Таблица важных частот при сведении струнно-смычковых. Можно сразу забрать к себе. Потому что формат удобно хранить где угодно.

Правда, есть пара нюансов.

1. Частоты являются ориентировочными и могут варьироваться в зависимости от конкретного трека и его жанровой направленности. Где-то нам нужно пробить микс, а где-то сделать мягкую естественную оркестровку. Да и библиотеки все разные.

2. Настройки. Увеличение или уменьшение частот зависит от желаемого звука и контекста, в котором используется инструмент (запись, живое исполнение и т.д.).

Эта таблица представляет собой общее руководство, и всегда полезно полагаться на свои уши при эквализации и настройке звука. А если хочется еще больше узнать по сведению оркестровки и гибрида, то не забудьте включить уведомления от нашего канала! И приходите на интенсив по сведению на следующей неделе. Там будут треки, будет подробный разбор сведения по этапам. Наглядно.

Как путём несложной обработки сделать эпичный хор?

В этом видео Кирилл делится своей методикой. Если нравится, берите на заметку. Ну и не забывайте ставить лайк и писать комментарии.

Больше фишек сведения оркестра в интенсиве по сведению, который стартует уже скоро. Даты объявим чуть позже, не пропустите!

Приветствуем! На связи команда E-Orchestral.

Уже в эту пятницу стартует интенсив по сведению оркестровой музыки. В рамках данного интенсива, мы сведем фэнтези-оркестр со всеми тонкостями. Но это не все!

На интенсиве вы узнаете базовую теорию сведения, основные типы плагинов и приемов обработки. И все это без зубодробительной теории и терминологии. Также, вы получите возможность попрактиковаться в сведении оркестровой музыки целую неделю. Под чутким руководством Кирилла и Екатерины.

Участие в интенсиве даст вам понимание процесса сведения, а следовательно, ускорит процесс создания ваших произведений. Мы уже проводили подобные мероприятия, и рост навыка участников был виден практически сразу!

Записаться на интенсив и посмотреть отзывы о предыдущих можно по ссылке:eorch.monecle.com/lg/intensive/

Удачи!

Эпичные ударные всего за пару действий.

Совсем недавно у нас вышел ролик про сведение эпичного хора. А сегодня поговорим про перкуссию.

В этом видео Кирилл показывает свой метод обработки оркестровой перкуссии. Разумеется, техника сведения может разниться от жанра к жанру. Сегодня мы рассмотрим трейлерный подход. Но уже совсем скоро начинается наш интенсив по сведению, в рамках которого мы будем сводить классическую оркестровку в стиле фэнтези.

Участие в интенсиве даст вам понимание процесса сведения, а следовательно, ускорит процесс создания ваших произведений. Мы уже проводили подобные мероприятия, и рост навыка участников был виден практически сразу!

Записаться на интенсив и посмотреть отзывы о предыдущих можно по ссылке:eorch.monecle.com/lg/intensive/

Насколько сложно сведение оркестра?

Всем привет! С вами Кирилл из команды E-Orchestral.

Уже завтра стартует интенсив по сведению оркестровой музыки, в рамках которого мы сведем слоеную оркестровку в стиле фэнтези. Будет много работы с сольными инструментами, обработка секций, построение баланса, автоматизация...

Звучит это обилие терминов довольно внушительно. И когда я только начинал погружаться в тему сведения, мне становилось не по себе от такого количества теории. А ведь есть еще разные виды эквалайзеров, компрессоров, ревербераторов, сатураторов.

Именно поэтому, наш интенсив начнется с теоретического блока. Завтра я расскажу про различные типы плагинов, а также, о том, какие из них лучше всего применимы в сведении оркестра. Расскажу простым языком, без зубодробительных терминов, подкрепляя все несложными примерами. Посмотрев видео с теорией сведения, вы будете полностью готовы к основной части интенсива.

А еще, в рамках интенсива, у вас будет возможность сразу же применить полученные знания. Целая неделя практики, работы с качественными исходниками, которые вы получите от меня. И разумеется, участие в практике гарантирует обратную связь и разбор вашего сведения.

Так что, если отвечать на вопрос в заголовке поста, сводить оркестр не просто, но совсем не так сложно, как кажется в начале. Особенно, когда есть возможность понять базу этого процесса. Приходите на интенсив и убедитесь сами!

Регистрация здесь: eorch.monecle.com/lg/intensive/

Если послушать, что обсуждают оркестровые композиторы между собой, в частности те, кто пишет музыку на компьютере, то, как правило, всё всегда упирается в качество звука. Как прозвучали инструменты, какие использованы библиотеки, как всё в итоге звучит. Даже не так важны какие-то сложные пассажи и ноты, как то, как в итоге всё это звучит.

