Приветствуем! На связи команда E-Orchestral.

Уже в эту пятницу стартует интенсив по сведению оркестровой музыки. В рамках данного интенсива, мы сведем фэнтези-оркестр со всеми тонкостями. Но это не все!

На интенсиве вы узнаете базовую теорию сведения, основные типы плагинов и приемов обработки. И все это без зубодробительной теории и терминологии. Также, вы получите возможность попрактиковаться в сведении оркестровой музыки целую неделю. Под чутким руководством Кирилла и Екатерины.

Участие в интенсиве даст вам понимание процесса сведения, а следовательно, ускорит процесс создания ваших произведений. Мы уже проводили подобные мероприятия, и рост навыка участников был виден практически сразу!

Записаться на интенсив и посмотреть отзывы о предыдущих можно по ссылке:eorch.monecle.com/lg/intensive/

Удачи!

Эпичные ударные всего за пару действий.

Совсем недавно у нас вышел ролик про сведение эпичного хора. А сегодня поговорим про перкуссию.

В этом видео Кирилл показывает свой метод обработки оркестровой перкуссии. Разумеется, техника сведения может разниться от жанра к жанру. Сегодня мы рассмотрим трейлерный подход. Но уже совсем скоро начинается наш интенсив по сведению, в рамках которого мы будем сводить классическую оркестровку в стиле фэнтези.

Участие в интенсиве даст вам понимание процесса сведения, а следовательно, ускорит процесс создания ваших произведений. Мы уже проводили подобные мероприятия, и рост навыка участников был виден практически сразу!

Записаться на интенсив и посмотреть отзывы о предыдущих можно по ссылке:eorch.monecle.com/lg/intensive/

Насколько сложно сведение оркестра?

Всем привет! С вами Кирилл из команды E-Orchestral.

Уже завтра стартует интенсив по сведению оркестровой музыки, в рамках которого мы сведем слоеную оркестровку в стиле фэнтези. Будет много работы с сольными инструментами, обработка секций, построение баланса, автоматизация...

Звучит это обилие терминов довольно внушительно. И когда я только начинал погружаться в тему сведения, мне становилось не по себе от такого количества теории. А ведь есть еще разные виды эквалайзеров, компрессоров, ревербераторов, сатураторов.

Именно поэтому, наш интенсив начнется с теоретического блока. Завтра я расскажу про различные типы плагинов, а также, о том, какие из них лучше всего применимы в сведении оркестра. Расскажу простым языком, без зубодробительных терминов, подкрепляя все несложными примерами. Посмотрев видео с теорией сведения, вы будете полностью готовы к основной части интенсива.

А еще, в рамках интенсива, у вас будет возможность сразу же применить полученные знания. Целая неделя практики, работы с качественными исходниками, которые вы получите от меня. И разумеется, участие в практике гарантирует обратную связь и разбор вашего сведения.

Так что, если отвечать на вопрос в заголовке поста, сводить оркестр не просто, но совсем не так сложно, как кажется в начале. Особенно, когда есть возможность понять базу этого процесса. Приходите на интенсив и убедитесь сами!

Регистрация здесь: eorch.monecle.com/lg/intensive/

Если послушать, что обсуждают оркестровые композиторы между собой, в частности те, кто пишет музыку на компьютере, то, как правило, всё всегда упирается в качество звука. Как прозвучали инструменты, какие использованы библиотеки, как всё в итоге звучит. Даже не так важны какие-то сложные пассажи и ноты, как то, как в итоге всё это звучит.

Очень много хороших оркестровых работ, которые звучат очень-очень плохо, но с точки зрения композиции написаны достаточно хорошо, не воспринимаются никем всерьёз, и такой композитор считается достаточно слабым. Хотя на самом деле у него навык сочинения очень высокий.  Поэтому, чтобы вырасти и стать полноценным композитором, нам недостаточно лишь писать красивую музыку. Нужно озвучивать её.

