Режиссер Светлана Проскурина представила публике новый фильм «Воскресенье». Ходило много слухов о том, что это будет политический, ну или хотя бы с политическим подтекстом, проект. Однако картина получилась совершенно другая и, возможно, даже лучше своих ожиданий. «Кино-Панк» разбирается в этом непростом кино и его цели.

Дмитрий Терехов – чиновник в небольшом провинциальном российском городке. У него много власти, достаточно денег, больная умирающая мать, оконченный, но не разрешенный брак, дочь, подруга, любовница. И записка, которую кто-то подкинул в почтовый ящик. На записке начертано: «Скоро умрешь».

Однако с героем пока ничего не происходит – по крайней мере, внешне. Он, как и другие люди, которые его окружают, живут, почти ничем не выдавая своей боли и горя, все – кроме любовницы, которая пытается покончить с собой, не выдерживая своего положения, своей жизни и людей вокруг. С этого события у Терехова начинается воскресенье, заполненное под завязку всем, кроме того, что действительно необходимо делать в этот день – отдыхать, думать о себе, своем прошлом и будущем, возможно, о Боге.

Так постепенно вырисовывается тема картины, основанная на мрачном, почти безысходном ощущении обязанности, долга одних людей перед другими, перед обществом, перед собой. В самой непростой ситуации оказывается именно сам главный герой. Все те вещи, которые стремится иметь практически каждый человек на планете, становятся оружием, направленным против него. У него есть власть, недоступная большинству – и большинство требует у него справедливости, помощи, содействия. У него больше денег, чем у большинства – и большинство требует у него денег. С каждой сценой, каждым диалогом Дмитрий становится все слабее. Так в картине начинает сквозить ее главная идея – о том, что человеческие цели и желания далеко не всегда приводят к счастью, а напротив, часто становятся причиной еще большего горя, и о том, что само счастье (или его отсутствие) – не измеряемые материальным величины. В фильме ставится под сомнение ценность жизни, которую человек проживает в вечном долгу перед кем-то. И в такой жизни, в которой бесконечное ожидание, монотонность существования, неверие в себя и в других становятся нормой, появляется зло. Иногда совершенно беспричинное, как дети на реке, готовые убить «за просто так». Но именно этот эпизод показывает, что дети с черной душой вырастают в том обществе, в котором им никто не расскажет, что жить можно не только с горем, но и с радостью. Кристально простые, наивные дети понимают эту жизненную заповедь буквально – жить можно как угодно, ведь в любом случае все будет плохо.

Атмосфера фильма пропитана цветом невыносимости, тяжести и насильственной жизни. И дерево, которое нещадно трясет огромный грохочущий бульдозер, и убитый барашек (который был убит прямо на съемках – и почти случайно) – все накладывается друг на друга и смешивается в тошнотворной атмосфере места, в котором не хочется жить.

Вот и главный герой, Дмитрий, постепенно умирает в пространстве, которое организовали сами люди, разучившиеся любить и чувствовать себя живыми. Воскреснет ли он?

На экраны вышел новый фильм ужасов от авторов старой, маститой франшизы «Пункт назначения». О том, каким получилось новое кино и достойно ли оно внимания зрителя, рассказывает «Кино-Панк».

Что прежде всего вызывает недоумение? Привязка в российском прокате к франшизе «Пункт назначения». Да, над фильмом работала та же команда, но если забыть об этом факте, новую часть с предыдущими не связывает ровным счетом ничего. У серии «Пункт назначения» была своя строгая, четко выверенная канва, по которой должно происходить развитие сюжета. Суть всех фильмов заключалась в том, что какой-то человек внезапно получает видение, в котором предсказывает смерть себя и окружающих в какой-либо катастрофе и предотвращает гибель. После этого смерть начинает восстанавливать порядок и убивать всех поодиночке. У смерти во франшизе нет облика, все убийства происходят по бытовым случайностям или в результате несчастных случаев (сломанный чайник, заклинивший солярий, заглохшая на железнодорожных путях машина и т.д.). Суть всей кинофраншизы, таким образом, заключается в фатализме, попытке обхитрить смерть и невозможности это сделать, поскольку смерть выполняет роль уравновешивающего фактора, а не безжалостного убийцы. В новом же фильме «Смайл» события развиваются по сценарию классического мистического ужастика – фотоаппарат, после съемки на который люди с фотографий погибают, неупокоенная душа убийцы, даже сам мстительный дух вполне видим и осязаем, как и любой другой монстр из подобных фильмов ужасов. Единственная связь с «Пунктом назначения» - упорядоченность жертв. Монстр охотится не за кем попало, а согласно выбранному им порядку.

