На экраны выходит картина «Вальгалла: Рагнарек»: по замыслу авторов она должна осмыслить одни из ключевых мифов скандинавского эпоса. Мария Михайлова разбирается, почему у создателей не получилось показать зрителю осмысленную и красивую северную сказку.
Начало истории рассказано плавно и гармонично. В дом бедных крестьян приходят два бога – Тор и Локи, которым нравится общение со смертными людьми. Всю ночь они пируют с семьей и рассказывают истории, а Локи хитростью забирает крестьянского сына в слуги. За мальчиком увязывается и его сестра, которая всю жизнь мечтала увидеть что-то большее, чем отчий дом. Так двое юных смертных оказываются в Вальгалле и невольно становятся участниками больших событий в мире богов. Но, к сожалению, как только заканчивается вступительная часть, становится ясно, что фильм все больше удаляется от скандинавской мифологии и становится похож на усредненное, ничем не примечательное фэнтези.
Прежде всего, приводит в смущение тот факт, что главными героями истории становятся именно смертные дети, а не Тор, Локи или кто-либо другой из богов. Такое развитие событий совершенно не свойственно скандинавской мифологии, где во всех ключевых историях и сражениях могут принимать участие только боги или полубоги. «Вальгалла: Рагнарек» не просто допускает художественную вольность, а полностью разрушает один из основополагающих канонов скандинавской мифологии в угоду довольно банальной идее о том, что даже смертный способен вершить великие дела. Истории о том, как простой человек может стать подобным богам и взять судьбу мира в свои руки, обыгрывают в кинематографе достаточно часто – и местами эта мысль и ее подача действительно могут быть уместными. Но в картине, которая поставила своей базой именно скандинавский эпос, подобные условности становятся критическими ошибками. Зритель просто не понимает, что ему хотят показать – фильм ни рассказывает самостоятельную историю с принципиально новым миром, ни следует хотя бы базовым законам уже существующих мифов.
Даже с визуальной точки зрения картина не соответствует канонам мифологии, на которой, казалось бы, основывается. Вальгалла, например, похожа не на священное, торжественное и внушающее восхищение и ужас место, а на плохо освещенную каменную темницу или на не слишком чистый трактир. Скорее всего, авторы желали сделать свою работу более натуралистичной, подчеркнуть антураж средневековья и более раннего времени – но в попытке угнаться за реализмом они совсем забыли о том, что снимают сказку, в которой, наоборот, важнее показать волшебство и магию места.
«Вальгалла: Рагнарек» - фильм, который, даже несмотря на удачное начало, способен вызвать у зрителя только недоумение. Даже тот, кто не разбирается в скандинавской мифологии, увидит серьезные огрехи картины: нелогичное развитие сюжета, несоответствие названия содержанию, странный подход к съемкам и визуальной стороне фильма. Непонятно, почему создатели картины решили позволить себе столь далеко отойти от первоисточника и так смело взялись за переделку мифологии и добавлении собственных (далеко не всегда оправданных) элементов. Возникает подозрение, что авторам хотелось привлечь как можно больше зрителей к своей работе, и потому они назвали новый фильм почти так же, как другой, снятый в Голливуде «Тор: Рагнарек», не сильно заботясь о том, что имя картины не будет соответствовать ее содержанию. Неизвестно, сработает ли этот ход, но после просмотра эффект будет один: зритель почувствует себя обманутым.
Начало истории рассказано плавно и гармонично. В дом бедных крестьян приходят два бога – Тор и Локи, которым нравится общение со смертными людьми. Всю ночь они пируют с семьей и рассказывают истории, а Локи хитростью забирает крестьянского сына в слуги. За мальчиком увязывается и его сестра, которая всю жизнь мечтала увидеть что-то большее, чем отчий дом. Так двое юных смертных оказываются в Вальгалле и невольно становятся участниками больших событий в мире богов. Но, к сожалению, как только заканчивается вступительная часть, становится ясно, что фильм все больше удаляется от скандинавской мифологии и становится похож на усредненное, ничем не примечательное фэнтези.
Прежде всего, приводит в смущение тот факт, что главными героями истории становятся именно смертные дети, а не Тор, Локи или кто-либо другой из богов. Такое развитие событий совершенно не свойственно скандинавской мифологии, где во всех ключевых историях и сражениях могут принимать участие только боги или полубоги. «Вальгалла: Рагнарек» не просто допускает художественную вольность, а полностью разрушает один из основополагающих канонов скандинавской мифологии в угоду довольно банальной идее о том, что даже смертный способен вершить великие дела. Истории о том, как простой человек может стать подобным богам и взять судьбу мира в свои руки, обыгрывают в кинематографе достаточно часто – и местами эта мысль и ее подача действительно могут быть уместными. Но в картине, которая поставила своей базой именно скандинавский эпос, подобные условности становятся критическими ошибками. Зритель просто не понимает, что ему хотят показать – фильм ни рассказывает самостоятельную историю с принципиально новым миром, ни следует хотя бы базовым законам уже существующих мифов.
Даже с визуальной точки зрения картина не соответствует канонам мифологии, на которой, казалось бы, основывается. Вальгалла, например, похожа не на священное, торжественное и внушающее восхищение и ужас место, а на плохо освещенную каменную темницу или на не слишком чистый трактир. Скорее всего, авторы желали сделать свою работу более натуралистичной, подчеркнуть антураж средневековья и более раннего времени – но в попытке угнаться за реализмом они совсем забыли о том, что снимают сказку, в которой, наоборот, важнее показать волшебство и магию места.
«Вальгалла: Рагнарек» - фильм, который, даже несмотря на удачное начало, способен вызвать у зрителя только недоумение. Даже тот, кто не разбирается в скандинавской мифологии, увидит серьезные огрехи картины: нелогичное развитие сюжета, несоответствие названия содержанию, странный подход к съемкам и визуальной стороне фильма. Непонятно, почему создатели картины решили позволить себе столь далеко отойти от первоисточника и так смело взялись за переделку мифологии и добавлении собственных (далеко не всегда оправданных) элементов. Возникает подозрение, что авторам хотелось привлечь как можно больше зрителей к своей работе, и потому они назвали новый фильм почти так же, как другой, снятый в Голливуде «Тор: Рагнарек», не сильно заботясь о том, что имя картины не будет соответствовать ее содержанию. Неизвестно, сработает ли этот ход, но после просмотра эффект будет один: зритель почувствует себя обманутым.
На стриминговом сервисе Netflix стала доступна новая картина братьев Сэфди «Неограненные драгоценности». Мария Михайлова рассказывает, как фильм с актером-«неудачником» Адамом Сэндлером смог стать одной из самых удачных премьер января.
Братья Сэфди, действительно, серьезно рискнули, позвав на исполнение главной роли Адама Сэндлера. У актера хорошая известность, но незавидная репутация: 4 «Золотые малины» за худшую мужскую роль и сценарий, а также множество вторичных комедийных, совершенно не запоминающихся образов. Но именно в этом случае режиссеры сделали очень удачную ставку – Сэндлеру действительно удалась роль, которую он играет. Возможно, отчасти дело не в таланте или качественно проработанном амплуа, а в личном опыте актера. Это становится ясно уже по самому сюжету картины.
Повествование выдержано в духе классической криминальной драмы – владелец ювелирного магазина Говард Ратнер попадает в серьезную финансовую переделку, центром и причиной которой становится необычайной красоты и редкости камень. Изворотливый, хитрый и опытный в денежных махинациях Говард старается выкрутиться из ситуации, в которую попал – рассчитаться с долгами, вернуть собственность и влияние в свои руки. Но с каждой минутой фильма становится все яснее – делец Ратнер сам и с удивительным тщанием затягивает на своей же шее петлю. Причиной такого саморазрушения становится, как становится ясно, не обстоятельство или злой рок, а сам характер Говарда, его сущность, нутро.