Теперь наша роль – озвучивать эту музыку. Мы специально выбираем хорошие библиотеки, стараемся оптимизировать процессы работы с проектом. В итоге мы хотим, чтобы всё это хорошо звучало. Лично у меня многие ранние работы были очень интересными по идее, но звучали достаточно плохо, потому что в них не хватало качества звука. У многих знакомых было примерно то же самое: хорошая композиция, интересная идея, но недостаток качества.

Никто такую музыку всерьёз не воспринимает, пока ты не доведёшь её до хорошего звучания. И секрет в том, чтобы сделать это как можно скорее. Когда у вас уже есть хорошо звучащие треки, у вас появляется перспектива углубиться дальше в сочинение, оркестровку и композицию. Это будет намного приятнее, чем углубляться в процесс, не получая хорошего качества.

Поэтому мой совет на сегодня такой: старайтесь улучшить качество своих работ за счёт, во-первых, библиотек, которые вы используете, то есть это относится к технической части. Во-вторых, за счёт хороших оркестровых приёмов. В-третьих, за счёт общих музыкальных знаний. Ну и в-четвёртых, конечно же, за счёт сведения.

Сведение – это тот навык, который не так сложно получить, как навык хорошей композиции, но его сложно освоить из-за обилия информации в интернете. Если вы хотите быстро внедрить этот навык, приглашаю вас на интенсив, который состоится у нас завтра, в субботу и воскресенье. И там мы под руководством Кирилла займёмся практикой сведения оркестра.

Подробно об интенсиве было написано на специально страничке. Сейчас она не работает. Поэтому можно присоединиться  к любому из двух вариантов:
1. Участие + запись https://monecle.com/buy/87884

2 Участие + запись + недельная практика + личный  созвон с ведущим.
https://monecle.com/buy/87886

Начинаем в субботу в 19 по Мск.
Повтора этих эфиров не будет. Не опаздывайте. Будем сводить настоящую живую оркестровку со всеми секциями. Пройдём и практику и базовую теорию сведения. Так что всё станет понятным и повторимым. А на практике закрепим.

Ждём внутри!

Нужно ли добавлять реверберацию при сведении оркестровки? А если нужно, то сколько добавлять реверберации? Какие использовать ревербераторы и в каких количествах?

Какие нужны настройки этих ревербераторов, чтобы не потерять ощущение правильного расположения каждого инструмента в оркестре и не смешать все в единый фон?

Вот именно эти темы мы будем обсуждать на третьем дне интенсива по сведению оркестровой музыки, который стартует у нас уже через час в 19:00 по Москве. Вы еще можете присоединиться по ссылке https://monecle.com/buy/87885
После эфира будет доступна запись всех уроков.

Как попасть на международные конкурсы композиторам в 2025 году? Какие существуют пути для участия? И зачем это нужно в целом?

Сегодня я поделюсь своими соображениями на тему композиторских конкурсов.

Любые конкурсы имеют под собой достаточно непонятные основания, странные критерии отбора и часто страдают от отсутствия объективной оценки.

Мы сталкиваемся с невидимым жюри, и всё-таки музыку невозможно определить как какую-то научную формулу. Это творческий процесс.

Тем не менее, конкурсы могут помочь композитору улучшить своё портфолио. Иногда участие в конкурсе действительно может сделать вас заметнее.

Кроме того, многие конкурсы предлагают значительные денежные призы, возможность выступить с симфоническим оркестром и получить другие ценные награды. Поэтому не стоит их отбрасывать.

Я сама недавно принимала участие в композиторском конкурсе от Оркестра Тулс, отправив свою работу, как и многие участники нашего клуба. Однако это не единственный конкурс, и важно знать, где искать подобные мероприятия и как в них участвовать.