По этой причине зритель, который придет в кинотеатр на новый «Пункт назначения», увидит вовсе не продолжение знаменитой серии фильмов, а ужастик в духе «Астрала» или «Проклятия Аннабель». Поэтому к такому повороту событий необходимо быть готовым заранее. Но если простить такую неточность, получит ли аудитория удовольствие от просмотра?

Как ни странно, да, «Смайл» вполне способен вызвать приятные эмоции от просмотра, если абстрагироваться от полного непопадания во франшизу. Опыт съемочной команды сказывается на качестве картины: она сделана с умом, логично, вполне атмосферно и не слишком оригинальничает. При всей своей понятности она все же умудряется напугать зрителя. Как? Например, когда в потенциальной опасности оказывается один герой и аудитория готовится к атаке на него, внезапно нападение происходит на совсем другого персонажа. История с расследованием дела тоже происходит небанально. Герои меньше времени тратят в архивах, и больше – в движении, что тоже больше понравится аудитории. Но при этом их беготня не бесполезна: история оказывается запутаннее, чем ожидается, и внезапно, когда зритель думает, что уже разобрался в сути, всплывает еще одно обстоятельство, которое полностью меняет смысл происходящего. Так, не прибегая к мудреным способам для придания картине оригинальности, создатели удачно освежают сюжет несколькими неожиданными поворотами.

Что касается самого страха, то пугают зрителя достаточно стандартно – резкие скачки из темноты, погони, ужасный монстр, громкие звуки и полутьма, которая почти все время окутывает героев. Впрочем, если не забывать, что «Смайл» - массовый фильм и рассчитывает на финансовый успех, а не на культурную ценность, можно считать попытку создателей вполне успешной. Правда, без пиар-хода с привязкой к «Пункту назначения» она была бы намного более честной.

19 сентября на российские экраны вышла пятая и, по утверждению авторов, последняя серия франшизы «Рэмбо». Почему же дорогой и ожидаемый фильм стал кляксой, а не точкой в финале истории?

Как известно, «Рэмбо» - классический пример голливудской метаморфозы: от умного к прибыльному. Первая часть была посвящена поколению, сломленному вьетнамской войной, все остальные части – непобедимости США. Вот и пятый «Рэмбо» начинается с того, что Джон ностальгирует по боевым будням. Он любит Родину, дом и семью. Семья у него необычная – женщина, которая убирается в доме, и её внучка. Однажды внучка сбегает в преступную Мексику на поиски настоящего отца и попадает в неприятности. Решать проблемы выезжает Джон Рэмбо.

Фильм оставляет ощущение недосказанности. Причин этому несколько. Рваный сюжет, раздробленный на войну в Мексике и войну в США. Нераскрытые образы злодеев – двух братьев-сутенеров, которые ругаются между собой, ругаются на Рэмбо и, в целом, существуют только для того, чтобы красиво умереть. Присутствие непонятного персонажа – журналистки. Сначала она зашивает Рэмбо раны, затем сливает ему информацию, затем исчезает. Обыкновенно, добрые женщины появляются в боевиках, чтобы стать любовницами героя, но так как Рэмбо недавно отметил 73-летие, любовницы его не интересуют. Так она и остается непонятой, нераскрытой, забытой.

Есть упреки и к маэстро - Сильвестру Сталлоне. Вероятно, он до сих пор замечательный актёр, но пластические операции, раздувшие, обездвижившие, сделавшие похожим на маску его лицо, лишили Сталлоне возможности органично смотреться на крупных планах. Вот он слегка угрюмый, косоватый, скачущий (при помощи дублера) на лошадке, достает лук, стелы и начинает убивать людей, а лицо остается неподвижным, непробиваемым.

«Рэмбо: Последняя кровь» - неинтересная грустная сказка. И грустно не от того, что хороший парень Рэмбо вынужден год за годом преодолевать лишения, а от того, что вот уже 40 лет он не может повторить успех своего первого появления на экранах.

