука музея «Собрание».
Танец – один из древнейших видов искусств. Он помогал выражать эмоции, являлся частью обрядов, им отмечали все значимые события. Свои танцевальные традиции были у каждого народа. Ритуальные танцы сменились народными и салонными, а затем возникла основа балета – классический танец.
Международный день танца - это праздник танца, организованный Международным советом танца и Международным институтом театра.
Международный день танца (International Dance Day) празднуется во всем мире 29 апреля.
Праздник был учрежден в 1982 году по инициативе Международного совета танца (International Dance Council) ЮНЕСКО. Дату предложил педагог и хореограф Петр Гусев. Она была выбрана неслучайно – 29 апреля (1727-1810) родился Жан-Жорж Новерр (Jean-Georges Noverre), французский балетмейстер, хореограф и теоретик балета, реформатор, вошедший в историю как «отец современного балета». Он был учеником балетмейстера Луи Дюпре (Louis Dupre; 1697–1774), выступал как танцовщик и возглавлял балетную труппу в театре «Друри-Лейн» в Лондоне. Долгое время балет являлся лишь частью оперного представления, Новерр первым начал ставить самостоятельные танцевальные спектакли. Он также предложил избавить танцоров от громоздких нарядов и масок, мешающих исполнению пируэтов. Ж. Новерру принадлежит труд «Письма о танце и балетах» (1759), в котором он изложил принципы балета-пьесы. Воплощался он с помощью собственно танца и пантомимы.
Танец – универсальный язык, объединяющий людей разных культур и национальностей, и Международный день танца – повод уделить внимание этому виду искусства. Он посвящен всем стилям и направлениям, от балета до хип-хопа.
Существуют и традиционные официальные мероприятия, такие как ежегодное обращение выдающегося деятеля мира хореографии. Цель такого выступления – обратить внимание на способность танца объединять людей, его красоту, а также поздравление коллег. Первым с таким посланием выступил в 1982 году артист балета Хенрик Нойбауэр (Henrik Neubauer; 1929-2024).
В числе прочих были хореографы Юрий Григорович (Россия, 1984), Роберт Джоффри (США, 1985), Ханс ван Манен (Голландия, 1991), Мэги Марен (Франция, 1993), Морис Бежар (Франция, 1997), Иржи Килиан (Голландия, 2000), Матс Эк (Швеция, 2003), Стефан Пейдж (Австралия, 2004) и Саша Вальц (Германия, 2007); танцовщик, один из основателей танца буто – Кадзуо Оно (Япония, 1998); танцовщики и хореографы Мерс Каннингем (США, 1990), Акрам Хан (Великобритания, 2009), Хулио Бокка (Аргентина, 2010) и Линь Хуайминь (Тайвань, 2013); создатель техники импровизации Уильям Форсайт (США – Германия, 2001); танцовщицы и хореографы Глэдис Агульяс (ЮАР, 2008) и Анна Тереза де Кеерсмакер (Бельгия, 2011); одна из первых танцовщиц афроамериканок Кэтрин Данэм (США, 2002), балерины Майя Плисецкая (Россия, 1996), Алисия Алонсо (Куба, 2000), Мияко Ёсида (Япония – Великобритания, 2005) и Ульяна Лопаткина (Россия, 2014).
Международный день танца – время для вручения наград и премий. В России в этот день вручают единственную профессиональную балетную премию «Душа танца». Она была учреждена в 1994 году журналом «Балет» совместно с Министерством культуры Российской Федерации.
С 1991 года проводится также «Бенуа де ля данс» (Benois de la Danse), ежегодный балетный фестиваль, основанный Международной ассоциацией деятелей хореографии. Первая церемония награждения и гала-концерт состоялись в 1992 году на сцене Большого театра в Москве.
https://mus-col.com/events/24313/
К международному дню танца мы подготовили музыкальную подборку танцевальной музыки – от классической музыки до музыки XX века, записанную с музыкальных носителей, хранящихся в Библиотеке звука музея «Собрание».
Танец – один из древнейших видов искусств. Он помогал выражать эмоции, являлся частью обрядов, им отмечали все значимые события. Свои танцевальные традиции были у каждого народа. Ритуальные танцы сменились народными и салонными, а затем возникла основа балета – классический танец.
Международный день танца - это праздник танца, организованный Международным советом танца и Международным институтом театра.
Международный день танца (International Dance Day) празднуется во всем мире 29 апреля.
Праздник был учрежден в 1982 году по инициативе Международного совета танца (International Dance Council) ЮНЕСКО. Дату предложил педагог и хореограф Петр Гусев. Она была выбрана неслучайно – 29 апреля (1727-1810) родился Жан-Жорж Новерр (Jean-Georges Noverre), французский балетмейстер, хореограф и теоретик балета, реформатор, вошедший в историю как «отец современного балета». Он был учеником балетмейстера Луи Дюпре (Louis Dupre; 1697–1774), выступал как танцовщик и возглавлял балетную труппу в театре «Друри-Лейн» в Лондоне. Долгое время балет являлся лишь частью оперного представления, Новерр первым начал ставить самостоятельные танцевальные спектакли. Он также предложил избавить танцоров от громоздких нарядов и масок, мешающих исполнению пируэтов. Ж. Новерру принадлежит труд «Письма о танце и балетах» (1759), в котором он изложил принципы балета-пьесы. Воплощался он с помощью собственно танца и пантомимы.
Танец – универсальный язык, объединяющий людей разных культур и национальностей, и Международный день танца – повод уделить внимание этому виду искусства. Он посвящен всем стилям и направлениям, от балета до хип-хопа.
Существуют и традиционные официальные мероприятия, такие как ежегодное обращение выдающегося деятеля мира хореографии. Цель такого выступления – обратить внимание на способность танца объединять людей, его красоту, а также поздравление коллег. Первым с таким посланием выступил в 1982 году артист балета Хенрик Нойбауэр (Henrik Neubauer; 1929-2024).
