Разговоры композиторов (в данном случае Екимовского с Суслиным). Завораживает.

Отсюда:
https://mus.academy/articles/sochinyaya-ne-zabyvai-sochinyat-muzyku

Айслер и Брехт

Для наших петербургских читателей — обратите внимание на скромный, но обаятельный фестиваль флейты и арфы в Мариинке. Раньше это было два самостоятельных фестиваля ("Виртуозы флейты" и "Северная Лира"), а теперь они из-за пандемии объединились, и получился, можно сказать, коллаб. Играют, в основном, оркестранты Мариинки, а также их товарищи из Большого театра, "Новой оперы" и пр. В программе много всякого, от джазовых транскрипций до специально заказанных новых вещей. А также обещаны "пьесы из императорских нотных собраний".

https://www.mariinsky.ru/playbill/festivals/fest2020_2021/flute_harp_2021/

В воскресенье — премьера «Парсифаля» Серебренникова в Венской опере, будет трансляция, и потом ещё 30 дней доступна запись.

In einer aufsehenerregenden Neuinszenierung des russischen Regisseurs Kirill Serebrennikov kommt am Sonntag, 11. April 2021 Parsifal mit Jonas Kaufmann, Elina Garanca Ludovic Tezier, Georg Zeppenfeld und Wolfgang Koch unter der musikalischen Leitung von Musikdirektor Philippe Jordan zur Premiere.

Die Gesamtaufzeichnung der Premierenproduktion ist ab 18. April 2021, 14.00 Uhr europaweit auf ARTE Concert kostenlos verfügbar und dort für mindestens 30 Tage abrufbar.

Der ORF setzt kommendes Wochenende einen Parsifal Schwerpunkt: Radio Ö1 sendet am 17. April ab 19:30 Uhr die Aufzeichnung, ORF 2 überträgt am 17. April ab 22.00 Uhr die Sondersendung »Der Fall Parsifal« mit umfassenden Ausschnitten aus der Produktion, Interviews und Beiträgen. Am 18. April sind in der »Matinee am Sonntag» um 09.05 Uhr Portraits der Weltstars Jonas Kaufmann und Elīna Garanča zu sehen.

Mehr Informationen zur Produktionen gibt es hier ► https://fal.cn/Parsifal_News

По просьбе фонда Аксенова составил плейлист "250 лет русской музыки". Эта крутилка выглядит игрушкой, на самом деле там внутри зарыт лонгрид тысяч на 40 знаков — жмите на кружочки и читайте. А я для развлечения почтенной публики думаю повыкладывать по пункту в день. Там видны всякие дизайнерские ляпы (и, в частности, к Антону Батагову прилепился кусок про Стравинского), надеюсь, их вскоре вычистят. Подпись про неизвестные шедевры добавлена неизвестным энтузиастом, извинити.

https://steps.aksenovff.com/timeline

Ну и поехали:

Максим Березовский
«Не отвержи мене во время старости»

Русская музыка «до Глинки» для современного слушателя по-прежнему терра инкогнита: имена композиторов известны далеко не всем, их сочинения исполняются реже, чем они того заслуживают. Петровские канты и псальмы, партесные концерты, русская барочная опера — все это, по большей части, удел энтузиастов.

«Не отвержи мене во время старости» — одно из немногих сочинений того времени, вошедших в концертную практику. Ее автор — уроженец Черниговщины Максим Березовский, вместе со своим старшим товарищем и земляком Дмитрием Бортнянским составивший славу русской музыки. Мальчиком он перебирается в Москву, становится певцом в придворной капелле будущего императора Петра Третьего, служит придворным камер-музыкантом, рано начинает сочинять — и одно из лучших, самых знаменитых своих произведений создаст в самом начале карьеры. Величайшее в русской музыке сочинение, посвященное старости и борьбе со страхом смерти, сочинил юноша из Малороссии, до старости не доживший.

Премьера состоялась в Янтарной комнате Царскосельского дворца — «концерт, сочиненный музыкантом Березовским» развлек императрицу во время игры в карты. Березовскому в этот момент 21 год. Короткая запись в придворном камер-фурьерском журнале не зафиксировала реакцию слушателей на интересную новинку — сочетание православного партесного пения с западноевропейским «мотетным пассионом». Но Якоб фон Штетлин, один из воспитателей Петра Третьего, живо интересовавшийся современной ему музыкой, особо отмечал в своих записках умение Березовского «счастливо сочетать огненную итальянскую мелодию с нежной греческой». Это сочетание в руках талантливого украинского композитора дает новую русскую музыку.

«Творец певческой симфонии» проживет всего 31 год, успеет стать действительным членом Болонской академии (спустя год после Моцарта) и создаст первую оригинальную оперу, написанную отечественным композитором (правда, на итальянский текст, и поставят ее тоже в Италии). Но уже к XIX веку его сочинения будут интересовать лишь любителей древностей, а большинство так и останется в рукописях.