Я условно делю конкурсы на два типа. Первый тип — это более классические конкурсы, которые организуют филармонии и учреждения, не имеющие онлайн-формата. Для участия в них я рекомендую вам воспользоваться ресурсом, который содержит актуальные ссылки на подобные конкурсы. Среди них есть как конкурсы композиторов, так и онлайн-конкурсы высокого уровня, которые тоже стоит рассмотреть. Однако попасть в них может быть немного сложнее из-за ограничений по странам.

Второй тип — это конкурсы, организуемые создателями оркестровых библиотек. Обычно они более лояльны к участникам, так как не имеют строгих рамок. Достаточно просто написать трек, загрузить его с нужным хэштегом, и вы уже участник, без привязки к стране.

Какой путь выбрать — решать вам. В обоих случаях есть хорошие возможности. Например, сейчас проводится конкурс композиторов с возможностью выступить в Карнеги Холл, что может стать отличной возможностью для многих. Также есть конкурсы от создателей оркестровых библиотек, которые предложат вам свои библиотеки в качестве приза.

Рекомендую ознакомиться с этим ресурсом и обязательно заниматься оркестровкой и сведением, чтобы ваши работы всегда были готовы и подходили для конкурсов. Желаю вам успехов на оркестровом пути!

🎼 Когда музыка внутри — а снаружи тишина

Многие начинающие композиторы сталкиваются с одной болезненной вещью:
ощущением, что ты пишешь "в стол". И вроде бы идеи есть, вдохновение — тоже. Но треки не выходят за пределы жёсткого диска. Они не звучат в кино, не продаются на стоках, не находят свою аудиторию. И это медленно подтачивает мотивацию.

Почему так происходит?

👉 Часто причина не в таланте и не в недостатке техники.
А в отсутствии системы выхода в мир.

💡 Вот что может помочь:

Выберите платформу или цель. Стоки, лейблы, Spotify, короткометражки, YouTube — не пытайтесь охватить всё. Один вектор - это уже огромный шаг.

Дайте себе срок и формат. Например: 1 трек в неделю для лейбла или мини-альбом за месяц на тему по вашему выбору.

Публикуйте, даже если не идеально. Ваш первый десяток публикаций — не итог, а начало. Через них вы находите стиль, голос и аудиторию.

Ищите сообщество. Люди, которые тоже идут этим путём, дают силу двигаться дальше — в чате, на форуме или Telegram-группе.

🎙 Помните: реализация — это не вспышка гениальности, а процесс, к которому можно прийти шаг за шагом.
⠀
💬 Делитесь — вы когда-нибудь чувствовали себя в творческом вакууме? Как вышли из него? Или всё ещё в нём? Поговорим.

В этом произведении только струнно-смычковые и дерево. Работа с соло инструментами и полифония. И конечно же дублирование!

Весь трек написан без использования ансамблевых патчей. То есть все инструменты и группы записаны независимо друг от друга.

Это произведение написала наша ученица Людмила в рамках курса Коммерческий гибрид и оркестровка.

Давайте поддержим композитора огоньком!

🎻 Как не потерять себя, когда пишешь "под рынок"

Многим оркестровым композиторам знаком этот внутренний конфликт: ты хочешь писать музыку, которая звучит изнутри, но рынок просит «ещё один драматик с пианино и струнными». И ты будто бы разрываешься: между искренним выражением себя и задачей зарабатывать на музыке.

Можно ли совместить? Да. Но придётся потрудиться.

Вот несколько мыслей, которые помогают держать баланс:

1. Коммерческое ≠ пустое. Даже самый шаблонный стоковый трек может быть сделан с вниманием к деталям, с душой — если ты в него вкладываешься. Уникальность — в нюансах.

2. Не разделяй музыку на «мою» и «для продажи». Лучше смотри на это как на градиент: от более формальной задачи до более личной. И там, и там ты — автор.

3. Вноси свою ДНК в форматы. Ты любишь нестандартные гармонии? Добавь их в эпик. Увлекаешься минимализмом? Вплети его в документальный трек. Маленькие решения могут сделать музыку узнаваемой.