19 сентября на российские экраны вышел новый фильм Дэнни Бойла («На игле», «28 дней спустя», «Миллионер из трущоб») – Yesterday. Это легкая романтическая комедия, рассказывающая о мире, в котором позабыли песни The Beatles.

Джек Малик – британский музыкант-неудачник индийского происхождения. Со своей единственной более-менее интересной песней он выступает на улицах, в барах и на задворках фестивалей. Однажды его сбивает автобус, и пока Джек Малик летит по воздуху, по роковой случайности, во всем мире отключается электричество, все невидимые токи, существующие между людьми, гаснут, а когда появляются вновь, Джек Малик уже лежит на земле. У него выбиты передние зубы, отчерчен синяк под глазом, и он единственный на планете, у кого в голове остались песни The Beatles.

Yesterday станет разочарованием для каждого, кто ожидает глубокого, понятного только преданным фанатам, юмора о ливерпульской четверке, документальных врезок или камео Ринго Старра. Фильм, в первую очередь, о любви. Главный герой страдает не от того, что ему приходится выдавать песни The Beatles за свои и заново перезаписывать их в студиях, а от того, что вовремя не сумел признаться в чувствах, променял тихое счастье на громкую карьеру.

Вторая половина фильма теряет темп и становится слишком лиричной, но Дэнни Бойл мастер мирового уровня, он специально сдерживает повествование, чтобы финал казался еще более взрывным и головокружительным. Особенно запоминается выход на сцену гения перевоплощений и давнего приятеля Бойла - Роберта Карлайла в образе…. А вот в чьём образе лучше не упоминать, чтобы не испортить впечатления.

Yesterday – это не просто фильм о массово забытой группе 1960-х, это трогательная притча о мире, который стал хуже, утеряв часть своей культуры, о людях, которым пришлось открывать красоту искусства во второй раз.

26 сентября на российские экраны выйдет неспешный, тягучий фильм об отношениях, долге и побеге от себя - «После свадьбы». «Кино-Панк» рассказывает, как новая картина умещает в себе все эти темы.

На самом деле, «После свадьбы» - не оригинальная идея, а ремейк одноименного датского фильма 2006 года. И потому в картине присутствует явный нордически-европейский оттенок: рассмотрены сложные, неоднозначные жизненные ситуации, личная трагедия и, в целом, акцент истории стоит на внутреннем мире персонажей – он куда важнее, чем внешние обстоятельства.

В этом смысле картина идет вразрез с трендами последнего времени, когда общественные интересы, движения и группы кажутся более важными, чем личные интересы. Возможно, поэтому, зрителей, которые не видели оригинальную версию, фильм удивит. Начинается картина в Индии, где главная героиня, Изабель (Мишель Уильямс), самозабвенно занимается развитием детского приюта. Она сильно привязана к детям, и особенно к одному мальчику, поэтому не хочет покидать его ни на минуту. Однако, когда крупная компания в Нью-Йорке предлагает приюту финансирование, Изабель вынуждена уехать, чтобы получить деньги для дела своей жизни.

Несмотря на то, что завязка, кажется, кроется именно в приюте Изабель, упоминаний о нем больше практически не будет, он станет только фоном для других событий. Более того, в ходе сюжета зрителю объяснят, что благородные помыслы героини – не ее истинные желания (хотя она действительно хочет помогать детям), а попытка убежать от себя самой и от своего ребенка, которого она бросила сразу после рождения.

Именно со своей дочерью Изабель случайно встретится на ее же свадьбе. Выясняется, что, родив ребенка слишком рано, героиня решила, что лучше всего будет отдать ее на усыновление. Заставив отца дать обещание устроить дочь в другую семью, Изабель сбегает в Индию. Она выглядит, как человек, считающий, что его решение было абсолютно верным, хотя подробностей для зрителя почти не дано, и каждый должен решать сам – осуждать героиню или нет. Однако легко догадаться о том, что Изабель, хотя и смелая и прямолинейная, на самом деле – глубоко испуганная, несчастная женщина, из последних сил отказывающаяся признать, что допустила ошибку. Она берет на себя ответственность за целый приют, стараясь покрыть безответственность перед собственной дочерью. Для создателей фильма было очень важно продемонстрировать эту отчаянную сублимацию материнской любви и, конечно, поэтому для картины так важна была сильная актерская игра.