В числе прочих были хореографы Юрий Григорович (Россия, 1984), Роберт Джоффри (США, 1985), Ханс ван Манен (Голландия, 1991), Мэги Марен (Франция, 1993), Морис Бежар (Франция, 1997), Иржи Килиан (Голландия, 2000), Матс Эк (Швеция, 2003), Стефан Пейдж (Австралия, 2004) и Саша Вальц (Германия, 2007); танцовщик, один из основателей танца буто – Кадзуо Оно (Япония, 1998); танцовщики и хореографы Мерс Каннингем (США, 1990), Акрам Хан (Великобритания, 2009), Хулио Бокка (Аргентина, 2010) и Линь Хуайминь (Тайвань, 2013); создатель техники импровизации Уильям Форсайт (США – Германия, 2001); танцовщицы и хореографы Глэдис Агульяс (ЮАР, 2008) и Анна Тереза де Кеерсмакер (Бельгия, 2011); одна из первых танцовщиц афроамериканок Кэтрин Данэм (США, 2002), балерины Майя Плисецкая (Россия, 1996), Алисия Алонсо (Куба, 2000), Мияко Ёсида (Япония – Великобритания, 2005) и Ульяна Лопаткина (Россия, 2014).
Международный день танца – время для вручения наград и премий. В России в этот день вручают единственную профессиональную балетную премию «Душа танца». Она была учреждена в 1994 году журналом «Балет» совместно с Министерством культуры Российской Федерации.
С 1991 года проводится также «Бенуа де ля данс» (Benois de la Danse), ежегодный балетный фестиваль, основанный Международной ассоциацией деятелей хореографии. Первая церемония награждения и гала-концерт состоялись в 1992 году на сцене Большого театра в Москве.
https://mus-col.com/events/24313/
Музыкальная подборка «В ожидании лета»
Месяц май – предлетье, разгар весны. В ожидании долгожданного лета, теплых солнечных дней, ярких и незабываемых впечатлений предлагаем послушать нашу новую музыкальную подборку, оцифрованную с музыкальных носителей, хранящихся в Библиотеке звука музея «Собрание».
Май – пятый месяц года в юлианском и григорианском календарях, третий месяц староримского года, начинавшегося до реформы Цезаря с марта.
В древнерусском календаре названия месяцев были связаны с природными явлениями в годовом цикле. Исключением не стал и пятый месяц года. У наших предков он назывался муравником или травнем, что символизировало быстрое пробуждение природы и обильный рост травы. Предшествующий лету месяц в народе звали ярец в честь бога Солнца Ярилы и росеник, поскольку в конце весны на траве и листве обильно образуется роса.
Встречается у наших предков и название пролетень — предвестник лета, маковей из-за обильного цветения маков и ранопашец (в этом месяце предстояло много полевых работ).
Характер у мая капризный, нередко случаются похолодания и даже заморозки. В многочисленных пословицах и поговорках до нас дошли советы и прогнозы погоды наших предков, основанные на наблюдениях.
Май холодный – год хлеборобный; сады цветут рано – быть хорошему урожаю; коли в мае дождь – будет и рожь. Частые туманы и дожди в мае были предвестниками урожайного года. Дождливый май обещает теплый сухой июнь. Град в этом месяце говорит о том, что не избежать его и летом. Много журавлиных стай и майских жуков – быть засушливому лету.
Ненадежно майское тепло, не стоит обольщаться чарами обманщика-мая. Народ говорил: «Май обманет, да в лес уйдет», поэтому и береза не торопится распускаться полностью. Май коварен: хорошее начало месяца, даже если в первых числах жара, то во второй половине жди холода, особенно под конец мая. Говорят: «В мае два холода: когда черемуха цветет и когда дуб распускается».
В мае оживают муравейники, а бабочки-белянки (капустницы), собирают нектар с первых цветов. Поют птицы: ласточки, зяблики, стрижи, соловьи, малиновки и жаворонки; кукует кукушка, неоперившиеся воронята вылетают из гнезда, пытаясь начать самостоятельную жизнь. В это время года появляются на свет лосята, волчата, лисята. А медведь в это время линяет и теряет шерсть. Квакают лягушки, откладывая икру. Цветут анютины глазки, фиалки, незабудки и ландыши. Земля покрывается зеленым ковром, начинается заготовка лекарственных трав, после скудной зимы выгоняют скотину на вольные зеленые пастбища.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=1822
Месяц май – предлетье, разгар весны. В ожидании долгожданного лета, теплых солнечных дней, ярких и незабываемых впечатлений предлагаем послушать нашу новую музыкальную подборку, оцифрованную с музыкальных носителей, хранящихся в Библиотеке звука музея «Собрание».
Май – пятый месяц года в юлианском и григорианском календарях, третий месяц староримского года, начинавшегося до реформы Цезаря с марта.
В древнерусском календаре названия месяцев были связаны с природными явлениями в годовом цикле. Исключением не стал и пятый месяц года. У наших предков он назывался муравником или травнем, что символизировало быстрое пробуждение природы и обильный рост травы. Предшествующий лету месяц в народе звали ярец в честь бога Солнца Ярилы и росеник, поскольку в конце весны на траве и листве обильно образуется роса.
Встречается у наших предков и название пролетень — предвестник лета, маковей из-за обильного цветения маков и ранопашец (в этом месяце предстояло много полевых работ).
Характер у мая капризный, нередко случаются похолодания и даже заморозки. В многочисленных пословицах и поговорках до нас дошли советы и прогнозы погоды наших предков, основанные на наблюдениях.
Май холодный – год хлеборобный; сады цветут рано – быть хорошему урожаю; коли в мае дождь – будет и рожь. Частые туманы и дожди в мае были предвестниками урожайного года. Дождливый май обещает теплый сухой июнь. Град в этом месяце говорит о том, что не избежать его и летом. Много журавлиных стай и майских жуков – быть засушливому лету.
Ненадежно майское тепло, не стоит обольщаться чарами обманщика-мая. Народ говорил: «Май обманет, да в лес уйдет», поэтому и береза не торопится распускаться полностью. Май коварен: хорошее начало месяца, даже если в первых числах жара, то во второй половине жди холода, особенно под конец мая. Говорят: «В мае два холода: когда черемуха цветет и когда дуб распускается».