4. Чередуй проекты. Один — «на рынок». Другой — «для души». А иногда, вдруг, именно «душевный» трек оказывается коммерчески успешным. И ты удивляешься.

5. Не бойся перегорания — бойся отрыва от себя. Стремление к «успеху» через копирование убивает интерес быстрее, чем нехватка продаж. Слушай себя хотя бы иногда.

Хватит выбирать библиотеки!

Позиции микрофонов сделают ощущение присутствия инструмента именно таким, каким нужно!

В большинстве библиотек есть возможность регулировать звучание инструментов с помощью настроек микрофонов. Где-то это реализовано проще, а где-то чуть сложнее. Но суть в том, что можно очень быстро подогнать разные библиотеки друг к другу и создать сбалансированное звучание за счёт этой техники.

Если какая то библиотека звучит далеко. А в какой-то этот же инструмент звучит гораздо ближе, то не нужно трогать реверберацию. Нужно начать с позиции микрофонов.

Если нужно создать эффект приближенного к уху звука или наоборот отстранённого и далёкого , то помогут позиции.
Во всех библиотеках настройка достаточно простая. Или даже очень простая. Никакие знания не нужны. Достаточно просто посмотреть и послушать как позиции влияют на звук в новом видео на ютуб. Наберите в поиске Как позиции микрофонов удаляют или приближают инструмент

Один секрет оркестрового ' медляка"

Крупные оркестровые композиторы очень часто используют тромбоны для создания особых тембров , особенно в сочетании со струнными.

Обычные тромбоны звучат ярко, злобно и трескуче.

Но нам нужны не обычные, а мягонькие и нежненькие призвуки в наш струнный аккорд для создания проникновенного звучания плавных оркестровых композиций. И всё что нужно для этого знать это просто это знать. Что тромбоны —это не яростное дыхание дракона в эпичных оркестровках, а создатель нежных тембров. Как расплавленный воск, обволакивающий ваши струнные.

Конечно мы можем использовать эффект мягких тромбонов еще во множестве вариантов. Но кажется для медляка они самое то.
❤️Так
🙈 Не так

Гармония как язык эмоций в оркестровой музыке

Когда мы говорим о настроении оркестрового произведения, в первую очередь на ум приходят тембры: звучание струнных, мощь медных, лёгкость деревянных… Но за всей этой палитрой стоит нечто менее очевидное, но не менее важное — гармония.

Именно последовательность аккордов зачастую определяет, как слушатель воспримет музыку: как трагедию, надежду, тревогу или победу.

Возьмём простую мажорную последовательность — I–IV–V–I. Даже при минимальной оркестровке она будет звучать светло, устойчиво, уверенно. А теперь поменяйте один аккорд — скажем, используйте VI вместо I, и та же фраза приобретает оттенок грусти и неопределённости.

Композиторы часто создают драматургию исключительно через гармонические ходы:

Медленное движение от тональности к тональности — путь, будто сквозь жизненные испытания.

Неожиданные модуляции — как повороты сюжета.

Суспензии и задержания — момент ожидания, напряжения.

Минорные и уменьшённые аккорды — тревога, страх, неуверенность.

Даже одна гармония, затянутая во времени и обыгранная разными оркестровками, может создать мощнейшее эмоциональное воздействие. Вспомните, например, как Ханс Циммер строит целые сцены на трёх-четырёх медленно сменяющихся аккордах.

Музыка — это не только то, что звучит, но и то, в каком порядке это происходит.

И если тембр — это интонация речи, то гармония — это смысловая структура фразы. Можно сыграть мажорный аккорд на одних только скрипках — и он будет звучать ликующе. Но можно построить весь оркестр на уменьшённой гармонии, и даже самый лёгкий мотив превратится в предчувствие беды.

