Уже вторую неделю на экранах крутится «Призрачный патруль», снятый в пока еще нечастом жанре «хоррор-комедия». «Кино-Панк» разбирается, за чем зрителю идти на новую картину в кинотеатр: за страхом или смехом. И стоит ли вообще приходить?
Несмотря на необычное определение жанра, то, что фильм не собирается удивлять аудиторию оригинальным сюжетом или тематикой, заметно уже по названию. Совсем недавно, в 2013 году, вышла картина с точно таким же названием. И хоть истории в фильмах рассказаны разные, их роднит общая тематика: пересечение мира живых и мира мертвых, борьба с нечистой силой, духи, привидения. Да и сам сюжет нового «Патруля» уже давно не нов: в 1992 году было выпущено телешоу GhostWatch с очень похожей историей. По сценарию съемочная команда шоу о призраках, проводящая фейковые мистические расследования, приезжает в загадочный дом и сталкивается лицом к лицу с настоящими привидениями, в существование которых никто из нее даже не думал верить. GhostWatch в свое время успешно подхватил и развил модную тематику, которую раскрутили легендарные «Охотники за привидениями».
Выходит, что новый фильм не только выпущен с несвежим названием, но и целиком выстроен по мотивам другой успешной франшизы, почти дословно копируя сценарий GhostWatch. Может ли в таком кино быть что-то хорошее и цепляющее? Создатели уверены, что да – все дело в подаче.
Режиссер картины уверял, что у него не было задачи как можно сильнее напугать зрителя. Ему хотелось сделать фильм смешным, нелепо-абсурдным по своей атмосфере, но местами все-таки страшным. Такой подход действительно помогает зрителю получить новые ощущения от просмотра кино. С одной своей, «пугающей» стороны, это напоминает классический ужастик, разумеется, куда страшнее «Охотников за привидениями», хоть и сделанный по привычному лекалу: появляющиеся из ниоткуда призраки, резкие звуки, угнетающая обстановка. «Страшная» составляющая фильма сделана из довольно банальных элементов, хорошо знакомых зрителю – тут и мячик, который катится на героев из темного угла, и шумы в телефоне, и надписи кровью, и отражения в зеркалах. Но если до середины картины все кажется совсем уж привычным, ближе к кульминации сценарий вносит некоторые свежие элементы. Зритель видит то, что не привык видеть в фильмах ужасов – контакт и понимание с потусторонним миром. Если в стандартных мистических хоррорах обычно вся призрачная сторона враждебна, непонятна и не идет на диалог, то в «Призрачном патруле» с ней устанавливается тесный контакт, который даже может закончиться чем-то хорошим. Этого эффекта режиссер и добивался: по его словам, он хотел сделать нечто подобное «Битлджусу» или «СкубиДу», что-то похожее на семейный, легкий фильм, но все же сделать его страшным, более острым. Именно для создания атмосферы легкости потребовалось добавить в кино комедийную составляющую. Правда, тут все же не получается особой «семейности» - шутки есть и слишком грубые, и слишком пошлые, да и вообще часто неудачные.
«Призрачный патруль» можно назвать достаточно проходным фильмом: массовым, старающимся захватить как можно более широкую аудиторию (семейная категория всегда была одной из самых численных) но преподнести материал с изюминкой, пусть и не новой, но используемой не так уж и часто. До действительно хорошего, высокого уровня фильма, который станет запоминающимся, режиссеру и его команде не хватило изящества в подаче. Что касается сюжета, фактически копирующего сразу несколько известных картин, то в настоящее время это простительно. Учитывая моду на 80-е и, соответственно, на кинокультуру того времени, такие повторы кажутся скорее ностальгией, нежели откровенным воровством. Но стоит ли идти в кино за чем-то большим, чем ужастик с юмором, который бодрит и веселит после тяжелого дня? Вряд ли.
Несмотря на необычное определение жанра, то, что фильм не собирается удивлять аудиторию оригинальным сюжетом или тематикой, заметно уже по названию. Совсем недавно, в 2013 году, вышла картина с точно таким же названием. И хоть истории в фильмах рассказаны разные, их роднит общая тематика: пересечение мира живых и мира мертвых, борьба с нечистой силой, духи, привидения. Да и сам сюжет нового «Патруля» уже давно не нов: в 1992 году было выпущено телешоу GhostWatch с очень похожей историей. По сценарию съемочная команда шоу о призраках, проводящая фейковые мистические расследования, приезжает в загадочный дом и сталкивается лицом к лицу с настоящими привидениями, в существование которых никто из нее даже не думал верить. GhostWatch в свое время успешно подхватил и развил модную тематику, которую раскрутили легендарные «Охотники за привидениями».
Выходит, что новый фильм не только выпущен с несвежим названием, но и целиком выстроен по мотивам другой успешной франшизы, почти дословно копируя сценарий GhostWatch. Может ли в таком кино быть что-то хорошее и цепляющее? Создатели уверены, что да – все дело в подаче.
Режиссер картины уверял, что у него не было задачи как можно сильнее напугать зрителя. Ему хотелось сделать фильм смешным, нелепо-абсурдным по своей атмосфере, но местами все-таки страшным. Такой подход действительно помогает зрителю получить новые ощущения от просмотра кино. С одной своей, «пугающей» стороны, это напоминает классический ужастик, разумеется, куда страшнее «Охотников за привидениями», хоть и сделанный по привычному лекалу: появляющиеся из ниоткуда призраки, резкие звуки, угнетающая обстановка. «Страшная» составляющая фильма сделана из довольно банальных элементов, хорошо знакомых зрителю – тут и мячик, который катится на героев из темного угла, и шумы в телефоне, и надписи кровью, и отражения в зеркалах. Но если до середины картины все кажется совсем уж привычным, ближе к кульминации сценарий вносит некоторые свежие элементы. Зритель видит то, что не привык видеть в фильмах ужасов – контакт и понимание с потусторонним миром. Если в стандартных мистических хоррорах обычно вся призрачная сторона враждебна, непонятна и не идет на диалог, то в «Призрачном патруле» с ней устанавливается тесный контакт, который даже может закончиться чем-то хорошим. Этого эффекта режиссер и добивался: по его словам, он хотел сделать нечто подобное «Битлджусу» или «СкубиДу», что-то похожее на семейный, легкий фильм, но все же сделать его страшным, более острым. Именно для создания атмосферы легкости потребовалось добавить в кино комедийную составляющую. Правда, тут все же не получается особой «семейности» - шутки есть и слишком грубые, и слишком пошлые, да и вообще часто неудачные.
«Призрачный патруль» можно назвать достаточно проходным фильмом: массовым, старающимся захватить как можно более широкую аудиторию (семейная категория всегда была одной из самых численных) но преподнести материал с изюминкой, пусть и не новой, но используемой не так уж и часто. До действительно хорошего, высокого уровня фильма, который станет запоминающимся, режиссеру и его команде не хватило изящества в подаче. Что касается сюжета, фактически копирующего сразу несколько известных картин, то в настоящее время это простительно. Учитывая моду на 80-е и, соответственно, на кинокультуру того времени, такие повторы кажутся скорее ностальгией, нежели откровенным воровством. Но стоит ли идти в кино за чем-то большим, чем ужастик с юмором, который бодрит и веселит после тяжелого дня? Вряд ли.
Публикуем второй материал о главном фильме этой осени – драме «Джокер». Рассказываем, что несет в себе громкая премьера и почему её появление так важно для современного общества.
Те, кто хотя бы вскользь знакомы с кинофраншизой о Бэтмене или DC-comics, давно знают, что картина о Джокере не имеет ничего общего с фильмами о супергероях или о классических злодеях из комиксов. Кино получилось мрачным, очень сложным психологически и с совершенно другой атмосферой. Целью режиссера Тодда Филлипса стало раскрытие личности этого героя, провести его глубокий психологический анализ и разобраться в том, как на свет появился тот антигерой, поступки и судьбу которого зритель уже знает. Весь фильм – большая предыстория, которая рассказывает о человеке не в духе комиксов, а в формате драмы.
