Театр по своему определению — настоящий синтез самых разных видов искусства: музыка, живопись, танец — всё это в контексте театрального действия превращается в мощный инструмент художественной выразительности, а в эпоху высокотехнологичного искусства этот список пополнился новыми, современными решениями вроде визуальных проекций, саунд-арта, арт-инсталляций, перформанса и других форм. Ян Фабр — на сегодняшний день один из главных художников современности: театральный режиссёр, перформер, драматург, сценограф, хореограф — сам Фабр будто является синтезом самых разных жанров.
Многим Фабр известен прежде всего по скандальным перформансам и картинам, нарисованным ручкой BIC и собственной кровью, которые потрясли общественность в 70-е, а уже в 80-е Фабр приходит к театральной режиссуре, создав компанию Troubleyn, по своей сути ставшую целой творческой лабораторией художника.
Театр Фабра в целом — всеобъемлющая форма искусства, где диалог существует наравне с танцем, музыкой, оперой, перформансом и импровизацией. Хаос и порядок, повторение и безумие, метаморфозы и безликость — неотъемлемые составляющие его театра. Наряду с вековыми ритуалами и философскими вопросами, Фабр работает с такими темами, как насилие, вожделение, красота и эротика.
В 2019 году Ян Фабр представил фестиваль авторских работ «Love Is Power Supreme» («Любовь — высшая сила») на сцене Большого драматического театра имени Г. А. Товстоногова, прошедший в рамках программы современного искусства и приуроченный к столетию театра. Фабр показал спектакли, в которых ярко выражен его всеобъемлющий художественный подход.
Например, «Воин красоты», по словам самого Фабра, — это переписывание его театрального мира внутри жанра кино: фантазия, персонажи которой — личности, посвящавшие себя странным, абсурдным ритуалам, — представлена в виде постоянных, бесконечных хореографических движений, являясь, по сути, реинтерпретацией мира Фабра, проекцией в другое измерение, основанной на греческом мифе.
Танцевальный моноспектакль Стеллы Хёттлер «Воскресение Кассандры» также является синтезом хореографии и видео-арта, беря своё начало в ранней инсталляции художника, состоявшей из пяти отдельных экранов, на которых демонстрировались пять фильмов, где две актрисы в платьях разного цвета существуют на земле, в лунном пространстве, с черепахой в каждой руке.
Спектакль «Приготовление к смерти» — одно из произведений, в целом объясняющих отношение Фабра к теме смерти. Он не раз подчеркивал, что создание искусства для него — подготовка к смерти.
В спектакле могила обрастает гигантским покрывалом из жёлтых, красных, лиловых и белых цветов, напоминая живописное полотно. Цветное одеяло дышит ритмично, в то время как из него появляются кисть, затем рука, голова и две босые ноги, когда исполнительница восстаёт из мёртвых, а каждое движение, дыхание и взгляд девушки становятся значительным событием, свидетельствуя о возрождении, даже о вожделении к жизни: медленное дыхание оживающего покрывала из цветов, дыхание танца исполнительницы и дыхание органа, выдувающего воздух и производящего звук.
Ян Фабр обладает удивительным авторским режиссёрским инструментарием, при помощи которого ему удаётся создавать целые произведения искусства, и мы уверены, что у каждого режиссёра есть свои «ключики» к созданию своих историй. На четвёртом потоке нашего практического онлайн-курса «Застольный период методом действенного анализа» мы попробуем найти те самые «ключики» для создания вашего уникального спектакля!
Многим Фабр известен прежде всего по скандальным перформансам и картинам, нарисованным ручкой BIC и собственной кровью, которые потрясли общественность в 70-е, а уже в 80-е Фабр приходит к театральной режиссуре, создав компанию Troubleyn, по своей сути ставшую целой творческой лабораторией художника.
Театр Фабра в целом — всеобъемлющая форма искусства, где диалог существует наравне с танцем, музыкой, оперой, перформансом и импровизацией. Хаос и порядок, повторение и безумие, метаморфозы и безликость — неотъемлемые составляющие его театра. Наряду с вековыми ритуалами и философскими вопросами, Фабр работает с такими темами, как насилие, вожделение, красота и эротика.