Вопрос для композиторов:
Когда вы пишете оркестровку, насколько осознанно вы относитесь к гармонии? Это фон? Или эмоциональный скелет всей композиции?

Просто на поразмышлять об интервалах и последовательностях. Иногда бывает полезно.

А как написать мощные треки на этом знании показываем здесь.

Почему трудно работать с референсом и как это преодолеть?

Приветствую, с вами Екатерина. Наверняка вам известно, что при работе с референсами бывает даже страшновато к ним подступиться, потому что они кажутся слишком сложными и непонятными. Хотя вы хотите написать музыку в подобном стиле, это не всегда получается. Что-то всё время ускользает.

Сегодня у меня была похожая ситуация. Я взяла референс, и тут, кстати, важный момент: в нём было достаточно много мест, которые я могла уверенно и быстро написать. Но, к сожалению, самая главная партия, зашитая в стену звука, всё время ускользала, потому что была написана неизвестным для меня способом. Мне было непонятно, как её именно написать. Поэтому её пришлось буквально выслушивать и вычленять из общего звучания.

Когда мне удалось это сделать, я поняла, что такое я просто никогда не писала. Это оказался довольно тяжёлый момент, который отнял много времени и сил. Результат всё ещё не очень хороший, и не тот, который хотелось бы. Но, в принципе, наличие этой одной партии делает трек полностью понятным.

Возвращаясь к теме референсов, хочу сказать, что по моему опыту лучше брать те референсы, в которых вам плюс-минус всё знакомо, кроме, может быть, нескольких небольших мелочей или моментов. Если вы хорошо пишете на слух и снимаете, то можете увеличить количество неизвестных элементов, но не сильно. Наша задача — не просто что-то снять на слух, а обязательно написать, оформить в виде партии. Мы больше писатели и чуть меньше слушатели, хотя полезно развивать оба навыка.

Не получается работать с референсами также потому, что мы не понимаем, как сделана та или иная партия, почему она звучит именно так. Какие инструменты или синтезаторы дают такой звук, и что формирует определённый ритм. В любом случае, чем меньше незнакомых элементов, тем успешнее будет ваш опыт. Поэтому старайтесь выбирать максимально понятные референсы — это залог успеха. Иначе можно надолго застрять.

В любом случае, я желаю вам удачи в оркестровках.

А ещё мы хотели бы создать клубный чат, где будем делиться своим опытом в режиме онлайн — горем, радостью и просто общением. Ставьте огонёк, если хотите попасть в дружное сообщество практиков, увлеченных оркестровкой !

🎺 Как создать мощную и выразительную секцию медных духовых в оркестре?

Медные духовые — это сердце оркестровой драмы. Они могут звучать торжественно и героично, грозно и величественно, мрачно и трагично. В зависимости от контекста — это либо сила, ведущая за собой, либо мощная опора внизу.

🔹 Какие инструменты входят в секцию?
Как правило — валторны (4), трубы (2–4), тромбоны (2–3), туба (1). Иногда добавляются дополнительные инструменты вроде бас-тромбона или саксгорнов в современных гибридных оркестрах.

🔹 Какую роль играют медные?

1. Гармоническая опора — особенно тромбоны и туба, которые усиливают низ и добавляют вес в кульминациях.

2. Мелодический акцент — трубы и валторны часто берут на себя главную тему или вторую мелодию.

3. Текстурная и динамическая окраска — даже один аккорд медных может полностью изменить восприятие сцены.

🔹 Как добиться хорошего звучания?

1. Не перегружай — медные очень мощные. Один слой тубы и тромбонов может «завалить» весь микс.

2. Правильно расставляй регистры — не клади тубу и тромбон в один интервал с валторнами без учёта баланса.

3. Используй стэкинг — дублирование мелодии в октавах, но с умом. Не забывай о тембровом балансе.

4. Следи за артикуляцией — legato у медных звучит иначе, чем у струнных. Пиши фразы так, как бы играл живой музыкант.