Картина очень точно показывает, каким становится человек в зависимости от того, кем был воспитан. Изабель выросла в приюте и ее пугает настоящая, «правильная» семья, которой она никогда не видела. Она воспринимает только большие коллективы вроде детского дома, которым управляет в Индии. Ее дочь же, напротив, понимает, что только настоящая семья и искренность подойдут для нее. Она не станет терпеть плохое отношение к себе, но вместе с тем боится допустить ошибку – на примере своей идеальной (хоть и наполовину неродной) семьи она опасается быть хуже, боится признать, что допустила ошибку, выйдя замуж за человека, который ее не понимает.

Возможно, из-за некоторой нравоучительности и наставительности кино кажется несколько затянутым. Диалоги развиваются долго, по несколько минут, напряжение растет, пожалуй, слишком медленно. Фильм получился почти медитативным, в то время как его тема предполагает драму персонажей, резкие эмоции, сожаления, обиду, боль. Но даже несмотря на отличную игру актеров, надрыва в «После свадьбы» не ощущается. Наверное, стоило сделать картину чуть более динамичной – хотя, с другой стороны, именно медитативных фильмов в американском кинопроизводстве становится все меньше.

На экраны вышел фильм «Комната желаний», который сложно отнести к какому-либо жанру и который старается представить зрителю что-то более оригинальное, чем современный массовый триллер или фильм ужасов. «Кино-Панк» рассуждает о том, удалось ли это ему.

Завязка картины выглядит более чем стандартно – даже избито. Молодая пара заселяется в огромный, мрачный особняк на отшибе цивилизации. Занимается ремонтом, ставит на полки томики Булгакова (главную героиню играет Ольга Куриленко и, вероятно, французско-бельгийская съемочная команда стремилась сделать комплимент российской аудитории), дурачится. До тех пор, пока не находит чудесную замурованную комнату, находясь в которой, можно загадывать абсолютно все – и оно появится. Герои начинают исполнять все, что им только пожелается, и, наконец, женщина загадывает себе ребенка. И когда это желание сбывается, начинается все то, что создатели фильма хотят показать как «наказание за алчность».

Первый момент, который бросается в глаза зрителю – фильм имеет очень много общего с другим «антиужастиком», картиной «Мама!», которая была резко раскритикована русскоязычной публикой потому, что ошибочно назвала себя жанром «ужасы». На самом деле «Мама!» - философская притча о Боге, создании, творчестве и роли женщины. Очень похожая ситуация рассматривается и в «Комнате желаний», вот только дублированные элементы не имеют под собой опоры. Например, муж главной героини в обоих фильмах художник, но если в «Маме!» это важный элемент для понимания сути творчества, то в «Комнате желаний» деятельность мужчины никак не связана с сюжетом. Нет конфликта «созданий»: детей и произведений искусства, личность героя не раскрывается через его творчество. То же самое касается и появившегося ребенка. В «Комнате желаний» родители из-за собственной глупости и нерешительности превращают его в демона, что выглядит вполне очевидным и вряд ли может чему-то научить. Малыш является вполне ожидаемым продуктом родительской безответственности. В «Маме!» появление ребенка максимально метафорично, имеет множество трактовок и отсылок, в том числе к Библии.

Таким образом, здесь обнаруживаются сразу два минуса – неудачное копирование элементов другого фильма, которые, к тому же, в новом кино никак не оправданы. Но, к сожалению, список проблем новой картины на этом не заканчивается.

Не нужно особенно внимательно смотреть кино, чтобы увидеть в «Комнате желаний» очевидные и серьезные проблемы с логикой. В некоторых сценах мотивация героев неясна настолько, что они выглядят попросту идиотами, какими создатели их точно не хотели выставлять. Например, мужчина внезапно узнает о том, что предыдущие владельцы дома были жестоко убиты в его стенах. Он узнает подробности убийства, зарисовывает преступника, а потом обнаруживает, что таинственная комната может исполнять все его желания. Ему мгновенно сносит голову от открывшихся возможностей, и он даже на секунду не задумывается о том, что чудеса, происходящие в доме, могут как-то быть связаны с убийством, о котором он услышал утром. У его жены также отсутствует какая-либо рефлексия. Оба мгновенно погружаются в пучину своих желаний, не задумываясь ни о последствиях, ни о причинах, ни пытаясь хоть что-то узнать о том, каким образом их желания исполняются.