Артур – прошлое Джокера – грустный, добрый человек, работающий клоуном и мечтающий стать стендап-комиком. Шутить он не умеет, а кроме того, постоянно становится объектом насмешек и даже жертвой для избиений. Вдобавок Артур – психически нездоров, в прошлом находился в лечебнице и страдает редким расстройством психики: в моменты волнения он неудержимо смеется. Это становится для него главной бедой – люди не готовы подумать, что с ним что-то не так, и их жестокость только растет. Те же, кто знает про заболевание, не готовы помогать Артуру адаптироваться. Психотерапевт, к которой ходит герой, задает ему одни и те же вопросы, не интересуясь ответами, равнодушно выписывает лекарства, коллеги по работе пользуются его доверчивостью и подставляют его. Даже родная мать, единственный человек, которому Артур доверял, удивленно кидает, как бы невзначай: «Ты хочешь стать комиком? Но ты же совсем не умеешь шутить!» Зритель вынужден наблюдать не за внезапным падением в бездну, легким и как бы необъяснимым, а за медленным, мучительным рядом острых игл, которые вонзают в героя люди – коротких, почти незаметных, и ощутимо длинных.
История, которая случается с выдуманным персонажем Артуром, на самом деле, старается рассказать о реальных и очень острых социальных проблемах. В дневнике, который ведет будущий Джокер, записано: главная беда человека с расстройством психики в том, что общество ждет, чтобы ты вел себя так, будто заболевания нет. Эта мысль выражает суть одного из наиболее актуальных сегодня социальных явлений – движение за видимость людей с ментальными особенностями и психическими расстройствами.
Артура не принимает социум, он не может спокойно существовать в нем, и у него, как у любого другого существа, попавшего во враждебную среду, есть два варианта – либо уйти из жизни самому, либо подстроить окружающий мир под себя, подчинить его. На протяжении всей картины зритель видит, что Артур колеблется, постоянно подталкивает себя к самоубийству, но в итоге выбирает второй путь – просто потому, что в его случае злоба победила страх.
Звезда фильма Хоакин Феникс не просто дополняет общую систему – он выводит фильм на другой уровень. Сыграть безумие человека, находящегося на грани срыва всю свою жизнь, ему удалось настолько хорошо, что весь антураж, окружающий его, мог бы и не понадобиться. Болезненно, почти до уродства худой, с тяжелым взглядом и вызывающий смешанное чувство отвращения и жалости, Хоакин формирует образ того «юродивого», которого мы встречаем каждый день – в метро, на улицах, в лифте. От такого человека хочется отсесть в автобусе, от его существования отчаянно хочется «отмыться» - и ведь именно в этом заключается проблема, которую хочет донести «Джокер». Актер, как и вся съемочная команда, сделал все, чтобы зрителю было стыдно и противно. И чтобы к концу фильма ему вдруг стало ясно, что, оказывается, он испытывает это чувство не к Джокеру, а к самому себе.
Те, кто хотя бы вскользь знакомы с кинофраншизой о Бэтмене или DC-comics, давно знают, что картина о Джокере не имеет ничего общего с фильмами о супергероях или о классических злодеях из комиксов. Кино получилось мрачным, очень сложным психологически и с совершенно другой атмосферой. Целью режиссера Тодда Филлипса стало раскрытие личности этого героя, провести его глубокий психологический анализ и разобраться в том, как на свет появился тот антигерой, поступки и судьбу которого зритель уже знает. Весь фильм – большая предыстория, которая рассказывает о человеке не в духе комиксов, а в формате драмы.
Артур – прошлое Джокера – грустный, добрый человек, работающий клоуном и мечтающий стать стендап-комиком. Шутить он не умеет, а кроме того, постоянно становится объектом насмешек и даже жертвой для избиений. Вдобавок Артур – психически нездоров, в прошлом находился в лечебнице и страдает редким расстройством психики: в моменты волнения он неудержимо смеется. Это становится для него главной бедой – люди не готовы подумать, что с ним что-то не так, и их жестокость только растет. Те же, кто знает про заболевание, не готовы помогать Артуру адаптироваться. Психотерапевт, к которой ходит герой, задает ему одни и те же вопросы, не интересуясь ответами, равнодушно выписывает лекарства, коллеги по работе пользуются его доверчивостью и подставляют его. Даже родная мать, единственный человек, которому Артур доверял, удивленно кидает, как бы невзначай: «Ты хочешь стать комиком? Но ты же совсем не умеешь шутить!» Зритель вынужден наблюдать не за внезапным падением в бездну, легким и как бы необъяснимым, а за медленным, мучительным рядом острых игл, которые вонзают в героя люди – коротких, почти незаметных, и ощутимо длинных.
История, которая случается с выдуманным персонажем Артуром, на самом деле, старается рассказать о реальных и очень острых социальных проблемах. В дневнике, который ведет будущий Джокер, записано: главная беда человека с расстройством психики в том, что общество ждет, чтобы ты вел себя так, будто заболевания нет. Эта мысль выражает суть одного из наиболее актуальных сегодня социальных явлений – движение за видимость людей с ментальными особенностями и психическими расстройствами.
Артура не принимает социум, он не может спокойно существовать в нем, и у него, как у любого другого существа, попавшего во враждебную среду, есть два варианта – либо уйти из жизни самому, либо подстроить окружающий мир под себя, подчинить его. На протяжении всей картины зритель видит, что Артур колеблется, постоянно подталкивает себя к самоубийству, но в итоге выбирает второй путь – просто потому, что в его случае злоба победила страх.
Звезда фильма Хоакин Феникс не просто дополняет общую систему – он выводит фильм на другой уровень. Сыграть безумие человека, находящегося на грани срыва всю свою жизнь, ему удалось настолько хорошо, что весь антураж, окружающий его, мог бы и не понадобиться. Болезненно, почти до уродства худой, с тяжелым взглядом и вызывающий смешанное чувство отвращения и жалости, Хоакин формирует образ того «юродивого», которого мы встречаем каждый день – в метро, на улицах, в лифте. От такого человека хочется отсесть в автобусе, от его существования отчаянно хочется «отмыться» - и ведь именно в этом заключается проблема, которую хочет донести «Джокер». Актер, как и вся съемочная команда, сделал все, чтобы зрителю было стыдно и противно. И чтобы к концу фильма ему вдруг стало ясно, что, оказывается, он испытывает это чувство не к Джокеру, а к самому себе.
На экраны выходит картина «Вечер с Беверли Лафф Линн», заявившая о себе, как о комедии с криминальным сюжетом. «Кино-Панк» рассказывает о том, какую реакцию новое кино может вызвать у зрителя и что вообще предстоит ему увидеть.
Действие сюжета происходит где-то в 80-е годы прошлого века. Лулу Дэнжер – женщина, чей муж помешан на деньгах и мелкой садистской власти над ближайшим окружением, живет скучной провинциальной жизнью. В начале фильма даже может показаться, что именно муж героини – главное действующее лицо – настолько Лулу непримечательна на его фоне и настолько она отстраненно выглядит. Но однажды она видит по телевизору шоу, в котором узнает человека из ее прошлого – Беверли и понимает, что это ее шанс изменить свою жизнь. Когда в ее доме вдруг появляется мужчина с пистолетом, угрожающий ее мужу, чтобы тот вернул конкуренту-соседу украденные деньги, Лулу пользуется им, как прикрытием, и сбегает с ним из города. Она намерена найти того самого загадочного «гениального Беверли» и вернуться к своему прекрасному, полному приключений прошлому.