5. Слушай классику и кино — лучшие уроки по оркестровке медных — в музыке Джона Уильямса, Густава Холста, Брайана Тайлера.

Медные духовые — как спецэффекты в кино: без них можно, но с ними — всё сильнее, громче и запоминается. Главное — не злоупотреблять, и тогда оркестр зазвучит по-настоящему эпично. 💥

🎻 Деревянные духовые: душа оркестра

Когда речь заходит об оркестровой музыке, большинство сразу представляет струнные или мощные медные фанфары. Но именно деревянные духовые часто становятся теми, кто придаёт оркестру живое дыхание, теплоту и индивидуальность.

🪈 Роль в оркестре
Деревянные духовые — это флейты, гобои, кларнеты, фаготы и их вариации. В оркестре они:

создают мелодические линии, особенно в камерных моментах;

формируют особую палитру тембров, от игривого до трагического;

могут быть лидерами или гармоническими наполнителями;

часто выступают как солисты в связках с другими инструментами (например, флейта + арфа, гобой + струнные).

🎨 Как сделать деревянные красивее в аранжировке? Вот несколько приёмов:

1. Тембровая изоляция
Дайте им пространство. Уберите конкурирующие частоты, и деревянные зазвучат прозрачно и утончённо.

2. Легато и дыхание
Пропишите реалистичное легато, учитывайте фразировку и естественные дыхательные паузы. Это добавит жизни.

3. Слои и дублирование
Поддержите флейту верхними пэдами, гобой — альтовыми струнными, а кларнет — теплым пианино. Главное — не заглушать, а подчёркивать.

4. Орнамент и детализация
Маленькие украшения (форшлаги, мордени, трели) делают духовые естественными и человечными — особенно в небыстрых темпах.

5. Тонкая динамика
Включите subtle dynamics — crescendi, dimuendi, вибрато. Даже в миксе это добавляет выразительности.

💡 Совет для композиторов: попробуйте начать оркестровку не со струнных, а с деревянных. Это поменяет фокус и может привести к неожиданно интересным результатам.

🎻 Как сделать оркестровый трек мощным и эпичным, если у тебя мало библиотек?

Многие композиторы сталкиваются с ограничениями — одна-две библиотеки, отсутствие крутых слоёв, нет Spitfire, Metropolis Ark или Damage. Но даже в таких условиях можно создавать действительно мощную оркестровую музыку. Вот несколько стратегий:

1. Аранжировка — твой главный союзник
Даже самые дорогие библиотеки не спасут, если всё звучит разреженно. Используй классические приёмы оркестровки:

Дублируй мелодии в разных октавах (например, виолончели + валторны).

Уплотняй гармонию: вместо одного аккорда — насыщенная вертикаль.

Делай акценты в нужных местах — ритмика часто важнее громкости.

2. Динамика и форма важнее количества слоёв
Строй трек с понятной драматургией:
🟢 Мягкое начало → 🔶 постепенное нарастание → 🔴 мощная кульминация.
Контрасты делают трек сильным: после паузы даже простой аккорд звучит в 2 раза мощнее.

3. Пиши для сильных сторон своей библиотеки
Если у тебя хорошее легато на струнных — делай упор на выразительные мелодии. Если библиотека ударных простая — используй чёткую ритмическую пульсацию, не перегружай.

4. Используй микширование как инструмент усиления
Даже с одной библиотекой можно многое выжать:

Компрессия + эквализация дадут «тело» звучанию.

Реверб создаст масштаб.

Автоматизация громкости — инструмент для драматургии.

5. Не бойся MIDI-твиков и "обмана" слуха
Подкрути velocity, смести начало нот на микросекунды, добавь дублирующий октавный слой даже тем же патчем — это даст ощущение объёма. Не обязательно иметь 10 библиотек, чтобы звучать на 10 баллов.

Скачиваем орган из английской ратуши.

