Серебренников в Берлине соединит «Дон Жуана» и «Реквием» Моцарта

27 апреля в Komische Oper Berlin пройдёт премьера спектакля Кирилла Серебренникова «Дон Жуан / Реквием», основанного на двух одноимённых сочинениях Моцарта.

Премьера завершит своеобразную трилогию «моцартовских» спектаклей режиссёра в Komische Oper: ранее он поставил здесь оперы «Так поступают все» и «Свадьба Фигаро». По словам Серебренникова, такая «структура» позволяет «установить и организовать большее количество связей» в каждой отдельной работе и в их совокупности. Все три оперы объединены темой противоположностей, контраста и антагонизма: между мужчинами и женщинами («Так поступают все»), богатыми и бедными («Свадьба Фигаро»), жизнью и смертью («Дон Жуан»). «Через эти пары противоположностей, — говорит Серебренников, — становится ясно, что чёткой границы на самом деле не существует — она проницаема и может смещаться в зависимости от выбранной точки зрения. Стены существуют только в нашей голове».

В новом спектакле Серебренникова, над которым он работает не только как режиссёр, но и как сценограф (совместно с Ольгой Павлик) и художник по костюмам, местом действия, как сказано в анонсе, становится «междумирие» — «ландшафт души, промежуточное царство, в котором размываются действительность, память и зрение, где смерть — не наказание, а трансформация души в поисках спасения». Финальный секстет-«моралите», следующий после смерти Дон Жуана, в премьере заменён фрагментами «Реквиема» (Introitus, Kyrie, Sequenz). Как и многие режиссёры, критики и слушатели, Серебренников считает «моралите» данью современной Моцарту театральной традиции, а музыку, звучащую после «сошествия во ад» заглавного героя, менее мощной и выразительной. «Для меня смерть Дон Жуана — лучший и самый убедительный финал, — говорит он. — Вместе с „Реквиемом“ опера становится мессой по душе человека, совершающего последние шаги на пути к цели смерти — к освобождению».

При этом в фигуре заглавного героя режиссёра занимает вовсе не его витальность, любвеобильность или даже богоборчество — главным его грехом Серебренников считает ложь. Центральную для спектакля тему смерти он исследует с нескольких ракурсов: в спектакле представлен взгляд Дон Жуана на прошедшую жизнь, «его душу, как и душу Командора, мы видим от начала и до конца», — говорит Серебренников, оба героя появляются в начальной и финальной сценах. «Хотя Дон Жуан любит всё, что связано со страстью, любовью и сексом, человека он ещё никогда не убивал, — продолжает режиссёр. — Этот опыт травматичен для него и, словно проклятие, полностью меняет его жизнь. Смерть Командора — ключевое событие для нашего Дон Жуана». Впрочем, сам заглавный герой не мёртв в полном смысле: Серебренников рассказывает, что в спектакле придумана сложная фрагментарная структура, где часть событий предстаёт как воображаемые образы, часть — как флешбэки, а кажущийся поначалу уже умершим Дон Жуан в действительности находится в неком промежуточном, переходном состоянии, которое отчасти коррелируется с идеями и образами тибетской Книги мёртвых. Глядя на события «из сознания Дон Жуана», зрители следуют за героем в его балансировании между «да» и «нет» — эти два слова-символа даже появляются на сцене. А истина, по мнению Серебренникова, «существует только в тот момент, когда ты умираешь», и именно потому на протяжении оперы постоянно лжёт не только Дон Жуан, но и все остальные герои.

Вместе с режиссёром над премьерой работают музыкальный руководитель постановки Джеймс Гаффиган, хореограф Евгений Кулагин, видеохудожник Илья Шагалов, художник по свету Олаф Фризе и другие.

Заглавную роль в спектакле исполнит Хуберт Запёр. Также в постановке заняты Томмазо Бареа, Адела Захария, Бруно де Са, Пенни Софрониаду, Агустин Гомез, Тийль Фавейтс, Филипп Майерхёфер. Кроме того, в премьере будут участвовать драматические артисты, которые сыграют духов: Никита Еленев, Михаил Поляков, Георгий Кудренко и Сюзанна Бредехёфт.

Источник: «Театръ».

Интересные факты о Римском театре:

1. Сельские празднования и фесценнины.