Очень много хороших оркестровых работ, которые звучат очень-очень плохо, но с точки зрения композиции написаны достаточно хорошо, не воспринимаются никем всерьёз, и такой композитор считается достаточно слабым. Хотя на самом деле у него навык сочинения очень высокий.  Поэтому, чтобы вырасти и стать полноценным композитором, нам недостаточно лишь писать красивую музыку. Нужно озвучивать её.

Теперь наша роль – озвучивать эту музыку. Мы специально выбираем хорошие библиотеки, стараемся оптимизировать процессы работы с проектом. В итоге мы хотим, чтобы всё это хорошо звучало. Лично у меня многие ранние работы были очень интересными по идее, но звучали достаточно плохо, потому что в них не хватало качества звука. У многих знакомых было примерно то же самое: хорошая композиция, интересная идея, но недостаток качества.

Никто такую музыку всерьёз не воспринимает, пока ты не доведёшь её до хорошего звучания. И секрет в том, чтобы сделать это как можно скорее. Когда у вас уже есть хорошо звучащие треки, у вас появляется перспектива углубиться дальше в сочинение, оркестровку и композицию. Это будет намного приятнее, чем углубляться в процесс, не получая хорошего качества.

Поэтому мой совет на сегодня такой: старайтесь улучшить качество своих работ за счёт, во-первых, библиотек, которые вы используете, то есть это относится к технической части. Во-вторых, за счёт хороших оркестровых приёмов. В-третьих, за счёт общих музыкальных знаний. Ну и в-четвёртых, конечно же, за счёт сведения.

Сведение – это тот навык, который не так сложно получить, как навык хорошей композиции, но его сложно освоить из-за обилия информации в интернете. Если вы хотите быстро внедрить этот навык, приглашаю вас на интенсив, который состоится у нас завтра, в субботу и воскресенье. И там мы под руководством Кирилла займёмся практикой сведения оркестра.

Подробно об интенсиве было написано на специально страничке. Сейчас она не работает. Поэтому можно присоединиться  к любому из двух вариантов:
1. Участие + запись https://monecle.com/buy/87884

2 Участие + запись + недельная практика + личный  созвон с ведущим.
https://monecle.com/buy/87886

Начинаем в субботу в 19 по Мск.
Повтора этих эфиров не будет. Не опаздывайте. Будем сводить настоящую живую оркестровку со всеми секциями. Пройдём и практику и базовую теорию сведения. Так что всё станет понятным и повторимым. А на практике закрепим.

Ждём внутри!

Нужно ли добавлять реверберацию при сведении оркестровки? А если нужно, то сколько добавлять реверберации? Какие использовать ревербераторы и в каких количествах?

Какие нужны настройки этих ревербераторов, чтобы не потерять ощущение правильного расположения каждого инструмента в оркестре и не смешать все в единый фон?

Вот именно эти темы мы будем обсуждать на третьем дне интенсива по сведению оркестровой музыки, который стартует у нас уже через час в 19:00 по Москве. Вы еще можете присоединиться по ссылке https://monecle.com/buy/87885
После эфира будет доступна запись всех уроков.

Как попасть на международные конкурсы композиторам в 2025 году? Какие существуют пути для участия? И зачем это нужно в целом?

Сегодня я поделюсь своими соображениями на тему композиторских конкурсов.

Любые конкурсы имеют под собой достаточно непонятные основания, странные критерии отбора и часто страдают от отсутствия объективной оценки.

Мы сталкиваемся с невидимым жюри, и всё-таки музыку невозможно определить как какую-то научную формулу. Это творческий процесс.

Тем не менее, конкурсы могут помочь композитору улучшить своё портфолио. Иногда участие в конкурсе действительно может сделать вас заметнее.

Кроме того, многие конкурсы предлагают значительные денежные призы, возможность выступить с симфоническим оркестром и получить другие ценные награды. Поэтому не стоит их отбрасывать.

Я сама недавно принимала участие в композиторском конкурсе от Оркестра Тулс, отправив свою работу, как и многие участники нашего клуба. Однако это не единственный конкурс, и важно знать, где искать подобные мероприятия и как в них участвовать.

