В прошлом году Лувр Абу-Даби приобрел несколько работ Пикассо. Одну из них, «Женщину, держащую мандолину» 1911 года, повесили на место, которое до этого занимал шедевр Пита Мондриана 1922 года «Композиция с синим, красным, желтым и черным». Восстановили логическую справедливость. Ведь именно после посещения выставки кубистов в 1911 году Мондриан вдохновился на создание «Де Стейл».
Но возможно не все знают, что такой же момент озарения за несколько лет до кубизма случился и с самим Пикассо.
#Луврнедели
Но возможно не все знают, что такой же момент озарения за несколько лет до кубизма случился и с самим Пикассо.
#Луврнедели
В коллекции Лувра Абу-Дуби есть необычный бюст доминиканского монаха, созданный около 1490 г. знаменитым флорентийский мастером расписной керамики, - Андреа делла Роббиа.
Это Петр Веронский, а точнее Святой Петр Веронский. Он довольно часто фигурирует в сюжетах картин и скульптур, заказанных в разное время католической церковью.
Нобычно он изображается с топором в голове.
А дело было в чем.
#Луврнедели
Это Петр Веронский, а точнее Святой Петр Веронский. Он довольно часто фигурирует в сюжетах картин и скульптур, заказанных в разное время католической церковью.
Нобычно он изображается с топором в голове.
А дело было в чем.
#Луврнедели
Пьетро Росини, как его звали при рождении, родился примерно в 1206 году, в Вероне в семье катаров. Катары - это не граждане государства Катар, а христианское движение, которое появилось в XII веке на юге Франции. Катары считали, что мир сотворил не Бог, а Сатана. От Бога у человека только душа, но и она заключена в смертное жалкое тело.
Основной ересью для католической церкви стало посягательство на фундаментальные вопросы.
Катары отрицали все традиционные догмы: Иисус не был распят, Евангелие - выдумка, нет единого Бога и тд.
Святой Престол предавал анафеме и за меньшее, а тут целый набор. К тому же движение быстро набирало большое количество сочувствующих. У людей тогда накопились вопросы к благочестию католических священников, а катары к земным старстям были равнодушны, богатства их не привлекали.
Церковь решительно объявила катаров еретиками и начала их в прямом смысле выжигать. Именно для борьбы с катарами существовавшая уже епископальная инквизиция начала прибегать к советам папских легатов, что стало большим шагом в сторону создания позже Папской инквизиции.
Петр почему-то не поддержал семейные катарские традиции и пошел работать проповедником в католическую церковь. Да с таким рвением и самоотдачей, что к 26 годам Петр уже получил от Папы Григория IX назначение на должность генерального инквизитора.
Параллельно с инквизиторскими судами, Петр успел помочь основать монашеский орден сервитов во Флоренции и послужить приором итальянских доминиканских центров в разных городах. Наконец Папа Иннокентий IV назначил его папским инквизитором.
Насколько суровым инкивизитором был Петр, мнения расходятся.
Историки нашли только один документ, явно связывающий Петра с судебными решениями против каторов. Это был оправдательный приговор людей, признавшихся в симпатии к катарам. Но католическая церковь утверждает, что Петр карал направо и налево и именно благодаря его деятельности многие катары все осознали и вернулись в лоно традиционной церкви.
Даже если Петр не был ответственен за большое количество казней, очевидно, что выступив против своих же, среди катаров он популярностью не пользовался.
Закончилось все насилием конечно же. Накануне Пасхи, 6 апреля 1252 года, Петр в сопровождении своего помощника, монаха Доминико, отправился из города Комо в Милан. По дороге на них напали.
Католическая церковь однозначно заявляет, что это были нанятые катарами за30 сребреников 40 миланских лир профессиональные убийцы. Церковь приводит и их имена, и имена заказчиков.
Один из нападавших вонзил тесак в голову Петра (церковь говорит, что тесак даже сохранился, но не говорит, где именно). По одной из версий Петра потом добили ударом кинжала в сердце.
Петр упал на землю, перед смертью написав на ней собственной кровью Credo in Deum («Я верю в Бога»).
В общем, целый триллер.
Петра из Вероны же почти моментально сделали святым и покровителем инквизиторов. Его канонизировали уже через 11 месяцев после смерти. Обычно этот процесс занимает десятилетия и даже столетия. Из интересных фактов, позже Петр Веронский стал считаться в народе еще и помощником от головной боли. Весьма остроумно.
Спутник Петра, Доминико, умер от ран на несколько дней позже Петра, но про него католическая церковь почему-то забыла и никак его не использовала дальше. А вот одного из убийц, Карино Пьетро да Бальзамо, настоящий убийца Петра, тоже сделали святым, как ни странно. Видимо потому что он так сильно раскаялся, что остаток жизни провел в доминиканском монастыре.
Очевидно, что сугубо добровольно, да.
Возвращаясь к необычности скульптуры в Лувре. По христианской традиции мучеников, погибших за идею, принято изображать с теми орудиями, которыми их умертвили. Поэтому Петра рисуют с тесаком или кинжалом в голове.
#Луврнедели
Основной ересью для католической церкви стало посягательство на фундаментальные вопросы.
Катары отрицали все традиционные догмы: Иисус не был распят, Евангелие - выдумка, нет единого Бога и тд.
Святой Престол предавал анафеме и за меньшее, а тут целый набор. К тому же движение быстро набирало большое количество сочувствующих. У людей тогда накопились вопросы к благочестию католических священников, а катары к земным старстям были равнодушны, богатства их не привлекали.
Церковь решительно объявила катаров еретиками и начала их в прямом смысле выжигать. Именно для борьбы с катарами существовавшая уже епископальная инквизиция начала прибегать к советам папских легатов, что стало большим шагом в сторону создания позже Папской инквизиции.
Петр почему-то не поддержал семейные катарские традиции и пошел работать проповедником в католическую церковь. Да с таким рвением и самоотдачей, что к 26 годам Петр уже получил от Папы Григория IX назначение на должность генерального инквизитора.
Параллельно с инквизиторскими судами, Петр успел помочь основать монашеский орден сервитов во Флоренции и послужить приором итальянских доминиканских центров в разных городах. Наконец Папа Иннокентий IV назначил его папским инквизитором.
Насколько суровым инкивизитором был Петр, мнения расходятся.
Историки нашли только один документ, явно связывающий Петра с судебными решениями против каторов. Это был оправдательный приговор людей, признавшихся в симпатии к катарам. Но католическая церковь утверждает, что Петр карал направо и налево и именно благодаря его деятельности многие катары все осознали и вернулись в лоно традиционной церкви.