Но посыл фильма как раз заключается в обратном – нельзя стать счастливым, сбегая от настоящего к прошлому. Удачным переход будет только тогда, когда он направлен в будущее. Это касается не только отношений, хотя в основном вся картина завязана именно на них. Но и поиск своего места в мире, своего счастья, как убеждены создатели фильма, должен быть смелым, преодолевающим зацикленность на своих привычных мечтах и фантазиях. Хорошим примером такой зацикленности становится именно муж Лулу – мелочный, ограниченный и жадный человек, так сильно боящийся растерять все свое, что у него не остается места ни на что новое. Лулу же – та героиня, способная преодолеть зацикленность на прошлом и увидеть свое будущее. И за ее изменением и прозрением аудитория фильма будет наблюдать от начала и до конца.
Но важнее всего в данном случае даже не суть кино, не его идея, а реализация. Она превращает картину с, на первый взгляд, достаточно банальным посылом, в непростое для восприятия, атмосферное и очень «авторское» кино. Которое, скорее всего, понравится не каждому, но все же должно найти «своего» зрителя.
Ностальгия по 80-м, которая, как лихорадка, овладела массовой культурой вообще и кинематографом в частности, в полной мере отразилась на визуальной части фильма. Он как будто бы отснят на пленку – легкая зернистость, характерные цвета. Сам кадр статичен, в нем нет ничего лишнего, стиль съемки не пытается выглядеть каким-то технически особенным. Но в этом заключается одно из главных преимуществ картины – красивая, изящная стилизация без лишних мудрствований. Сама неспешная манера съемки напоминает «Твин Пикс» Девида Линча – и это не единственная форма отсылки к этому сериалу. Музыкальное сопровождение тоже неспешное, не стремящееся запомниться и выйти на первый план – но все-таки остающееся в памяти помимо воли зрителя – тоже напоминает почерк «Твин Пикса».
Конечно, нельзя назвать этот фильм пародией на сериал «Твин Пикс», хотя бы по жанровому принципу. Но у них есть кое-что общее, что нельзя игнорировать, ведь это сделано сознательно. Девид Линч бросил вызов индустрии сериалов, сняв философское, остроумное кино на тему, о которой режиссеры сериалов старались не говорить, снимая что-то легкое и простое. Так же и комедия «Шоу Беверли…» хочет бросить вызов жанру комедии, добавив в романтику криминал, черный юмор (хотя, во многом недостаточно острый) и нотки абсурда. Коктейль получился странным и вряд ли публика полюбит смешное кино о любви, снятое в стиле Девида Линча, больше, чем более привычных представителей жанра. Но фильму, кажется, этого и не надо. Опираясь на прошлое (стиль культового режиссера), он смотрит в будущее (переосмысление жанра романтической комедии с поиском себя в мире). И, таким образом, сам следует той идее, которую предлагает своему зрителю.
Действие сюжета происходит где-то в 80-е годы прошлого века. Лулу Дэнжер – женщина, чей муж помешан на деньгах и мелкой садистской власти над ближайшим окружением, живет скучной провинциальной жизнью. В начале фильма даже может показаться, что именно муж героини – главное действующее лицо – настолько Лулу непримечательна на его фоне и настолько она отстраненно выглядит. Но однажды она видит по телевизору шоу, в котором узнает человека из ее прошлого – Беверли и понимает, что это ее шанс изменить свою жизнь. Когда в ее доме вдруг появляется мужчина с пистолетом, угрожающий ее мужу, чтобы тот вернул конкуренту-соседу украденные деньги, Лулу пользуется им, как прикрытием, и сбегает с ним из города. Она намерена найти того самого загадочного «гениального Беверли» и вернуться к своему прекрасному, полному приключений прошлому.
Но посыл фильма как раз заключается в обратном – нельзя стать счастливым, сбегая от настоящего к прошлому. Удачным переход будет только тогда, когда он направлен в будущее. Это касается не только отношений, хотя в основном вся картина завязана именно на них. Но и поиск своего места в мире, своего счастья, как убеждены создатели фильма, должен быть смелым, преодолевающим зацикленность на своих привычных мечтах и фантазиях. Хорошим примером такой зацикленности становится именно муж Лулу – мелочный, ограниченный и жадный человек, так сильно боящийся растерять все свое, что у него не остается места ни на что новое. Лулу же – та героиня, способная преодолеть зацикленность на прошлом и увидеть свое будущее. И за ее изменением и прозрением аудитория фильма будет наблюдать от начала и до конца.
Но важнее всего в данном случае даже не суть кино, не его идея, а реализация. Она превращает картину с, на первый взгляд, достаточно банальным посылом, в непростое для восприятия, атмосферное и очень «авторское» кино. Которое, скорее всего, понравится не каждому, но все же должно найти «своего» зрителя.
Ностальгия по 80-м, которая, как лихорадка, овладела массовой культурой вообще и кинематографом в частности, в полной мере отразилась на визуальной части фильма. Он как будто бы отснят на пленку – легкая зернистость, характерные цвета. Сам кадр статичен, в нем нет ничего лишнего, стиль съемки не пытается выглядеть каким-то технически особенным. Но в этом заключается одно из главных преимуществ картины – красивая, изящная стилизация без лишних мудрствований. Сама неспешная манера съемки напоминает «Твин Пикс» Девида Линча – и это не единственная форма отсылки к этому сериалу. Музыкальное сопровождение тоже неспешное, не стремящееся запомниться и выйти на первый план – но все-таки остающееся в памяти помимо воли зрителя – тоже напоминает почерк «Твин Пикса».
Конечно, нельзя назвать этот фильм пародией на сериал «Твин Пикс», хотя бы по жанровому принципу. Но у них есть кое-что общее, что нельзя игнорировать, ведь это сделано сознательно. Девид Линч бросил вызов индустрии сериалов, сняв философское, остроумное кино на тему, о которой режиссеры сериалов старались не говорить, снимая что-то легкое и простое. Так же и комедия «Шоу Беверли…» хочет бросить вызов жанру комедии, добавив в романтику криминал, черный юмор (хотя, во многом недостаточно острый) и нотки абсурда. Коктейль получился странным и вряд ли публика полюбит смешное кино о любви, снятое в стиле Девида Линча, больше, чем более привычных представителей жанра. Но фильму, кажется, этого и не надо. Опираясь на прошлое (стиль культового режиссера), он смотрит в будущее (переосмысление жанра романтической комедии с поиском себя в мире). И, таким образом, сам следует той идее, которую предлагает своему зрителю.
Французский режиссер Анн Фонтэн представила публике новый фильм – «Белоснежка. Сказка для взрослых». «Кино-Панк» разобрался, почему эротическое содержание новой сказки получилось неоправданным – и с художественной, и со смысловой точки зрения.
Девушка по имени Клэр потеряла родителей и вот уже несколько лет живет с мачехой Мод – вместе они держат отель. Однажды Мод видит, как ее любовник ухаживает за Клэр и, хотя девушка не отвечает ему взаимностью, сгорает от ревности. Она нанимает убийцу для своей падчерицы, ее похищают, но чудом Клэр удается спастись. Девушка оказывается на ферме с тремя мужчинами, встречается еще с несколькими и начинает активно знакомиться со своими желаниями и изучать свою сексуальность.
Сюжет выглядит странным и несуразным не только в кратком пересказе. На экране зритель видит историю, которая развивается то неоправданно быстро, то слишком медленно, пестрит сюжетными дырами и мотивационными пробелами. Возникает впечатление, что перед аудиторией проматывают предысторию в ускоренном режиме, чтобы побыстрее перейти к интимному. Такая сюжетная завязка напоминает поведение подростка, который пролистывает книгу «18+» в поисках «взрослых сцен» — им движет не интерес к сюжету, а любопытство к запретной теме.