В мае оживают муравейники, а бабочки-белянки (капустницы), собирают нектар с первых цветов. Поют птицы: ласточки, зяблики, стрижи, соловьи, малиновки и жаворонки; кукует кукушка, неоперившиеся воронята вылетают из гнезда, пытаясь начать самостоятельную жизнь. В это время года появляются на свет лосята, волчата, лисята. А медведь в это время линяет и теряет шерсть. Квакают лягушки, откладывая икру. Цветут анютины глазки, фиалки, незабудки и ландыши. Земля покрывается зеленым ковром, начинается заготовка лекарственных трав, после скудной зимы выгоняют скотину на вольные зеленые пастбища.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=1822
Альбомы для раскрашивания и развивающие альбомы на сайте музея
Друзья, впереди череда нерабочих дней. Многие проведут следующую неделю дома, с детьми. Предлагаем использовать этот шанс самим ненадолго вернуться в детство.
Вооружайтесь цветными карандашами и хорошим настроением и скачивайте альбомы для раскрашивания («Волшебные куклы», «Музыкальные шкатулки», «Русская эмаль», а также развивающий детский альбом. Все эти интересные и познавательные материалы размещены на сайте музея «Собрание» в рубрике «Печатные материалы».
https://mus-col.com/about/printed-materials.php
Друзья, впереди череда нерабочих дней. Многие проведут следующую неделю дома, с детьми. Предлагаем использовать этот шанс самим ненадолго вернуться в детство.
Вооружайтесь цветными карандашами и хорошим настроением и скачивайте альбомы для раскрашивания («Волшебные куклы», «Музыкальные шкатулки», «Русская эмаль», а также развивающий детский альбом. Все эти интересные и познавательные материалы размещены на сайте музея «Собрание» в рубрике «Печатные материалы».
https://mus-col.com/about/printed-materials.php
Малахит – один из камней талисманов мая
Малахит, камень мая, в последний месяц весны имеет наибольшую силу. Существует поверье, что если носить малахитовый талисман именно в мае, то можно навсегда избавиться от бессонницы и меланхолии. Как ни странно, малахит не оберегает знак зодиака, а только помогает владельцу избежать бед и почувствовать себя лучше. Астрологи говорят о том, что малахит подойдет и другим знакам зодиака—они получат защиту от недоброжелателей, перестанут поддаваться быстрой смене настроения и станут менее импульсивны. Особенно подходит малахит тем, кто пытается найти себя, свою цель в жизни и обрести любимое занятие.
Малахит – один из красивейших минералов. По выражению А.Е. Ферсмана (1883-1945), это «камень яркой, сочной, жизнерадостной и вместе с тем шелковисто-нежной зелени». Его окраска представляет собой палитру зеленых тонов от светло-зеленого с голубизной (бирюзового) до густого темно-зеленого цвета.
Само название «малахит» имеет древнегреческие корни, «malakos» означает «мягкий». Традиционно выделяют 4 основных вида этого минерала:
- Бирюзовый малахит, он же ленточный или корпусный. Такой самоцвет имеет своеобразный ленточный узор зеленого цвета и у ювелиров считается фаворитом. Также этот вид довольно твердый и хорошо поддается обработке.
- Кудрявый, иногда называемый «шелковым» малахитом, раньше считался драгоценным камнем. Этот вид минерала имеет голубой или бирюзовый оттенок.
- Бархатный, или плисовый малахит. На этих камнях можно рассмотреть бархатную зернистость, их сложнее полировать, и потому они менее ценные.
- Мелкоузорчатый — самый удивительный из малахитов. Рисунок самоцвета может напоминать крону дерева, густую и разнообразную.
В древности считалось, что магические свойства камня самым поразительным образом действуют на здоровье. На Руси верили не только в лечебные свойства малахита, но и в то, что он способен исполнять желания. Были популярны малахитовые вазы и чаши — считалось, что выпивший из них мог понимать язык животных. Люди носили кольца с необработанным малахитом в качестве оберега от чумы. Древние народы Египта и Греции использовали минерал в качестве своеобразного амулета. Узоры на камне, или «малахитовые глаза», укрепляли веру в защиту от сглаза. Малахитом украшали здания и залы. В древнем Египте из малахита, добываемого на Синайском полуострове, изготовляли камеи, амулеты и украшения. Однако подлинную известность этот минерал получил после открытия крупных месторождений малахита в конце XVIII века на Урале. На уральских медных рудниках малахит стали добывать в большом количестве. В XIX веке на Медноруднянском и Гумишевском рудниках ежегодно добывали до 80 тонн прекрасного камня от светло-зеленой до атласной темно-зеленой окраски.
В 1835 году была обнаружена огромная глыба малахита массой 250 тонн, а в 1913 – массой более 100 тонн. Из мелких кусков малахита низкого качества изготовлялись краски. А.Е. Ферсман пишет, что «… до революции в Екатеринбурге и Нижнем Тагиле можно было видеть крыши многих особняков, окрашенные малахитом в красивый синевато-зеленый цвет». Высокосортный малахит шел на изготовление ваз, чаш, столешниц и даже колонн. Русскими умельцами был разработан способ изготовления изделий из малахита, называемый «русская мозаика», при котором куски малахита распиливались на тонкие пластины и из них подбирался рисунок, наклеиваемый на металл или мрамор.
Известные месторождения малахита на Урале – Медноруднянское и Гумишевское – практически полностью выработаны. Открыты крупные месторождения малахита в Заире, на юге Австралии и в США, однако по цвету и красоте узоров малахит зарубежных месторождений не может сравниться с уральским.
В коллекции музея «Собрание» представлены разнообразные изделия из драгоценного минерала -- вазы, чаши, табакерки, шкатулки, рамки для фотографий, пресс-папье, письменные приборы и другие предметы – все они кажутся изготовленными из целого куска малахита, настолько точно подобран рисунок узоров камня. Тематический альбом с фотографиями предметов из малахита, хранящихся в коллекции музея «Собрание», размещен в Фотогалерее.
Малахит, камень мая, в последний месяц весны имеет наибольшую силу. Существует поверье, что если носить малахитовый талисман именно в мае, то можно навсегда избавиться от бессонницы и меланхолии. Как ни странно, малахит не оберегает знак зодиака, а только помогает владельцу избежать бед и почувствовать себя лучше. Астрологи говорят о том, что малахит подойдет и другим знакам зодиака—они получат защиту от недоброжелателей, перестанут поддаваться быстрой смене настроения и станут менее импульсивны. Особенно подходит малахит тем, кто пытается найти себя, свою цель в жизни и обрести любимое занятие.