Я условно делю конкурсы на два типа. Первый тип — это более классические конкурсы, которые организуют филармонии и учреждения, не имеющие онлайн-формата. Для участия в них я рекомендую вам воспользоваться ресурсом, который содержит актуальные ссылки на подобные конкурсы. Среди них есть как конкурсы композиторов, так и онлайн-конкурсы высокого уровня, которые тоже стоит рассмотреть. Однако попасть в них может быть немного сложнее из-за ограничений по странам.

Второй тип — это конкурсы, организуемые создателями оркестровых библиотек. Обычно они более лояльны к участникам, так как не имеют строгих рамок. Достаточно просто написать трек, загрузить его с нужным хэштегом, и вы уже участник, без привязки к стране.

Какой путь выбрать — решать вам. В обоих случаях есть хорошие возможности. Например, сейчас проводится конкурс композиторов с возможностью выступить в Карнеги Холл, что может стать отличной возможностью для многих. Также есть конкурсы от создателей оркестровых библиотек, которые предложат вам свои библиотеки в качестве приза.

Рекомендую ознакомиться с этим ресурсом и обязательно заниматься оркестровкой и сведением, чтобы ваши работы всегда были готовы и подходили для конкурсов. Желаю вам успехов на оркестровом пути!

🎼 Когда музыка внутри — а снаружи тишина

Многие начинающие композиторы сталкиваются с одной болезненной вещью:
ощущением, что ты пишешь "в стол". И вроде бы идеи есть, вдохновение — тоже. Но треки не выходят за пределы жёсткого диска. Они не звучат в кино, не продаются на стоках, не находят свою аудиторию. И это медленно подтачивает мотивацию.

Почему так происходит?

👉 Часто причина не в таланте и не в недостатке техники.
А в отсутствии системы выхода в мир.

💡 Вот что может помочь:

Выберите платформу или цель. Стоки, лейблы, Spotify, короткометражки, YouTube — не пытайтесь охватить всё. Один вектор - это уже огромный шаг.

Дайте себе срок и формат. Например: 1 трек в неделю для лейбла или мини-альбом за месяц на тему по вашему выбору.

Публикуйте, даже если не идеально. Ваш первый десяток публикаций — не итог, а начало. Через них вы находите стиль, голос и аудиторию.

Ищите сообщество. Люди, которые тоже идут этим путём, дают силу двигаться дальше — в чате, на форуме или Telegram-группе.

🎙 Помните: реализация — это не вспышка гениальности, а процесс, к которому можно прийти шаг за шагом.
⠀
💬 Делитесь — вы когда-нибудь чувствовали себя в творческом вакууме? Как вышли из него? Или всё ещё в нём? Поговорим.

В этом произведении только струнно-смычковые и дерево. Работа с соло инструментами и полифония. И конечно же дублирование!

Весь трек написан без использования ансамблевых патчей. То есть все инструменты и группы записаны независимо друг от друга.

Это произведение написала наша ученица Людмила в рамках курса Коммерческий гибрид и оркестровка.

Давайте поддержим композитора огоньком!

🎻 Как не потерять себя, когда пишешь "под рынок"

Многим оркестровым композиторам знаком этот внутренний конфликт: ты хочешь писать музыку, которая звучит изнутри, но рынок просит «ещё один драматик с пианино и струнными». И ты будто бы разрываешься: между искренним выражением себя и задачей зарабатывать на музыке.

Можно ли совместить? Да. Но придётся потрудиться.

Вот несколько мыслей, которые помогают держать баланс:

1. Коммерческое ≠ пустое. Даже самый шаблонный стоковый трек может быть сделан с вниманием к деталям, с душой — если ты в него вкладываешься. Уникальность — в нюансах.

2. Не разделяй музыку на «мою» и «для продажи». Лучше смотри на это как на градиент: от более формальной задачи до более личной. И там, и там ты — автор.

3. Вноси свою ДНК в форматы. Ты любишь нестандартные гармонии? Добавь их в эпик. Увлекаешься минимализмом? Вплети его в документальный трек. Маленькие решения могут сделать музыку узнаваемой.

4. Чередуй проекты. Один — «на рынок». Другой — «для души». А иногда, вдруг, именно «душевный» трек оказывается коммерчески успешным. И ты удивляешься.

5. Не бойся перегорания — бойся отрыва от себя. Стремление к «успеху» через копирование убивает интерес быстрее, чем нехватка продаж. Слушай себя хотя бы иногда.

Хватит выбирать библиотеки!

Позиции микрофонов сделают ощущение присутствия инструмента именно таким, каким нужно!

В большинстве библиотек есть возможность регулировать звучание инструментов с помощью настроек микрофонов. Где-то это реализовано проще, а где-то чуть сложнее. Но суть в том, что можно очень быстро подогнать разные библиотеки друг к другу и создать сбалансированное звучание за счёт этой техники.