Связь картины с оригинальной «Белоснежкой» вообще выглядит натянуто и неоправданно. Да, сюжетные ходы во многом повторяют сказку, но точно так же фильм мог бы обойтись и вовсе без этой привязки. Создается впечатление, что этой историей просто оправдывается ситуация, в которую Анн Фонтэн хотела поместить героиню – одна в незнакомом городе и в окружении мужчин. При этом, если мысленно провести параллель с семью гномами, возникает чувство, близкое к отвращению – как будто над сказкой хотят поглумиться, ведь такая ассоциация ничем не мотивирована. Кроме того, эротические сцены, которые должны сделать фильм более притягательным, крайне скучны: нет эмоционального напряжения, страсти, героиня как будто просто удовлетворяет свои потребности, точно так же как ест или спит. Неясно даже, точно ли Клэр это нужно. У нее вообще нет мотивации к тому, чтобы спать с тем или иным мужчиной.
Однако ближе к концу фильма все же вырисовывается авторский замысел, который, к сожалению, не делает происходящее на экране адекватнее. Анн Фонтэн раскрывает характерную для нее тему – естественность человеческих отношений и сексуальности. Белоснежка, или Клэр, близка к природе, и чем больше она следует своим природным влечениям, тем счастливее становится. Ее гармония заключается в нежелании принадлежать кому-то одному, не отказывать себе в удовольствиях, иметь отношения с несколькими мужчинами, наслаждаясь их различиями. А мачеха же символизирует образ собственника: она привязана к одному мужчине всю жизнь и не может смириться с его изменой. Как болезненно ревнивый человек, Мод стремится удержать своего любовника, и ее ярость направлена на невиновную Клэр, а не на партнера. Однако режиссер стремится показать мачеху не просто как собственницу, а как моногамную и потому жестокую женщину. Ведь несчастна она, как видно в контексте фильма, потому что отдала всю любовь одному человеку. Выходит, что в картине однолюбы противопоставлены приверженцам свободной любви – и с большим отрывом выигрывают последние.
Но, несмотря на нелогичный сюжет, странные выводы, отсутствие мотивации у героев и героинь, фильм, как часто у Анн Фонтэн, удался с визуальной точки зрения. Пейзажные съемки, цветовая гамма в картине приятные глазу и, возможно, это единственная причина посмотреть «Белоснежку».
Девушка по имени Клэр потеряла родителей и вот уже несколько лет живет с мачехой Мод – вместе они держат отель. Однажды Мод видит, как ее любовник ухаживает за Клэр и, хотя девушка не отвечает ему взаимностью, сгорает от ревности. Она нанимает убийцу для своей падчерицы, ее похищают, но чудом Клэр удается спастись. Девушка оказывается на ферме с тремя мужчинами, встречается еще с несколькими и начинает активно знакомиться со своими желаниями и изучать свою сексуальность.
Сюжет выглядит странным и несуразным не только в кратком пересказе. На экране зритель видит историю, которая развивается то неоправданно быстро, то слишком медленно, пестрит сюжетными дырами и мотивационными пробелами. Возникает впечатление, что перед аудиторией проматывают предысторию в ускоренном режиме, чтобы побыстрее перейти к интимному. Такая сюжетная завязка напоминает поведение подростка, который пролистывает книгу «18+» в поисках «взрослых сцен» — им движет не интерес к сюжету, а любопытство к запретной теме.
Связь картины с оригинальной «Белоснежкой» вообще выглядит натянуто и неоправданно. Да, сюжетные ходы во многом повторяют сказку, но точно так же фильм мог бы обойтись и вовсе без этой привязки. Создается впечатление, что этой историей просто оправдывается ситуация, в которую Анн Фонтэн хотела поместить героиню – одна в незнакомом городе и в окружении мужчин. При этом, если мысленно провести параллель с семью гномами, возникает чувство, близкое к отвращению – как будто над сказкой хотят поглумиться, ведь такая ассоциация ничем не мотивирована. Кроме того, эротические сцены, которые должны сделать фильм более притягательным, крайне скучны: нет эмоционального напряжения, страсти, героиня как будто просто удовлетворяет свои потребности, точно так же как ест или спит. Неясно даже, точно ли Клэр это нужно. У нее вообще нет мотивации к тому, чтобы спать с тем или иным мужчиной.
Однако ближе к концу фильма все же вырисовывается авторский замысел, который, к сожалению, не делает происходящее на экране адекватнее. Анн Фонтэн раскрывает характерную для нее тему – естественность человеческих отношений и сексуальности. Белоснежка, или Клэр, близка к природе, и чем больше она следует своим природным влечениям, тем счастливее становится. Ее гармония заключается в нежелании принадлежать кому-то одному, не отказывать себе в удовольствиях, иметь отношения с несколькими мужчинами, наслаждаясь их различиями. А мачеха же символизирует образ собственника: она привязана к одному мужчине всю жизнь и не может смириться с его изменой. Как болезненно ревнивый человек, Мод стремится удержать своего любовника, и ее ярость направлена на невиновную Клэр, а не на партнера. Однако режиссер стремится показать мачеху не просто как собственницу, а как моногамную и потому жестокую женщину. Ведь несчастна она, как видно в контексте фильма, потому что отдала всю любовь одному человеку. Выходит, что в картине однолюбы противопоставлены приверженцам свободной любви – и с большим отрывом выигрывают последние.
Но, несмотря на нелогичный сюжет, странные выводы, отсутствие мотивации у героев и героинь, фильм, как часто у Анн Фонтэн, удался с визуальной точки зрения. Пейзажные съемки, цветовая гамма в картине приятные глазу и, возможно, это единственная причина посмотреть «Белоснежку».
Романтическая комедия «Ты умеешь хранить секреты?» вышла на российские экраны наряду со сверхожидаемым «Джокером», раскрученным российскими СМИ «Волшебником» и несколькими другими неприметными киноновинками. «Кино-Панк» выяснил, станет ли этот фильм заметным событием этого октября.
Сюжет картины незамысловат и строится на классическом для романтических комедий принципе «ряда случайностей». Главная героиня – типичная неудачница, запутавшаяся в жизни молодая симпатичная девушка. После неудачного собеседования она садится в самолет и, под влиянием страха перед полетами, а также под впечатлением от неудачного дня, напивается бесплатным шампанским на борту. Вдруг самолет начинает трясти, и нетрезвая героиня, потеряв голову от ужаса, вдруг выпаливает все свои секреты незнакомцу в соседнем кресле. Этим незнакомцем, как оказывается чуть позже, является владелец компании, в которой работает девушка. Его привлекает непосредственность и неловкость героини – и у них завязываются отношения.
Эта картина строится на трех идейных посылах: вопрос правды, важность доверия и независимость (особенно женская).
Вопрос правды заключается в том, стоит ли раскрывать себя настоящего людям. Сделает ли это тебя посмешищем или вызовет уважение? Главная героиня привыкла прятать себя от мира и много врет – понемногу, просто чтобы не вступать в конфликт или насолить вредной коллеге. Мужчина, в которого она влюбляется, узнает ее секреты случайно и обещает хранить их. Но это обещание он не сдерживает, и героине приходится страдать от последствий. И если в самом начале посыл картины мужчина и сам утверждает, что «секреты необходимо хранить», то после того, как нарушает обещание, внезапно меняет точку зрения. Теперь он говорит «неужели ты не хочешь показать людям себя настоящую?» Нормальный человек увидел бы в этом предательство и попытку оправдаться, и еще меньше бы стал доверять людям. Но героиня поступает ровно наоборот – для нее такое поведение становится поводом быть искренней и смелой.
Поэтому другой идейный посыл, касающийся доверия, в этом фильме попросту притянут за уши. Даже не раскрывая подробностей, понятно, что романтическая комедия не может кончиться плохо. А это значит, что в конце картины у героев не будет проблем с доверием друг к другу. Это выглядит очень странно после того, как было нарушено данное обещание. Если учесть, что жизнь героини и ее мысли – один большой секрет, такая промашка не может быть прощена ей так быстро и легко. Это все равно, что вступить в тайное общество, согласившись с его секретностью, а потом рассказать о нем всему миру – ведь всем необходимо говорить правду и доверять друг другу.