Именно такого человека предстояло сыграть Адаму Сэндлеру. Актер не просто вжился в роль: он буквально прожил все состояния своего персонажа. И по манере игры, и даже по самой биографии Сэндлера становится понятно, что ему близки все те же черты, которые определяют Говарда. Так же, как и Ратнер, Адам Сэндлер падок на деньги – это заметно по его фильмографии, которая состоит из коммерчески успешных, но совершенно проходных, бездарных «массовых» фильмов. Так же, как и его герой, актер расплачивался за свою жадность, получая «анти-награды» и зарабатывая вместе с деньгами низкую профессиональную репутацию. В нем играет то же чувство неудовлетворенности своей жизнью и азарт игрока (возможно поэтому, презентуя фильм, Сэндлер заявил, что, если он не получит за него «Оскар», то намеренно снимется в самом ужасном фильме, который сможет придумать). Все это стало причиной того, что в картине «Неограненные драгоценности» Адам Сэндлер вдруг раскрывает свой талант настолько неожиданно, что способен в самом хорошем смысле шокировать своего зрителя. Заметно, что актеру очень не хватало «той самой» роли и подходящего амплуа. Поэтому, возможно, именно картина братьев Сэфди станет для него своеобразной «лебединой песней» в карьере, если только он не решит целиком посвятить себя качественному кино.
Что касается съемок картины в целом, то серьезных придирок к качеству здесь не найти. Картина снята очень добротно: грамотно растущее напряжение, которое, несмотря на довольно обыденный сценарий, впечатляет и накаляет атмосферу на экране; ровные, логичные кадры, не слишком выразительные, но полностью логичные; интересно подобранный лейтмотив с драгоценным камнем. Последнее и вовсе может выглядеть любопытной метафорой: редчайший алмаз играет роль запретного плода, яблока раздора или даже мистического элемента – предмета, который наказывает за жадность своего обладателя.
Снимая фильм про долги и финансовые махинации, братья Сэфди обратили внимание на очень важный элемент – мотивацию и характер главного героя. Проработав с Сэндлером характер персонажа, режиссеры вывели картину на иной уровень качества. Одним из продюсеров работы значится Мартин Скорсезе – вероятно, именно он повлиял на то, что драма с, в общем-то, классическим криминально-денежным содержанием стала притчей про человеческую жадность, одержимость и беспокойность. И, наверное, эти очень опасные, но такие человеческие качества, в этом фильме станут для зрителя серьезным поводом задуматься и порассуждать на затронутую тему.
Братья Сэфди, действительно, серьезно рискнули, позвав на исполнение главной роли Адама Сэндлера. У актера хорошая известность, но незавидная репутация: 4 «Золотые малины» за худшую мужскую роль и сценарий, а также множество вторичных комедийных, совершенно не запоминающихся образов. Но именно в этом случае режиссеры сделали очень удачную ставку – Сэндлеру действительно удалась роль, которую он играет. Возможно, отчасти дело не в таланте или качественно проработанном амплуа, а в личном опыте актера. Это становится ясно уже по самому сюжету картины.
Повествование выдержано в духе классической криминальной драмы – владелец ювелирного магазина Говард Ратнер попадает в серьезную финансовую переделку, центром и причиной которой становится необычайной красоты и редкости камень. Изворотливый, хитрый и опытный в денежных махинациях Говард старается выкрутиться из ситуации, в которую попал – рассчитаться с долгами, вернуть собственность и влияние в свои руки. Но с каждой минутой фильма становится все яснее – делец Ратнер сам и с удивительным тщанием затягивает на своей же шее петлю. Причиной такого саморазрушения становится, как становится ясно, не обстоятельство или злой рок, а сам характер Говарда, его сущность, нутро.
Именно такого человека предстояло сыграть Адаму Сэндлеру. Актер не просто вжился в роль: он буквально прожил все состояния своего персонажа. И по манере игры, и даже по самой биографии Сэндлера становится понятно, что ему близки все те же черты, которые определяют Говарда. Так же, как и Ратнер, Адам Сэндлер падок на деньги – это заметно по его фильмографии, которая состоит из коммерчески успешных, но совершенно проходных, бездарных «массовых» фильмов. Так же, как и его герой, актер расплачивался за свою жадность, получая «анти-награды» и зарабатывая вместе с деньгами низкую профессиональную репутацию. В нем играет то же чувство неудовлетворенности своей жизнью и азарт игрока (возможно поэтому, презентуя фильм, Сэндлер заявил, что, если он не получит за него «Оскар», то намеренно снимется в самом ужасном фильме, который сможет придумать). Все это стало причиной того, что в картине «Неограненные драгоценности» Адам Сэндлер вдруг раскрывает свой талант настолько неожиданно, что способен в самом хорошем смысле шокировать своего зрителя. Заметно, что актеру очень не хватало «той самой» роли и подходящего амплуа. Поэтому, возможно, именно картина братьев Сэфди станет для него своеобразной «лебединой песней» в карьере, если только он не решит целиком посвятить себя качественному кино.
Что касается съемок картины в целом, то серьезных придирок к качеству здесь не найти. Картина снята очень добротно: грамотно растущее напряжение, которое, несмотря на довольно обыденный сценарий, впечатляет и накаляет атмосферу на экране; ровные, логичные кадры, не слишком выразительные, но полностью логичные; интересно подобранный лейтмотив с драгоценным камнем. Последнее и вовсе может выглядеть любопытной метафорой: редчайший алмаз играет роль запретного плода, яблока раздора или даже мистического элемента – предмета, который наказывает за жадность своего обладателя.
Снимая фильм про долги и финансовые махинации, братья Сэфди обратили внимание на очень важный элемент – мотивацию и характер главного героя. Проработав с Сэндлером характер персонажа, режиссеры вывели картину на иной уровень качества. Одним из продюсеров работы значится Мартин Скорсезе – вероятно, именно он повлиял на то, что драма с, в общем-то, классическим криминально-денежным содержанием стала притчей про человеческую жадность, одержимость и беспокойность. И, наверное, эти очень опасные, но такие человеческие качества, в этом фильме станут для зрителя серьезным поводом задуматься и порассуждать на затронутую тему.
«Ярды» - дебютная работа режиссера Андрея Корытко, - рассказывает зрителю историю молодого рэпера, который хочет прорваться к музыкальной вершине, но сталкивается с большими, хоть и примитивными трудностями. Мария Михайлова рассказывает, удалось ли картине показать нечто большее, чем банальную историю успеха.
С первых минут просмотра зрителя с головой погружают в специфическую атмосферу музыкального продакшена. И, поскольку в фильме идет речь именно о рэп-культуре, каждый кадр изобилует ее атрибутами. Все, начиная со сленга («бро», «замазал», «изи мани») и заканчивая одеждой героев, знакомит аудиторию с этим музыкальным сегментом. Здесь уже начинает чувствоваться некоторая авторская неопытность: рэперская тусовка выглядит в фильме излишне стереотипной, шаблонной, как будто вся атмосфера выписана по временам двадцатилетней давности, когда рэп только пришел в Россию и поначалу выглядел отдельной субкультурой. Из-за невнимания к деталям «вылетает» общая фабула, формирующая зрительское отношение к рэпу. Поклонникам этой музыки станет обидно за то, что предмет их интереса показан так топорно, а непосвященный зритель не увидит на экране ничего, что помогло бы ему узнать о рэп-культуре больше, чем самые избитые стереотипы.