Малахит – один из красивейших минералов. По выражению А.Е. Ферсмана (1883-1945), это «камень яркой, сочной, жизнерадостной и вместе с тем шелковисто-нежной зелени». Его окраска представляет собой палитру зеленых тонов от светло-зеленого с голубизной (бирюзового) до густого темно-зеленого цвета.
Само название «малахит» имеет древнегреческие корни, «malakos» означает «мягкий». Традиционно выделяют 4 основных вида этого минерала:
- Бирюзовый малахит, он же ленточный или корпусный. Такой самоцвет имеет своеобразный ленточный узор зеленого цвета и у ювелиров считается фаворитом. Также этот вид довольно твердый и хорошо поддается обработке.
- Кудрявый, иногда называемый «шелковым» малахитом, раньше считался драгоценным камнем. Этот вид минерала имеет голубой или бирюзовый оттенок.
- Бархатный, или плисовый малахит. На этих камнях можно рассмотреть бархатную зернистость, их сложнее полировать, и потому они менее ценные.
- Мелкоузорчатый — самый удивительный из малахитов. Рисунок самоцвета может напоминать крону дерева, густую и разнообразную.
В древности считалось, что магические свойства камня самым поразительным образом действуют на здоровье. На Руси верили не только в лечебные свойства малахита, но и в то, что он способен исполнять желания. Были популярны малахитовые вазы и чаши — считалось, что выпивший из них мог понимать язык животных. Люди носили кольца с необработанным малахитом в качестве оберега от чумы. Древние народы Египта и Греции использовали минерал в качестве своеобразного амулета. Узоры на камне, или «малахитовые глаза», укрепляли веру в защиту от сглаза. Малахитом украшали здания и залы. В древнем Египте из малахита, добываемого на Синайском полуострове, изготовляли камеи, амулеты и украшения. Однако подлинную известность этот минерал получил после открытия крупных месторождений малахита в конце XVIII века на Урале. На уральских медных рудниках малахит стали добывать в большом количестве. В XIX веке на Медноруднянском и Гумишевском рудниках ежегодно добывали до 80 тонн прекрасного камня от светло-зеленой до атласной темно-зеленой окраски.
В 1835 году была обнаружена огромная глыба малахита массой 250 тонн, а в 1913 – массой более 100 тонн. Из мелких кусков малахита низкого качества изготовлялись краски. А.Е. Ферсман пишет, что «… до революции в Екатеринбурге и Нижнем Тагиле можно было видеть крыши многих особняков, окрашенные малахитом в красивый синевато-зеленый цвет». Высокосортный малахит шел на изготовление ваз, чаш, столешниц и даже колонн. Русскими умельцами был разработан способ изготовления изделий из малахита, называемый «русская мозаика», при котором куски малахита распиливались на тонкие пластины и из них подбирался рисунок, наклеиваемый на металл или мрамор.
Известные месторождения малахита на Урале – Медноруднянское и Гумишевское – практически полностью выработаны. Открыты крупные месторождения малахита в Заире, на юге Австралии и в США, однако по цвету и красоте узоров малахит зарубежных месторождений не может сравниться с уральским.
В коллекции музея «Собрание» представлены разнообразные изделия из драгоценного минерала -- вазы, чаши, табакерки, шкатулки, рамки для фотографий, пресс-папье, письменные приборы и другие предметы – все они кажутся изготовленными из целого куска малахита, настолько точно подобран рисунок узоров камня. Тематический альбом с фотографиями предметов из малахита, хранящихся в коллекции музея «Собрание», размещен в Фотогалерее.
К юбилею Победы: виртуальная выставка скульптуры 1940-60-х годов
В преддверии празднования юбилейного Дня Победы музей «Собрание» представляет виртуальную выставку произведений скульптуры второй половины 1940-60-х годов, посвященную событиям Великой Отечественной войны.
В онлайн форате мы приглашаем вас познакомиться с работами ведущих скульпторов-монументалистов советского периода, опаленных войной и вдохновленных подвигом народа-победителя, таких как Е.В. Вучетич, А.В. Грубе, С.С. Андрейченко, В.И. Агибалов и В.И. Мухин.
Практически все мастера, работы которых представлены на виртуальной выставке – фронтовики, бесстрашные летописцы войны. И то, что сегодня мы видим запечатленным в бронзе – своеобразная зримая история Великой Отечественной войны, повествование о ее главных военных сражениях, это впечатления, эмоции и память...
Детали и интересные факты биографий мастеров, истории создания монументов - смотрите на сайте музея «Собрание» в разделе "Выставки".
https://mus-col.com/exhibition/
В преддверии празднования юбилейного Дня Победы музей «Собрание» представляет виртуальную выставку произведений скульптуры второй половины 1940-60-х годов, посвященную событиям Великой Отечественной войны.
В онлайн форате мы приглашаем вас познакомиться с работами ведущих скульпторов-монументалистов советского периода, опаленных войной и вдохновленных подвигом народа-победителя, таких как Е.В. Вучетич, А.В. Грубе, С.С. Андрейченко, В.И. Агибалов и В.И. Мухин.
Практически все мастера, работы которых представлены на виртуальной выставке – фронтовики, бесстрашные летописцы войны. И то, что сегодня мы видим запечатленным в бронзе – своеобразная зримая история Великой Отечественной войны, повествование о ее главных военных сражениях, это впечатления, эмоции и память...
Детали и интересные факты биографий мастеров, истории создания монументов - смотрите на сайте музея «Собрание» в разделе "Выставки".
https://mus-col.com/exhibition/
К 80-летию Победы в Великой Отечественной войне
В 2025 году Россия отмечает 80-летие Победы в Великой Отечественной войне. Этот знаменательный юбилей — не только масштабные торжества, но и акт национальной памяти, объединяющий поколения. Президент РФ Владимир Путин объявил 2025 год — Годом защитника Отечества и 80-летия Победы. Утверждён официальный логотип с изображением монумента «Родина-мать зовет!», георгиевской лентой, словом «Победа» и цифрой «80».
19 ноября 2024 года в Москве представлен план мероприятий, включающий «Бессмертный полк», «Свечу памяти», «Сад памяти», выставки, фестивали и концерты. Всего в России запланировано свыше 100 тысяч культурных событий, в том числе 190 ключевых мероприятий.