Женская же независимость обыгрывается со строго определенного ракурса: как проявить себя, если ты в отношениях с боссом и все считают, что он продвигает тебя по карьерной лестнице. Рецепт, как вдруг выясняется, очень прост: предложить гениальную идею, раскрутить проект и подчеркивать свою независимость. После этого насмешки в адрес девушки тут же прекращаются. Со стороны это выглядит просто дико: классическая «серая мышка» и неудачница начинает встречаться с боссом и именно после этого она резко вырывается вперед и начинает фонтанировать идеями.
Кроме того, создатели кино явно переборщили с неловкостью. Это ощущение романтические комедии почти всегда стараются вызвать у аудитории, потому что оно напоминает чувства от первого свидания, заставляет посмеяться над самим собой и героями. Но в этой картине зрителю неловко постоянно, настолько, что хочется отвернуться или сбежать. Героиня чересчур неуклюжая и растерянная. Диалоги между ней и возлюбленным, особенно первую половину фильма стопорятся настолько, что возникает непреодолимое желание поторопить персонажей. В итоге зрителя просто начинает коробить от количества неловкости, а удовольствие от просмотра просто исчезает.
«Ты умеешь хранить секреты» получился странным фильмом. Неясно, что хотят донести до аудитории создатели, неприятно от перебора с комедийно-романтичным чувством неловкости. Идти ли в кино – решать зрителю, но вот только неизвестно – зачем.
Сюжет картины незамысловат и строится на классическом для романтических комедий принципе «ряда случайностей». Главная героиня – типичная неудачница, запутавшаяся в жизни молодая симпатичная девушка. После неудачного собеседования она садится в самолет и, под влиянием страха перед полетами, а также под впечатлением от неудачного дня, напивается бесплатным шампанским на борту. Вдруг самолет начинает трясти, и нетрезвая героиня, потеряв голову от ужаса, вдруг выпаливает все свои секреты незнакомцу в соседнем кресле. Этим незнакомцем, как оказывается чуть позже, является владелец компании, в которой работает девушка. Его привлекает непосредственность и неловкость героини – и у них завязываются отношения.
Эта картина строится на трех идейных посылах: вопрос правды, важность доверия и независимость (особенно женская).
Вопрос правды заключается в том, стоит ли раскрывать себя настоящего людям. Сделает ли это тебя посмешищем или вызовет уважение? Главная героиня привыкла прятать себя от мира и много врет – понемногу, просто чтобы не вступать в конфликт или насолить вредной коллеге. Мужчина, в которого она влюбляется, узнает ее секреты случайно и обещает хранить их. Но это обещание он не сдерживает, и героине приходится страдать от последствий. И если в самом начале посыл картины мужчина и сам утверждает, что «секреты необходимо хранить», то после того, как нарушает обещание, внезапно меняет точку зрения. Теперь он говорит «неужели ты не хочешь показать людям себя настоящую?» Нормальный человек увидел бы в этом предательство и попытку оправдаться, и еще меньше бы стал доверять людям. Но героиня поступает ровно наоборот – для нее такое поведение становится поводом быть искренней и смелой.
Поэтому другой идейный посыл, касающийся доверия, в этом фильме попросту притянут за уши. Даже не раскрывая подробностей, понятно, что романтическая комедия не может кончиться плохо. А это значит, что в конце картины у героев не будет проблем с доверием друг к другу. Это выглядит очень странно после того, как было нарушено данное обещание. Если учесть, что жизнь героини и ее мысли – один большой секрет, такая промашка не может быть прощена ей так быстро и легко. Это все равно, что вступить в тайное общество, согласившись с его секретностью, а потом рассказать о нем всему миру – ведь всем необходимо говорить правду и доверять друг другу.
Женская же независимость обыгрывается со строго определенного ракурса: как проявить себя, если ты в отношениях с боссом и все считают, что он продвигает тебя по карьерной лестнице. Рецепт, как вдруг выясняется, очень прост: предложить гениальную идею, раскрутить проект и подчеркивать свою независимость. После этого насмешки в адрес девушки тут же прекращаются. Со стороны это выглядит просто дико: классическая «серая мышка» и неудачница начинает встречаться с боссом и именно после этого она резко вырывается вперед и начинает фонтанировать идеями.
Кроме того, создатели кино явно переборщили с неловкостью. Это ощущение романтические комедии почти всегда стараются вызвать у аудитории, потому что оно напоминает чувства от первого свидания, заставляет посмеяться над самим собой и героями. Но в этой картине зрителю неловко постоянно, настолько, что хочется отвернуться или сбежать. Героиня чересчур неуклюжая и растерянная. Диалоги между ней и возлюбленным, особенно первую половину фильма стопорятся настолько, что возникает непреодолимое желание поторопить персонажей. В итоге зрителя просто начинает коробить от количества неловкости, а удовольствие от просмотра просто исчезает.
«Ты умеешь хранить секреты» получился странным фильмом. Неясно, что хотят донести до аудитории создатели, неприятно от перебора с комедийно-романтичным чувством неловкости. Идти ли в кино – решать зрителю, но вот только неизвестно – зачем.
10 октября на российские экраны вышел новый боевик от режиссера Энга Ли («Жизнь Пи», «Горбатая гора», «Крадущийся тигр, затаившейся дракон») – «Гемини» с Уиллом Смитом в главной роли. «Кино-Панк» рассказывает, почему этот фильм о злобных русских биологах лучше проигнорировать.
Генри Броган – киллер. Он работает на американскую разведку. Однажды он узнаёт, что его последней жертвой стал не террорист, а обыкновенный русский биолог, создававший каких-то клонов. Вскоре Броган сам становится мишенью. Прихватив симпатичную коллегу, он отправляется в бега от собственного молодого двойника, выращенного в лаборатории.
«Гемини» - очень прост и глуп. Его главное достоинство – новаторский формат изображения (3D с частотой 120 кадров в секунду). В России практически не существует кинотеатров, приспособленных под такую картинку, поэтому фильм показывают в обыкновенном 2D или 3D с частотой 60 кадров в секунду.
Уилл Смит, задействованный сразу в двух образах (51-летнего киллера и 23-летнего клона киллера) выглядит комично, потому что компьютерная физиономия не справляется с пластикой человеческих мышц и, в итоге, на сцену выходят седеющий Уилл Смит и что-то напоминающее безруковского Высоцкого.
Еще один грустный факт – в «Гемини» очень и очень мало боевых сцен, а те что есть – показаны в трейлере. Заметно «провисает» вторая половина фильма, когда после красочной погони на мотоциклах начинаются скучные диалоги о морали и взаимные извинения перед друг другом.
Ключевой посыл, о том, что каждая, даже выведенная в пробирке, личность индивидуальна, раскрывается слишком блекло. К финалу так и не ясно, кем стал клон для героя: братом, сыном, другом? И что изменилось если бы он погиб?
Для отечественного зрителя особенно будут интересны нападки на Россию. Во-первых, злые, но не очень дальновидные русские, изобретают проект «Гемини» - искусственных людей, после чего убегают работать в США. Во-вторых, опальная российская профессура достаточно едко шутит о родине:
«Тебя обмануло, а затем попыталось убить правительство, на которое ты работал? Какой же ты нежный. В России это происходит постоянно!»
«Гемини» - художественно слабое, скучное кино. И, подобно героям, которые пьют виски за войну будущего, которой не будет, хочется выпить за плохие фильмы Энга Ли, которых, есть надежда, больше не будет.
Генри Броган – киллер. Он работает на американскую разведку. Однажды он узнаёт, что его последней жертвой стал не террорист, а обыкновенный русский биолог, создававший каких-то клонов. Вскоре Броган сам становится мишенью. Прихватив симпатичную коллегу, он отправляется в бега от собственного молодого двойника, выращенного в лаборатории.