Римский театр, как и греческий, начинался сельских празднований, которые были привязаны к сбору урожая. Во время народных гуляний люди наряжались в костюмы, пели песни, танцевали, шутили, насмехались, проводили ритуалы. Были очень популярны грубоватые шутки и насмешки, которые назывались фесценнины.

Фесценнины пережили ещё несколько веков. Они отражали социальные, политические, экономические и другие проблемы, волнующие местных жителей. Однако позже появился закон, который запрещал фесценнины.

2. Сатура и Римский театр.

Параллельно развивалась ещё одна эффектная форма представления – сатура. По сути, её можно назвать истоком римской драмы. Очень интересна история происхождения этого явления.

По легенде в 364 году до нашей эры в Рим пришло моровое поветрие. Чтобы боги смилостивились и подарили им излечение от опасной болезни, на улицах проводились празднования и гуляния. Предполагалось, что актёры и танцоры-этруски должны добиться милости богов. Они добавили свои движения, жестикуляцию, шуточные диалоги и другие интересные фишечки. В перспективе именно так окончательно сформировалась сатура.

Само понятие буквально переводится как «смесь».

3. Архитектура Римского театра.

Говоря о Римском театре, нельзя обойти стороной его интересную архитектуру. Как и римская драма, римский театр во многом позаимствовал тенденции греческого, хотя частично от него отличается.

Сцена Римского театра вдвое больше, а зрительские места занимают не более полукруга. Появились лестницы к сцене, орхестры стали уже. В частности, отклонения объясняются тем, что роль хора была заметно сокращена.

Если основная фигура греческого театра – это круг, в Риме это скорее равносторонние треугольники. Нижние места для зрителей шли параллельно сцене. Сцена тоже была ниже греческой. Появилась кровля, которая соединяла сцену и места для зрителей в цельную конструкцию.

4. Представления в Римском театре.

Кроме трагедий и комедий, в Римском театре ставили ателланы, мимы, пантомимы, пиррихии. Проводились поэтические состязания и другие мероприятия.

Cпектакли считались просто развлечением, а не данью богам. Их создавали за деньги наравне с другими ремеслами. К слову, звание актёра тоже ценилось очень низко и не могло сравниться со званием гладиатора.

Хотите узнать больше о том, как Античность повлияла на становление современного театра? Присоединяйтесь к нашему новому курсу «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».

Делимся подборкой малоизвестных фактов о великом комедиографе Жане-Батисте Мольере:

1. У Мольера были слабые лёгкие. Он не выдерживал чтение французского двенадцатисложного Александрийского стиха — вынужден был делать вдох.

Актёры театра «Бургундский отель», которые ненавидели Мольера за любовь короля, пустили слух, что он заикается. Болезнь лёгких прогрессировала, и, чтобы играть в пьесе «Скупой», он написал её прозой, а свой текст — короткими предложениями.

2. Мольер никогда не называл себя драматургом.

Он считал себя актёром, а пьесы начал писать вынужденно, потому что его труппе нечего было играть. Причем Мольер всё время порывался играть в трагедиях Корнеля, которого он очень ценил. Для этого, надо сказать, он обладал всеми данными и даже по внешнему облику не был комиком — высокого роста, худощавый, с красивыми, тонкими чертами лица.

3. Все роли в пьесах Мольера писались под конкретных актёров, так что их физические особенности он вплетал в текст. Луи Бежар исполнял роль мадам Пернель в «Тартюфе», при этом по жизни он хромал.

И Мольер это обыгрывал — строил роль так, что Бежару нужно было быстро ходить по сцене, а он не поспевал. И в итоге шёл и ругался всё время.

4. Отказавшись от судьбы обойщика, Мольер получил очень хорошее образование. Отец определил мальчика в Клермонский колледж — одно из новейших учебных заведений светского толка.

Жан-Батист знал латынь и даже перевел поэму Лукреция «О природе вещей», правда текст пропал. Как и его библиотека, личные вещи и рукописи. Единственным сохранившимся автографом оказалась долговая расписка, где есть подпись Мольера.

5. Мольер был первым драматургом, чьи пьесы переводили на все языки и ставили по всей Европе. И играли даже на Красной площади, еще при Петре I — на немецком языке, в первом публичном театре Кунста-Фюрста.