Даже если Петр не был ответственен за большое количество казней, очевидно, что выступив против своих же, среди катаров он популярностью не пользовался.
Закончилось все насилием конечно же. Накануне Пасхи, 6 апреля 1252 года, Петр в сопровождении своего помощника, монаха Доминико, отправился из города Комо в Милан. По дороге на них напали.
Католическая церковь однозначно заявляет, что это были нанятые катарами за
Один из нападавших вонзил тесак в голову Петра (церковь говорит, что тесак даже сохранился, но не говорит, где именно). По одной из версий Петра потом добили ударом кинжала в сердце.
Петр упал на землю, перед смертью написав на ней собственной кровью Credo in Deum («Я верю в Бога»).
В общем, целый триллер.
Петра из Вероны же почти моментально сделали святым и покровителем инквизиторов. Его канонизировали уже через 11 месяцев после смерти. Обычно этот процесс занимает десятилетия и даже столетия. Из интересных фактов, позже Петр Веронский стал считаться в народе еще и помощником от головной боли. Весьма остроумно.
Спутник Петра, Доминико, умер от ран на несколько дней позже Петра, но про него католическая церковь почему-то забыла и никак его не использовала дальше. А вот одного из убийц, Карино Пьетро да Бальзамо, настоящий убийца Петра, тоже сделали святым, как ни странно. Видимо потому что он так сильно раскаялся, что остаток жизни провел в доминиканском монастыре.
Очевидно, что сугубо добровольно, да.
Возвращаясь к необычности скульптуры в Лувре. По христианской традиции мучеников, погибших за идею, принято изображать с теми орудиями, которыми их умертвили. Поэтому Петра рисуют с тесаком или кинжалом в голове.
#Луврнедели
На «Портрете сидящей женщины» 1923 года изображена первая жена Пикассо, Ольга Хохлова, русская балерина.
Они познакомились, на одном из балетов Дягилева, в труппе которого танцевала Хохлова. Ее холодность и целомудрие показались Пикассо очень интригующими. Он тогда как раз хотел семью, а Хохлова идеально подходила на благородную роль «мадам Пикассо».
Через год они обвенчались.
Ольга оставила балет, полностью посвятила себя семье. Первые годы прошли счастливо, у супругов родился сын – Пикассо впервые стал отцом.
Но вскоре постоянные болезни Хохловой и ее тоска по семье в России утомили Пикассо.
Чтобы поднять себе настроение, он сначала купил отдельную квартиру, а потом завел 17-летнюю любовницу Марию-Терезу Вальтер.
Спустя годы скандалов, Хохлова нашла в себе силы уйти. Имущество Пикассо делить не хотел, а без этого нельзя было развестись.
Так они и оставались в официальном браке, пока Хохлова не умерла от рака.
До последнего она писала Пикассо письма.
Он же даже не пришел к ней в больницу.
#Луврнедели
Они познакомились, на одном из балетов Дягилева, в труппе которого танцевала Хохлова. Ее холодность и целомудрие показались Пикассо очень интригующими. Он тогда как раз хотел семью, а Хохлова идеально подходила на благородную роль «мадам Пикассо».
Через год они обвенчались.
Ольга оставила балет, полностью посвятила себя семье. Первые годы прошли счастливо, у супругов родился сын – Пикассо впервые стал отцом.
Но вскоре постоянные болезни Хохловой и ее тоска по семье в России утомили Пикассо.
Чтобы поднять себе настроение, он сначала купил отдельную квартиру, а потом завел 17-летнюю любовницу Марию-Терезу Вальтер.
Спустя годы скандалов, Хохлова нашла в себе силы уйти. Имущество Пикассо делить не хотел, а без этого нельзя было развестись.
Так они и оставались в официальном браке, пока Хохлова не умерла от рака.
До последнего она писала Пикассо письма.
Он же даже не пришел к ней в больницу.
#Луврнедели
Альфред Сислей, британец по рождению, француз по проведенным во Франции годам, как и все импрессионисты жил в основном бедно. Только в первые годы своей творческой деятельности он выгодно выделялся среди коллег тем, что жил на пособие своего отца, владельца шелкового бизнеса. Но после франко-прусской войны положения сравнялись: бизнес отца рухнул и Сислею пришлось зарабатывать продажей картин. А продавались они плохо.
В 1872 году, когда была написана «Дорога в Верьер», в целях экономии Сислей с семьей переехал из Парижа в городок Лувесьен и следующие несколько лет рисовал его окрестности. В том числе дорогу между Верьером — деревней рядом с Лувесьеном — и деревней Медон по дороге в Париж.
Цены начали расти только после смерти Сислея, начиная с аукциона, организованного его другом Моне для сбора денег его осиротевшим детям. Тогда было продано 27 картин за 112 тыс. франков.
Сейчас работы Сислея продаются за миллионы долларов. Например, эта картина летом 2014 ушла на Sotheby`s за $1,09 млн.
#Луврнедели
В 1872 году, когда была написана «Дорога в Верьер», в целях экономии Сислей с семьей переехал из Парижа в городок Лувесьен и следующие несколько лет рисовал его окрестности. В том числе дорогу между Верьером — деревней рядом с Лувесьеном — и деревней Медон по дороге в Париж.
Цены начали расти только после смерти Сислея, начиная с аукциона, организованного его другом Моне для сбора денег его осиротевшим детям. Тогда было продано 27 картин за 112 тыс. франков.
Сейчас работы Сислея продаются за миллионы долларов. Например, эта картина летом 2014 ушла на Sotheby`s за $1,09 млн.
#Луврнедели
Постоянная инсталляция современной американской художницы Дженни Хольцер, которая так и называется «Для Лувра Абу-Даби» (2017) была создана специально к открытию музея и состоит из трех текстов, вырезанных на мраморных панелях на внешних стенах его галерей.
#Луврнедели
#Луврнедели
Обычно вазы в музеях не вызывают особого восторга, потому что не очень понятно, зачем, что и почему. Сегодня на примере древнегреческой амфоры из коллекции Лувра Абу-Даби 525 года до н.э. с изображением мифа о первом подвиге Геракла – убийстве Немейского льва –, наш колумнист, Маша Аборонова, расскажет, как взглянуть на эти предметы иначе.
#Луврнедели
#Луврнедели
С 2017 года в коллекции Лувра Абу-Даби находится триптих современного марокканского художника Мунира Фатми «Корни 02» 2016 года.
С 1998 года Мунир создает работы из телевизионных антенных кабелей, выкладывая из них красивые узоры. Называет он такой стиль чем-то средним между архивом и археологией, размышлением о постоянным устаревании технологий и их превращением в своеобразный архив памяти.