«Гемини» - очень прост и глуп. Его главное достоинство – новаторский формат изображения (3D с частотой 120 кадров в секунду). В России практически не существует кинотеатров, приспособленных под такую картинку, поэтому фильм показывают в обыкновенном 2D или 3D с частотой 60 кадров в секунду.
Уилл Смит, задействованный сразу в двух образах (51-летнего киллера и 23-летнего клона киллера) выглядит комично, потому что компьютерная физиономия не справляется с пластикой человеческих мышц и, в итоге, на сцену выходят седеющий Уилл Смит и что-то напоминающее безруковского Высоцкого.
Еще один грустный факт – в «Гемини» очень и очень мало боевых сцен, а те что есть – показаны в трейлере. Заметно «провисает» вторая половина фильма, когда после красочной погони на мотоциклах начинаются скучные диалоги о морали и взаимные извинения перед друг другом.
Ключевой посыл, о том, что каждая, даже выведенная в пробирке, личность индивидуальна, раскрывается слишком блекло. К финалу так и не ясно, кем стал клон для героя: братом, сыном, другом? И что изменилось если бы он погиб?
Для отечественного зрителя особенно будут интересны нападки на Россию. Во-первых, злые, но не очень дальновидные русские, изобретают проект «Гемини» - искусственных людей, после чего убегают работать в США. Во-вторых, опальная российская профессура достаточно едко шутит о родине:
«Тебя обмануло, а затем попыталось убить правительство, на которое ты работал? Какой же ты нежный. В России это происходит постоянно!»
«Гемини» - художественно слабое, скучное кино. И, подобно героям, которые пьют виски за войну будущего, которой не будет, хочется выпить за плохие фильмы Энга Ли, которых, есть надежда, больше не будет.
На Comic Con Russia Тимур Бекмембетов представил свой новый продюсерский проект, снятый для SnapChat под названием Dead of Night. Это далеко не первый крупный проект, сделанный в формате Screenlife. Ранее на экраны уже выходили «Убрать из друзей» и «Поиск». Суть этого жанра довольно проста - все действия героев и весь сюжет раскрывается через экран смартфона, ноутбука или планшета.
Возможно, некоторым такой формат повествования покажется настоящей халтурой. Ведь он не подразумевает особого сложного съёмочного процесса. Здесь нет операторской работы, не нужно мастерски выставлять свет на площадку и задумываться над многими элементами, присущими настоящему кино.
Все Screenlife-проекты практически одинаковы. Хоррор «Убрать из друзей» был вполне способен, если не напугать, то заинтересовать зрителя действием, происходящим на экране компьютера. А детектив «Поиск» держал интригу до последнего кадра. Тимур Бекмамбетов нащупал новое развитие жанра мокьюментари и вывел его в иной уровень. Конечно, такой жанр требует развития. И он его получает именно в сериале Dead of Night.
Сериал состоит из 10 серий, каждая длится по 5 минут и рассказывает о начале зомби-апокалипсиса, в котором оказывается главная героиня по имени Ада. И, по сути, это все, что можно сказать о сюжете. Ведь дальше идут именно действия персонажей. Персонажей здесь немного, да и говорить о них, по сути, тоже нечего. В основном они нужны, чтобы просто предоставлять главной героине информацию о том, что сейчас происходит на улицах города и куда она должна прийти, чтобы с ними встретиться или спастись от кровожадных тварей. Возможно, некоторые возмутятся отсутствием внятной истории. Но здесь приходится наблюдать только за экраном смартфона главной героини. И как она коммуницирует с ним.
Местами при просмотре, зритель может смутиться от местных условностей (например, главные герои часто делают фото для SnapChat, находясь в опасности). Но сериал спокойно компенсирует этот недостаток жуткой гнетущей атмосферой. Самих местных зомби, которых к слову, герои называют «людоедами», демонстрируют короткими и рваными кадрами. Все снято достаточно просто, но есть несколько сцен, способных удивить и порадовать.
Сериал напоминает любой другой зомби-апокалипсис, с единственным отличием – повествованием через экран смартфона. Посмотреть его стоит, потому что на рынке развлечений такой контент ещё воспринимается как что-то необычное.
Возможно, некоторым такой формат повествования покажется настоящей халтурой. Ведь он не подразумевает особого сложного съёмочного процесса. Здесь нет операторской работы, не нужно мастерски выставлять свет на площадку и задумываться над многими элементами, присущими настоящему кино.
Все Screenlife-проекты практически одинаковы. Хоррор «Убрать из друзей» был вполне способен, если не напугать, то заинтересовать зрителя действием, происходящим на экране компьютера. А детектив «Поиск» держал интригу до последнего кадра. Тимур Бекмамбетов нащупал новое развитие жанра мокьюментари и вывел его в иной уровень. Конечно, такой жанр требует развития. И он его получает именно в сериале Dead of Night.
Сериал состоит из 10 серий, каждая длится по 5 минут и рассказывает о начале зомби-апокалипсиса, в котором оказывается главная героиня по имени Ада. И, по сути, это все, что можно сказать о сюжете. Ведь дальше идут именно действия персонажей. Персонажей здесь немного, да и говорить о них, по сути, тоже нечего. В основном они нужны, чтобы просто предоставлять главной героине информацию о том, что сейчас происходит на улицах города и куда она должна прийти, чтобы с ними встретиться или спастись от кровожадных тварей. Возможно, некоторые возмутятся отсутствием внятной истории. Но здесь приходится наблюдать только за экраном смартфона главной героини. И как она коммуницирует с ним.
Местами при просмотре, зритель может смутиться от местных условностей (например, главные герои часто делают фото для SnapChat, находясь в опасности). Но сериал спокойно компенсирует этот недостаток жуткой гнетущей атмосферой. Самих местных зомби, которых к слову, герои называют «людоедами», демонстрируют короткими и рваными кадрами. Все снято достаточно просто, но есть несколько сцен, способных удивить и порадовать.
Сериал напоминает любой другой зомби-апокалипсис, с единственным отличием – повествованием через экран смартфона. Посмотреть его стоит, потому что на рынке развлечений такой контент ещё воспринимается как что-то необычное.
На экраны вышло долгожданное продолжение сверхпопулярной киносказки «Малефисента: владычица тьмы». «Кино-Панк» выясняет, получилась ли вторая экранизация столь же сильной, как первая.
Вначале стоит напомнить, что изначальная задумка диснеевской «Малефисенты» строилась на популярной сказке «Спящая красавица». Но создатели фильма настолько переработали идею, что о связи фильма с литературным оригиналом после просмотра вспомнит не каждый зритель. Пожалуй, это самое далекое от первоисточника кино за всю историю Disney. Ведьма-фея вдруг оказывается здесь главным героем, принцесса играет второстепенную роль, а любовной линии в привычном понимании в картине и вовсе почти нет. Достаточно вспомнить, что принц не смог разбудить Аврору поцелуем, и это сделала Малефисента, полюбившая девушку, как дочь. За подобное искажение Disney мог подвергнуться серьезной критике, если бы снял плохое кино. Но важно то, что киностудии удалось воплотить замысел, намного более оригинальный и сильный, чем тот, что был в сказке.
В новой части границы вселенной расширяются, как часто происходит в многосерийном фэнтезийном кино. Появляются новые персонажи – клан темных фей, таких же, как сама Малефисента, вскрывается вражда лесного народа и мира людей – уже в совершенно других масштабах, на уровне королевств, а не одного города. И очень важно, что это происходит постепенно, неспешно. Зрителю дают время привыкнуть к новым героям, к проблемам нового масштаба, но при этом оставляют то, что так нравилось зрителям в предыдущем фильме. У «Малефисенты» есть несколько несомненных козырей – как визуальных, так и сценарных, которые в новой части не пострадали, но и не остались прежними. И, возможно, именно это сделало новый фильм таким же качественным, как и первый.