Если какая то библиотека звучит далеко. А в какой-то этот же инструмент звучит гораздо ближе, то не нужно трогать реверберацию. Нужно начать с позиции микрофонов.

Если нужно создать эффект приближенного к уху звука или наоборот отстранённого и далёкого , то помогут позиции.
Во всех библиотеках настройка достаточно простая. Или даже очень простая. Никакие знания не нужны. Достаточно просто посмотреть и послушать как позиции влияют на звук в новом видео на ютуб. Наберите в поиске Как позиции микрофонов удаляют или приближают инструмент

Один секрет оркестрового ' медляка"

Крупные оркестровые композиторы очень часто используют тромбоны для создания особых тембров , особенно в сочетании со струнными.

Обычные тромбоны звучат ярко, злобно и трескуче.

Но нам нужны не обычные, а мягонькие и нежненькие призвуки в наш струнный аккорд для создания проникновенного звучания плавных оркестровых композиций. И всё что нужно для этого знать это просто это знать. Что тромбоны —это не яростное дыхание дракона в эпичных оркестровках, а создатель нежных тембров. Как расплавленный воск, обволакивающий ваши струнные.

Конечно мы можем использовать эффект мягких тромбонов еще во множестве вариантов. Но кажется для медляка они самое то.
❤️Так
🙈 Не так

Гармония как язык эмоций в оркестровой музыке

Когда мы говорим о настроении оркестрового произведения, в первую очередь на ум приходят тембры: звучание струнных, мощь медных, лёгкость деревянных… Но за всей этой палитрой стоит нечто менее очевидное, но не менее важное — гармония.

Именно последовательность аккордов зачастую определяет, как слушатель воспримет музыку: как трагедию, надежду, тревогу или победу.

Возьмём простую мажорную последовательность — I–IV–V–I. Даже при минимальной оркестровке она будет звучать светло, устойчиво, уверенно. А теперь поменяйте один аккорд — скажем, используйте VI вместо I, и та же фраза приобретает оттенок грусти и неопределённости.

Композиторы часто создают драматургию исключительно через гармонические ходы:

Медленное движение от тональности к тональности — путь, будто сквозь жизненные испытания.

Неожиданные модуляции — как повороты сюжета.

Суспензии и задержания — момент ожидания, напряжения.

Минорные и уменьшённые аккорды — тревога, страх, неуверенность.

Даже одна гармония, затянутая во времени и обыгранная разными оркестровками, может создать мощнейшее эмоциональное воздействие. Вспомните, например, как Ханс Циммер строит целые сцены на трёх-четырёх медленно сменяющихся аккордах.

Музыка — это не только то, что звучит, но и то, в каком порядке это происходит.

И если тембр — это интонация речи, то гармония — это смысловая структура фразы. Можно сыграть мажорный аккорд на одних только скрипках — и он будет звучать ликующе. Но можно построить весь оркестр на уменьшённой гармонии, и даже самый лёгкий мотив превратится в предчувствие беды.

Вопрос для композиторов:
Когда вы пишете оркестровку, насколько осознанно вы относитесь к гармонии? Это фон? Или эмоциональный скелет всей композиции?

Просто на поразмышлять об интервалах и последовательностях. Иногда бывает полезно.

А как написать мощные треки на этом знании показываем здесь.

Почему трудно работать с референсом и как это преодолеть?

Приветствую, с вами Екатерина. Наверняка вам известно, что при работе с референсами бывает даже страшновато к ним подступиться, потому что они кажутся слишком сложными и непонятными. Хотя вы хотите написать музыку в подобном стиле, это не всегда получается. Что-то всё время ускользает.

Сегодня у меня была похожая ситуация. Я взяла референс, и тут, кстати, важный момент: в нём было достаточно много мест, которые я могла уверенно и быстро написать. Но, к сожалению, самая главная партия, зашитая в стену звука, всё время ускользала, потому что была написана неизвестным для меня способом. Мне было непонятно, как её именно написать. Поэтому её пришлось буквально выслушивать и вычленять из общего звучания.

Когда мне удалось это сделать, я поняла, что такое я просто никогда не писала. Это оказался довольно тяжёлый момент, который отнял много времени и сил. Результат всё ещё не очень хороший, и не тот, который хотелось бы. Но, в принципе, наличие этой одной партии делает трек полностью понятным.