На выбранный творческий метод вероятно повлияло детство художника, проведенное в Морокко. Жил он напротив археологического музея, а все дни проводил на блошином рынке, где его мама торговала детской одеждой.
Уже во взрослом возрасте, вспоминая, как он играл в окружении старых телевизоров, сломанных антенн, порванных книг и изношенной одежды, Мунир задумался о том, как постоянный технологический прогресс влияет на наше восприятие времени.
По его мнению технологии развиваются быстрее, чем человечество успевает понять, что оказалось у него в руках, но более того: быстрее, чем меняются сами люди.
Используя в своих работах атрибуты старых технологий, он предлагает зрителю вместе с ним поразмышлять, насколько мир на самом деле изменился в отрыве от бесконечного прогресса.
Старое доброе «Кто мы, откуда мы, куда мы идем».
«Искусство, возможно, не имеет силы изменить мир, но оно может дать людям время подумать об этом».
Мунир Фатми
#Луврнедели
С 1998 года Мунир создает работы из телевизионных антенных кабелей, выкладывая из них красивые узоры. Называет он такой стиль чем-то средним между архивом и археологией, размышлением о постоянным устаревании технологий и их превращением в своеобразный архив памяти.
На выбранный творческий метод вероятно повлияло детство художника, проведенное в Морокко. Жил он напротив археологического музея, а все дни проводил на блошином рынке, где его мама торговала детской одеждой.
Уже во взрослом возрасте, вспоминая, как он играл в окружении старых телевизоров, сломанных антенн, порванных книг и изношенной одежды, Мунир задумался о том, как постоянный технологический прогресс влияет на наше восприятие времени.
По его мнению технологии развиваются быстрее, чем человечество успевает понять, что оказалось у него в руках, но более того: быстрее, чем меняются сами люди.
Используя в своих работах атрибуты старых технологий, он предлагает зрителю вместе с ним поразмышлять, насколько мир на самом деле изменился в отрыве от бесконечного прогресса.
Старое доброе «Кто мы, откуда мы, куда мы идем».
«Искусство, возможно, не имеет силы изменить мир, но оно может дать людям время подумать об этом».
Мунир Фатми
#Луврнедели
Статуэтки богини Исиды, изображающие ее в процессе кормления своего сына Гора, — один из самых популярных образов этой древнеегипетской богини. Исида впервые упоминается в текстах пирамид (буквально тексты на стенах пирамид Саккара) периода пятой династии, ок. 2504—2347 гг. до н. э.
Это одна из наиболее почитаемых богинь Древнего Египта, собирательный образ богини-матери и, соответственно, – матери всех фараонов.
Согласно текстам пирамид Исида была сестрой-женой бога Осириса. Один из главных мифов о ней записал, как ни странно, в 1 веке н.э. Плутарх, греческий философ периода владычества Римской империи. Но текстам пирамид он не противоречит.
В этом мифе рассказывается, что Исида и Осирис полюбили друг друга еще во чреве матери, что совершенно никого не смутило. После рождения они не стали останавливаться и поженились. Осирис стал царем. И царем очень хорошим, народу нравилось. Но его брат Сетх завидовал, что на престоле сидит не он, и придумал коварный план, благодаря которому смог убить Осириса. Осирис был заточен в сундук и спущен по реке, а потом еще и разрублен на 14 частей, которые Сетх разбросал по всему Египту.
Исида смогла найти почти все части тела мужа, похоронив каждую там, где нашла. Почти, потому что она не нашла его пенис. Его успела съесть нильская рыба. (Какая именно рыба, Плутарх не уточнил).
Этим фантазия Плутарха ограничилась. Он очень абстрактно описывает, как Исида смогла воскресить Осириса и забеременеть от него Гором, который вырос и всем отомстил за отца.
А вот тексты пирамид были чуть более точны. Исида собрала мужа, как конструктор, отсутствовавший пенис тоже из чего-то слепила (интересно, из чего?), сделала из Осириса мумию (первую в истории, между прочим), с помощью магии оживила его и зачала Гора.
Жизнеутверждающее.
Статуэтка в Лувре Абу-Даби датируется ок. 800 – 400 гг. до н. э. У Исиды на голове рогатая корона с солнечным диском и головной убор, напоминающий крылья стервятника, который подчеркивал роль богини как матери фараонов. На руках сидит маленький Гор.
#Луврнедели
Это одна из наиболее почитаемых богинь Древнего Египта, собирательный образ богини-матери и, соответственно, – матери всех фараонов.
Согласно текстам пирамид Исида была сестрой-женой бога Осириса. Один из главных мифов о ней записал, как ни странно, в 1 веке н.э. Плутарх, греческий философ периода владычества Римской империи. Но текстам пирамид он не противоречит.
В этом мифе рассказывается, что Исида и Осирис полюбили друг друга еще во чреве матери, что совершенно никого не смутило. После рождения они не стали останавливаться и поженились. Осирис стал царем. И царем очень хорошим, народу нравилось. Но его брат Сетх завидовал, что на престоле сидит не он, и придумал коварный план, благодаря которому смог убить Осириса. Осирис был заточен в сундук и спущен по реке, а потом еще и разрублен на 14 частей, которые Сетх разбросал по всему Египту.
Исида смогла найти почти все части тела мужа, похоронив каждую там, где нашла. Почти, потому что она не нашла его пенис. Его успела съесть нильская рыба. (Какая именно рыба, Плутарх не уточнил).
Этим фантазия Плутарха ограничилась. Он очень абстрактно описывает, как Исида смогла воскресить Осириса и забеременеть от него Гором, который вырос и всем отомстил за отца.
А вот тексты пирамид были чуть более точны. Исида собрала мужа, как конструктор, отсутствовавший пенис тоже из чего-то слепила (интересно, из чего?), сделала из Осириса мумию (первую в истории, между прочим), с помощью магии оживила его и зачала Гора.
Жизнеутверждающее.
Статуэтка в Лувре Абу-Даби датируется ок. 800 – 400 гг. до н. э. У Исиды на голове рогатая корона с солнечным диском и головной убор, напоминающий крылья стервятника, который подчеркивал роль богини как матери фараонов. На руках сидит маленький Гор.
#Луврнедели
Эта будто бы античная скульптура на фоне инсталляции Дженни Хольцер на самом деле представляет собой философский recycle-reuse 19 века авторства Огюста Родена.
Впервые она была представлена публике на вершине гипсовой колонны на Всемирной выставке в Париже в 1900 году как этюд Святого Иоанна Крестителя.