В 2019 году Ян Фабр представил фестиваль авторских работ «Love Is Power Supreme» («Любовь — высшая сила») на сцене Большого драматического театра имени Г. А. Товстоногова, прошедший в рамках программы современного искусства и приуроченный к столетию театра. Фабр показал спектакли, в которых ярко выражен его всеобъемлющий художественный подход.
Например, «Воин красоты», по словам самого Фабра, — это переписывание его театрального мира внутри жанра кино: фантазия, персонажи которой — личности, посвящавшие себя странным, абсурдным ритуалам, — представлена в виде постоянных, бесконечных хореографических движений, являясь, по сути, реинтерпретацией мира Фабра, проекцией в другое измерение, основанной на греческом мифе.
Танцевальный моноспектакль Стеллы Хёттлер «Воскресение Кассандры» также является синтезом хореографии и видео-арта, беря своё начало в ранней инсталляции художника, состоявшей из пяти отдельных экранов, на которых демонстрировались пять фильмов, где две актрисы в платьях разного цвета существуют на земле, в лунном пространстве, с черепахой в каждой руке.
Спектакль «Приготовление к смерти» — одно из произведений, в целом объясняющих отношение Фабра к теме смерти. Он не раз подчеркивал, что создание искусства для него — подготовка к смерти.
В спектакле могила обрастает гигантским покрывалом из жёлтых, красных, лиловых и белых цветов, напоминая живописное полотно. Цветное одеяло дышит ритмично, в то время как из него появляются кисть, затем рука, голова и две босые ноги, когда исполнительница восстаёт из мёртвых, а каждое движение, дыхание и взгляд девушки становятся значительным событием, свидетельствуя о возрождении, даже о вожделении к жизни: медленное дыхание оживающего покрывала из цветов, дыхание танца исполнительницы и дыхание органа, выдувающего воздух и производящего звук.
Ян Фабр обладает удивительным авторским режиссёрским инструментарием, при помощи которого ему удаётся создавать целые произведения искусства, и мы уверены, что у каждого режиссёра есть свои «ключики» к созданию своих историй. На четвёртом потоке нашего практического онлайн-курса «Застольный период методом действенного анализа» мы попробуем найти те самые «ключики» для создания вашего уникального спектакля!
❤4🎉1
Звезды легендарного щукинского спектакля "Кабаре" Артем Русин и Екатерина Жигульская в премьерном спектакле Кроменас Театра!
"ЧЕХОВ. ПОСЛЕДНЯЯ СТРАНИЦА"
"Романс-фантазия для двух голосов" по мотивам рассказа А. П. Чехова #Дама_с_собачкой, пьесы #Чайка, писем, дневников и воспоминаний современников.
Иногда то, что начинается как приключение, становится главной и последней страницей твоей жизни! (Подробно о спектакле здесь)
1 июня, Москва, ЦДРИ на Кузнецком!
БИЛЕТЫ ЗДЕСЬ
Кроменас Театр. Хроники:
https://t.me/KrOmeNastheatre
Рекламодатель: ИП Жигульская Анастасия Альбертовна, ИНН 503150378312, erid: 2VtzqvD6Yg4
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤3👍2👏1
В Омске «хор крестьян» соединит лубок и пастораль с повестью Пушкина
25 и 26 апреля в омском «Пятом театре» пройдёт премьера спектакля Людмилы Исмайловой «Барышня-крестьянка» по мотивам одноимённой повести Пушкина.
Обозначая жанр премьеры как «пастораль в двух картинах», авторы спектакля решили перевести хрестоматийный текст Пушкина из цикла «Повести Белкина» на язык нескольких, на первый взгляд, трудно соединимых театральных форм. Создатели постановки напоминают, что сам пушкинский сюжет — это «лёгкая, романтическая история о хитроумной девушке Лизе, которая ради любви решается на смелую авантюру», однако контекст «Барышни-крестьянки», учтённый и в авторском изложении, отнюдь не идиллический. Поэтому в спектакле Людмилы Исмайловой «рассказчиком и последователем иронии Пушкина выступает хор крестьян, — говорится в описании. — С одной стороны, он повествует романтическую историю, с другой — в древнегреческом смысле олицетворяет народную судьбу. Наша „Барышня-крестьянка“ — смесь русского народного лубка, комедии дель арте и западной европейской пасторали».