Однако в «Ярдах» определенно есть что-то, что может зацепить аудиторию. В картине с первой минуты заметно, что съемочная команда, как и сами актеры, очень старались сделать историю честной и жизненной. Сюжетно фильм прост и больше всего похож на стандартную схему «истории успеха»: кратковременный взлет, провал, неудачи, поиск своего пути и далее по сценарию. Но в картине заметно большое желание быть честными со зрителем и рассказать правдивую историю. Главный герой Ярик – не картонный супергерой с непогрешимой репутацией, а почти что антигерой, запутавшийся парень. Хорошо показана причинно-следственная связь, вследствие которой Ярослав все глубже погружается в омут бедствий. Сперва его настигает жажда славы и быстрых денег. Потом начинаются бесконечные попытки дотянуться до мечты, которая, кажется, вот-вот – и в руках – но нужно всего лишь немного соврать, чуть-чуть подвинуть близких людей, немножко сподличать. Ярик все больше отдаляется от себя настоящего, покупаясь на купюру, подвязанную на веревочку, которая ускользает перед его носом и постепенно ведет его в западню, из которой будет уже не выбраться.
Именно эта очень честная и действительно жизненная для многих ситуация отличает «Ярды» от многих других шаблонных фильмов, в которых главенствует посыл «just do it». Картина ставит перед зрителем не вопрос силы воли, а проблему невнимания к самому себе, к своим настоящим желаниям, к своей нравственности и совести. Создатели явно не справились с внедрением в картину рэп-культуры (даже «читка» Ярика выглядит не слишком убедительно): возможно, такой контекст фильму и не был нужен. Но в смысловом плане все выглядит искренним и продуманным. Возможно даже, что кто-то из съемочной команды – сценарист или режиссер – перенес на экран что-то знакомое и очень личное, и этим спас картину.
«Ярды» нельзя назвать по-настоящему удачным дебютом: создатели не справились с общей атмосферой, наполнили картину неуместными героями и эпизодами (например, историей с клофелином, или неоправданной и потому почти шокирующей постельной сценой). Но кое-что начинающему режиссеру получилось сделать – он рассказал вполне земную и человеческую историю об амбициозном парне, который свернул не туда в погоне за славой. Если в следующем фильме Андрей Корытко покажет зрителю такую же честную историю и будет тщательнее работать с контекстом – он сможет предложить миру что-то действительно выдающееся.
С первых минут просмотра зрителя с головой погружают в специфическую атмосферу музыкального продакшена. И, поскольку в фильме идет речь именно о рэп-культуре, каждый кадр изобилует ее атрибутами. Все, начиная со сленга («бро», «замазал», «изи мани») и заканчивая одеждой героев, знакомит аудиторию с этим музыкальным сегментом. Здесь уже начинает чувствоваться некоторая авторская неопытность: рэперская тусовка выглядит в фильме излишне стереотипной, шаблонной, как будто вся атмосфера выписана по временам двадцатилетней давности, когда рэп только пришел в Россию и поначалу выглядел отдельной субкультурой. Из-за невнимания к деталям «вылетает» общая фабула, формирующая зрительское отношение к рэпу. Поклонникам этой музыки станет обидно за то, что предмет их интереса показан так топорно, а непосвященный зритель не увидит на экране ничего, что помогло бы ему узнать о рэп-культуре больше, чем самые избитые стереотипы.
Однако в «Ярдах» определенно есть что-то, что может зацепить аудиторию. В картине с первой минуты заметно, что съемочная команда, как и сами актеры, очень старались сделать историю честной и жизненной. Сюжетно фильм прост и больше всего похож на стандартную схему «истории успеха»: кратковременный взлет, провал, неудачи, поиск своего пути и далее по сценарию. Но в картине заметно большое желание быть честными со зрителем и рассказать правдивую историю. Главный герой Ярик – не картонный супергерой с непогрешимой репутацией, а почти что антигерой, запутавшийся парень. Хорошо показана причинно-следственная связь, вследствие которой Ярослав все глубже погружается в омут бедствий. Сперва его настигает жажда славы и быстрых денег. Потом начинаются бесконечные попытки дотянуться до мечты, которая, кажется, вот-вот – и в руках – но нужно всего лишь немного соврать, чуть-чуть подвинуть близких людей, немножко сподличать. Ярик все больше отдаляется от себя настоящего, покупаясь на купюру, подвязанную на веревочку, которая ускользает перед его носом и постепенно ведет его в западню, из которой будет уже не выбраться.
Именно эта очень честная и действительно жизненная для многих ситуация отличает «Ярды» от многих других шаблонных фильмов, в которых главенствует посыл «just do it». Картина ставит перед зрителем не вопрос силы воли, а проблему невнимания к самому себе, к своим настоящим желаниям, к своей нравственности и совести. Создатели явно не справились с внедрением в картину рэп-культуры (даже «читка» Ярика выглядит не слишком убедительно): возможно, такой контекст фильму и не был нужен. Но в смысловом плане все выглядит искренним и продуманным. Возможно даже, что кто-то из съемочной команды – сценарист или режиссер – перенес на экран что-то знакомое и очень личное, и этим спас картину.
«Ярды» нельзя назвать по-настоящему удачным дебютом: создатели не справились с общей атмосферой, наполнили картину неуместными героями и эпизодами (например, историей с клофелином, или неоправданной и потому почти шокирующей постельной сценой). Но кое-что начинающему режиссеру получилось сделать – он рассказал вполне земную и человеческую историю об амбициозном парне, который свернул не туда в погоне за славой. Если в следующем фильме Андрей Корытко покажет зрителю такую же честную историю и будет тщательнее работать с контекстом – он сможет предложить миру что-то действительно выдающееся.
«Однажды… Тарантино» - новый документальный фильм, снятый об одном из самых известных и скандальных режиссеров современности. Мария Михайлова рассказывает, почему эту картину будет интересно посмотреть как давним фанатам, так и тем, кто плохо знаком с творчеством Квентина.
Структура фильма довольно проста. Он состоит из отрывков интервью с людьми, которые знают Тарантино и работали с ним: туда входят как актеры, так и продюсеры, сценаристы, каскадеры, и другие члены съемочной группы. Рассказы приглашенных гостей перемежаются с кадрами из фильмов (как тех, которые снимал Тарантино, так и тех, которые вдохновляли его), с интересными деталями со съемочной площадки и мульт-эпизодами – чтобы «оживить» речь говорящего. Почти сразу становится заметно, что режиссер Тара Вуд хорошо поработала над приглашенным составом. Лица, на которых строится повествование, не только хорошо ориентируются в разных областях кинопродакшена, но и сотрудничали с Квентином в разных картинах и в разное время. Кто-то прошел с ним путь, начиная с «Бешеных псов», а кто-то присоединился только в «Убить Билла». Разные области работы и разный опыт, полученный от общения с режиссером, помогают фильму давать действительно объективную оценку с помощью ряда субъективных историй.
В документальном кино о конкретной личности, которое строится только на живых историях его партнеров и друзей, очень легко допустить ошибку, которая может полностью испортить впечатление о картине. Фильм легко может скатиться в банальное восхваление и лесть – особенно если речь идет о выдающемся деятеле, про которого режиссер хочет сказать исключительно приятные слова. Если в кадре собираются только доброжелатели, очень сложно избежать слащавости, свойственной фильмам, которые выпускаются «к дате»: например, к юбилею важной персоны. Но «Однажды… Тарантино» очень грамотно избегает этой ошибки благодаря хорошо продуманной структуре. Сюжет в фильме строится не на как таковой биографии Квентина, а строго на его фильмографии. Картина держит почтительную дистанцию и не скатывается в описание подробностей личной жизни мастера. Но самого Квентина Тарантино зритель все-таки увидит и поймет – через его стиль работы, способ подачи своих идей и смысл, который он вкладывает в свои картины.