Корни же ее уходят в более ранний период. В 1877 году Роден создал «Проповедь Святого Иоанна Крестителя», фигуру Святого Иоанна в натуральную величину. Все назвали работу шедевром, но Роден не был доволен. Ему не хватало движения в скульптуре, и он начал экспериментировать.
Спустя 23 года (вот это целеустремленность!) он отлил бронзовую скульптуру и назвал ее «Идущий человек».
Роден соединил торс от «Проповеди» 1877 года и ноги от другого более раннего проекта. (Интересно, в какой степени на этот прием повлиял роман «Франкенштейн, или Современный Прометей», который был переиздан во Франции в 1823 году и не мог остаться незамеченным Роденом).
Торс он лишил рук и головы, как у откопанных античных статуй, и слегка наклонил и развернул его. Поверхность скульптуры Роден сделал не гладкой, как было принято в классической скульптуре, а шероховатой.
Все вместе помогло сделать фигуру Святого Иоанна неожиданно динамичной и нагло отходящей от академических традиций.
«Идущий человек на колонне» – яркое доказательство, что понятие завершенности в искусстве может быть довольно размытым.
Публика Салона 1900 года такой гениальный ход не оценила, но мы от души восхищаемся.
#Луврнедели
Впервые она была представлена публике на вершине гипсовой колонны на Всемирной выставке в Париже в 1900 году как этюд Святого Иоанна Крестителя.
Корни же ее уходят в более ранний период. В 1877 году Роден создал «Проповедь Святого Иоанна Крестителя», фигуру Святого Иоанна в натуральную величину. Все назвали работу шедевром, но Роден не был доволен. Ему не хватало движения в скульптуре, и он начал экспериментировать.
Спустя 23 года (вот это целеустремленность!) он отлил бронзовую скульптуру и назвал ее «Идущий человек».
Роден соединил торс от «Проповеди» 1877 года и ноги от другого более раннего проекта. (Интересно, в какой степени на этот прием повлиял роман «Франкенштейн, или Современный Прометей», который был переиздан во Франции в 1823 году и не мог остаться незамеченным Роденом).
Торс он лишил рук и головы, как у откопанных античных статуй, и слегка наклонил и развернул его. Поверхность скульптуры Роден сделал не гладкой, как было принято в классической скульптуре, а шероховатой.
Все вместе помогло сделать фигуру Святого Иоанна неожиданно динамичной и нагло отходящей от академических традиций.
«Идущий человек на колонне» – яркое доказательство, что понятие завершенности в искусстве может быть довольно размытым.
Публика Салона 1900 года такой гениальный ход не оценила, но мы от души восхищаемся.
#Луврнедели
В Лувре Абу-Даби находится прекрасная скульптурная группа «Бой между Кревгом и Дамоксеном» итальянского скульптора 18 века Антонио Кановы. Канова так хорош, что есть ощущение, что в него реинкарнировал Бернини.
Скульптуры, доставшиеся арабскому музею, не самые аутентичные. Это версия из штукатурки. Мраморные оригиналы украшают Октагональный двор в Ватиканском Музее Пия—Климента. Ровно по бокам по маньяка Персея с головой невинно убиенной им Медузы.
Изображенная сцена боя относится к древнегреческим историям. Ее описал Павсаний, древнегреческий писатель II века и автор путеводителя «Описание Греции» в десяти книгах. В одной из глав Павсаний поведал, что Кревг (слева) и Дамоксен (справа) были двумя греческими борцами, участвовавшими в Немейских играх в кулачном бою – одном из самых кровавых состязаний. Они сражались полностью обнаженными, но обмотав кисти рук мягкими ремнями (которые внимательный к деталям Канова тоже вылепил).
Бойцы были равны по силе, наносили удары по очереди, пока не дошли до финальной серии свободных ударов: соперник не мог уклоняться и защищаться от них. Кревг ударил Дамоксена в голову, а Дамоксен в тестостероновом припадке пробил ему в ответ пальцами бок под ребрами так, что рука вошла внутрь и дальше по тексту неприятные физиологические подробности, в результате которых Кревг стремительно умер.
Но смерть бойца в традициях древних греков не означала его поражение. Дамоксена изгнали за нарушение правил одного удара за раз (манипуляции с внутренностями засчитали за несколько повреждений) и за удары ниже шеи, которые также были запрещены.
Победный венок посмертно вручили Кревгу. И не только венок, но и статую поставили в храме Аполлона.
Угадайте, что из всей истории Павсания интересно исследователям по сей день? Конечно техника смертельного удара Дамоксена. Почти загадка «касания смерти» из «Убить Билла».
#Луврнедели
Скульптуры, доставшиеся арабскому музею, не самые аутентичные. Это версия из штукатурки. Мраморные оригиналы украшают Октагональный двор в Ватиканском Музее Пия—Климента. Ровно по бокам по маньяка Персея с головой невинно убиенной им Медузы.
Изображенная сцена боя относится к древнегреческим историям. Ее описал Павсаний, древнегреческий писатель II века и автор путеводителя «Описание Греции» в десяти книгах. В одной из глав Павсаний поведал, что Кревг (слева) и Дамоксен (справа) были двумя греческими борцами, участвовавшими в Немейских играх в кулачном бою – одном из самых кровавых состязаний. Они сражались полностью обнаженными, но обмотав кисти рук мягкими ремнями (которые внимательный к деталям Канова тоже вылепил).
Бойцы были равны по силе, наносили удары по очереди, пока не дошли до финальной серии свободных ударов: соперник не мог уклоняться и защищаться от них. Кревг ударил Дамоксена в голову, а Дамоксен в тестостероновом припадке пробил ему в ответ пальцами бок под ребрами так, что рука вошла внутрь и дальше по тексту неприятные физиологические подробности, в результате которых Кревг стремительно умер.
Но смерть бойца в традициях древних греков не означала его поражение. Дамоксена изгнали за нарушение правил одного удара за раз (манипуляции с внутренностями засчитали за несколько повреждений) и за удары ниже шеи, которые также были запрещены.
Победный венок посмертно вручили Кревгу. И не только венок, но и статую поставили в храме Аполлона.
Угадайте, что из всей истории Павсания интересно исследователям по сей день? Конечно техника смертельного удара Дамоксена. Почти загадка «касания смерти» из «Убить Билла».
#Луврнедели
«Символ присутствия французского Лувра и его обязательств по совместному созданию уникального музея» – так сотрудники Лувра Абу-Даби назвали пентаптих франко-китайского художника Ян Пей-Мина с жизнеутверждающим названием «Les Funérailles de Monna Lisa» / «Похороны Моны Лизы».