Если мы пишем оркестровую музыку, то часто именно на орган у нас не хватает ресурсов, потому что в оркестровых библиотеках органа нет.

Этот инструмент пишется оркестровыми композиторами чуть реже, чем все остальные, и является побочным. Особенно это проблема для тех, кто приобретает библиотеки у официальных поставщиков, и, соответственно, это достаточно ощутимо сказывается на финансах. Поэтому до органа иногда просто не доходят руки.

В таком случае было бы здорово иметь возможность все-таки использовать орган, но сделать это с минимальным риском и убытками, чтобы наконец начать заполнять фактуру оркестровки прекрасными звуками органа.

Мы помним, что этот инструмент уникален тем, что имеет огромную клавиатуру, охватывающую диапазон всех оркестровых инструментов. Он является прекрасным инструментом со своим колоритом и отлично подходит для гибридной музыки, создания атмосфер и текстур. Орган может использоваться не только для создания гармонии и мелодий, но и в классической оркестровке, например, в музыке в стиле фэнтези или в мистических треках. Поэтому орган, конечно, нужно иметь.

Но как его получить так, чтобы это было недорого и при этом радовало душу?

Я рекомендую обратиться к той ссылочке, которую я сейчас вам дам. Эта библиотека органа весит 3 гигабайта. Процесс распаковки файлов после скачивания, а это бесплатная библиотека, вы можете прочитать в чате на сайте производителя. Там пользователи делятся опытом, как распаковать файлы, так как у них возникали с этим сложности. В целом, отзывы о данном органе очень положительные.

Итак, это орган из английской церкви, который был записан и сэмплирован за несколько месяцев. Его раздают бесплатно, чтобы привлечь внимание к издателю этих библиотек.

Инструмент весит 3,2 гигабайта и звучит достаточно качественно. Он включает в себя 6 пресетов и различные настройки, которые мне еще предстоит изучить.

В любом случае, звуковой пример, который у них есть, очень достойный, и я могу рекомендовать вам этот орган как ваш основной инструмент. По крайней мере, пока вы только начинаете, его звучания вам 100% хватит — оно богатое и насыщенное. Для меня также немаловажно, чтобы визуальное оформление было красивым, и здесь оно на высоте.

Орган подходит для использования с Kontakt. Пользователи отмечают, что бесплатный Kontakt Player может работать с ним хуже, а вот платный Kontakt справляется отлично.

В любом случае, давайте попробуем этот орган. Вот вам ссылочка:  https://www.samplephonics.com/products/free/sampler-instruments/the-leeds-town-hall-organ

И помните, что еще больше таких ссылок и моментов мы будем освещать в обновленном оркестровом клубе. У нас будет чат, в котором мы все это обсудим.
❤️ если интересно лично принять участие в клубном сообществе оркестровых композиторов !

🎻 Оркестровая фактура: как комбинировать штрихи для выразительности 🎼

Один из приёмов, который отличает продуманную оркестровку от плоской — это комбинирование разных штрихов в одном моменте. Звучание становится живее, динамичнее и интереснее. Вместо того чтобы дублировать одну и ту же партию в разных инструментах, вы создаёте многослойную текстуру, где каждый инструмент вносит свою краску.

🔹 Пример:
Струнные играют аккорд —
• виолончели и контрабасы — legato или sustain
• альты — лёгкое tremolo
• скрипки — spiccato или pizzicato на верхнем голосе.
Получается: низ — фундамент, середина — дрожащая энергия, верх — ритмическая артикуляция. Один аккорд, три характера.

🔹 В чём сила: • Контраст текстур — мозг автоматически цепляется за сочетание разных типов движения.
• Объём — ощущение глубины, как в живописи с разными мазками.
• Музыкальный "вопрос–ответ" — один штрих может как бы "отвечать" другому (например, струнное sustain + духовые marcato).