Авторам удается раскрыть самый главный вопрос: что делает Квентина Тарантино тем самым гениальным режиссером, ставшим одной из самых ярких фигур постмодернизма в кинематографе. Зрителю рассказывают о гениальных находках мастера – например, о фирменной марке сигарет Red Apple, которую он придумал специально для своих фильмов, о значении боевых сцен в «Убить Билла», о важности того напряжения, которое он создает в «Бесславных ублюдках», изменяя тем самым все то, что зритель знает о военном кино. Уделено внимание главному приему Квентина – прямому заимствованию идей из мирового кинематографа, которые он не стесняется признать не своими, но которые он преображает и улучшает (что и является одним из основополагающих принципов постмодернизма).
«Однажды… Тарантино» станет хорошим, многогранным документальным кино для всех заинтересованных. Те, кто знают о творчестве Квентина немного, увидят, как он связывает всех своих героев во всех работах, создавая свою собственную киновселенную. Те, кто хорошо изучил фильмографию Тарантино, услышат от актрис и женщин, с которыми он работает, о том, как он тонко чувствует и понимает психологию противоположного пола, о его неожиданно чутком романтизме. Режиссер Тара Вуд является не просто преданным фанатом человека, о котором рассказывает: она постаралась сделать свою работу не раболепной, а глубокой и насыщенной. И можно смело говорить о том, что у нее это получилось.
Структура фильма довольно проста. Он состоит из отрывков интервью с людьми, которые знают Тарантино и работали с ним: туда входят как актеры, так и продюсеры, сценаристы, каскадеры, и другие члены съемочной группы. Рассказы приглашенных гостей перемежаются с кадрами из фильмов (как тех, которые снимал Тарантино, так и тех, которые вдохновляли его), с интересными деталями со съемочной площадки и мульт-эпизодами – чтобы «оживить» речь говорящего. Почти сразу становится заметно, что режиссер Тара Вуд хорошо поработала над приглашенным составом. Лица, на которых строится повествование, не только хорошо ориентируются в разных областях кинопродакшена, но и сотрудничали с Квентином в разных картинах и в разное время. Кто-то прошел с ним путь, начиная с «Бешеных псов», а кто-то присоединился только в «Убить Билла». Разные области работы и разный опыт, полученный от общения с режиссером, помогают фильму давать действительно объективную оценку с помощью ряда субъективных историй.
В документальном кино о конкретной личности, которое строится только на живых историях его партнеров и друзей, очень легко допустить ошибку, которая может полностью испортить впечатление о картине. Фильм легко может скатиться в банальное восхваление и лесть – особенно если речь идет о выдающемся деятеле, про которого режиссер хочет сказать исключительно приятные слова. Если в кадре собираются только доброжелатели, очень сложно избежать слащавости, свойственной фильмам, которые выпускаются «к дате»: например, к юбилею важной персоны. Но «Однажды… Тарантино» очень грамотно избегает этой ошибки благодаря хорошо продуманной структуре. Сюжет в фильме строится не на как таковой биографии Квентина, а строго на его фильмографии. Картина держит почтительную дистанцию и не скатывается в описание подробностей личной жизни мастера. Но самого Квентина Тарантино зритель все-таки увидит и поймет – через его стиль работы, способ подачи своих идей и смысл, который он вкладывает в свои картины.
Авторам удается раскрыть самый главный вопрос: что делает Квентина Тарантино тем самым гениальным режиссером, ставшим одной из самых ярких фигур постмодернизма в кинематографе. Зрителю рассказывают о гениальных находках мастера – например, о фирменной марке сигарет Red Apple, которую он придумал специально для своих фильмов, о значении боевых сцен в «Убить Билла», о важности того напряжения, которое он создает в «Бесславных ублюдках», изменяя тем самым все то, что зритель знает о военном кино. Уделено внимание главному приему Квентина – прямому заимствованию идей из мирового кинематографа, которые он не стесняется признать не своими, но которые он преображает и улучшает (что и является одним из основополагающих принципов постмодернизма).
«Однажды… Тарантино» станет хорошим, многогранным документальным кино для всех заинтересованных. Те, кто знают о творчестве Квентина немного, увидят, как он связывает всех своих героев во всех работах, создавая свою собственную киновселенную. Те, кто хорошо изучил фильмографию Тарантино, услышат от актрис и женщин, с которыми он работает, о том, как он тонко чувствует и понимает психологию противоположного пола, о его неожиданно чутком романтизме. Режиссер Тара Вуд является не просто преданным фанатом человека, о котором рассказывает: она постаралась сделать свою работу не раболепной, а глубокой и насыщенной. И можно смело говорить о том, что у нее это получилось.
«Оскар» за лучший фильм, за лучший фильм на иностранном языке, за лучший оригинальный сценарий, за лучшую режиссуру получили «Паразиты» Пон Чжун Хо. Публикуем материал об этом пронзительном кино, впечатления от которого легко разрушить одним неверным словом.
Лучше всего попробовать посмотреть «Паразитов» без подготовки. Сходить на фильм, зная о нем только то, что после премьеры в Каннах овации зрителей длились 15 минут. Да, пальмовая ветвь к такой реакции прилагалась.
Можно, конечно, рискнуть, положившись исключительно на мнение критиков, но впечатление, полученное в таком случае, будет запредельным. То есть именно таким, на какое рассчитывал его создатель. В общем, «Паразиты» того стоят.
Далее — подробности для тех, кто не считает себя рисковым и/или не любит пустые заверения.
Прежде всего, к чему такая таинственность и на что, собственно, рассчитывал создатель? Все дело в открывающем показ обращении режиссера к зрителям. Пон Джун-хо убедительно просит всех присутствующих в зале воздержаться от спойлеров после выхода из кинотеатра и ограждать всех еще не причастившихся к тайне этого фильма от любых ее развенчаний.
Конечно, защитить свои фильмы от разглашения излишней информации о них хотят все режиссеры, и мы знаем, на что они идут ради этого. Но всякий раз возникает вопрос: а что, собственно, считать спойлером? Только ли раскрытие сюжетных поворотов? Упоминание жанра в каком-то смысле тоже убивает интригу: зритель, знающий жанровую принадлежность фильма, подходит к нему с определенными ожиданиями и, как правило, может предугадывать разрешение некоторых (наиболее клишированных) сюжетных линий. Шелдон посчитал спойлером замечание: «Новый комикс про Зеленого фонаря взорвет тебе мозг!», а некоторые не хотят знать, какие трейлеры будут предшествовать фильму.
Название фильма, страна производства, режиссер — все это в какой-то мере информация, развеивающая интригу вокруг картины. Иными словами, прийти на фильм абсолютно чистым листом довольно затруднительно. Да и нужно ли?
Качественный фильм хочется и нравится смотреть вне зависимости от того, знаем мы, что произойдет дальше или нет. Аховым эффектом не может ограничиваться успех ленты: мы пересматриваем любимые фильмы, даже если выучили реплики героев наизусть.
«Паразиты» не станут хуже от того, что вы узнаете, что это южнокорейская социальная драма (условно; добротный фильм почти всегда — умелое и органичное переплетение разных жанров) о бедных и богатых, о том, как тонка грань между ними и кто в действительности паразитирует на ком, на что способна смекалка и жажда жизни, насколько стойки тараканы, какими волшебными свойствами обладают камни и за что можно благодарить судьбу. Этот список тем достаточно расплывчат, чтобы вы ничего не поняли.
«Паразиты» удивят, напугают, взволнуют, рассмешат, вселят надежду и тоску, заставят пережить еще множество других эмоций. С первой секунды они будут держать и не отпустят, даже после выхода из зала. Возвращаясь к тому, с чего начинали: «Паразиты» стоят того, чтобы прожить с ними два часа, тем более что их течения даже не заметите.