Таким образом, «Комнату желаний» сложно охарактеризовать. Сюжет насквозь дырявый и скорее психоделический, нежели философский. Общая идея «наказания за алчность» сама по себе выглядит недоделанной, непроработанной, а попытки углубить ее, добавив высказывания Ницше о Боге (один из персонажей цитирует его главным героям) совершенно не вяжутся с общей картиной, делают мысль создателей еще более невнятной. Так зритель и не понимает, что хотели сделать с этой картиной – то ли новую трактовку Дориана Грэя, то ли историю про безответственное родительство, то ли философскую притчу о времени и беззащитности перед ним. Поэтому пример «Комнаты желаний» еще раз наглядно доказывает, что мешанина даже самых серьезных и мудрых идей оборачивается полной чепухой – ведь дело всегда не в количестве, а в качестве.

Пока готовятся материалы о премьерах 26 сентября (пропагандисткой сказке с Владимиром Машковым «Герой», фантастике с Брэдом Питтом «К звёздам», независимой криминальной драме «Боже мой!»), вспоминаем классический фильм Бернардо Бертолуччи «Луна», вышедший ровно 40 лет назад.

Подросток Джо – сын известной оперной певицы Катерины Сильвери. Он убежден в том, что муж матери Дуглас его настоящий отец, но сама мысль об этом родстве ранит его. Он мучается, видя слабость, безвольность Дугласа и в итоге начинает прибегать к помощи наркотиков. Катерина видит, как жизнь сына разрушается на ее глазах и решается на отчаянный шаг: рискуя карьерой и своими счастливыми отношениями, она везет Джо в Италию, чтобы познакомить его с настоящим отцом – школьным учителем. Она надеется, что встреча поможет сыну увидеть настоящее родство и почувствовать реальную близость.

Вместе с тем Катерина пытается наладить отношения с Джо – и они постепенно приобретают неестественный оттенок. Их близость все больше напоминает отношения между влюбленными, а не родственниками. Кино описывает отношения, близкие к инцесту, основанные на Эдиповом комплексе – но как и для чего это делает Бертолуччи?

Чтобы верно разгадать идею режиссера, необходимо помнить, что Бертолуччи был убежденным фрейдистом. В большинстве его работ лежат утверждения, основанные на теории психоанализа. Вот и в «Луне» рассматриваемое явление – Эдипов комплекс, понятие, введенное именно Зигмундом Фрейдом. Джо, подросток, который не знал родного отца и ненавидел отчима, по факту, не имеет отца вовсе. Катерина же отдает всю свою жизнь сыну, отказываясь от присутствия других мужчин в своей жизни. Согласно теории Эдипова комплекса, у подростка, таким образом, исчезают «соперники», и он остается единственным мужчиной рядом со своей матерью. Если добавить к этому общую психологическую нестабильность обоих – наркомания у Джо, неимение сильного отца, авторитета рядом и саморазрушение и жертвенность Катерины – рождается та самая почва для развития надломленных отношений, близких к инцесту.

Главным символом фильма становится луна, именем которой и названо кино. Луна – «женская» планета-спутник, в чем сходятся и астрологи, и физики, и психологи. Полный цикл луны составляет 30 дней – примерно столько же длится менструальный цикл у женщины. Именно поэтому над героями фильма светит луна – она становится знаком и символом того, что происходит на экране, ключом к пониманию Эдипового комплекса – привязанности к матери. Есть в картине и другие символы – например, когда Катерина кормит маленького Джо медом с ложечки. Тягучесть этого кадра, его красивая, но отталкивающая, приторно сладкая атмосфера – еще один намек на чувственность, которую Катерина, сама того не понимая, пробуждает в себе и в сыне. Этот кадр важен еще и как намек на то, что именно мать становится в данном случае провокатором, взращивающим комплекс – в нем заложена еще одна фрейдистская идея о том, что все проблемы человека коренятся в его матери.