Главное событие — Парад Победы на Красной площади с участием более 10 тысяч военнослужащих, техники времён войны и современной армии. Масштабным станет шествие «Бессмертного полка» — миллионы участников по всей стране, включая цифровую платформу для регистрации. 25 апреля прошёл «Диктант Победы».
В Москве проходят знаковые выставки: «1418 дней» в Новой Третьяковке (22 апреля — 9 ноября) и экспозиции в Музее Победы с панорамами, голограммами и иммерсивными инсталляциями. В парке «Патриот» — демонстрация техники, реконструкции боёв и шоу. 9 мая праздничные концерты проходят в ММДМ, на городских площадках, в музеях, библиотеках и театрах. Ожидается участие около 10 миллионов человек.
В школах, колледжах и вузах страны организованы мероприятия, посвящённые юбилею. Музейные коллекции пополняются тематическими альбомами песен военных лет, оцифрованными с грампластинок. Также доступна виртуальная выставка скульптуры, посвящённая Победе.
80-летие Великой Победы – это не только торжества и парады. Это повод рассказать молодому поколению правду о войне, о цене победы, о том, что такое настоящий патриотизм.
В разделе коллекции музея «Собрания» музыкальные носители особое место занимают грампластинки 40-50-ых годов с записями песен военных лет. Традиционно к Дню Победы мы готовим тематические музыкальные альбомы мелодий, оцифрованные со старых граммофонных пластинок из фондов музея.
Виртуальную выставку произведений скульптуры второй половины 1940х-1960х годов, посвящённую 80-летию Победы в Великой Отечественной войне можно посмотреть по ссылке.
https://mus-col.com/events/37228/
В 2025 году Россия отмечает 80-летие Победы в Великой Отечественной войне. Этот знаменательный юбилей — не только масштабные торжества, но и акт национальной памяти, объединяющий поколения. Президент РФ Владимир Путин объявил 2025 год — Годом защитника Отечества и 80-летия Победы. Утверждён официальный логотип с изображением монумента «Родина-мать зовет!», георгиевской лентой, словом «Победа» и цифрой «80».
19 ноября 2024 года в Москве представлен план мероприятий, включающий «Бессмертный полк», «Свечу памяти», «Сад памяти», выставки, фестивали и концерты. Всего в России запланировано свыше 100 тысяч культурных событий, в том числе 190 ключевых мероприятий.
Главное событие — Парад Победы на Красной площади с участием более 10 тысяч военнослужащих, техники времён войны и современной армии. Масштабным станет шествие «Бессмертного полка» — миллионы участников по всей стране, включая цифровую платформу для регистрации. 25 апреля прошёл «Диктант Победы».
В Москве проходят знаковые выставки: «1418 дней» в Новой Третьяковке (22 апреля — 9 ноября) и экспозиции в Музее Победы с панорамами, голограммами и иммерсивными инсталляциями. В парке «Патриот» — демонстрация техники, реконструкции боёв и шоу. 9 мая праздничные концерты проходят в ММДМ, на городских площадках, в музеях, библиотеках и театрах. Ожидается участие около 10 миллионов человек.
В школах, колледжах и вузах страны организованы мероприятия, посвящённые юбилею. Музейные коллекции пополняются тематическими альбомами песен военных лет, оцифрованными с грампластинок. Также доступна виртуальная выставка скульптуры, посвящённая Победе.
80-летие Великой Победы – это не только торжества и парады. Это повод рассказать молодому поколению правду о войне, о цене победы, о том, что такое настоящий патриотизм.
В разделе коллекции музея «Собрания» музыкальные носители особое место занимают грампластинки 40-50-ых годов с записями песен военных лет. Традиционно к Дню Победы мы готовим тематические музыкальные альбомы мелодий, оцифрованные со старых граммофонных пластинок из фондов музея.
Виртуальную выставку произведений скульптуры второй половины 1940х-1960х годов, посвящённую 80-летию Победы в Великой Отечественной войне можно посмотреть по ссылке.
https://mus-col.com/events/37228/
Этой весной на площадке музея "Собрание" прошли съемки нескольких выпусков подкаста «Чистый тон».
«Чистый Тон» - проект, придуманный титулярным органистом Кафедрального Собора Калининграда Евгением Авраменко. С октября 2024-го в группах "Чистого Тона" ВКонтакте и Дзене выходят интервью с известными музыкантами, записанные в Калининграде, Санкт-Петербурге и Москве.
Наследие "Чистого Тона" - разговоры о классической музыке, великих композиторах, жизненном пути, коллегах и учителях. Ведущие - сам Евгений Авраменко и журналист из Петербурга Иван Жидков - ведут беседу с позиции профессионала и любителя, что открывает путь к чистому тону для всех, кто испытывает желание войти в мир для избранных.
Гостями "Чистого Тона" были органисты Алексей Шмитов, Борис Казачков, Мансур Юсупов, Наталья Михайлова, Габит Несипбаев. В ближайших планах общение с другими музыкантами и неизменно на эксклюзивных площадках.
https://dzen.ru/id/673c57ed8d45b274f4a8b1ea?lang=ru&country_code=ru&from_page=other_page
https://t.me/organprincipal
«Чистый Тон» - проект, придуманный титулярным органистом Кафедрального Собора Калининграда Евгением Авраменко. С октября 2024-го в группах "Чистого Тона" ВКонтакте и Дзене выходят интервью с известными музыкантами, записанные в Калининграде, Санкт-Петербурге и Москве.
Наследие "Чистого Тона" - разговоры о классической музыке, великих композиторах, жизненном пути, коллегах и учителях. Ведущие - сам Евгений Авраменко и журналист из Петербурга Иван Жидков - ведут беседу с позиции профессионала и любителя, что открывает путь к чистому тону для всех, кто испытывает желание войти в мир для избранных.
Гостями "Чистого Тона" были органисты Алексей Шмитов, Борис Казачков, Мансур Юсупов, Наталья Михайлова, Габит Несипбаев. В ближайших планах общение с другими музыкантами и неизменно на эксклюзивных площадках.
https://dzen.ru/id/673c57ed8d45b274f4a8b1ea?lang=ru&country_code=ru&from_page=other_page
https://t.me/organprincipal
Композитор и дирижер Анатолий Лядов в рубрике «Забытые имена»
11 мая 1855 года в семье известного в музыкальных кругах Санкт-Петербурга дирижёра императорского театра оперы и балета Константина Николаевича Лядова произошло радостное событие: родился мальчик, которому родители дали красивое имя Анатолий.