Лучше всего попробовать посмотреть «Паразитов» без подготовки. Сходить на фильм, зная о нем только то, что после премьеры в Каннах овации зрителей длились 15 минут. Да, пальмовая ветвь к такой реакции прилагалась.
Можно, конечно, рискнуть, положившись исключительно на мнение критиков, но впечатление, полученное в таком случае, будет запредельным. То есть именно таким, на какое рассчитывал его создатель. В общем, «Паразиты» того стоят.
Далее — подробности для тех, кто не считает себя рисковым и/или не любит пустые заверения.
Прежде всего, к чему такая таинственность и на что, собственно, рассчитывал создатель? Все дело в открывающем показ обращении режиссера к зрителям. Пон Джун-хо убедительно просит всех присутствующих в зале воздержаться от спойлеров после выхода из кинотеатра и ограждать всех еще не причастившихся к тайне этого фильма от любых ее развенчаний.
Конечно, защитить свои фильмы от разглашения излишней информации о них хотят все режиссеры, и мы знаем, на что они идут ради этого. Но всякий раз возникает вопрос: а что, собственно, считать спойлером? Только ли раскрытие сюжетных поворотов? Упоминание жанра в каком-то смысле тоже убивает интригу: зритель, знающий жанровую принадлежность фильма, подходит к нему с определенными ожиданиями и, как правило, может предугадывать разрешение некоторых (наиболее клишированных) сюжетных линий. Шелдон посчитал спойлером замечание: «Новый комикс про Зеленого фонаря взорвет тебе мозг!», а некоторые не хотят знать, какие трейлеры будут предшествовать фильму.
Название фильма, страна производства, режиссер — все это в какой-то мере информация, развеивающая интригу вокруг картины. Иными словами, прийти на фильм абсолютно чистым листом довольно затруднительно. Да и нужно ли?
Качественный фильм хочется и нравится смотреть вне зависимости от того, знаем мы, что произойдет дальше или нет. Аховым эффектом не может ограничиваться успех ленты: мы пересматриваем любимые фильмы, даже если выучили реплики героев наизусть.
«Паразиты» не станут хуже от того, что вы узнаете, что это южнокорейская социальная драма (условно; добротный фильм почти всегда — умелое и органичное переплетение разных жанров) о бедных и богатых, о том, как тонка грань между ними и кто в действительности паразитирует на ком, на что способна смекалка и жажда жизни, насколько стойки тараканы, какими волшебными свойствами обладают камни и за что можно благодарить судьбу. Этот список тем достаточно расплывчат, чтобы вы ничего не поняли.
«Паразиты» удивят, напугают, взволнуют, рассмешат, вселят надежду и тоску, заставят пережить еще множество других эмоций. С первой секунды они будут держать и не отпустят, даже после выхода из зала. Возвращаясь к тому, с чего начинали: «Паразиты» стоят того, чтобы прожить с ними два часа, тем более что их течения даже не заметите.
🎬Лучший фильм: «Паразиты» (https://t.me/kipunk/351)
🎬Лучший фильм на иностранном языке: «Паразиты» (https://t.me/kipunk/351)
🎬Лучший режиссер: Пон Джун-хо за фильм «Паразиты» (https://t.me/kipunk/351)
🎬Лучший сценарий: «Паразиты» (https://t.me/kipunk/351)
🎬Лучший адаптированный сценарий: «Кролик Джоджо»
🎬Лучшая мужская роль: Хоакин Феникс за фильм «Джокер» (https://t.me/kipunk/173)
🎬Лучшая женская роль: Рене Зеллвегер за фильм «Джуди»
🎬Лучшая мужская роль второго плана: Брэд Питт за фильм «Однажды в… Голливуде»
(https://kino-punk.ru/review/onceuponatimeinhollywoodreview/index.html)
🎬Лучшая женская роль второго плана: Лора Дерн за фильм «Брачная история» (https://t.me/kipunk/285)
🎬Лучший художник-постановщик: «Однажды в… Голливуде» (https://kino-punk.ru/review/onceuponatimeinhollywoodreview/index.html)
🎬Лучшая операторская работа: «1917» (https://t.me/kipunk/341)
🎬Лучший анимационный фильм: «История игрушек 4» (https://kino-punk.ru/review/toystory4review/index.html)
🎬Лучшие визуальные эффекты: «1917» (https://t.me/kipunk/341)
🎬Лучший дизайн костюмов: «Маленькие женщины» (https://t.me/kipunk/333)
🎬Лучший монтаж: «Ford против Ferrari» (https://t.me/kipunk/229)
🎬Лучшая песня: Im Gonna Love Me Again из фильма «Рокетмен» (https://kino-punk.ru/review/rocketmanreview/index.html)
🎬Лучший саундтрек: «Джокер» (https://t.me/kipunk/173)
🎬Лучший грим и прически: «Скандал»
🎬Лучшее сведение звука: «1917» (https://t.me/kipunk/341)
🎬Лучший монтаж звука: «Ford против Ferrari» (https://t.me/kipunk/229)
🎬Лучший документальный фильм: «Американская фабрика»
🎬Лучший фильм на иностранном языке: «Паразиты» (https://t.me/kipunk/351)
🎬Лучший режиссер: Пон Джун-хо за фильм «Паразиты» (https://t.me/kipunk/351)
🎬Лучший сценарий: «Паразиты» (https://t.me/kipunk/351)
🎬Лучший адаптированный сценарий: «Кролик Джоджо»
🎬Лучшая мужская роль: Хоакин Феникс за фильм «Джокер» (https://t.me/kipunk/173)
🎬Лучшая женская роль: Рене Зеллвегер за фильм «Джуди»
🎬Лучшая мужская роль второго плана: Брэд Питт за фильм «Однажды в… Голливуде»
(https://kino-punk.ru/review/onceuponatimeinhollywoodreview/index.html)
🎬Лучшая женская роль второго плана: Лора Дерн за фильм «Брачная история» (https://t.me/kipunk/285)
🎬Лучший художник-постановщик: «Однажды в… Голливуде» (https://kino-punk.ru/review/onceuponatimeinhollywoodreview/index.html)
🎬Лучшая операторская работа: «1917» (https://t.me/kipunk/341)
🎬Лучший анимационный фильм: «История игрушек 4» (https://kino-punk.ru/review/toystory4review/index.html)
🎬Лучшие визуальные эффекты: «1917» (https://t.me/kipunk/341)
🎬Лучший дизайн костюмов: «Маленькие женщины» (https://t.me/kipunk/333)
🎬Лучший монтаж: «Ford против Ferrari» (https://t.me/kipunk/229)
🎬Лучшая песня: Im Gonna Love Me Again из фильма «Рокетмен» (https://kino-punk.ru/review/rocketmanreview/index.html)
🎬Лучший саундтрек: «Джокер» (https://t.me/kipunk/173)
🎬Лучший грим и прически: «Скандал»
🎬Лучшее сведение звука: «1917» (https://t.me/kipunk/341)
🎬Лучший монтаж звука: «Ford против Ferrari» (https://t.me/kipunk/229)
🎬Лучший документальный фильм: «Американская фабрика»
Заканчивается первая неделя проката одной из самых ожидаемых премьер этой зимы: «Хищные птицы: Потрясающая история Харли Квинн» с Марго Робби в главной роли. Мария Михайлова рассказывает, почему картина может порадовать не только фаната, но и «стороннего» зрителя.
Сюжет завязывается на серьезном событии в жизни героини Харли Квинн – ее расставании с Джокером. Фанат вселенной знает, что это были непростые отношения. С одной стороны, именно Джокер пробудил в Харли ее потенциал и силу, раскрепостил и в каком-то смысле сделал ее такой, какая она стала известна миру. С другой – умная и красивая героиня была серьезно зависима от своего партнера: она полностью согласилась с его правилами игры, пожертвовала своей карьерой доктора и была готова на все, чтобы быть с ним. Кроме того, статус отношений с Джокером давал Харли неприкосновенность – а как отдельную, независимую личность, ее никто не воспринимал. Поэтому расставание стало для девушки серьезным ударом во всех смыслах: ей не только пришлось бороться со своими чувствами и зависимостью, но и начать борьбу за выживание в Готэме, где буквально каждый второй горожанин желает ее смерти.