Этот смысловой стержень фильма обрамляют прекрасные съемки природы, пейзажей Италии, что тоже является частью стиля картин Бертолуччи. Правило эстетики, визуальной красоты для режиссера нерушимо – даже если в кадре рассматривается что-то отталкивающее и неестественное. Впрочем, нельзя забывать о том, что режиссер не дает героям и их поступкам оценку. Для него важнее красиво описать явление и его корни – так, как он их видит, и наблюдать за происходящим с высоты луны.

В 2019 году российское пропагандистское кино вышло на новый уровень. Оно стало дорогим, визуально привлекательным, серьезным. Наиболее яркими представителями этого направления можно назвать «Балканский рубеж» (злые и глупые американцы против простых русских героев из ГРУ), «Донбасс. Окраина» (злые украинцы убивают несчастных жителей Донбасса, мечтающих убежать в Россию), предстоящий «Герой» (замечательные российские разведчики против загнившего европейского капитализма).

Премьера «Героя» с Машковым и Петровым состоится только завтра, сегодня публикуем художественный анализ его предшественника - «Донбасс. Окраина».

«Донбасс. Окраина» вышел в прокат 12 июня, в День России. Фильм рассказывает о пяти гражданах Украины, укрывшихся в подвале от артиллерийских бомбёжек. Ситуация обостряется тем, что все они воюют за противоположные интересы.

Фильм сделан при поддержке Министерства Культуры режиссером Ренатом Давлетьяровым, известным по ремейку «А зори здесь тихие…». Нелепость «Донбасса» и безграничную наглость авторов характеризует крохотный факт – это российское кино с российскими актерами, с российскими высокомерными взглядами на мир, но посвященное Украине, украинской армии и украинским спецслужбам.

Сюжет прост и предсказуем. Первая сцена красочно демонстрирует зверства СБУ, которые становятся главной повествовательной скрепой фильма. Затем два военных водителя везут подушки для украинской армии. Один из них, тот, что заявлен главным героем, выходит из кабины, а второй, эпизодический персонаж, погибает при метком попадании снаряда. Оглушенного украинского водителя подбирает украинский сепаратист и ведет в подвал, где сидят украинцы: националистка, журналистка, пенсионер и активистка, сочувствующая сепаратистам.

Начинаются наигранные конфликты. Бандеровцы не хотят общаться с Донбассовцами, Киевляне с Харьковчанами. Сквозь искусственные эмоции слышатся тезисы, как будто вырванные из эфира телеканала «Звезда»: «Та война была настоящей (1941-1945), а это не война, а бесстыдство!» Жонглируя пропагандистскими уловками, авторы фильма намеренно сравнивают освободительную войну с гражданской.

Художественные образы «Донбасса» примитивны. Все в душе добрые, а злодей – злой. Все понимают, и даже проговаривают, что истинный порядок – в России, а злодей – не понимает. Силясь вшить в марионетку сердце живого независимого фильма, Ренат Давлетьяров вклеивает историю об утонувшей собаке, иносказательно пророча этим финал одного из героев, заводит диалог о пропаганде курения в кино, но получается снова плохо. К слову, полковник СБУ, ставший виновником событий, показан недальновидным, профессионально беспомощным и по-простому неадекватным.

Для кого этот фильм? Для тех, кому недостаточно верещания по федеральным каналам о безобразиях ненавистного братского народа, для тех, кто верит, что украинские войска захватывали Донецк в беспробудно пьяном состоянии, для тех, кто поддался бессовестной пропаганде и забыл, что там живут такие же люди.

В сентябре 2018 года разгорелся один из самых громких международных скандалов в современной истории. Журналисты выяснили, что два агента ГРУ, Анатолий Владимирович Чепига и Александр Евгеньевич Мишкин, под именами Руслана Боширова и Александра Петрова посетили британский город Солсбери, где в день их визита был отравлен бывший полковник ГРУ Сергей Викторович Скрипаль.

Двумя неделями позже в Голландии были задержаны еще четверо агентов ГРУ, которые пытались выкрасть документы о расследовании авиакатастрофы Боинга MH17 в Донбассе. В этот роковой месяц стало очевидно, что российская разведка – это не элита общества, а рядовые винтики не совсем здоровой системы, поэтому на медийном рынке срочно потребовался продукт, который бы смог убедить широкую аудиторию в том, что родная страна действительно представляет опасность для соседей.