Во-первых, картина все еще далека от романтичного пересказа сказки, где все про любовь и о любви. Аврора и Филипп действительно хотят пожениться и провести всю жизнь вместе, но это не главное, вокруг их отношений не строится весь фильм. Для них самих есть что-то более важное, чем чувства друг к другу: долг перед государством, отношения с родителями, разбор понятий «свой-чужой».
Во-вторых, интересно поставлен вопрос морального выбора: Мать Филиппа, интриганка, ненавидящая лесной народ, убеждает Аврору в том, что она должна полностью отречься от прошлой жизни, чтобы стать по-настоящему «своей». Девушка пытается избавиться от своей привязанности к лесу, его обитателям, чтобы вписаться в общество, просто потому что «так надо». И очень важным и нужным становится заявление авторов картины, которые убеждают зрителя в том, что деление на лагеря – опасная и никому не нужная вещь.
В-третьих, еще лучше раскрывается и развивается характер самой Малефисенты. В ней не просто борются добро и зло. Героиня сражается с комплексом мачехи, с эгоизмом и яростью, учится не просто блокировать боль, а использовать ее, прощать врагов, быть мудрее во всех смыслах. Малефисента олицетворяет собой образ сильной женщины – гордой, умной, красивой, могущественной и талантливой. И радует, что это не однобокий образ – в Анджелине Джоли нет ни грамма мужеподобности, нет же и искаженно «девчачьих» черт. Актриса настолько хорошо попала в роль (или роль идет лично ей), что претензий ни к героине, ни к исполнению роли не должно возникнуть ни у кого – ни у консерваторов, ни у радикальных феминисток. Женщина, которой посвящено кино, сложный, глубокий и достойный уважения человек. И, учитывая, что фильм все-таки детский – потенциальный пример для подражания, даже несмотря на свои темные стороны.
Новая «Малефисента» может только порадовать: в ней нет сумбурности, нет излишней ностальгии, игрой Джоли хочется любоваться, а визуальные эффекты сделаны в меру – без лишних слоумо и экшн-съемки. Получилась красивая, немного темная и пугающая, но добрая сказка. О том, что в мире есть место любой любви, и ни про какую нельзя забывать – будь то дружеское, романтическое или материнское чувство, и о том, что в мире нет места любой ненависти – будь то война «в интересах страны» или мщение за предательство.
Вначале стоит напомнить, что изначальная задумка диснеевской «Малефисенты» строилась на популярной сказке «Спящая красавица». Но создатели фильма настолько переработали идею, что о связи фильма с литературным оригиналом после просмотра вспомнит не каждый зритель. Пожалуй, это самое далекое от первоисточника кино за всю историю Disney. Ведьма-фея вдруг оказывается здесь главным героем, принцесса играет второстепенную роль, а любовной линии в привычном понимании в картине и вовсе почти нет. Достаточно вспомнить, что принц не смог разбудить Аврору поцелуем, и это сделала Малефисента, полюбившая девушку, как дочь. За подобное искажение Disney мог подвергнуться серьезной критике, если бы снял плохое кино. Но важно то, что киностудии удалось воплотить замысел, намного более оригинальный и сильный, чем тот, что был в сказке.
В новой части границы вселенной расширяются, как часто происходит в многосерийном фэнтезийном кино. Появляются новые персонажи – клан темных фей, таких же, как сама Малефисента, вскрывается вражда лесного народа и мира людей – уже в совершенно других масштабах, на уровне королевств, а не одного города. И очень важно, что это происходит постепенно, неспешно. Зрителю дают время привыкнуть к новым героям, к проблемам нового масштаба, но при этом оставляют то, что так нравилось зрителям в предыдущем фильме. У «Малефисенты» есть несколько несомненных козырей – как визуальных, так и сценарных, которые в новой части не пострадали, но и не остались прежними. И, возможно, именно это сделало новый фильм таким же качественным, как и первый.
Во-первых, картина все еще далека от романтичного пересказа сказки, где все про любовь и о любви. Аврора и Филипп действительно хотят пожениться и провести всю жизнь вместе, но это не главное, вокруг их отношений не строится весь фильм. Для них самих есть что-то более важное, чем чувства друг к другу: долг перед государством, отношения с родителями, разбор понятий «свой-чужой».
Во-вторых, интересно поставлен вопрос морального выбора: Мать Филиппа, интриганка, ненавидящая лесной народ, убеждает Аврору в том, что она должна полностью отречься от прошлой жизни, чтобы стать по-настоящему «своей». Девушка пытается избавиться от своей привязанности к лесу, его обитателям, чтобы вписаться в общество, просто потому что «так надо». И очень важным и нужным становится заявление авторов картины, которые убеждают зрителя в том, что деление на лагеря – опасная и никому не нужная вещь.
В-третьих, еще лучше раскрывается и развивается характер самой Малефисенты. В ней не просто борются добро и зло. Героиня сражается с комплексом мачехи, с эгоизмом и яростью, учится не просто блокировать боль, а использовать ее, прощать врагов, быть мудрее во всех смыслах. Малефисента олицетворяет собой образ сильной женщины – гордой, умной, красивой, могущественной и талантливой. И радует, что это не однобокий образ – в Анджелине Джоли нет ни грамма мужеподобности, нет же и искаженно «девчачьих» черт. Актриса настолько хорошо попала в роль (или роль идет лично ей), что претензий ни к героине, ни к исполнению роли не должно возникнуть ни у кого – ни у консерваторов, ни у радикальных феминисток. Женщина, которой посвящено кино, сложный, глубокий и достойный уважения человек. И, учитывая, что фильм все-таки детский – потенциальный пример для подражания, даже несмотря на свои темные стороны.
Новая «Малефисента» может только порадовать: в ней нет сумбурности, нет излишней ностальгии, игрой Джоли хочется любоваться, а визуальные эффекты сделаны в меру – без лишних слоумо и экшн-съемки. Получилась красивая, немного темная и пугающая, но добрая сказка. О том, что в мире есть место любой любви, и ни про какую нельзя забывать – будь то дружеское, романтическое или материнское чувство, и о том, что в мире нет места любой ненависти – будь то война «в интересах страны» или мщение за предательство.
2 августа состоялась российская премьера нового фильма Квентина Дюпье «Оленья кожа». «Кино-Панк» рассказывает об этой великолепной философской притче, наполненной абсурдным юмором и размышлениями о человеческих страстях.
За последние 10 лет Квентин Дюпье стал главным идеологом французского абсурда. Сюжеты его фильмов жизненны, проникновенны, но неописуемы. Живая автомобильная покрышка, исследователь собачьих душ, полицейские, перевозящие наркотики в крысах, – все это созданные им образы, которые в свое время покоряли фестивали и смешили до полуобморока аудиторию.
«Оленья кожа» посвящена человеку средних лет, который купил кожаную куртку за €7 500 (542 000 рублей). Вместе с курткой ему подарили цифровую видеокамеру. Жена, конечно же, ушла от него и заблокировала счета во избежание новых покупок. Не растерявшись, он приехал в глухую альпийскую деревню и объявил, что он кинорежиссер. Вскоре у него завязалось знакомство с местной барменшей, которая увлекается видеомонтажом.
Два центральных образа фильма – обладатель замечательной куртки Жорж и официантка-монтажер Дэнис. Дюпье мастерски выбирает направление развития их характеров. Жорж сильнее и сильнее привязывается к стилю убийцы, Дэнис, подталкиваемая любовью к искусству, начинает незаметно манипулировать Жоржем, вырастает из марионетки в кукловода. Кто в этой истории главный? Безумец, влюбившийся в одежду, сумасшедшая, сгорающая по кино, или кожаная куртка, разговаривающая, вися на стуле?