Анатолий Лядов принадлежит к младшему поколению замечательной плеяды русских композиторов второй половины XIX века. Он проявил себя как талантливый композитор, дирижер, педагог, общественный деятель. В основе творчества Лядова лежат образы русского эпоса и песенного фольклора, сказочной фантастики, для него характерна проникнутая созерцательностью лирика, тонкое ощущение природы. В произведениях композитора встречаются элементы жанровой характеристичности и комизма.
Значительная часть сочинений Лядова написана для фортепиано. Среди них выделяются: «Бирюльки», «Арабески», «Про старину» (позднее была создана оркестровая версия), «Идиллия», «Музыкальная табакерка», пьесы, прелюдии, вальсы.
Стиль Лядова сложился под большим влиянием его старших современников – композиторов «Русской пятерки», в большей степени Николая Римского-Корсакова, у которого он учился в Петербургской консерватории. Как и его преподаватель, Лядов часто обращается к фантастическим образам. Самым ярким примером являются его симфонические миниатюры, или, как их называл сам Лядов, «сказочные картинки» –Баба-Яга, Волшебное озеро, Кикимора.
Излюбленная музыкальная форма Анатолия Лядова – небольшая инструментальная или вокальная пьеса. Композитор в шутку говорил о себе, что он не выносит больше пяти минут музыки. Все его сочинения – это миниатюры, лаконичные и отточенные по форме. Творчество Лядова невелико по объему, кантата, 12 сочинений для симфонического оркестра, 18 детских песен на народные слова для голоса с фортепиано, 4 романса, около 200 обработок народных песен, несколько хоров, 6 камерно-инструментальных сочинений, около 50 пьес для фортепиано. О значимости музыки Лядова говорит то, что она часто звучит на концертах. Прежде всего, это его симфонические и фортепианные миниатюры.
Сергей Дягилев хотел, чтобы Анатолий Константинович написал музыку к балету для его «Русских сезонов», но композитор слишком долго обдумывал, как приступить к работе, и в результате – заказ выполнил Игорь Стравинский, создав знаменитую «Жар-птицу». Впрочем, несколько миниатюр Лядова также обрели хореографическое воплощение.
Несмотря на относительно недолгий жизненный путь Анатолия Лядова, композитор оставил яркий след в истории русской музыки. Его произведения, отличающиеся неповторимым стилем и совершенством формы‚ продолжают восхищать слушателей во всем мире В истории русской музыки Анатолия Константиновича Лядова можно отнести к группе авторов, связующих XIX и ХХ века. Лядов был не только талантливым композитором, он также обладал способностями к рисованию и поэтическому творчеству. В своём творчестве Анатолий Лядов строго придерживался своей позиции утонченного эстетизма. Несколько холодноватая лядовская лирика и стремление к ювелирной отточенности формы – свидетельствуют о зарождении новых эстетических веяний, присущих группе «мирискусников» и русских поэтов-символистов.
Вальс-шутка для фортепиано «Музыкальная табакерка» – композиция, которую Анатолий Константинович Лядов посвятил старшему сыну Михаилу, – в Фонотеке музея.
https://mus-col.com/events/37230/
11 мая 1855 года в семье известного в музыкальных кругах Санкт-Петербурга дирижёра императорского театра оперы и балета Константина Николаевича Лядова произошло радостное событие: родился мальчик, которому родители дали красивое имя Анатолий.
Анатолий Лядов принадлежит к младшему поколению замечательной плеяды русских композиторов второй половины XIX века. Он проявил себя как талантливый композитор, дирижер, педагог, общественный деятель. В основе творчества Лядова лежат образы русского эпоса и песенного фольклора, сказочной фантастики, для него характерна проникнутая созерцательностью лирика, тонкое ощущение природы. В произведениях композитора встречаются элементы жанровой характеристичности и комизма.
Значительная часть сочинений Лядова написана для фортепиано. Среди них выделяются: «Бирюльки», «Арабески», «Про старину» (позднее была создана оркестровая версия), «Идиллия», «Музыкальная табакерка», пьесы, прелюдии, вальсы.
Стиль Лядова сложился под большим влиянием его старших современников – композиторов «Русской пятерки», в большей степени Николая Римского-Корсакова, у которого он учился в Петербургской консерватории. Как и его преподаватель, Лядов часто обращается к фантастическим образам. Самым ярким примером являются его симфонические миниатюры, или, как их называл сам Лядов, «сказочные картинки» –Баба-Яга, Волшебное озеро, Кикимора.
Излюбленная музыкальная форма Анатолия Лядова – небольшая инструментальная или вокальная пьеса. Композитор в шутку говорил о себе, что он не выносит больше пяти минут музыки. Все его сочинения – это миниатюры, лаконичные и отточенные по форме. Творчество Лядова невелико по объему, кантата, 12 сочинений для симфонического оркестра, 18 детских песен на народные слова для голоса с фортепиано, 4 романса, около 200 обработок народных песен, несколько хоров, 6 камерно-инструментальных сочинений, около 50 пьес для фортепиано. О значимости музыки Лядова говорит то, что она часто звучит на концертах. Прежде всего, это его симфонические и фортепианные миниатюры.
Сергей Дягилев хотел, чтобы Анатолий Константинович написал музыку к балету для его «Русских сезонов», но композитор слишком долго обдумывал, как приступить к работе, и в результате – заказ выполнил Игорь Стравинский, создав знаменитую «Жар-птицу». Впрочем, несколько миниатюр Лядова также обрели хореографическое воплощение.
Несмотря на относительно недолгий жизненный путь Анатолия Лядова, композитор оставил яркий след в истории русской музыки. Его произведения, отличающиеся неповторимым стилем и совершенством формы‚ продолжают восхищать слушателей во всем мире В истории русской музыки Анатолия Константиновича Лядова можно отнести к группе авторов, связующих XIX и ХХ века. Лядов был не только талантливым композитором, он также обладал способностями к рисованию и поэтическому творчеству. В своём творчестве Анатолий Лядов строго придерживался своей позиции утонченного эстетизма. Несколько холодноватая лядовская лирика и стремление к ювелирной отточенности формы – свидетельствуют о зарождении новых эстетических веяний, присущих группе «мирискусников» и русских поэтов-символистов.