Так главную героиню буквально с первых кадров ставят в ситуацию, в которой ей придется доказывать собственную ценность и состоятельность. Приятно, что в фильме нет фокуса на Джокере, и не транслируется идея о том, что он, хоть и косвенно, вновь стал главным рычагом к личностному росту Харли. Фактически, он в картине и не появляется. Харли Квинн рассматривается в кино исключительно как самостоятельный персонаж, который не привык к одиночеству. И, в отличие от большинства картин с профеминистскими идеями, показанная ситуация действительно окажется близкой для многих женщин, которым довелось пройти через зависимость от отношений. При том в фильме напрочь отсутствуют вульгарные выкрики-лозунги, агрессия и унижение мужчин.
Проработка других персонажей картины тоже может порадовать. Каждая из героинь, появившихся в кадре, обладает объяснимой, легко читаемой мотивацией к своим поступкам, а также каждая совершает определенную ошибку, которая мешает ей прожить какой-то свой непростой этап. Полицейская терпит несправедливость и присвоение заслуг на своей работе, Черная Канарейка не сопротивляется злу, которое пытается ее использовать, а Охотница слепа в погоне за местью. За каждой героиней интересно наблюдать, и если история с Харли покажется кому-то недостаточно близкой и жизненной, всегда есть возможность разглядеть любую из женщин и послушать ее историю.
В «Хищных птицах» есть и некоторые недостатки. К ним относятся, например, не вполне оправданные временные скачки и перебросы. Они не портят общее восприятие, но немного затрудняют повествование: зритель рефлекторно пытается понять, все ли он осознал и не пропустил ли какую-то важную деталь сюжета вместо того, чтобы сфокусироваться на главном. Техническая же сторона вышла у фильма почти безупречно: без чрезмерного юмора (возможно, только история с сэндвичем вышла излишне подробной), с приятными глазу боевыми сценами, с хорошо подобранными саундтреками.
Испортить впечатление о картине способен лишь трейлер – к сожалению, он сделан намного более топорно, чем сам фильм и может отпугнуть зрителя, особенно того, кто не разбирается во вселенной DC. Но, несмотря на все погрешности, «Хищные птицы» демонстрируют отличный пример того, как можно рассказать о сильной девушке, не скатываясь в безвкусицу или агрессию. Именно такое качественное «женское» кино хочется видеть на экране как можно чаще.
Сюжет завязывается на серьезном событии в жизни героини Харли Квинн – ее расставании с Джокером. Фанат вселенной знает, что это были непростые отношения. С одной стороны, именно Джокер пробудил в Харли ее потенциал и силу, раскрепостил и в каком-то смысле сделал ее такой, какая она стала известна миру. С другой – умная и красивая героиня была серьезно зависима от своего партнера: она полностью согласилась с его правилами игры, пожертвовала своей карьерой доктора и была готова на все, чтобы быть с ним. Кроме того, статус отношений с Джокером давал Харли неприкосновенность – а как отдельную, независимую личность, ее никто не воспринимал. Поэтому расставание стало для девушки серьезным ударом во всех смыслах: ей не только пришлось бороться со своими чувствами и зависимостью, но и начать борьбу за выживание в Готэме, где буквально каждый второй горожанин желает ее смерти.
Так главную героиню буквально с первых кадров ставят в ситуацию, в которой ей придется доказывать собственную ценность и состоятельность. Приятно, что в фильме нет фокуса на Джокере, и не транслируется идея о том, что он, хоть и косвенно, вновь стал главным рычагом к личностному росту Харли. Фактически, он в картине и не появляется. Харли Квинн рассматривается в кино исключительно как самостоятельный персонаж, который не привык к одиночеству. И, в отличие от большинства картин с профеминистскими идеями, показанная ситуация действительно окажется близкой для многих женщин, которым довелось пройти через зависимость от отношений. При том в фильме напрочь отсутствуют вульгарные выкрики-лозунги, агрессия и унижение мужчин.
Проработка других персонажей картины тоже может порадовать. Каждая из героинь, появившихся в кадре, обладает объяснимой, легко читаемой мотивацией к своим поступкам, а также каждая совершает определенную ошибку, которая мешает ей прожить какой-то свой непростой этап. Полицейская терпит несправедливость и присвоение заслуг на своей работе, Черная Канарейка не сопротивляется злу, которое пытается ее использовать, а Охотница слепа в погоне за местью. За каждой героиней интересно наблюдать, и если история с Харли покажется кому-то недостаточно близкой и жизненной, всегда есть возможность разглядеть любую из женщин и послушать ее историю.
В «Хищных птицах» есть и некоторые недостатки. К ним относятся, например, не вполне оправданные временные скачки и перебросы. Они не портят общее восприятие, но немного затрудняют повествование: зритель рефлекторно пытается понять, все ли он осознал и не пропустил ли какую-то важную деталь сюжета вместо того, чтобы сфокусироваться на главном. Техническая же сторона вышла у фильма почти безупречно: без чрезмерного юмора (возможно, только история с сэндвичем вышла излишне подробной), с приятными глазу боевыми сценами, с хорошо подобранными саундтреками.
Испортить впечатление о картине способен лишь трейлер – к сожалению, он сделан намного более топорно, чем сам фильм и может отпугнуть зрителя, особенно того, кто не разбирается во вселенной DC. Но, несмотря на все погрешности, «Хищные птицы» демонстрируют отличный пример того, как можно рассказать о сильной девушке, не скатываясь в безвкусицу или агрессию. Именно такое качественное «женское» кино хочется видеть на экране как можно чаще.
За последние 35 лет от передозировки марихуаной в мире не умерло ни одного человека. Вероятно, это самый важный факт, который нужно держать в голове при просмотре нового фильма Гая Ричи с Мэттью МакКонахи в роли торговца травой – «Джентльмены».
Карьера Гая Ричи раздроблена на два неравных по времени творческих этапа. Первый – создание искрометных хитов «Карты, деньги, два ствола» и «Большой куш» (но можно перевести и по-другому); второй – работа на Голливуд и регулярные попытки вернуться к жанру лихой британской криминальной драмы. Наиболее успешные фильмы второго этапа – «Рок-н-рольщик» и «Джентльмены», вышедшие в российский прокат 20 февраля.
Сюжет «Джентльменов» достаточно прост. Успешный британский производитель и распространитель марихуаны, выходец из США, выставляет бизнес на продажу. Сделка интересует ошивающегося в Англии американского еврея, но неожиданно в теневые игры вмешиваются въедливый журналист и спортивный тренер, занимающийся с неблагополучными подростками.
В фильме Ричи нет положительных персонажей, все они лгуны, воры и убийцы, но почему-то в глазах режиссера подобный контингент только героизируется (от травы никто не умирает, а значит, наркобароны помогают людям… только в обход государства). В итоге зритель наблюдает за обыкновенными бандитами, которые носят пиджаки в клеточку и УЗИ на ремне, величаво рассуждают о львах и драконах и соревнуются в уме и начитанности. В фильме несколько раз отчетливо звучит: «Главное оружие современного человека – интеллект»; и даже присутствует сцена, когда марихуановый барон (Мэттью МакКонахи) соревнуется с евреем (Джереми Стронг) за кубок первого умника. Однако состязание проходит вяло, ведь герои не могут вспомнить ни одной книжки, ни одного примера из истории (чтобы почувствовать разницу, стоит посмотреть «Молодость» Паоло Соррентино, где в диалогах царствует торжество ума). Ричи до этого далеко, у него, несмотря на заявления, вопросы решаются силой.