Создававшийся параллельно с «Оленьей кожей» блокбастер Квентина Тарантино «Однажды в… Голливуде» снова уводит аудиторию в далекие 1960-е, навязывает любовь к массовому кино, которое клепалось исключительно ради наживы. Квентин Дюпье как будто бросает вызов заокеанскому тезке, он спрашивает: «Зачем вспоминать старые байки о плохом кино, если совсем недавно завершилась эпоха прекрасных независимых фильмов, снятых любительскими камерами на кассеты MiniDV?» Как истинный художник Дюпье улыбается сам и просит улыбаться аудиторию, хотя на самом деле ему грустно, грустно от того, что в киноискусстве XXI века не появятся ни «Идиоты» Ларса фон Триера, ни «Торжество» Томаса Винтерберга, ни «Последняя песнь Мифуне» Сёрена Краг-Якобсена, ни другие шедевры, снятые без эффектов, без света и на плёнку.
«Оленья кожа» — манифест консерваторов, крик не обделенных чутьем и вкусом. А для всех несогласных и равнодушных у Дюпьё в запасе всегда есть отличный юмор и тонкий философский подтекст: «Не нужно противиться своим страстям, ведь гораздо приятнее умереть счастливым».
За последние 10 лет Квентин Дюпье стал главным идеологом французского абсурда. Сюжеты его фильмов жизненны, проникновенны, но неописуемы. Живая автомобильная покрышка, исследователь собачьих душ, полицейские, перевозящие наркотики в крысах, – все это созданные им образы, которые в свое время покоряли фестивали и смешили до полуобморока аудиторию.
«Оленья кожа» посвящена человеку средних лет, который купил кожаную куртку за €7 500 (542 000 рублей). Вместе с курткой ему подарили цифровую видеокамеру. Жена, конечно же, ушла от него и заблокировала счета во избежание новых покупок. Не растерявшись, он приехал в глухую альпийскую деревню и объявил, что он кинорежиссер. Вскоре у него завязалось знакомство с местной барменшей, которая увлекается видеомонтажом.
Два центральных образа фильма – обладатель замечательной куртки Жорж и официантка-монтажер Дэнис. Дюпье мастерски выбирает направление развития их характеров. Жорж сильнее и сильнее привязывается к стилю убийцы, Дэнис, подталкиваемая любовью к искусству, начинает незаметно манипулировать Жоржем, вырастает из марионетки в кукловода. Кто в этой истории главный? Безумец, влюбившийся в одежду, сумасшедшая, сгорающая по кино, или кожаная куртка, разговаривающая, вися на стуле?
Создававшийся параллельно с «Оленьей кожей» блокбастер Квентина Тарантино «Однажды в… Голливуде» снова уводит аудиторию в далекие 1960-е, навязывает любовь к массовому кино, которое клепалось исключительно ради наживы. Квентин Дюпье как будто бросает вызов заокеанскому тезке, он спрашивает: «Зачем вспоминать старые байки о плохом кино, если совсем недавно завершилась эпоха прекрасных независимых фильмов, снятых любительскими камерами на кассеты MiniDV?» Как истинный художник Дюпье улыбается сам и просит улыбаться аудиторию, хотя на самом деле ему грустно, грустно от того, что в киноискусстве XXI века не появятся ни «Идиоты» Ларса фон Триера, ни «Торжество» Томаса Винтерберга, ни «Последняя песнь Мифуне» Сёрена Краг-Якобсена, ни другие шедевры, снятые без эффектов, без света и на плёнку.
«Оленья кожа» — манифест консерваторов, крик не обделенных чутьем и вкусом. А для всех несогласных и равнодушных у Дюпьё в запасе всегда есть отличный юмор и тонкий философский подтекст: «Не нужно противиться своим страстям, ведь гораздо приятнее умереть счастливым».
24 октября выходит авторское продолжение популярного молодёжного боевика Рубена Фляйшера «Добро пожаловать в Zомбилэнд». «Кино-Панк» рассказывает, почему вторая часть не заслуживает ни внимания, ни понимания, ни снисхождения.
Вот уже 10 лет четверо бесстрашных и хорошо вооруженных героев путешествуют по разрушенной и населенной ходячими трупами Северной Америке. Наконец они находят идеальное убежище – Белый Дом. Заняв Овальный кабинет, поснимав портреты Вашингтона и Линкольна, они начинают стоить долгую счастливую жизнь. Но, как всегда, в отношения закрадываются ссоры и недопонимания.
Беспомощность «Zомбилэнда 2» очевидна с первых кадров. Фильм, пестрящий жестокостью и сценами насилия, пытается рассмешить зрителя шутками про перевернутый бинокль и удивить отсылками, а-ля: «Люблю запах пороха по утрам». В здравом и трезвом уме веселиться и получать удовольствие от подобной безвкусицы достаточно трудно.
При этом история, разворачивающаяся на экране, фантастически скучна и предсказуема. Конфликт завязывается после того, как сестры решают уехать от мужчин в неизвестном направлении. Это решение и множество остальных поступков персонажей держится на элементарном «просто захотелось». Соответственно, зритель не чувствует никакого напряжения, никому не сопереживает, а просто пустым взглядом следит за марионетками, которые совершают бессвязные поступки.
Неприятное неудобное чувство вызывает работа четвёрки талантливых актеров, которые не понимают, в каком из направлений должны развиваться их образы. Глубина игры строго ограничена жанром, широта – слабым текстом. Поэтому, когда оскароносец Эмма Стоун и номинанты на «Оскар» Вуди Харрельсон, Эбигейл Бреслин и Джесси Айзенберг разыгрывают любовные фигуры, хочется попросить их перестать и вновь начать стрелять в зомби.
«Zомбилэнд: Контрольный выстрел» - затянутый клип, который можно перемонтировать, удалив лиричные вставки, и крутить его в барах под звон стаканов и шум бильярда. Кто-то, вероятно, взглянет на экран, улыбнется энергичной боевой сцене и через несколько минут с удовольствием его забудет.
Вот уже 10 лет четверо бесстрашных и хорошо вооруженных героев путешествуют по разрушенной и населенной ходячими трупами Северной Америке. Наконец они находят идеальное убежище – Белый Дом. Заняв Овальный кабинет, поснимав портреты Вашингтона и Линкольна, они начинают стоить долгую счастливую жизнь. Но, как всегда, в отношения закрадываются ссоры и недопонимания.
Беспомощность «Zомбилэнда 2» очевидна с первых кадров. Фильм, пестрящий жестокостью и сценами насилия, пытается рассмешить зрителя шутками про перевернутый бинокль и удивить отсылками, а-ля: «Люблю запах пороха по утрам». В здравом и трезвом уме веселиться и получать удовольствие от подобной безвкусицы достаточно трудно.
При этом история, разворачивающаяся на экране, фантастически скучна и предсказуема. Конфликт завязывается после того, как сестры решают уехать от мужчин в неизвестном направлении. Это решение и множество остальных поступков персонажей держится на элементарном «просто захотелось». Соответственно, зритель не чувствует никакого напряжения, никому не сопереживает, а просто пустым взглядом следит за марионетками, которые совершают бессвязные поступки.
Неприятное неудобное чувство вызывает работа четвёрки талантливых актеров, которые не понимают, в каком из направлений должны развиваться их образы. Глубина игры строго ограничена жанром, широта – слабым текстом. Поэтому, когда оскароносец Эмма Стоун и номинанты на «Оскар» Вуди Харрельсон, Эбигейл Бреслин и Джесси Айзенберг разыгрывают любовные фигуры, хочется попросить их перестать и вновь начать стрелять в зомби.
«Zомбилэнд: Контрольный выстрел» - затянутый клип, который можно перемонтировать, удалив лиричные вставки, и крутить его в барах под звон стаканов и шум бильярда. Кто-то, вероятно, взглянет на экран, улыбнется энергичной боевой сцене и через несколько минут с удовольствием его забудет.