Эти картины Ян Пей-Мин создал специально для персональной выставки в Лувре в Париже в 2019 году, став первым китайским художником, которого Лувр так радушно принял. (Да еще и разрешив покуситься на святое – «Джоконду»). Картины были выставлены в самом сердце музея: в галереях, посвященных крупнейшим французским полотнам XIX века, напротив зала с шедеврами итальянского Возрождения. Локация тоже довольно жирная. Чем он все это заслужил?
Ян Пей-Мин родился в Китае в 1960 году, во время Культурной революции. Он некоторое время работал художником при маоистском режиме, набив руку на хвалебных монументальных полотнах, а затем эмигрировал во Францию, получил художественное образование и продолжил писать портреты. Можно вывезти человека из тоталитарного режима, но не навыки пропагандистской живлписи из него. Так и главными героями портретов Пей-Мина становились в основном китайские политики. В первую очередь в огромном количестве – Мао Цзэдун. Но он не обделил вниманием и Обаму, Трампа, а в прошлом году даже Владимира Владимировича, а также ряд международных актеров и исторических личностей.
«Похороны Моны Лизы» написаны в том же стиле монументальных портретов. В центре композиции – Мона Лиза, которая «плачет на собственных похоронах». С обеих сторон от нее – две картины, которые расширяет пейзаж позади оригинального полотна да Винчи, дополненный черепами. На боковых стенах еще два портрета: умирающий отец Пей-Мина и автопортрет художника в молодости на смертном одре.
На пресс-показе Пей-Мин описал композицию как дань уважения Моне Лизе, назвав ее «тайной, как сама смерть».
#Луврнедели
Эти картины Ян Пей-Мин создал специально для персональной выставки в Лувре в Париже в 2019 году, став первым китайским художником, которого Лувр так радушно принял. (Да еще и разрешив покуситься на святое – «Джоконду»). Картины были выставлены в самом сердце музея: в галереях, посвященных крупнейшим французским полотнам XIX века, напротив зала с шедеврами итальянского Возрождения. Локация тоже довольно жирная. Чем он все это заслужил?
Ян Пей-Мин родился в Китае в 1960 году, во время Культурной революции. Он некоторое время работал художником при маоистском режиме, набив руку на хвалебных монументальных полотнах, а затем эмигрировал во Францию, получил художественное образование и продолжил писать портреты. Можно вывезти человека из тоталитарного режима, но не навыки пропагандистской живлписи из него. Так и главными героями портретов Пей-Мина становились в основном китайские политики. В первую очередь в огромном количестве – Мао Цзэдун. Но он не обделил вниманием и Обаму, Трампа, а в прошлом году даже Владимира Владимировича, а также ряд международных актеров и исторических личностей.
«Похороны Моны Лизы» написаны в том же стиле монументальных портретов. В центре композиции – Мона Лиза, которая «плачет на собственных похоронах». С обеих сторон от нее – две картины, которые расширяет пейзаж позади оригинального полотна да Винчи, дополненный черепами. На боковых стенах еще два портрета: умирающий отец Пей-Мина и автопортрет художника в молодости на смертном одре.
На пресс-показе Пей-Мин описал композицию как дань уважения Моне Лизе, назвав ее «тайной, как сама смерть».
#Луврнедели
#Луврнедели
С чем у вас ассоциируется имя “Аретуза”? Если вы являетесь поклонниками вселенной «Ведьмака» или, после выхода сериала на Netflix, скорее поклонниками Генри Кевилла в образе Геральта, то в первую очередь вы подумаете о школе магии, где получала свое образование возлюбленная нашего красавчика, Йеннифэр. В принципе направление мысли будет верным. Название школы отсылает к тому же персонажу, что и изображение на монете из коллекции Лувра Абу-Даби – нимфе Аретузе.
Согласно древнегреческим мифам, Аретуза была нимфой-охотницей в греческой колонии на одном из островов недалеко от Сицилии. Аретуза плотно разделяла идеологию вечной девственницы – богини Артемиды – и на остров переселилась специально, чтобы оградить себя от мужского внимания.
В то же время речной бог Алфей настойчиво пытался добиться взаимности от Артемиды. Та с трудом отбилась, и расстроенный Алфей поехал охотиться, чтобы отвлечься. Именно на тот остров, где Аретуза планировала реализовать обет безбрачия.
Алфей увидел среди оленей Аретузу и немедленно влюбился, что однозначно диагностируется как непроработанная травма отвержения. Но тогда про гештальты ничего не знали. Решением проблемы “если женщина отказала” было “игнорируй ее отказ, пока она не устанет убегать”. Или, как мы бы сейчас сказали, сталкинг.
Аретуза сначала попыталась вежливо объяснить, что у нее на жизнь другие планы, но облачко любви уже отключило Алфею критическое мышление. Тогда Аретуза попросила Артемиду, косвенно виновную в этом преследовании, превратить ее в источник. Не самое мудрое решение, когда тебя преследует речной бог. Артемида пожелание выполнила, а Алфей, недолго думая, превратился в реку. Но не просто в реку, а в реку, которая сливает свои воды с источником Аретузы.
Спрятаться, получается, не очень удалось.
Лучше бы другое название школы выбрали, если так подумать.
Монеты с Аретузой чеканили на Сицилии еще в 8 веке до н.э. Эта была сделана ок. 4 века до н. э. легендарным сициллийским гравером Эвайнетом, известным как раз по декадрахмам с Аретузой.
С чем у вас ассоциируется имя “Аретуза”? Если вы являетесь поклонниками вселенной «Ведьмака» или, после выхода сериала на Netflix, скорее поклонниками Генри Кевилла в образе Геральта, то в первую очередь вы подумаете о школе магии, где получала свое образование возлюбленная нашего красавчика, Йеннифэр. В принципе направление мысли будет верным. Название школы отсылает к тому же персонажу, что и изображение на монете из коллекции Лувра Абу-Даби – нимфе Аретузе.
Согласно древнегреческим мифам, Аретуза была нимфой-охотницей в греческой колонии на одном из островов недалеко от Сицилии. Аретуза плотно разделяла идеологию вечной девственницы – богини Артемиды – и на остров переселилась специально, чтобы оградить себя от мужского внимания.
В то же время речной бог Алфей настойчиво пытался добиться взаимности от Артемиды. Та с трудом отбилась, и расстроенный Алфей поехал охотиться, чтобы отвлечься. Именно на тот остров, где Аретуза планировала реализовать обет безбрачия.
Алфей увидел среди оленей Аретузу и немедленно влюбился, что однозначно диагностируется как непроработанная травма отвержения. Но тогда про гештальты ничего не знали. Решением проблемы “если женщина отказала” было “игнорируй ее отказ, пока она не устанет убегать”. Или, как мы бы сейчас сказали, сталкинг.