Зато его биография превратится в миф: вернувшись из Италии, Березовский не сможет примириться с русской реальностью, станет объектом травли, сопьется и покончит с собой. Именно эта история будет вдохновлять поколения сочинителей — ее будут использовать для драм, рассказов, даже опер. В «Ностальгии» Тарковского главный герой отправляется в Италию изучать биографию выдуманного композитора Сосновского — его прототипом и был Березовский. Тонино Гуэрра вспоминал, что история крепостного композитора, блиставшего в Италии, стала отправной точкой для их дискуссий о ностальгии: «русский человек, если он хотел жить за границей, уже тогда должен был порвать с родиной». В реальности Березовский не был крепостным, не так уж прославился за границей, по возвращении имел работу, заказы и жалование, музыковеды сомневаются и в версии про пьянство и самоубийство. Но набор тем и мотивов, заданных его судьбой — отношения с собственной идентичностью, соблазнами эмиграции, родиной, публикой, Европой и алкоголем — будет сопровождать русских композиторов на протяжении всех последующих эпох.

Кстати, прекрасная профессиональная новость. Елена Дубинец, помимо прочего — автор замечательных книг про Волконского и композиторов современного русского зарубежья.

https://muzlifemagazine.ru/elena-dubinec-stanet-artisticheskim-d

Тот в цирке не смеётся (новая цирковая опера Гласса!)

Circus Days and Nights, a new circus-opera by Philip Glass, will premiere via livestream on May 29th from Sweden. Tickets are limited and now on sale for performances May 29-June 13.

Libretto by David Henry Hwang and Tilde Björfors, based on a collection of poems by Robert Lax. Directed by Tilde Björfors and co-produced by Cirkus Cirkör and Malmö Opera

More Info: https://www.malmoopera.se/circus-days-and-nights-streaming
Direct Ticket Link: https://biljetter.malmoopera.se/events/17628?lang=en

#2

Михаил Глинка «Вальс-фантазия»

Глинка — композитор, от которого принято отсчитывать историю русской классической музыки. В его «Камаринской», по выражению Чайковского, заключена вся русская симфоническая музыка «как весь дуб в желуде», с «Жизни за царя» началась новая эпоха оперной музыки и вообще пения (как писали в газетах того времени, труды Глинки отучили петербургских артистов от «наклонности к завыванию»).

«Вальс-фантазия« — сочинение настолько же доступное, насколько и лихое. Оно создано для развлечения посетителей Павловского вокзала — конечной станции первой в империи железной дороги и одновременно — первой регулярной концертной площадки, где с 1838 года выступали симфонические оркестры. Вальс и был первоначально оркестрован капельмейстером Германом для местного оркестра и стал известен как «Павловский» (или же «Меланхолический»). Глинка затем дважды оркеструет его сам, переименовав в «Скерцо в форме вальса».

Финальная редакция, сделанная незадолго до смерти — и название «Вальс-фантазия» — станет самой знаменитой. И влиятельной: считается, что этот вальс стал прообразом средних частей многих отечественных симфоний.
Первая, еще фортепианная версия 1835 года негласно посвящена Екатерине Керн, которой Глинка был увлечен (недолго и несчастливо), последняя — давнему другу К. Булгакову («эта музыка напомнит тебе дни любви и молодости», напишет ему автор). От любовных приключений — к грустным воспоминаниям: вагончик тронется, перрон останется.

Глинка – в письме К. Булгакову: «Valse-fantasie» инструментован по новому, никакого расчета на виртуозность (кою решительно не терплю), ни на огромность массы оркестра... [Вальс] нужно играть манерно (un peu exagere). Обнимаю тебя от всей души, твой верный друг Мишка Глинка».

Гектор Берлиоз — после парижских концертов Глинки: «Скерцо увлекательно, исполнено самого поразительного ритмического кокетства, истинно ново и превосходно развито».

Несколько коротких отрывков с концерта, где играли 24 четвертьтоновые прелюдии Вышнеградского. Исполнители — Пётр Айду и Анастасия Теренкова, дело происходит в Переделкино.

#250_лет_русской_музыки

№3
Александр Гурилев «После битвы»

Без романсов — как «дилетантских», так и написанных лучшими авторами эпохи — русская музыка немыслима. Сборники нот и специализированные журналы вроде «Нувеллиста» разносят семена русского романса по всей России. В бесхитростных с виду миниатюрах рождается сталь русского пианизма и шелк русского мелоса, для многих композиторов это еще и важный источник заработка. Для некоторых — Алябьева, Гурилева, Варламова — основной. Даже самые прославленные авторы тратят на романсы уйму времени и сил. «Те ничтожные романсы, что сами собой вылились в минуту вдохновения, часто стоят мне тяжких усилий — не повторяться так трудно, как вы себе и вообразить не можете», пишет в письме Глинка. «Я решился прекратить фабрику русских романсов, а остаток сил и зрения посвятить более важным трудам».