Сама Людмила Исмайлова комментирует замысел так: «Пастораль — это жанр, который рисует идеалистическое представление о жизни. И мы тоже рисуем прекрасный мир, где все счастливы, царит любовь и всё хорошо. Но при этом не надо забывать, что действие пьесы Александра Пушкина происходит в разгар крепостного права в России. Барышня Лиза переодевается в крестьянку, и это весело. Но может ли бесправная по происхождению крестьянка переодеться в барышню?».
Помимо режиссёра, в постановочную команду спектакля вошли художник Альберт Нестеров, хореограф Татьяна Кафлевская и художник по свету Сергей Гаевой. За музыкальное оформление постановки отвечает Сергей Глухих.
Главные роли в постановке исполнят Борис Косицын, Анна Сотникова, Вероника Крымских-Куражева, Сергей Худобенко, Сергей Троицкий и Полина Романова. В состав «Хора имени Белкина» («они же — крепостные, собаки, лошади, деревья») вошли артисты Александр Боткин, Елена Заиграева, Мария Долганёва, Мария Старосельцева, Алёна Фёдорова, Елизавета Кухтина, Ксения Шагаевская, Евгений Фоминцев, Василий Кондрашин, Дмитрий Исаенко, Владимир Куражев, Егор Лябакин, Михаил Синогин, Евгений Точилов. В роли Девочки на сцену выйдет Варвара Никифорова.
Напомним, Людмила Исмайлова в 2005 году окончила курс Леонида Хейфеца в Театральном институте имени Щукина. С 2012 по 2023 год была главным режиссёром Государственного русского драматического театра Стерлитамака, в 2023-м перешла на аналогичную должность в омский «Пятый театр», где к тому моменту поставила два спектакля. Среди других работ режиссёра — постановки в театрах Санкт-Петербурга, Мурманска, Кургана, Уфы, Волгограда, Иванова, Северодвинска, Озёрска и Лесосибирска.
Источник: «Театръ».
25 и 26 апреля в омском «Пятом театре» пройдёт премьера спектакля Людмилы Исмайловой «Барышня-крестьянка» по мотивам одноимённой повести Пушкина.
Обозначая жанр премьеры как «пастораль в двух картинах», авторы спектакля решили перевести хрестоматийный текст Пушкина из цикла «Повести Белкина» на язык нескольких, на первый взгляд, трудно соединимых театральных форм. Создатели постановки напоминают, что сам пушкинский сюжет — это «лёгкая, романтическая история о хитроумной девушке Лизе, которая ради любви решается на смелую авантюру», однако контекст «Барышни-крестьянки», учтённый и в авторском изложении, отнюдь не идиллический. Поэтому в спектакле Людмилы Исмайловой «рассказчиком и последователем иронии Пушкина выступает хор крестьян, — говорится в описании. — С одной стороны, он повествует романтическую историю, с другой — в древнегреческом смысле олицетворяет народную судьбу. Наша „Барышня-крестьянка“ — смесь русского народного лубка, комедии дель арте и западной европейской пасторали».
Сама Людмила Исмайлова комментирует замысел так: «Пастораль — это жанр, который рисует идеалистическое представление о жизни. И мы тоже рисуем прекрасный мир, где все счастливы, царит любовь и всё хорошо. Но при этом не надо забывать, что действие пьесы Александра Пушкина происходит в разгар крепостного права в России. Барышня Лиза переодевается в крестьянку, и это весело. Но может ли бесправная по происхождению крестьянка переодеться в барышню?».
Помимо режиссёра, в постановочную команду спектакля вошли художник Альберт Нестеров, хореограф Татьяна Кафлевская и художник по свету Сергей Гаевой. За музыкальное оформление постановки отвечает Сергей Глухих.