Влияние Мольера на русскую культуру столь велико, что в «Ревизоре» Гоголя — в финальной сцене, где звучит бессмертное «Чему смеётесь? Над собою смеётесь!», мы видим мольеровский приём прямого обращения в зал.

Более подробно о том, как пьесы Мольера стали, по сути, фундаментом современного театра, вы узнаете на лекциях кандидата искусствоведения Евгения Слесаря в рамках нового онлайн-курса «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».

Правила жизни Аль Пачино:

1. «Я был застенчив. Только попав в центр внимания, я научился справляться с этим».

2. «Гордость и высокомерие — слуги дьявола. Если ты не сможешь управлять ими, они начнут управлять тобой».

3. «Никому никогда ничего не объясняйте — каждый всё равно поймёт так, как ему выгодно».

4. «Книги и пьесы помогли мне разобраться в самом себе и в окружающем мире, произошёл какой-то сдвиг, я стал серьёзнее».

5. «Первое правило — не сдаваться. Второе правило — помнить о первом правиле».

6. «Шекспир не нуждается ни в одном из нас, он переживёт всех нас — уж поверьте. Это я вам гарантирую».

7. «Ключ к успеху — в желании. А оно постоянно горит во мне».

8. «Когда тебе уже за шестьдесят, видишь, что мчишься по какому-то туннелю без обратного билета и начинаешь различать вдали гору, которая и будет твоей последней остановкой. Но пока я не доехал, мне хочется продолжать делать то, что я делаю».

#учебные_хиты

«Бесы» (2013)
Школа-студия МХАТ, мастерская Дмитрия Брусникина, режиссёры Михаил Мокеев и Михаил Рахлин.

Играли: Василий Буткевич, Марина Васильева, Анастасия Великородная, Дарья Ворохобко, Даниил Газизуллин, Родион Долгирев, Яна Енжаева, Марина Калецкая, Сергей Карабань, Алиса Кретова, Мария Крылова, Алексей Любимов, Алексей Мартынов, Гладстон Махиб, Юрий Межевич, Михаил Плутахин, Пётр Скворцов, Игорь Титов, Леонид Саморуков, Дмитрий Северин, Анастасия Чуйкова.

«"Бесы" — попытка подойти к Достоевскому "новодрамовским" способом. Этот спектакль пытается найти точку пересечения новейших театральных тенденций с хрестоматийным прочтением романа, выдержать баланс между стремлением к новаторству и уважением к классике», — сформулировано на сайте «Мастерской Брусникина».

Создатели спектакля освоили пространство Боярских палат — создали сайт-специфичный спектакль. Зрители вместе с артистами переходили из зала в зал. Вместе со сменой пространства осуществляется и смена эстетики, меняется и принцип актёрского существования.

Спектакль вышел, когда его участники были ещё на втором (!) курсе, мгновенно стал хитом и впоследствии, когда артисты окончили Школу-студию МХАТ, вошёл в репертуар новообразованного театра «Мастерская Брусникина». В 2021 году один из режиссёров, Михаил Мокеев, решил переработать спектакль и выпустил ремейк — «бесы. ночь». Последний показ бывшего студенческого спектакля «Бесы» прошёл 27 мая 2021 года.

«На "Бесах" трудно сохранить нейтралитет, остаться в роли отстранённого наблюдателя, утончённого ценителя прекрасного. Спектакль последовательно выводит зрителя из равновесия, превращая его из созерцателя в соучастника. Этому способствует смешение публики и актёров — тем, кто попал в Мастерскую Брусникина впервые и, следовательно, не знает труппу в лицо, разобраться удастся не сразу. Неспешность, даже затянутость первого действия — паузы, разговоры ни о чём, бессмысленная суета недопустимы в произведении искусства, но неотделимы от повседневности. Настойчивым требованием полного погружения продиктовано и стремление тормошить, тревожить зрителя — притом не только художественными средствами. Актёры расталкивают заядлых театралов локтями, просят передать чашку чая или на камеру ответить на вопросы, от безобидных ("Вы покупали билеты?") до излюбленных Достоевским проклятых ("А вы верите в Бога?")», — Татьяна Ратькина.