Романсы Гурилева, автора бессмертного шлягера «Однозвучно гремит колокольчик», отличаются особенной депрессивностью. Велик соблазн увидеть в них отражение биографии автора: крепостной сочинитель, получивший свободу уже в зрелые годы, он всю жизнь провел в бедности, подрабатывая преподаванием и нотным набором, в последние годы был парализован и страдал психическим расстройством. «После битвы» — романс, написанный на стихи Николая Щербины, сына украинца и гречанки, одержимого греческими мотивами — отсюда и «эгейские волны». Стихи «таганрогского эллина», итальянская кантилена и баркарольные мотивы в сочетании с суицидальной гурилевской романтикой («подальше от грешной земли») и изысканной фортепианной фактурой филдовской школы дали архетипичный русский романс — в дальнейшем он станет основой для популярной и совершенно народной моряцкой песни «Раскинулось море широко».

Юрий Келдыш:
«Круг его настроений замкнут в в мире печального созерцания, безысходной грусти. Темы воспоминаний, темы сожалению о невозвратимой утрате, загубленной молодости, невозможности счастья — общая сфера его песен». («История русской музыки, т.5»).

Короткая пьеса про ананас

Хорошая цитата, которая начинается со слова "проиграл" в практически несуществующем сегодня смысле. Сел за рояль и проиграл.

Из дневника П.И.Чайковского.
30 июля (18 июля).
Вчера вечером я, дабы отдохнуть от своей собственной музыки (вследствие корректур, наконец, мне несколько прискучившей), проиграл от начала до конца «Carmen» Bizet [«Кармен» Бизе]. По-моему, это в полном смысле chef d’oeuvre, т.е. одна из тех немногих вещей, которым суждено отразить в себе в сильнейшей степени музыкальные стремления целой эпохи. Мне кажется, что переживаемая нами эпоха отличается от предыдущих той характеристической чертой, что композиторы гоняются (во 1-х, они гоняются, чего не делали ни Моцарт, ни Бетховен, ни Шуберт, ни Шуман) за хорошенькими и пикантными эффектами. Что такое так называемая новая русская школа, как не культ разных пряных гармонизации, оригинальных оркестровых комбинаций и всякого рода чисто внешних эффектов. Музыкальная идея ушла на задний план; она сделалась не целью, а средством, поводом к изобретению того или другого сочетания звуков. Прежде сочиняли, творили, теперь (за очень немногими исключениями) — подбирают, изобретают. Такой процесс музыкального измышления, разумеется, чисто рассудочный, и поэтому современная музыка, будучи очень остроумна, пикантна и курьёзна, — холодна, не согрета чувством. И вот является француз, у которого все эти пикантности и пряности являются не результатом выдуманности а льются свободным потоком, льстя слуху, но в то же время трогают и волнуют. Он как бы говорит нам: «Вы не хотите ничего величавого, сильного и грандиозного; вы хотите хорошенького, вот вам хорошенькая опера»; и действительно, я не знаю в музыке ничего, что бы имело большее право представлять собой элемент, который я называю хорошеньким, le joli. Это обаятельно прелестно от начала до конца. Пикантных гармоний, совершенно новых звуковых комбинаций множество, но все это не исключительная цель. Bizet — художник, отдающий дань веку и современности, но согретый истинным вдохновением. И что за чудный сюжет оперы! Я не могу без слез играть последнюю сцену; c одной стороны, народное ликование и грубое веселье толпы, смотрящей на бой быков, с другой стороны — страшная трагедия и смерть двух главных действующих лиц, которых злой рок, fatum, столкнул и через целый ряд страданий привёл к неизбежному концу.
Я убеждён, что лет через десять «Carmen» будет самой популярной оперой в мире. Но несть пророка в отечестве своём. «Carmen» в Париже настоящего успеха не имела. Bizet умер вскоре после её постановки, бывши ещё молодым и в цвете сил и здоровья. Кто знает, не неуспех ли так подействовал на него?
[Письмо к Н.Ф. фон Мекк от 16-19 июля 1880 г.]