Вальс-шутка для фортепиано «Музыкальная табакерка» – композиция, которую Анатолий Константинович Лядов посвятил старшему сыну Михаилу, – в Фонотеке музея.
https://mus-col.com/events/37230/
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Рассказ о художнике Михае Зичи в рубрике «Прогулки по музею»
Венгерского живописца и графика Михая Зичи (1827-1906), более 50 лет «прослужившего» в России, называют «художником четырёх российских императоров». По случайному стечению обстоятельств судьба Михая Зичи оказалась теснейшим образом связана с Россией. Зичи приехал в Петербург в январе 1848 года. Молодой талантливый живописец, прирожденный рисовальщик, человек любознательный, интересующийся всеми видами изобразительного искусства, он довольно быстро приобретает известность в аристократических кругах Петербурга.
Через десять лет, в апреле 1858 года, Михаил Александрович Зичи, как его уже давно называли в Петербурге, был возведен в звание академика акварельной живописи. Спустя год, в мае 1859 года, император Александр II «пожаловал академику Михаилу Зичи звание живописца Его Императорского Величества с причислением его к Императорскому Эрмитажу». Уже в феврале 1860 года последовало еще одно распоряжение царя – предоставить Зичи для мастерской комнату в нижнем этаже Нового Эрмитажа. В 1863 году «Император пожаловал академика Зичи за исполнение восьми больших рисунков для хромолитографий и десяти гравюр для текста следующих к изданию описания «Священнейшего Коронования Их Величеств» кавалером ордена Св. Станислава II степени.
События государственного значения – приезды германского императора, персидского шаха, приемы посольских депутаций, сцены обручения и свадьбы наследника, рождение и крещение великого князя (будущего Николая II), военные смотры, парады, равно как и развлечения царского семейства и приближенных к нему лиц – спектакли, костюмированные балы, игры в шарады и особенно царские охоты с их разработанным ритуалом действий каждого участника – все является предметом тщательного изображения художником.
Рассказ о художнике Михае Зичи размещен в рубрике «Прогулки по музею».
Фотоальбом, в котором представлены некоторые работы Михая Зичи, хранящиеся в разделе «Графика» коллекции музея «Собрание», представлен в Фотогалерее музея.
Венгерского живописца и графика Михая Зичи (1827-1906), более 50 лет «прослужившего» в России, называют «художником четырёх российских императоров». По случайному стечению обстоятельств судьба Михая Зичи оказалась теснейшим образом связана с Россией. Зичи приехал в Петербург в январе 1848 года. Молодой талантливый живописец, прирожденный рисовальщик, человек любознательный, интересующийся всеми видами изобразительного искусства, он довольно быстро приобретает известность в аристократических кругах Петербурга.
Через десять лет, в апреле 1858 года, Михаил Александрович Зичи, как его уже давно называли в Петербурге, был возведен в звание академика акварельной живописи. Спустя год, в мае 1859 года, император Александр II «пожаловал академику Михаилу Зичи звание живописца Его Императорского Величества с причислением его к Императорскому Эрмитажу». Уже в феврале 1860 года последовало еще одно распоряжение царя – предоставить Зичи для мастерской комнату в нижнем этаже Нового Эрмитажа. В 1863 году «Император пожаловал академика Зичи за исполнение восьми больших рисунков для хромолитографий и десяти гравюр для текста следующих к изданию описания «Священнейшего Коронования Их Величеств» кавалером ордена Св. Станислава II степени.
События государственного значения – приезды германского императора, персидского шаха, приемы посольских депутаций, сцены обручения и свадьбы наследника, рождение и крещение великого князя (будущего Николая II), военные смотры, парады, равно как и развлечения царского семейства и приближенных к нему лиц – спектакли, костюмированные балы, игры в шарады и особенно царские охоты с их разработанным ритуалом действий каждого участника – все является предметом тщательного изображения художником.
Рассказ о художнике Михае Зичи размещен в рубрике «Прогулки по музею».
Фотоальбом, в котором представлены некоторые работы Михая Зичи, хранящиеся в разделе «Графика» коллекции музея «Собрание», представлен в Фотогалерее музея.
День соломенной шляпы
День соломенной шляпы отмечается ежегодно 15 мая. Приду3мали праздник в США в 2010 году, затем он быстро распространился по всему миру и стал популярным среди людей всех возрастов. Соломенная шляпа – аксессуар, который служит людям уже не одну тысячу лет.
Первые соломенные шляпы в европейской части появились еще в Древней Греции – пастухи плели их из самого простого и доступного материала, который буквально лежал под ногами. Потом на протяжении нескольких веков они оставались востребованным головным убором для крестьян и мастеровых. В Средние века форма и цвет, а также то, как шляпы были украшены, указывало на сословную или профессиональную принадлежность человека. Так, знатные люди щеголяли в шляпах, декорированных самоцветами и драгоценными камнями, горожане часто отдавали предпочтение черным моделям, а врачи носили высокие головные уборы. По форме, цвету и декору шляпы довольно легко можно было отличить торговца от кузнеца, а крестьянина от ремесленника. Соломенные шляпы носили и на Востоке: головные уборы в форме конуса, изготовленный из выбеленного рисового стебля, до сих пор являются отличительной чертой жителей Юго-Восточной Азии. Вьетнамская богиня с огромной шляпой, сделанной из четырех листьев, скрепленных бамбуковыми стеблями, спустилась с небес, чтобы защитить людей от проливного дождя.
Как и многие другие, ставшие модными и популярными среди женщин предметами гардероба, соломенная шляпа изначально считалась мужским аксессуаром, и только в XVII веке эта монополия подошла к концу. Считается, что моду на соломенные аксессуары ввела французская королева Мария-Антуанетта. Наряд в сочетании со шляпой создавал образ милой садовницы, который воспевали художники и поэты того времени.