Аретуза сначала попыталась вежливо объяснить, что у нее на жизнь другие планы, но облачко любви уже отключило Алфею критическое мышление. Тогда Аретуза попросила Артемиду, косвенно виновную в этом преследовании, превратить ее в источник. Не самое мудрое решение, когда тебя преследует речной бог. Артемида пожелание выполнила, а Алфей, недолго думая, превратился в реку. Но не просто в реку, а в реку, которая сливает свои воды с источником Аретузы.
Спрятаться, получается, не очень удалось.
Лучше бы другое название школы выбрали, если так подумать.
Монеты с Аретузой чеканили на Сицилии еще в 8 веке до н.э. Эта была сделана ок. 4 века до н. э. легендарным сициллийским гравером Эвайнетом, известным как раз по декадрахмам с Аретузой.
Подготовительный эскиз к картине Фрагонара «Задвижка» 1776-1779 гг., выставленный в Лувре Абу-Даби, – отличный повод поговорить об этой работе, оригинал которой находится в парижском Лувре.
На сайте нашего дорогого арабского музея написано, что изображенные телодвижения
олицетворяют столкновение между общественными идеями и частной жизнью, которое изменило Европу за десятилетия, предшествовавшие Французской революции.
Звучит красиво и очень философски, но есть более приземленные версии.
Начнем с названия. Почему «Задвижка»? Все просто: мужчина на картине запирает дверь, прижимая при этом женщину к кровати. Это ключевой элемент сюжета, с которым вроде и так все очевидно. Но все-таки давайте разберемся, как ее считывали современники.
В 18 веке были популярны романы для взрослых, где описывались подобные «галатные» (и не очень) сцены: женщина слабо сопротивляется, мужчина частично одет.
В 1748 году был опубликован такой роман Джона Клеланда «Мемуары женщины для утех» о Фанни Хилл, молодой наивной 16-летней деревенской сироте, которая направляется в Лондон в поисках лучшей жизни. И находит ее в публичном доме, владелец которого намерен за дорого продать ее девственность. Но Фанни сбегает с парнем по имени Чарльз, потому что он уверенно обещает ей еще более красивую жизнь. Чарльз привозит ее из борделя в гостиницу, где уводит в спальню и стремительно закрывает дверь на задвижку.
На сходство картины с романом указывает не только эта сцена, но и перевернутый стул («les jambes en l’air» = ноги в воздухе) в левом нижнем углу картины; в романе его перевернула Фанни при падении. К целям Чарльза отсылает ваза как символ девственности, и яблоко – символ греха.
Фрагонар был знаком с такой литературой и даже иллюстрировал ее. Помимо этого он был против иерархии жанров Академии и принципиально писал бытовые сцены (за редким исключением), считая, что они не хуже исторических и религиозных сюжетов.
Можно ли назвать это столкновением общественного и частного? Да, но есть, как говорится, нюанс.
#Луврнедели
На сайте нашего дорогого арабского музея написано, что изображенные телодвижения
олицетворяют столкновение между общественными идеями и частной жизнью, которое изменило Европу за десятилетия, предшествовавшие Французской революции.
Звучит красиво и очень философски, но есть более приземленные версии.
Начнем с названия. Почему «Задвижка»? Все просто: мужчина на картине запирает дверь, прижимая при этом женщину к кровати. Это ключевой элемент сюжета, с которым вроде и так все очевидно. Но все-таки давайте разберемся, как ее считывали современники.
В 18 веке были популярны романы для взрослых, где описывались подобные «галатные» (и не очень) сцены: женщина слабо сопротивляется, мужчина частично одет.
В 1748 году был опубликован такой роман Джона Клеланда «Мемуары женщины для утех» о Фанни Хилл, молодой наивной 16-летней деревенской сироте, которая направляется в Лондон в поисках лучшей жизни. И находит ее в публичном доме, владелец которого намерен за дорого продать ее девственность. Но Фанни сбегает с парнем по имени Чарльз, потому что он уверенно обещает ей еще более красивую жизнь. Чарльз привозит ее из борделя в гостиницу, где уводит в спальню и стремительно закрывает дверь на задвижку.
На сходство картины с романом указывает не только эта сцена, но и перевернутый стул («les jambes en l’air» = ноги в воздухе) в левом нижнем углу картины; в романе его перевернула Фанни при падении. К целям Чарльза отсылает ваза как символ девственности, и яблоко – символ греха.
Фрагонар был знаком с такой литературой и даже иллюстрировал ее. Помимо этого он был против иерархии жанров Академии и принципиально писал бытовые сцены (за редким исключением), считая, что они не хуже исторических и религиозных сюжетов.
Можно ли назвать это столкновением общественного и частного? Да, но есть, как говорится, нюанс.
#Луврнедели
В Лувр Абу-Даби скоро по программе обмена приедет новый экспонат из коллекции старшего брата. Отдел исламского искусства французского Лувра отправит в арабский музей пиксис 968 года под названием «во имя Аль-Мугиры».
Пиксис – это такая традиционная круглая емкость для хранения. Они изготавливались еще в 9 веке до н. э. в Древней Греции и Риме из металла, стекла, керамики, дерева и др. материалов.
Родина экспоната из Лувра - Аль-Андалус —«мусульманская Испания» – земли на Пиренейском полуострове, которые контролировались мусульманами с 711 по 1492 год.
В те годы культурная жизнь на полуострове била ключом. Изделия из бронзы, латуни, резьба по горному хрусталю — все мощно развивалось.
Во времена династии Омейядов особенно популярна стала резьба по слоновой кости.
Связано это было в том числе с тем, что Омейяды были одной из первых исламских династий, использовавших «мягкую силу» для пропаганды ислама и своего режима. Шкатулки из слоновой кости они дарили чиновникам, членам правящих семей, а также торжественно вручали халифами в качестве дипломатических даров.
Пиксис из Лувра – один из лучших сохранившихся образцов резьбы по слоновой кости этого периода. Работа сделана настолько тонко, что некоторые части сосуда становятся почти прозрачными, если их держать на свету.
Он был создан в качестве подарка сыну Абд ар-Рахмана III, омейядского эмира Кордовы. На нем изображены четыре медальона, символизирующие непререкаемую власть Омейядов. Вот, например, сторона, на которой львы впивают зубы в быков, символизирующих противников династии.
Такое, знаете, двойное послание: вот тебе красивая шкатулка, дорогой друг, а еще мы тебя убьем, если выступишь против нас.
Яркая иллюстрация «страшно красиво».