ВИЛЬГЕЛЬМ ФУРТВЕНГЛЕР
Письмо к Линтону
Кларан, 1 июля 1954.
Дорогой г-н Линтон,
лучшее и самое первое сочинение Шёнберга—«Просветленная ночь». Уже в «Пеллеасе и Мелизанде» ощущается непрочность его дарования. Шёнберг - законодатель в том смысле, что он впервые поставил вопрос: не "как я сочиняю свои вещи", но "как я творю", то есть главный акцент падает не на произведение как вместилище некого переживания вообще, входящего в историю, но на функцию творчества как такового, независимо от произведения. Этим объясняется, почему в дальнейшем совсем не появляются значительные произведения, но так много композиторов. В современной музыке утвердился и получил широкое распространение известный критерий - «как я сочиняю», обусловивший то, что современная музыка перестала быть необходимостью, а стала лишь игрой мысли. Дело не в том, чтобы композитор сам создавал себе правила игры, которым он следует, но чтобы правила, уважаемые законы, которые он соблюдает, являлись правилами его времени, человечества, его окружающего, к которому обращена его речь. Тональность это организующая система, которую все понимают и которая у нас в крови. Вспомните хотя бы как поют японцы или маленькие дети?
Всякая искусственно созданная система, будь то двенадцатитоновая композиция или другая метода, в моих глазах просто смешна. То обстоятельство, что сочинения Бетховена, Вагнера и т. п. на первых порах тоже были не поняты, является только кажущейся аналогией с Шёнбергом и его сподвижниками. В 1830 году, три года спустя после смерти Бетховена, в лейпцигской «Allgemeine Zeitung» была помещена такая критическая статья Рохлица о последних квартетах Бетховена, лучше которой невозможно написать и в наши дни. В то же время я, знающий музыку всех эпох, должен признать вместе с Малером, Клемперером, Тосканини и другими, что я ничего не понимаю в сочинениях Шёнберга. Здесь мы имеем дело с феноменом совершенно иного рода, и необходимо освободиться от мнимых аналогий, которые вносят большую путаницу.
То, что именно Стравинский принял всерьез серийную музыку, меня не удивляет. Он также принадлежит к числу тех, для кого вопрос «как я сочиняю» важнее того «что я сочиняю». Он начинал, правда, иначе, чем Шенберг, но его позиция в отношении прошлого, позиция холодно иронизирующей личности, мне отвратительна, Шенберг мне гораздо милее.
Я лично держусь такого мнения, что мелодия, в старом понимании этого слова, не только не устарела, но никогда не устареет, пока существует музыка.
То, что развитие музыки шло гораздо быстрее, чем развитие других искусств, и протекало «радикальнее», связано с тем, что музыка черпает только из самой себя, не имея никакого ощутимого подобия себе в мире. Поэтому она исчерпывает свои возможности быстрее, но такая ограниченность возможностей существует только до известной степени. В будущем вообще исчезнет цех композиторов, занимающихся ремесленным, производственным творчеством. Однако и в прежние времена, если внимательно присмотреться, такой цех не имел большого значения. Решающая роль всегда принадлежала только немногим единицам.
В общем, мы должны себе ясно представить, что находимся в настоящем положении не благодаря развитию, но наоборот - развитие благодаря нам пошло по такому пути. Мы должны служить не будущему, но настоящему. Поступая так, мы служим в то же время и будущему; когда же мы думаем о будущем и пренебрегаем настоящим, мы не служим ни тому, ни другому. Вечная болтовня о будущем - это только слова, подлинный музыкант может еще многого добиться с тем прекрасным, что его окружает.
Сердечный привет на сегодня
Ваш Фуртвенглер

Из цикла Postal Pieces

Пришла новость в рассылке: Хаддерсфилдский фестиваль современной музыки совместно с бейрутским фестивалем Irtijal Festival запускает серию заказов музыкантам и композиторам из Ливана. The purpose of the series is to keep the creativity of Lebanese musicians alive and robust, and to inject some stimulus into the Lebanese musical sector as a whole. Ну то есть, будет 12 commisions, которые потом сыграют на фестивале. Я как раз в Хаддерсфилде общался с основателем этого бейрутского фестиваля и совершенно обалдел — кажется, единственный такой в этой части мира фест всякой импровизационной музыки, фри джаза и тп, причем и музыканты, и публика, в основном, местные.

По этому случаю вот ссылки на 12 ливанцев, которым повезло. Слушать не переслушать, есть прям отличные.

ISTIMRAR COMMISSIONS - Phase 1:

• Abed Kobeissy: https://soundcloud.com/abed-kobeissy

• Anthony Sahyoun: https://soundcloud.com/asahyoun

• Aya Metwalli: https://soundcloud.com/ayametwalli

• Cynthia Zaven: http://www.cynthiazaven.com/

• Elyse Tabet: https://soundcloud.com/litterairlines

• Fadi Tabbal: http://www.faditabbal.com/about

• Ghassan Sahhab: https://soundcloud.com/ghassan-sahhab

• Jad Atoui: https://jadatoui.net/

• Jana Saleh: https://janasaleh.com/

• Jawad Nawfal: https://soundcloud.com/munma

• Julia Sabra: https://soundcloud.com/postcardsmusic

. Nour Sokhon: https://www.noursokhon.com/