Для изготовления головных уборов постепенно стали использовать уже не только стебли пшеницы, в ход пошли и другие растения. Например, это волокна из листьев агавы (парасизаль), гладкая поверхность которых придает изделию блеск, а изделие выглядит соответственно очень нарядно и эффектно. Используют водоросли, стебли пшеницы флорентийской, рисовую соломку, листья банановой пальмы, которая произрастает на Филиппинских островах, токиллу (эквадорское растение) и прочие травянистые материалы. Неизменным в любом случае остается исходный материал ‒ солома. Непосредственно во время процесса создания этого головного убора, шляпа подвергается различным воздействиям. Для того чтобы впоследствии ее было приятно и комфортно носить, изделие смягчают обрабатывая его горячим паром, вымачивают в теплой воде и уже потом вручную подгоняют форму до необходимых параметров. В основном производством соломенных шляп ручной работы в промышленном объеме традиционно занимались женщины, внося, таким образом, значительный вклад в семейный бюджет.
XX век аккумулировал все «шляпные» идеи прошлого прошлого — каждое десятилетие, отдавая предпочтение той или иной модели и делая ее символом эпохи. Так, в 20-е годы, Коко Шанель популяризировала шляпки в форме колокольчика – «клош», в 30-е годы с легкой руки Греты Гарбо, в моду вошли модели «слауч» – шляпы с приспущенными полями, таинственно закрывающими лицо. Шляпы носили все поголовно: рабочие, аристократы, американские фермеры, венецианские гондольеры, хиппи и звезды поп-культуры.
Популярны они и сейчас! Какое многообразие шляп можно наблюдать сегодня! Канотье, панама, сомбреро, широкополая флоппи и многие другие модели шляп. Неудивительно, что каждый сможет найти головной убор на свой вкус!
В мире существует музеи «Соломенной шляпы», один из самых известных – художественный музей «Соломенной шляпы и плетения Доменико Микелаччи»1) (Domenico Michel a cci), в городе Синье (пригород Флоренции).
Фотоальбом, приуроченный к международному дню соломенной шляпы, размещен в Фотогалерее музея.
Коллекция механических кукол и автоматов музея «Собрание» является единственной в своем роде в России и признана экспертами одной из лучших в мире.
В разделе «Занимательные автоматы» представлены все виды и формы механических игрушек XVIII – XX века.
https://mus-col.com/events/37282/
День соломенной шляпы отмечается ежегодно 15 мая. Приду3мали праздник в США в 2010 году, затем он быстро распространился по всему миру и стал популярным среди людей всех возрастов. Соломенная шляпа – аксессуар, который служит людям уже не одну тысячу лет.
Первые соломенные шляпы в европейской части появились еще в Древней Греции – пастухи плели их из самого простого и доступного материала, который буквально лежал под ногами. Потом на протяжении нескольких веков они оставались востребованным головным убором для крестьян и мастеровых. В Средние века форма и цвет, а также то, как шляпы были украшены, указывало на сословную или профессиональную принадлежность человека. Так, знатные люди щеголяли в шляпах, декорированных самоцветами и драгоценными камнями, горожане часто отдавали предпочтение черным моделям, а врачи носили высокие головные уборы. По форме, цвету и декору шляпы довольно легко можно было отличить торговца от кузнеца, а крестьянина от ремесленника. Соломенные шляпы носили и на Востоке: головные уборы в форме конуса, изготовленный из выбеленного рисового стебля, до сих пор являются отличительной чертой жителей Юго-Восточной Азии. Вьетнамская богиня с огромной шляпой, сделанной из четырех листьев, скрепленных бамбуковыми стеблями, спустилась с небес, чтобы защитить людей от проливного дождя.
Как и многие другие, ставшие модными и популярными среди женщин предметами гардероба, соломенная шляпа изначально считалась мужским аксессуаром, и только в XVII веке эта монополия подошла к концу. Считается, что моду на соломенные аксессуары ввела французская королева Мария-Антуанетта. Наряд в сочетании со шляпой создавал образ милой садовницы, который воспевали художники и поэты того времени.
Для изготовления головных уборов постепенно стали использовать уже не только стебли пшеницы, в ход пошли и другие растения. Например, это волокна из листьев агавы (парасизаль), гладкая поверхность которых придает изделию блеск, а изделие выглядит соответственно очень нарядно и эффектно. Используют водоросли, стебли пшеницы флорентийской, рисовую соломку, листья банановой пальмы, которая произрастает на Филиппинских островах, токиллу (эквадорское растение) и прочие травянистые материалы. Неизменным в любом случае остается исходный материал ‒ солома. Непосредственно во время процесса создания этого головного убора, шляпа подвергается различным воздействиям. Для того чтобы впоследствии ее было приятно и комфортно носить, изделие смягчают обрабатывая его горячим паром, вымачивают в теплой воде и уже потом вручную подгоняют форму до необходимых параметров. В основном производством соломенных шляп ручной работы в промышленном объеме традиционно занимались женщины, внося, таким образом, значительный вклад в семейный бюджет.
XX век аккумулировал все «шляпные» идеи прошлого прошлого — каждое десятилетие, отдавая предпочтение той или иной модели и делая ее символом эпохи. Так, в 20-е годы, Коко Шанель популяризировала шляпки в форме колокольчика – «клош», в 30-е годы с легкой руки Греты Гарбо, в моду вошли модели «слауч» – шляпы с приспущенными полями, таинственно закрывающими лицо. Шляпы носили все поголовно: рабочие, аристократы, американские фермеры, венецианские гондольеры, хиппи и звезды поп-культуры.
Популярны они и сейчас! Какое многообразие шляп можно наблюдать сегодня! Канотье, панама, сомбреро, широкополая флоппи и многие другие модели шляп. Неудивительно, что каждый сможет найти головной убор на свой вкус!
В мире существует музеи «Соломенной шляпы», один из самых известных – художественный музей «Соломенной шляпы и плетения Доменико Микелаччи»1) (Domenico Michel a cci), в городе Синье (пригород Флоренции).
Фотоальбом, приуроченный к международному дню соломенной шляпы, размещен в Фотогалерее музея.
Коллекция механических кукол и автоматов музея «Собрание» является единственной в своем роде в России и признана экспертами одной из лучших в мире.
В разделе «Занимательные автоматы» представлены все виды и формы механических игрушек XVIII – XX века.
https://mus-col.com/events/37282/