Достаточно мило смотрится авторское желание поговорить о прошлом. В баре заводится автомат с пластинками, журналист (Хью Грант) преподносит своё расследование в форме старого фильма, снятого на 35-мм плёнку, а сотовые телефоны и расползающиеся по интернету масс-медиа выступают самыми настоящими врагами консервативных и предпочитающих живое общение героев.
«Джентльмены» — неплохое увлекательное проходное кино, доказывающее, что Гай Ричи, действительно, опытный, необходимый Голливуду постановщик, но не романтик и не новатор. Перебежав с пиратского корабля под английским флагом на американский лайнер, он так и не сумел и не сумеет вернуться обратно. Ведь для этого необходимо отказаться от бешеных бюджетов и оскароносных актёров.
Карьера Гая Ричи раздроблена на два неравных по времени творческих этапа. Первый – создание искрометных хитов «Карты, деньги, два ствола» и «Большой куш» (но можно перевести и по-другому); второй – работа на Голливуд и регулярные попытки вернуться к жанру лихой британской криминальной драмы. Наиболее успешные фильмы второго этапа – «Рок-н-рольщик» и «Джентльмены», вышедшие в российский прокат 20 февраля.
Сюжет «Джентльменов» достаточно прост. Успешный британский производитель и распространитель марихуаны, выходец из США, выставляет бизнес на продажу. Сделка интересует ошивающегося в Англии американского еврея, но неожиданно в теневые игры вмешиваются въедливый журналист и спортивный тренер, занимающийся с неблагополучными подростками.
В фильме Ричи нет положительных персонажей, все они лгуны, воры и убийцы, но почему-то в глазах режиссера подобный контингент только героизируется (от травы никто не умирает, а значит, наркобароны помогают людям… только в обход государства). В итоге зритель наблюдает за обыкновенными бандитами, которые носят пиджаки в клеточку и УЗИ на ремне, величаво рассуждают о львах и драконах и соревнуются в уме и начитанности. В фильме несколько раз отчетливо звучит: «Главное оружие современного человека – интеллект»; и даже присутствует сцена, когда марихуановый барон (Мэттью МакКонахи) соревнуется с евреем (Джереми Стронг) за кубок первого умника. Однако состязание проходит вяло, ведь герои не могут вспомнить ни одной книжки, ни одного примера из истории (чтобы почувствовать разницу, стоит посмотреть «Молодость» Паоло Соррентино, где в диалогах царствует торжество ума). Ричи до этого далеко, у него, несмотря на заявления, вопросы решаются силой.
Достаточно мило смотрится авторское желание поговорить о прошлом. В баре заводится автомат с пластинками, журналист (Хью Грант) преподносит своё расследование в форме старого фильма, снятого на 35-мм плёнку, а сотовые телефоны и расползающиеся по интернету масс-медиа выступают самыми настоящими врагами консервативных и предпочитающих живое общение героев.
«Джентльмены» — неплохое увлекательное проходное кино, доказывающее, что Гай Ричи, действительно, опытный, необходимый Голливуду постановщик, но не романтик и не новатор. Перебежав с пиратского корабля под английским флагом на американский лайнер, он так и не сумел и не сумеет вернуться обратно. Ведь для этого необходимо отказаться от бешеных бюджетов и оскароносных актёров.
14 февраля, в День всех влюбленных, на экраны вышло продолжение спортивно-музыкальной драмы от Жоры Крыжовникова – «Лед 2». Мария Михайлова выясняет, как интересный замысел превратился в глупое кино с сомнительным посылом.
Предыдущая часть истории закончилась классическим романтическим хэппи-эндом: фигуристка Надя и хоккеист Саша любят друг друга и готовы создать новую ячейку общества. «Лед 2» же начинается с нового испытания. Из-за полученной когда-то спортивной травмы Надя умирает при родах, оставляя Сашу одного с дочерью. Хоккеист не имеет понятия, ни как справиться с потерей любимого человека, ни как ухаживать за новорожденным ребенком. Вместе с тем он вынужден разрываться между хоккеем и новыми отцовскими обязанностями. Близких людей, которым можно доверить дочь, у Саши нет – и потому он не может перестать тревожиться и найти баланс между работой и семейной жизнью.
У фильма есть серьезные проблемы с логикой. Уже в начале картины, откуда ни возьмись, на пороге Сашиной квартиры возникают социальные работники, которые ведут себя совершенно неестественно. Они проходят в его дом, не разуваясь, начинают осматривать новорожденного ребенка, даже не вымыв руки – и вдруг, не обосновывая своего решения, собираются изъять дочь у хоккеиста (ни одной веской причины для этого фильм не озвучивает). Позже, когда дочь Саши подрастает, она самостоятельно по учебнику и без всякого надзора не только осваивает коньки, но и выучивает сложные, профессиональные элементы фигурного катания. Подобными логическими нестыковками фильм усеян настолько плотно, что для любого хоть сколько-нибудь внимательного зрителя станет просто невыносимым для просмотра.
Но, к сожалению, непроработанная структура фильма – далеко не единственное, что способно испортить впечатление от «Льда 2». Отдельным вопросом являются характеры персонажей, плохо прописанные и мотивированные. Но, что хуже всего, в отдельных случаях на странно прорисованного героя накладывается слабая актерская игра: и это происходит не со второстепенным персонажем, а с главным героем Сашей. Удачно у Александра Петрова выходит только показать зрителю спокойного счастливого отца с младенцем на руках. Но с развитием сюжета на экране исчезает мужественный хоккеист и появляется истеричная глупая девочка.
Неадекватные поступки Саши (попытки увезти дочь из страны, желание оградить ее от спорта и т.д.) дополняются нервными интонациями, постоянными пугающе громкими и резкими вскриками, неадекватно взрывными эмоциями. К концу картины зритель уже не сомневается, что герой Саши – психопат, одержимый собственным ребенком – и что, возможно, социальным работникам действительно стоило бы забрать у него дочь. Вместе с тем общая атмосфера фильма пытается доказать, что главный герой – папа мечты, которому не доверяют, и который сам не умеет доверять ни ребенку, ни окружающим. Так «Лед 2» выпадает из какой-либо реальности даже на уровне персонажей первого плана.
Отдельным минусом можно отметить звуковое сопровождение фильма. Понятно, что создателям хотелось сделать легкое и музыкальное кино – но итог получился почти комичным. Персонажи начинают петь в самый неожиданный момент, иногда тогда, когда хотелось бы посмотреть именно на развитие сюжета – и тем самым полностью уничтожают любое напряжение и зрительский интерес к фабуле. Кроме того, как ни грустно, петь в картине умеют далеко не все актеры. Поэтому дополнительным неприятным сюрпризом станет факт, что именно главный герой в исполнении Александра Петрова берет на себя большую часть музыкальных партий.
«Лед 2» настолько плотно вязнет в логических ошибках, нелепой структуре, плохой актерской игре и неадекватном музыкальном сопровождении, что превращается в кино, которое невыносимо смотреть. Наверное, лучшим советом умному зрителю будет пожелание и не пытаться потратить на него время.
Предыдущая часть истории закончилась классическим романтическим хэппи-эндом: фигуристка Надя и хоккеист Саша любят друг друга и готовы создать новую ячейку общества. «Лед 2» же начинается с нового испытания. Из-за полученной когда-то спортивной травмы Надя умирает при родах, оставляя Сашу одного с дочерью. Хоккеист не имеет понятия, ни как справиться с потерей любимого человека, ни как ухаживать за новорожденным ребенком. Вместе с тем он вынужден разрываться между хоккеем и новыми отцовскими обязанностями. Близких людей, которым можно доверить дочь, у Саши нет – и потому он не может перестать тревожиться и найти баланс между работой и семейной жизнью.