Главные роли в постановке исполнят Борис Косицын, Анна Сотникова, Вероника Крымских-Куражева, Сергей Худобенко, Сергей Троицкий и Полина Романова. В состав «Хора имени Белкина» («они же — крепостные, собаки, лошади, деревья») вошли артисты Александр Боткин, Елена Заиграева, Мария Долганёва, Мария Старосельцева, Алёна Фёдорова, Елизавета Кухтина, Ксения Шагаевская, Евгений Фоминцев, Василий Кондрашин, Дмитрий Исаенко, Владимир Куражев, Егор Лябакин, Михаил Синогин, Евгений Точилов. В роли Девочки на сцену выйдет Варвара Никифорова.
Напомним, Людмила Исмайлова в 2005 году окончила курс Леонида Хейфеца в Театральном институте имени Щукина. С 2012 по 2023 год была главным режиссёром Государственного русского драматического театра Стерлитамака, в 2023-м перешла на аналогичную должность в омский «Пятый театр», где к тому моменту поставила два спектакля. Среди других работ режиссёра — постановки в театрах Санкт-Петербурга, Мурманска, Кургана, Уфы, Волгограда, Иванова, Северодвинска, Озёрска и Лесосибирска.
Источник: «Театръ».
❤4
«Актёр — не инженер и не сварщик, он должен умирать на сцене. Это творческая профессия, поэтому сколько дано здоровья и сил, столько и нужно играть.
Мне интересно жить, придумывать, изобретать, это же такой азарт. <...> Мне приятно самой принести какой-то реквизит, дополнить образ, что-то придумать, украсить спектакль. Все это входит в мою актёрскую палитру — костюм, разные приспособления. Я очень внимательна к тексту, ведь сейчас часто пишут неаккуратно, порой так, как говорить просто нельзя».
Ольга Волкова
Мне интересно жить, придумывать, изобретать, это же такой азарт. <...> Мне приятно самой принести какой-то реквизит, дополнить образ, что-то придумать, украсить спектакль. Все это входит в мою актёрскую палитру — костюм, разные приспособления. Я очень внимательна к тексту, ведь сейчас часто пишут неаккуратно, порой так, как говорить просто нельзя».
Ольга Волкова
❤17🔥7💯4
«Дракон» (1944) Николая Акимова в Театре Комедии — спектакль по одноимённой пьесе Евгения Шварца в жанре политического фарса.
Это история города, находящегося под властью циничного, подлого тирана. В конце 1930-х существовали две очевидных «рифмы» с реальностью, два «дракона»: один свой, близкий, другой — немецкий. Пьеса Шварца посвящена не ужасам тирании, а эволюции «обыкновенных» людей, оказавшихся сначала заложниками, а потом частью этой самой тирании. Персонажи «Дракона» — кроме него самого и его противника Ланцелота — дезориентированы, запуганы террором, трепещут перед возможностью расправы, своими доносами ей способствуют и в конечном счёте принимают эту расправу как должное.
Из-за политического подтекста спектакль был снят с репертуара — причём несколько раз в различных версиях, в том числе и в хрущёвскую эпоху.
Как думаете, искусство возможно запретить?
Это история города, находящегося под властью циничного, подлого тирана. В конце 1930-х существовали две очевидных «рифмы» с реальностью, два «дракона»: один свой, близкий, другой — немецкий. Пьеса Шварца посвящена не ужасам тирании, а эволюции «обыкновенных» людей, оказавшихся сначала заложниками, а потом частью этой самой тирании. Персонажи «Дракона» — кроме него самого и его противника Ланцелота — дезориентированы, запуганы террором, трепещут перед возможностью расправы, своими доносами ей способствуют и в конечном счёте принимают эту расправу как должное.
Из-за политического подтекста спектакль был снят с репертуара — причём несколько раз в различных версиях, в том числе и в хрущёвскую эпоху.
Как думаете, искусство возможно запретить?
❤5🔥2
Современный интерпретатор классических произведений — Иво ван Хове!