Боевик «Герой» - это именно пропагандистский продукт. Его нельзя назвать фильмом, произведением, предметом искусства. Это набор плоских штампов и список фраз, которые необходимо выучить каждому правильному патриоту. Сюжет продукта следующий: матерый полковник СВР (Служба внешней разведки) Олег Иванович Родин отбирает по всей стране ребятишек-беспризорников, учит их драться, даёт кодовые имена и отправляет во все развитые страны мира. Спустя 15 лет один из воспитанников узнает, что его хотят убить. Объединившись с коллегой по цеху, он начинает суетиться в поисках правды.

Главные отличительные черты продукта: украденная из американских боевиков манера повествования, когда кто-нибудь из героев начинает размышлять вслух и тем самым объяснять зрителю детали сюжета; украденная манера съёмки с применением замедлений; исключительно российские умозаключения о санкциях (санкции введены не из-за многократных нарушений страной международного права, а из-за англичан, которые представились русскими, повели себя некорректно и подставили чужое государство); исключительно русских афоризмов (английский бизнесмен произносит: «Кто хочет, чтобы его поняли, - учит английский. Кто хочет влияния – учит русский»).

Удивительно плохо справилась с задачей труппа «Героя». В продукте нет сильных, требующих актерского мастерства образов. Владимир Машков - строгий полковник, он мало говорит и не улыбается. Светлана Ходченкова – шпионка, она хитро щурится, когда у неё созревает план. Александр Петров – безалаберный шпион, он часто смеётся и один раз плачет. Константин Лавроненко – начальник СВР, не улыбается. Остальные образы – это люди, которые умрут от первого выстрела. Каждый из четырех ключевых актеров играет где-то на своей волне, а «ходячие мертвецы», кажется, и вовсе не актеры, а просто лысые мужчины, научившиеся скалиться и гримасничать перед камерой.

«Герой» - не то случай, когда можно рассуждать «смотреть» или «не смотреть». Необходима другая реакция и более прямолинейные вопросы, например: «Почему Министерство культуры и все комитеты пропаганды не понимают, что это уже не работает?» Не работают новостные эфиры, в которых ругают Европу, не работают заявления на пресс-конференциях «мы их проверили, они гражданские», не работают визуальные продукты, в которых россияне самые сильные, самые смелые и несмотря ни на что – счастливые.

26 сентября в российских кинотеатрах вышла новая космическая драма «К звездам». Исполнитель главной роли Брэд Питт уже неоднократно называл этот проект самым значимым в своей карьере. Разбираемся, чем же примечателен фильм о затяжном полёте в другие галактики.

Сюжет фильма прямолинеен. Опытный 45-летний космонавт узнает, что его отец, один из величайших исследователей космоса, вовсе не умер, а продолжает работать на далекой станции в поисках новых форм жизни. Правда, в своих экспериментах отец героя зашёл слишком далеко и даже случайно пустил в сторону Земли смертоносные световые лучи. Герою предстоит слетать к отцу, и попросить его вернуться.

«К звездам» - двухчасовая космическая «Одиссея» (к слову, в фильме встречаются отсылки к оригинальной «Космической одиссее»). Повествование развивается медленно, в диалогах больше пауз, чем слов, закадровый голос комментирует мысли и чувства героя. Во вступительных титрах указано, что действие развивается в недалеком будущем, во времени надежд и противоречий. И весь фильм соткан именно из надежды, что произойдет что-то большее, и противоречия, почему совершенные технологии только усилии жестокость и алчность человечества.

Ключевая тема фильма – идейность в голове у волевого мужчины. Отец главного героя Клиффорд МакБрайд (в исполнении Томми Ли Джонса) преследует идею найти новую жизнь, ради этого он отказывается от семьи, обрекает себя на одиночество и даже совершает преступление. Сам герой (Брэд Питт) долгое время не понимает, ради чего он живет, он больше похож на робота, выполняющего приказы, но когда он получает задание найти отца – оживает, начинает чувствовать. Вскоре его идея трансформируются в более обобщенную – любовь ко всему родному, вот только готов ли её разделись отец, провисевший 30 лет в неизвестных галактиках?

«К звёздам» - медленная красивая драма о столкновении двух сильных характеров. Фильм не пугает зрителя экологическими ужасами будущего, не старается удивить принципиально новыми достижениями в области науки и техники, он рассказывает о людях, которые шли, идут и будут идти к своей цели.