#Луврнедели
Пиксис – это такая традиционная круглая емкость для хранения. Они изготавливались еще в 9 веке до н. э. в Древней Греции и Риме из металла, стекла, керамики, дерева и др. материалов.
Родина экспоната из Лувра - Аль-Андалус —«мусульманская Испания» – земли на Пиренейском полуострове, которые контролировались мусульманами с 711 по 1492 год.
В те годы культурная жизнь на полуострове била ключом. Изделия из бронзы, латуни, резьба по горному хрусталю — все мощно развивалось.
Во времена династии Омейядов особенно популярна стала резьба по слоновой кости.
Связано это было в том числе с тем, что Омейяды были одной из первых исламских династий, использовавших «мягкую силу» для пропаганды ислама и своего режима. Шкатулки из слоновой кости они дарили чиновникам, членам правящих семей, а также торжественно вручали халифами в качестве дипломатических даров.
Пиксис из Лувра – один из лучших сохранившихся образцов резьбы по слоновой кости этого периода. Работа сделана настолько тонко, что некоторые части сосуда становятся почти прозрачными, если их держать на свету.
Он был создан в качестве подарка сыну Абд ар-Рахмана III, омейядского эмира Кордовы. На нем изображены четыре медальона, символизирующие непререкаемую власть Омейядов. Вот, например, сторона, на которой львы впивают зубы в быков, символизирующих противников династии.
Такое, знаете, двойное послание: вот тебе красивая шкатулка, дорогой друг, а еще мы тебя убьем, если выступишь против нас.
Яркая иллюстрация «страшно красиво».
#Луврнедели
Камиль Коро, В лесу Фонтенбло: сосны и березы среди скал, ок. 1845-1850 гг.
Пейзажи леса Фонтенбло рисовали многие великие художники-импрессионисты: Клод Моне, Жан-Франуса Милле, Теодор Руссо, Поль Сезанн и, как мы видим, Камиль Коро тоже.
Чем всех так привлекал этот сюжет?
Начнем с контекста. В начале 19 века на французском арт-рынке господствовал классический реализм. На знаменитый Парижский Салон надо было подавать картины с героями, библейскими мифами или же великими историческими лидерами. Пейзаж не считался достойным внимания, если в нем не было фигур, которые можно было бы записать в список выше. А без Салона известным стать было почти невозможно. Приходилось соответствовать, даже если душа требовала другого.
Зато на весенних и летних каникулах ученики художественных школ могли отправиться в сельскую местность к югу от Парижа, в популярный район под названием Фонтенбло, а там уж рисовать что угодно.
В Фонтенбло, королевском охотничьем заповеднике были не только выдающиеся лесные массивы, но также фермы, деревни и небольшие города. В одном из них, Барбизоне, часто начала собираться группа художников. Шарль Добиньи, Теодор Руссо и Жан-Франсуа Милле решили, что больше хотят следовать строгим стилям, которыми так восхищался Салон, и начали воплощать в жизнь философию Руссо: «К черту цивилизованные миры, да здравствует природа и старая поэзия!»
Их позже назвали «Барбизонской школой». Ее участники рисовали с натуры и стремились нарисовать максимально реалистичный пейзаж. Они хотели возвысить пейзаж до отдельного жанра, избавив его от репутации “фона для стоящего сюжета”.
Кстати, наш великий русский писатель И.С. Тургенев был большим фанатом «барбизонской школы». Пейзаж ее основателя - Руссо - в течение нескольких лет находился в кабинете писателя. Есть мнение, что именно “барбизонские” пейзажи Тургенев так красочно описывает в ряде рассказов из сборника «Записки охотника».
Камиль Коро, чей пейзаж леса Фонтенбло висит в Лувре Абу-Даби, не причислял себя к представителям барбизонской школы, однако во многом был близок к ней. Он старался выдерживать баланс между реализмом и пейзажем, поэтому даже на этой картине есть маленькая фигурка человека слева, чтобы вписаться в канон Парижского Салона.
В 1849 году до Фонтенбло провели железную дорогу, и он стал популярным для прогулок по выходным. Отношение к природе у городских жителей изменилось. Королевский двор даже начал выезжать весной в замок Фонтенбло. В моду вошли пикники в лесу. Говорили, что Наполеон III как-то даже посетил художественную выставку в этом районе и купил картину для императрицы Евгении. Известные писатели, такие как Гюстав Флобер и Жорж Санд, начали приходить в лес за вдохновением. О жизни лесных художников писали творческие романы.
Одновременно с этим Франция пыталась возродить свою послереволюционную национальную историю и красоту французского пейзажа, так что пейзажи «Барбизонской школы» наконец-то вписались в тренд. В итоге пейзаж был признан уважаемым самостоятельным жанром.
Таким образом, между 1830 и 1870 гг. в лесу Фонтенбло произошла целая художественная революция.
#Луврнедели
Пейзажи леса Фонтенбло рисовали многие великие художники-импрессионисты: Клод Моне, Жан-Франуса Милле, Теодор Руссо, Поль Сезанн и, как мы видим, Камиль Коро тоже.
Чем всех так привлекал этот сюжет?
Начнем с контекста. В начале 19 века на французском арт-рынке господствовал классический реализм. На знаменитый Парижский Салон надо было подавать картины с героями, библейскими мифами или же великими историческими лидерами. Пейзаж не считался достойным внимания, если в нем не было фигур, которые можно было бы записать в список выше. А без Салона известным стать было почти невозможно. Приходилось соответствовать, даже если душа требовала другого.
Зато на весенних и летних каникулах ученики художественных школ могли отправиться в сельскую местность к югу от Парижа, в популярный район под названием Фонтенбло, а там уж рисовать что угодно.
В Фонтенбло, королевском охотничьем заповеднике были не только выдающиеся лесные массивы, но также фермы, деревни и небольшие города. В одном из них, Барбизоне, часто начала собираться группа художников. Шарль Добиньи, Теодор Руссо и Жан-Франсуа Милле решили, что больше хотят следовать строгим стилям, которыми так восхищался Салон, и начали воплощать в жизнь философию Руссо: «К черту цивилизованные миры, да здравствует природа и старая поэзия!»
Их позже назвали «Барбизонской школой». Ее участники рисовали с натуры и стремились нарисовать максимально реалистичный пейзаж. Они хотели возвысить пейзаж до отдельного жанра, избавив его от репутации “фона для стоящего сюжета”.
Кстати, наш великий русский писатель И.С. Тургенев был большим фанатом «барбизонской школы». Пейзаж ее основателя - Руссо - в течение нескольких лет находился в кабинете писателя. Есть мнение, что именно “барбизонские” пейзажи Тургенев так красочно описывает в ряде рассказов из сборника «Записки охотника».