🔹 Где применять:
Такая техника особенно хороша:
• в кульминациях — где нужна плотность и разнообразие
• в спокойных моментах — для тонкой детализации
• при создании ритма без ударных — с помощью коротких штрихов разных групп

🪄 Совет:
Не бойтесь смешивать: pizzicato + tremolo, legato + spiccato, marcato + sustain. Главное — чтобы штрихи работали на общую идею момента, а не мешали друг другу.

Баланс оркестрового трека — это та самая вещь, из-за которой многие испытывают сложности в оценке своих собственных работ. Многие инструментальные партии звучат не так, как хотелось бы, и построить правильный баланс — это не простая проблема. На первых порах это может быть трудно.

Конечно, работа с референсами помогает, но взгляд коллег, которые могут подсказать, что где "торчит", зачастую оказывается более ценным.

Кроме того, после длительной работы над треком, даже имея большой опыт, мы часто не можем понять, как он звучит на самом деле. Проходит несколько часов, и становится непонятно, правильно ли он звучит или нет.

Бывает, что, возвращаясь к работе на следующий день, мы все равно сталкиваемся с проблемами, особенно если у нас недостаточно опыта в написании именно данного жанра.

Поэтому важно улучшать баланс своих треков всеми возможными способами, в том числе с помощью коллег. Мы с Кириллом хотели бы организовать еженедельные прослушивания ваших треков в обновлённом оркестровом клубе. Это позволит участникам и преподавателям оценить баланс и уровень сведения на разборах и дать обратную связь.

Если будет желание, можно отправить трек преподавателю и спросить его мнение в приватном порядке, не выставляя свою работу на всеобщее обозрение.

Часто именно такие способы взаимодействия помогают нам быстро развиваться. Ждем вас в обновленном оркестровом клубе, где каждую неделю будем проводить обмен треками и встречи. Оставьте "огонек", если вам интересен такой формат!

🎻🎤 Как совместить соло вокал и оркестр
⠀
Одна из самых красивых форм музыкального высказывания — это сочетание живого вокала с оркестром. Но чтобы такое объединение звучало выразительно и профессионально, важно учитывать несколько ключевых аспектов.
⠀
🔹 1. Не мешай вокалу "дышать"
Оркестр должен поддерживать вокал, а не бороться с ним за внимание. Частая ошибка — слишком плотная оркестровка, особенно в районе 300–3000 Гц, где и так доминирует человеческий голос. Используй паузы, тонкие фактуры и прозрачные текстуры.
⠀
🔹 2. Думай слоями
Вокал — главный герой. Оркестр — окружение. Легкие подложки из струнных, далёкие падовые духовые, редкие акценты ударных — всё это помогает создать объём, не утяжеляя фон. Избегай частого использования мощных тутти-проходов, особенно в куплетах.
⠀
🔹 3. Гармония и вокальная линия
Аккорды оркестра должны вдохновлять вокал, но не затмевать его. Хорошая практика — выстраивать гармонию вокруг вокальной мелодии: поддерживать её, обогащать, но не уходить в параллельные "своей жизнью" линии.
⠀
🔹 4. Следи за динамикой
Оркестр может звучать от шёпота до грома. Но если вокалист не перекричит forte духовых и ударных — ты потеряешь главный смысл. Пиши с учётом вокальной динамики, оставляя пространство для роста в кульминациях.
⠀
🔹 5. Используй оркестр как драматурга
Пусть инструменты реагируют на голос: повторяют фразы, усиливают эмоции, контрастируют с текстом. Такой “диалог” делает музыку живой. Например, короткий ответ гобоя на окончание вокальной фразы может подчеркнуть смысл лучше, чем аккорд всей секции.
⠀
🎧 Совет: прослушай саундтреки James Newton Howard или Joe Hisaishi — их вокально-оркестровые сцены — прекрасный пример тонкого баланса.
⠀
💬 А ты когда-нибудь писал трек с вокалом и оркестром? С какими трудностями сталкивался?