В 11 лет ван Хове открыл для себя мир театра. Он не только играл, но и помогал в постановке пьес в школьном театре. После окончания школы родители настояли на его поступлении на юридический факультет. Однако Иво вскоре бросил учёбу ради Школы искусств в Антверпене. Там он начал свой путь в режиссуре, сделав первые шаги в этом направлении.
В 1981 году Иво дебютировал с пьесой «Слухи». Позже он создал несколько собственных постановок и занялся адаптацией классических фильмов для театра.
Иво ван Хове взял на себя задачу перенести на сцену фильмы многих легендарных режиссёров, в их числе Пазолини, Висконти и Бергман. У последнего ван Хове вдохновился сразу несколькими работами — «Сцены из супружеской жизни», «Крики и шёпоты», «После репетиции» и «Персона». Режиссёр не просто повторяет сюжеты, а пытается найти театральный эквивалент методу Бергмана, перенести на сцену его киноприёмы: крупные планы, психологическую глубину, игру взглядов и жестов.
Помимо переноса фильмов на театральную сцену Иво ван Хове часто трансформирует время и место действия классических пьес, чтобы сделать их более актуальными для современного зрителя. Он использует минималистичные сценографические решения, акцентирует внимание на психологизме персонажей и социальных темах. В его работах часто присутствуют элементы мультимедиа, видеопроекции и музыка, усиливающие драматургический эффект.
Режиссёр считает, что великие авторы одновременно локальны и универсальны, а их произведения можно читать и ставить вне конкретного исторического контекста. Его постановки почти всегда становятся содержательными комментариями к состоянию современного общества. Он адаптировал «Детей солнца» Максима Горького. Действие пьесы ван Хове перенёс в условные 1960-е, добавив видеопроекции с изображениями Гагарина, Ленина и других исторических фигур. Режиссёр увидел в пьесе Горького тему времени как эпохи перемен, разрушающей жизни людей. Ещё одна постановка ван Хове «Русские!» объединила в себе две чеховские пьесы — «Иванов» и «Платонов». Действие перенесено в современный американский мегаполис, а место действия — крыша нью-йоркского небоскрёба. Герои — два клана, две семьи, в каждой из которых зреет катастрофа. Режиссёр показал общество, потерявшее идеалы, но сохранившее страсти.
А на нашем курсе вы подробнее познакомитесь с методом действенного анализа и сможете использовать его на практике, чтобы воплотить свою идею в полноценное и цельное произведение. Курс уже стартовал, успевайте присоединиться!
В 11 лет ван Хове открыл для себя мир театра. Он не только играл, но и помогал в постановке пьес в школьном театре. После окончания школы родители настояли на его поступлении на юридический факультет. Однако Иво вскоре бросил учёбу ради Школы искусств в Антверпене. Там он начал свой путь в режиссуре, сделав первые шаги в этом направлении.
В 1981 году Иво дебютировал с пьесой «Слухи». Позже он создал несколько собственных постановок и занялся адаптацией классических фильмов для театра.
Иво ван Хове взял на себя задачу перенести на сцену фильмы многих легендарных режиссёров, в их числе Пазолини, Висконти и Бергман. У последнего ван Хове вдохновился сразу несколькими работами — «Сцены из супружеской жизни», «Крики и шёпоты», «После репетиции» и «Персона». Режиссёр не просто повторяет сюжеты, а пытается найти театральный эквивалент методу Бергмана, перенести на сцену его киноприёмы: крупные планы, психологическую глубину, игру взглядов и жестов.
Помимо переноса фильмов на театральную сцену Иво ван Хове часто трансформирует время и место действия классических пьес, чтобы сделать их более актуальными для современного зрителя. Он использует минималистичные сценографические решения, акцентирует внимание на психологизме персонажей и социальных темах. В его работах часто присутствуют элементы мультимедиа, видеопроекции и музыка, усиливающие драматургический эффект.