У фильма есть серьезные проблемы с логикой. Уже в начале картины, откуда ни возьмись, на пороге Сашиной квартиры возникают социальные работники, которые ведут себя совершенно неестественно. Они проходят в его дом, не разуваясь, начинают осматривать новорожденного ребенка, даже не вымыв руки – и вдруг, не обосновывая своего решения, собираются изъять дочь у хоккеиста (ни одной веской причины для этого фильм не озвучивает). Позже, когда дочь Саши подрастает, она самостоятельно по учебнику и без всякого надзора не только осваивает коньки, но и выучивает сложные, профессиональные элементы фигурного катания. Подобными логическими нестыковками фильм усеян настолько плотно, что для любого хоть сколько-нибудь внимательного зрителя станет просто невыносимым для просмотра.
Но, к сожалению, непроработанная структура фильма – далеко не единственное, что способно испортить впечатление от «Льда 2». Отдельным вопросом являются характеры персонажей, плохо прописанные и мотивированные. Но, что хуже всего, в отдельных случаях на странно прорисованного героя накладывается слабая актерская игра: и это происходит не со второстепенным персонажем, а с главным героем Сашей. Удачно у Александра Петрова выходит только показать зрителю спокойного счастливого отца с младенцем на руках. Но с развитием сюжета на экране исчезает мужественный хоккеист и появляется истеричная глупая девочка.
Неадекватные поступки Саши (попытки увезти дочь из страны, желание оградить ее от спорта и т.д.) дополняются нервными интонациями, постоянными пугающе громкими и резкими вскриками, неадекватно взрывными эмоциями. К концу картины зритель уже не сомневается, что герой Саши – психопат, одержимый собственным ребенком – и что, возможно, социальным работникам действительно стоило бы забрать у него дочь. Вместе с тем общая атмосфера фильма пытается доказать, что главный герой – папа мечты, которому не доверяют, и который сам не умеет доверять ни ребенку, ни окружающим. Так «Лед 2» выпадает из какой-либо реальности даже на уровне персонажей первого плана.
Отдельным минусом можно отметить звуковое сопровождение фильма. Понятно, что создателям хотелось сделать легкое и музыкальное кино – но итог получился почти комичным. Персонажи начинают петь в самый неожиданный момент, иногда тогда, когда хотелось бы посмотреть именно на развитие сюжета – и тем самым полностью уничтожают любое напряжение и зрительский интерес к фабуле. Кроме того, как ни грустно, петь в картине умеют далеко не все актеры. Поэтому дополнительным неприятным сюрпризом станет факт, что именно главный герой в исполнении Александра Петрова берет на себя большую часть музыкальных партий.
«Лед 2» настолько плотно вязнет в логических ошибках, нелепой структуре, плохой актерской игре и неадекватном музыкальном сопровождении, что превращается в кино, которое невыносимо смотреть. Наверное, лучшим советом умному зрителю будет пожелание и не пытаться потратить на него время.
В российских кинотеатрах ограниченным прокатом вышел фильм Тодда Хейнса (автор «Бархатной золотой жилы» и «Кэрол») – «Тёмные воды», рассказывающий о борьбе адвоката Роберта Билотта с химической компанией DuPont, производящей тефлон – покрытие для сковородок и кастрюль.
Неизвестно, почему Тодд Хейнс и продюсер (по совместительству исполнитель главной роли) Марк Руффало решили сделать «Тёмные воды» художественным фильмом, а не документальным, ведь главный герой Роберт Билотт ещё жив, а компания DuPont ещё возглавляет рынок химической продукции, и борьба между ними продолжается.
В середине 1990-х Роберт Билотт сам работал корпоративным юристом в DuPont, потом перешел на предприятие Taft Stettinius & Hollister. Однажды с ним связался дальний знакомый – фермер Уилбур Тенант – и сообщил, что у него дохнут коровы, а его семья и соседи болеют раком, потому что живут по соседству с заводом и полигоном для хранения каких-то веществ компании DuPont. Билотт с разрешения руководства Taft Stettinius взялся за расследование. Ему предстояло выяснить, почему политетрафторэтилен (тефлон), используемый для покрытия брони танков, стал применяться в изготовлении посуды, как он способствует росту раковых опухолей и влияет на неправильное формирование плода у женщин (проще говоря, почему женщины, готовящие пищу на тефлоне, рискуют родить детей с дефектами глаз и носа).
«Тёмные воды» кино необычное. Детективный элемент рассеивается уже к середине фильма, четкого деления на акты не прослеживается. Белые циферки внизу показывают, в каком году происходит действие, а затем главный герой методично занимается юридической работой: роется в бумагах, выступает в суде, собирает показания. Следить за этим интересно только потому, что известно – это случилось совсем недавно в реальной жизни, и химические соединения, о которых идет речь, до сих пор опасны для всего человечества.
Фильм Тодда Хейнса не приносит какого-то эстетического удовольствия, не завораживает своей серой атмосферой, не удивляет игрой Марка Руффало, который, кстати, три четвертых сюжета проводит с опущенной голой и кислым выражением лица, но зато отлично выполняет просветительскую функцию. Сегодня, когда во всем мире небезрезультатно решается вопрос о запрещении тефлона или изменении технологии его изготовления, и только в России он продолжает производиться и наноситься на посуду в самых опасных и ядовитых формах, необходимо знать – от чего избавиться на кухне, чтобы снизить риск возникновения самого страшного и непобедимого заболевания планеты.
Неизвестно, почему Тодд Хейнс и продюсер (по совместительству исполнитель главной роли) Марк Руффало решили сделать «Тёмные воды» художественным фильмом, а не документальным, ведь главный герой Роберт Билотт ещё жив, а компания DuPont ещё возглавляет рынок химической продукции, и борьба между ними продолжается.
В середине 1990-х Роберт Билотт сам работал корпоративным юристом в DuPont, потом перешел на предприятие Taft Stettinius & Hollister. Однажды с ним связался дальний знакомый – фермер Уилбур Тенант – и сообщил, что у него дохнут коровы, а его семья и соседи болеют раком, потому что живут по соседству с заводом и полигоном для хранения каких-то веществ компании DuPont. Билотт с разрешения руководства Taft Stettinius взялся за расследование. Ему предстояло выяснить, почему политетрафторэтилен (тефлон), используемый для покрытия брони танков, стал применяться в изготовлении посуды, как он способствует росту раковых опухолей и влияет на неправильное формирование плода у женщин (проще говоря, почему женщины, готовящие пищу на тефлоне, рискуют родить детей с дефектами глаз и носа).
«Тёмные воды» кино необычное. Детективный элемент рассеивается уже к середине фильма, четкого деления на акты не прослеживается. Белые циферки внизу показывают, в каком году происходит действие, а затем главный герой методично занимается юридической работой: роется в бумагах, выступает в суде, собирает показания. Следить за этим интересно только потому, что известно – это случилось совсем недавно в реальной жизни, и химические соединения, о которых идет речь, до сих пор опасны для всего человечества.
Фильм Тодда Хейнса не приносит какого-то эстетического удовольствия, не завораживает своей серой атмосферой, не удивляет игрой Марка Руффало, который, кстати, три четвертых сюжета проводит с опущенной голой и кислым выражением лица, но зато отлично выполняет просветительскую функцию. Сегодня, когда во всем мире небезрезультатно решается вопрос о запрещении тефлона или изменении технологии его изготовления, и только в России он продолжает производиться и наноситься на посуду в самых опасных и ядовитых формах, необходимо знать – от чего избавиться на кухне, чтобы снизить риск возникновения самого страшного и непобедимого заболевания планеты.