Возвращаясь к теме референсов, хочу сказать, что по моему опыту лучше брать те референсы, в которых вам плюс-минус всё знакомо, кроме, может быть, нескольких небольших мелочей или моментов. Если вы хорошо пишете на слух и снимаете, то можете увеличить количество неизвестных элементов, но не сильно. Наша задача — не просто что-то снять на слух, а обязательно написать, оформить в виде партии. Мы больше писатели и чуть меньше слушатели, хотя полезно развивать оба навыка.

Не получается работать с референсами также потому, что мы не понимаем, как сделана та или иная партия, почему она звучит именно так. Какие инструменты или синтезаторы дают такой звук, и что формирует определённый ритм. В любом случае, чем меньше незнакомых элементов, тем успешнее будет ваш опыт. Поэтому старайтесь выбирать максимально понятные референсы — это залог успеха. Иначе можно надолго застрять.

В любом случае, я желаю вам удачи в оркестровках.

А ещё мы хотели бы создать клубный чат, где будем делиться своим опытом в режиме онлайн — горем, радостью и просто общением. Ставьте огонёк, если хотите попасть в дружное сообщество практиков, увлеченных оркестровкой !

🎺 Как создать мощную и выразительную секцию медных духовых в оркестре?

Медные духовые — это сердце оркестровой драмы. Они могут звучать торжественно и героично, грозно и величественно, мрачно и трагично. В зависимости от контекста — это либо сила, ведущая за собой, либо мощная опора внизу.

🔹 Какие инструменты входят в секцию?
Как правило — валторны (4), трубы (2–4), тромбоны (2–3), туба (1). Иногда добавляются дополнительные инструменты вроде бас-тромбона или саксгорнов в современных гибридных оркестрах.

🔹 Какую роль играют медные?

1. Гармоническая опора — особенно тромбоны и туба, которые усиливают низ и добавляют вес в кульминациях.

2. Мелодический акцент — трубы и валторны часто берут на себя главную тему или вторую мелодию.

3. Текстурная и динамическая окраска — даже один аккорд медных может полностью изменить восприятие сцены.

🔹 Как добиться хорошего звучания?

1. Не перегружай — медные очень мощные. Один слой тубы и тромбонов может «завалить» весь микс.

2. Правильно расставляй регистры — не клади тубу и тромбон в один интервал с валторнами без учёта баланса.

3. Используй стэкинг — дублирование мелодии в октавах, но с умом. Не забывай о тембровом балансе.

4. Следи за артикуляцией — legato у медных звучит иначе, чем у струнных. Пиши фразы так, как бы играл живой музыкант.

5. Слушай классику и кино — лучшие уроки по оркестровке медных — в музыке Джона Уильямса, Густава Холста, Брайана Тайлера.

Медные духовые — как спецэффекты в кино: без них можно, но с ними — всё сильнее, громче и запоминается. Главное — не злоупотреблять, и тогда оркестр зазвучит по-настоящему эпично. 💥

🎻 Деревянные духовые: душа оркестра

Когда речь заходит об оркестровой музыке, большинство сразу представляет струнные или мощные медные фанфары. Но именно деревянные духовые часто становятся теми, кто придаёт оркестру живое дыхание, теплоту и индивидуальность.

🪈 Роль в оркестре
Деревянные духовые — это флейты, гобои, кларнеты, фаготы и их вариации. В оркестре они:

создают мелодические линии, особенно в камерных моментах;

формируют особую палитру тембров, от игривого до трагического;

могут быть лидерами или гармоническими наполнителями;

часто выступают как солисты в связках с другими инструментами (например, флейта + арфа, гобой + струнные).

🎨 Как сделать деревянные красивее в аранжировке? Вот несколько приёмов:

1. Тембровая изоляция
Дайте им пространство. Уберите конкурирующие частоты, и деревянные зазвучат прозрачно и утончённо.

2. Легато и дыхание
Пропишите реалистичное легато, учитывайте фразировку и естественные дыхательные паузы. Это добавит жизни.

3. Слои и дублирование
Поддержите флейту верхними пэдами, гобой — альтовыми струнными, а кларнет — теплым пианино. Главное — не заглушать, а подчёркивать.

4. Орнамент и детализация
Маленькие украшения (форшлаги, мордени, трели) делают духовые естественными и человечными — особенно в небыстрых темпах.

5. Тонкая динамика
Включите subtle dynamics — crescendi, dimuendi, вибрато. Даже в миксе это добавляет выразительности.

💡 Совет для композиторов: попробуйте начать оркестровку не со струнных, а с деревянных. Это поменяет фокус и может привести к неожиданно интересным результатам.