Режиссёр считает, что великие авторы одновременно локальны и универсальны, а их произведения можно читать и ставить вне конкретного исторического контекста. Его постановки почти всегда становятся содержательными комментариями к состоянию современного общества. Он адаптировал «Детей солнца» Максима Горького. Действие пьесы ван Хове перенёс в условные 1960-е, добавив видеопроекции с изображениями Гагарина, Ленина и других исторических фигур. Режиссёр увидел в пьесе Горького тему времени как эпохи перемен, разрушающей жизни людей. Ещё одна постановка ван Хове «Русские!» объединила в себе две чеховские пьесы — «Иванов» и «Платонов». Действие перенесено в современный американский мегаполис, а место действия — крыша нью-йоркского небоскрёба. Герои — два клана, две семьи, в каждой из которых зреет катастрофа. Режиссёр показал общество, потерявшее идеалы, но сохранившее страсти.
А на нашем курсе вы подробнее познакомитесь с методом действенного анализа и сможете использовать его на практике, чтобы воплотить свою идею в полноценное и цельное произведение. Курс уже стартовал, успевайте присоединиться!
❤3🎉1
«Бовари», Театр Наций
Режиссёр-постановщик: Андрей Прикотенко
Художник-сценограф: Ольга Шаишмелашвили
Художник по свету: Константин Бинкин
В основе постановки — роман французского писателя Гюстава Флобера «Госпожа Бовари». Главная героиня романа — Эмма Бовари, молодая жена деревенского врача Шарля. Она пытается избежать обыденности и пустоты провинциальной жизни, жаждет идеальной любви, о которой читала в книгах, и растрачивает на свои прихоти состояние супруга.
Работая над «Госпожой Бовари», писатель выбрал необычный для своего времени литературный приём — он полностью отказался от оценочных суждений, отдав поступки героев на суд читателей, а сюжетную вульгарность прикрыл изысканными многослойными языковыми конструкциями.
Главные роли в спектакле сыграли Александр Семчев и Александра Ревенко.
«Корни растут, наверное, от человечности, прежде всего у Флобера, и у постановщика спектакля, Андрея Прикотенко, такое возникло восприятие, основываясь на прочтении романа. Андрей Михайлович предложил мне историю, не совсем понятную для меня, потому что я привык к другим вещам и к другому разбору, здесь система координат была поменяна просто кардинально. То есть он мне предложил театр, который посложнее по сравнению с тем, к которому я привык», — говорит актёр Александр Семчев о роли Шарля.
Режиссёр-постановщик: Андрей Прикотенко
Художник-сценограф: Ольга Шаишмелашвили
Художник по свету: Константин Бинкин
В основе постановки — роман французского писателя Гюстава Флобера «Госпожа Бовари». Главная героиня романа — Эмма Бовари, молодая жена деревенского врача Шарля. Она пытается избежать обыденности и пустоты провинциальной жизни, жаждет идеальной любви, о которой читала в книгах, и растрачивает на свои прихоти состояние супруга.
Работая над «Госпожой Бовари», писатель выбрал необычный для своего времени литературный приём — он полностью отказался от оценочных суждений, отдав поступки героев на суд читателей, а сюжетную вульгарность прикрыл изысканными многослойными языковыми конструкциями.
Главные роли в спектакле сыграли Александр Семчев и Александра Ревенко.
«Корни растут, наверное, от человечности, прежде всего у Флобера, и у постановщика спектакля, Андрея Прикотенко, такое возникло восприятие, основываясь на прочтении романа. Андрей Михайлович предложил мне историю, не совсем понятную для меня, потому что я привык к другим вещам и к другому разбору, здесь система координат была поменяна просто кардинально. То есть он мне предложил театр, который посложнее по сравнению с тем, к которому я привык», — говорит актёр Александр Семчев о роли Шарля.
❤3🎉1🥴1
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Джейн Эйр»
Режиссёр: Алина Чевик
Музыка: Ким Брейтбург
Либретто: Карен Кавалерян
Московский государственный академический театр оперетты
Премьера состоялась 12 сентября 2014 года
Классическая викторианская история о сироте с сильным и независимым характером, прошедшей через жизненные испытания и, в конце концов, обретающей свое выстраданное счастье рядом с любимым человеком, уже не одно столетие заставляет нас сопереживать главным героям, восхищаться силой их любви, способной преодолеть все невзгоды.