Камиль Коро, чей пейзаж леса Фонтенбло висит в Лувре Абу-Даби, не причислял себя к представителям барбизонской школы, однако во многом был близок к ней. Он старался выдерживать баланс между реализмом и пейзажем, поэтому даже на этой картине есть маленькая фигурка человека слева, чтобы вписаться в канон Парижского Салона.
В 1849 году до Фонтенбло провели железную дорогу, и он стал популярным для прогулок по выходным. Отношение к природе у городских жителей изменилось. Королевский двор даже начал выезжать весной в замок Фонтенбло. В моду вошли пикники в лесу. Говорили, что Наполеон III как-то даже посетил художественную выставку в этом районе и купил картину для императрицы Евгении. Известные писатели, такие как Гюстав Флобер и Жорж Санд, начали приходить в лес за вдохновением. О жизни лесных художников писали творческие романы.
Одновременно с этим Франция пыталась возродить свою послереволюционную национальную историю и красоту французского пейзажа, так что пейзажи «Барбизонской школы» наконец-то вписались в тренд. В итоге пейзаж был признан уважаемым самостоятельным жанром.
Таким образом, между 1830 и 1870 гг. в лесу Фонтенбло произошла целая художественная революция.
#Луврнедели
В коллекции Лувра Абу-Даби была замечена новая работа - “Платформа доверия” 2016 года. Автор – современный сенегальский художник Омар Ба.
Мы еще после рекордных продаж ганского художника на Art Dubai решили следить за африканским искусством.
Как и в случае с Эль Анацуи творчество Омара Ба посвящено теме социального неравенства, иммиграции, истории Африки и, естественно, трендовой теме западного империализма.
Силуэты баобабов, завернутые в африканскую ткань как метафора разграблений и вырубки лесов в Африке к югу от Сахары – безусловно сильный мотив. Но откуда у арабского музея такой большой интерес к африканскому искусству, что эта картина аж стоит в одном ряду с Пикассо и Роденом?
Современное африканское искусство начало развиваться в 1970-х годах. Тогда многие колонизированные страны Африки начали восстанавливать свою автономию, что привело к возрождению чувства патриотизма и росту интереса к народному творчеству. Одновременно с этим континент начал активно глобализироваться и знакомиться с западными (в основном) культурами.
А потом случился Black Lives Matter и бум онлайн аукционов во время ковидной изоляции. Американские и европейские галереи и музеи с одной стороны начали спешно пытаться сбалансировать свои слишком “белые” портфолио, а с другой – диджитализация сделала это доступным для широких масс.
По мере того, как африканские художники добивались успеха на международном рынке, многие из них возвращались в Западную Африку, чтобы открыть на родине галереи и поддержать рост инфраструктуры. В Африке начали появляться музеи и регулярно проводиться ярмарки и выставки.
Помимо этого на континенте появился состоятельный класс, который начал коллекционировать картины, скульптуры и другие произведения искусства.
Согласно отчету Africa Wealth Report за 2023 год, в Африке проживают по меньшей мере 138 000 долларовых миллионеров и 23 долларовых миллиардера. И есть большая вероятность, что это число будет расти, так сама экономика Африки стремительно растет.
Сейчас общая годовая аукционная стоимость работ африканских художников подобралась к отметке $1,8 млрд. Для сравнения: 8 лет назад она была в два раза меньше. И хотя это все еще капля в море всего мирового арт-рынка (он оценивается примерно в $68 млрд.) арт-дилеры смотрят на тренд с оптимизмом. Один из ведущих мировых аукционных домов – Sotheby’s – заявил, что в настоящее время рынок произведений искусства из Африки является рынком “быков”. Т.е. цены растут, а инвесторы уверены, что они будут расти и в будущем.
В общем, есть ощущение, что не зря арабский музей покупает работы Омара Ба, который в среднем стоит ~20.000 евро. Через пару лет это могут быть уже несколько миллионов евро.
Возможно нам тоже пора присмотреть себе парочку картин.
#Луврнедели
Мы еще после рекордных продаж ганского художника на Art Dubai решили следить за африканским искусством.
Как и в случае с Эль Анацуи творчество Омара Ба посвящено теме социального неравенства, иммиграции, истории Африки и, естественно, трендовой теме западного империализма.
Силуэты баобабов, завернутые в африканскую ткань как метафора разграблений и вырубки лесов в Африке к югу от Сахары – безусловно сильный мотив. Но откуда у арабского музея такой большой интерес к африканскому искусству, что эта картина аж стоит в одном ряду с Пикассо и Роденом?
Современное африканское искусство начало развиваться в 1970-х годах. Тогда многие колонизированные страны Африки начали восстанавливать свою автономию, что привело к возрождению чувства патриотизма и росту интереса к народному творчеству. Одновременно с этим континент начал активно глобализироваться и знакомиться с западными (в основном) культурами.
А потом случился Black Lives Matter и бум онлайн аукционов во время ковидной изоляции. Американские и европейские галереи и музеи с одной стороны начали спешно пытаться сбалансировать свои слишком “белые” портфолио, а с другой – диджитализация сделала это доступным для широких масс.
По мере того, как африканские художники добивались успеха на международном рынке, многие из них возвращались в Западную Африку, чтобы открыть на родине галереи и поддержать рост инфраструктуры. В Африке начали появляться музеи и регулярно проводиться ярмарки и выставки.
Помимо этого на континенте появился состоятельный класс, который начал коллекционировать картины, скульптуры и другие произведения искусства.
Согласно отчету Africa Wealth Report за 2023 год, в Африке проживают по меньшей мере 138 000 долларовых миллионеров и 23 долларовых миллиардера. И есть большая вероятность, что это число будет расти, так сама экономика Африки стремительно растет.
Сейчас общая годовая аукционная стоимость работ африканских художников подобралась к отметке $1,8 млрд. Для сравнения: 8 лет назад она была в два раза меньше. И хотя это все еще капля в море всего мирового арт-рынка (он оценивается примерно в $68 млрд.) арт-дилеры смотрят на тренд с оптимизмом. Один из ведущих мировых аукционных домов – Sotheby’s – заявил, что в настоящее время рынок произведений искусства из Африки является рынком “быков”. Т.е. цены растут, а инвесторы уверены, что они будут расти и в будущем.
В общем, есть ощущение, что не зря арабский музей покупает работы Омара Ба, который в среднем стоит ~20.000 евро. Через пару лет это могут быть уже несколько миллионов евро.
Возможно нам тоже пора присмотреть себе парочку картин.
#Луврнедели