Мюзикл «Джейн Эйр», созданный по мотивам легендарного романа Шарлотты Бронте, стал уникальным событием для российской и европейской сцены. Именно в Московской оперетте классическая викторианская история, входящая в топ-10 лучших книг по версии BBC, впервые получила своё полномасштабное музыкальное воплощение. Спектакль создавался как эксклюзивный репертуарный проект, написанный композитором Кимом Брейтбургом и поэтом Кареном Кавалеряном специально под творческие возможности московской труппы.
Режиссёр: Алина Чевик
Музыка: Ким Брейтбург
Либретто: Карен Кавалерян
Московский государственный академический театр оперетты
Премьера состоялась 12 сентября 2014 года
Классическая викторианская история о сироте с сильным и независимым характером, прошедшей через жизненные испытания и, в конце концов, обретающей свое выстраданное счастье рядом с любимым человеком, уже не одно столетие заставляет нас сопереживать главным героям, восхищаться силой их любви, способной преодолеть все невзгоды.
Мюзикл «Джейн Эйр», созданный по мотивам легендарного романа Шарлотты Бронте, стал уникальным событием для российской и европейской сцены. Именно в Московской оперетте классическая викторианская история, входящая в топ-10 лучших книг по версии BBC, впервые получила своё полномасштабное музыкальное воплощение. Спектакль создавался как эксклюзивный репертуарный проект, написанный композитором Кимом Брейтбургом и поэтом Кареном Кавалеряном специально под творческие возможности московской труппы.
❤3
Константин Кучикин соединит два сценария Шпаликова в «лирическую историю»
25 апреля в Ивановском областном драматическом театре пройдёт премьера спектакля Константина Кучикина «Долгая счастливая жизнь» по текстам Геннадия Шпаликова.
Фильм «Долгая счастливая жизнь» был снят Геннадием Шпаликовым по собственному сценарию в 1966 году, главные роли исполнили актёры Инна Гулая и Кирилл Лавров. По сюжету инженер Виктор, вернувшись в родной город после долгой командировки, встретил в автобусе девушку Лену. Между ними возникла взаимная симпатия, они делились воспоминаниями и планами на будущее. Однако их знакомство приняло неожиданный оборот, когда Лена пришла к Виктору с дочерью. Не готовый к такому развитию событий, Виктор покинул Лену, оставив её в одиночестве.
Наряду с другими киносценариями Шпаликова, «Долгая счастливая жизнь» неоднократно становилась материалом для театральных постановок. Среди спектаклей последних лет — «Шпаликов. Долгая счастливая жизнь» Дмитрия Егорова в петербургском театре «На Литейном», а также работы Сергея Тонышева в московской «Студии театрального искусства» и Елены Павловой в новосибирском «Старом доме». При этом «Долгая счастливая жизнь» используется режиссёрами и как отдельный сюжет, и совместно с остальными сценариями и другими текстами Шпаликова.
Жанр грядущей премьеры обозначен как «лирическая история в одном действии». Как в случае с постановкой Егорова, упомянутой выше, спектакль Кучикина объединяет несколько сюжетов автора — помимо «Долгой счастливой жизни» режиссёр использует текст киносценария «Все наши дни рождения», написанный Шпаликовым совместно с Сергеем Соловьёвым в 1972 году. Любопытно, что в 2025 году Сергей Тонышев также поставил одноимённый спектакль по этому сценарию в «Студии театрального искусства».
О замысле премьеры Константин Кучикин рассказывает так: «Спектакль – по нескольким произведениям Шпаликова. Это „Долгая счастливая жизнь” и „Все наши дни рождения”. В одном – два молодых героя, у которых вспыхивает очень сильное чувство, и буквально за сутки они проживают какой-то такой, мне кажется, большой период – и по насыщенности, и по пониманию жизни и любви. Второй сценарий „Все наши дни рождения” — о том, как герой, отмечая свое 45-летие, вдруг понимает, что он не то что ни к чему не пришёл, а привык жить механически… и когда он оглянулся назад, то вдруг понял, что у него жизни-то не было, что он не помнит себя маленьким, не помнит в школе. Он куда-то движется, а куда — абсолютно непонятно. Вот эти две истории идут параллельно, и в какой-то момент они, конечно, смыкаются по смыслам. Можно сказать, что все что-то теряют, и все начинают всё заново».
Вместе с Константином Кучикиным над премьерой работают художник Катерина Андреева, художник по свету Борис Карташёв, хореограф Мария Качалкова, композитор Виктор Стеценко и хормейстер Ярослава Бабурина.
В спектакле примут участие молодые актёры труппы театра.
Напомним, Константин Кучикин окончил отделение театральной режиссуры (курс Павленко) Хабаровского государственного института искусств и культуры в 1984 году. В 1999 году окончил Высшие режиссёрские курсы. С 2006 года — художественный руководитель Хабаровского ТЮЗа.
Источник: «Театръ».
25 апреля в Ивановском областном драматическом театре пройдёт премьера спектакля Константина Кучикина «Долгая счастливая жизнь» по текстам Геннадия Шпаликова.
Фильм «Долгая счастливая жизнь» был снят Геннадием Шпаликовым по собственному сценарию в 1966 году, главные роли исполнили актёры Инна Гулая и Кирилл Лавров. По сюжету инженер Виктор, вернувшись в родной город после долгой командировки, встретил в автобусе девушку Лену. Между ними возникла взаимная симпатия, они делились воспоминаниями и планами на будущее. Однако их знакомство приняло неожиданный оборот, когда Лена пришла к Виктору с дочерью. Не готовый к такому развитию событий, Виктор покинул Лену, оставив её в одиночестве.
Наряду с другими киносценариями Шпаликова, «Долгая счастливая жизнь» неоднократно становилась материалом для театральных постановок. Среди спектаклей последних лет — «Шпаликов. Долгая счастливая жизнь» Дмитрия Егорова в петербургском театре «На Литейном», а также работы Сергея Тонышева в московской «Студии театрального искусства» и Елены Павловой в новосибирском «Старом доме». При этом «Долгая счастливая жизнь» используется режиссёрами и как отдельный сюжет, и совместно с остальными сценариями и другими текстами Шпаликова.
Жанр грядущей премьеры обозначен как «лирическая история в одном действии». Как в случае с постановкой Егорова, упомянутой выше, спектакль Кучикина объединяет несколько сюжетов автора — помимо «Долгой счастливой жизни» режиссёр использует текст киносценария «Все наши дни рождения», написанный Шпаликовым совместно с Сергеем Соловьёвым в 1972 году. Любопытно, что в 2025 году Сергей Тонышев также поставил одноимённый спектакль по этому сценарию в «Студии театрального искусства».
О замысле премьеры Константин Кучикин рассказывает так: «Спектакль – по нескольким произведениям Шпаликова. Это „Долгая счастливая жизнь” и „Все наши дни рождения”. В одном – два молодых героя, у которых вспыхивает очень сильное чувство, и буквально за сутки они проживают какой-то такой, мне кажется, большой период – и по насыщенности, и по пониманию жизни и любви. Второй сценарий „Все наши дни рождения” — о том, как герой, отмечая свое 45-летие, вдруг понимает, что он не то что ни к чему не пришёл, а привык жить механически… и когда он оглянулся назад, то вдруг понял, что у него жизни-то не было, что он не помнит себя маленьким, не помнит в школе. Он куда-то движется, а куда — абсолютно непонятно. Вот эти две истории идут параллельно, и в какой-то момент они, конечно, смыкаются по смыслам. Можно сказать, что все что-то теряют, и все начинают всё заново».
Вместе с Константином Кучикиным над премьерой работают художник Катерина Андреева, художник по свету Борис Карташёв, хореограф Мария Качалкова, композитор Виктор Стеценко и хормейстер Ярослава Бабурина.
В спектакле примут участие молодые актёры труппы театра.
Напомним, Константин Кучикин окончил отделение театральной режиссуры (курс Павленко) Хабаровского государственного института искусств и культуры в 1984 году. В 1999 году окончил Высшие режиссёрские курсы. С 2006 года — художественный руководитель Хабаровского ТЮЗа.
Источник: «Театръ».
1❤3