Древнегреческий театр в Эпидавре, IV век до н. э.
В XIX веке театр был обнаружен археологом Панагисом Кавадиасом и впоследствии восстановлен. А начиная с середины прошлого столетия, как и во времена Античности, на этой площадке вновь играются спектакли.
Проходящий здесь ежегодно Эллинский фестиваль драмы привлекает туристов со всего мира, что неудивительно: переоценить влияние феномена древнегреческого театра на мировое искусство невозможно. О том, как Античные трагедии и комедии изменили культуру в глобальном масштабе, вы узнаете на занятиях онлайн-курса «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».
В XIX веке театр был обнаружен археологом Панагисом Кавадиасом и впоследствии восстановлен. А начиная с середины прошлого столетия, как и во времена Античности, на этой площадке вновь играются спектакли.
Проходящий здесь ежегодно Эллинский фестиваль драмы привлекает туристов со всего мира, что неудивительно: переоценить влияние феномена древнегреческого театра на мировое искусство невозможно. О том, как Античные трагедии и комедии изменили культуру в глобальном масштабе, вы узнаете на занятиях онлайн-курса «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».
Александра Кулябина приговорили к 5 годам заключения условно
Сегодня, 25 апреля, в Железнодорожном суде Новосибирска был оглашён приговор по делу бывшего директора театра «Красный факел» Александра Кулябина, обвинявшегося в превышении полномочий и растрате. Суд приговорил Кулябина к 5 годам лишения свободы условно, 300 тысячам рублей штрафа и запретом заниматься деятельностью, связанной с организацией культурно-развлекательных мероприятий, на 2 года.
Помимо назначенного приговором наказания, суд удовлетворил исковые требования потерпевших на сумму почти в 7 млн рублей, которую должны взыскать с Кулябина. Потерпевшими по делу являются министерство культуры Новосибирской области (с 2024 года министр — Юлия Шуклина), и театр «Красный факел», возглавляемый сейчас директором Антонидой Гореявчевой (с декабря 2022 года) и главным режиссёром Андреем Прикотенко (с января 2023 года). Приговор по делу Александра Кулябина вынесла судья Алёна Смолина.
4 апреля 2025 года в Железнодорожном суде Новосибирска началось рассмотрение по существу дела экс-директора театра «Красный факел» Александра Кулябина. Ему было предъявлено обвинение по двум статьям: превышение полномочий (ч. 3 ст. 286 УК РФ) и растрата средств и присвоение техники (чч. 3, 4 ст. 160 УК РФ). Гособвинение запросило для Кулябина 7 лет колонии общего режима со штрафом в 1 млн рублей и лишением права заниматься определённым видом деятельности на 2 года.
Александра Кулябина обвиняют в превышении полномочий при назначении надбавки к зарплате своему сыну, бывшему главному режиссёру театра Тимофею Кулябину. Следствие подсчитало, что с 2015-го по февраль 2019 года сумма бонусных выплат составила около 5,2 млн рублей. Также Кулябину-старшему инкриминировали растрату 1,7 млн рублей. По версии следствия, в 2018 году контрольная проверка выявила неправомерное использование бюджетных средств, в том числе субсидии, выделенной театру на выполнение госзадания, для начисления премий Тимофею Кулябину. Директора обязали вернуть в бюджет за счёт собственных средств 1,7 млн рублей, которые он «в результате растраты вернул за счёт денежных средств театра и продолжил за счёт этих же средств незаконно выплачивать своему сыну указанную контрактную надбавку». Также Кулябина обвиняют в присвоении принадлежащего театру компьютера, обнаруженного при обыске в его доме.
Александр Кулябин не признал вину ни по одному из эпизодов. В январе 2023 года его адвокат заявил, что в материалах следствия не увидел ни одного доказательства виновности клиента.
Напомним, 24 января 2023 года Александр Кулябин был задержан, а в его квартире прошёл обыск. В отношении бывшего директора «Красного факела» было возбуждено уголовное дело о растрате денежных средств в особо крупном размере.
25 января целый ряд ведущих театральных деятелей — актёры Евгений Миронов, Константин Райкин, Юлия Пересильд, Елизавета Боярская и Александр Балуев, тогдашний генеральный директор Большого театра Владимир Урин и директор РАМТа Софья Апфельбаум — заявили о своей готовности стать поручителями для Александра Кулябина. Эти ходатайства были представлены суду.
26 января суд отправил Кулябина под домашний арест до 23 марта 2023 года. Впоследствии домашний арест продлевали, а 21 августа 2023 года меру пресечения изменили на запрет определённых действий. Следствие по делу было завершено в январе 2024 года.
Новосибирский театр «Красный факел» Александр Кулябин возглавлял 23 года и был снят с должности в декабре 2022 года «без объяснения причин». Его сын, режиссёр Тимофей Кулябин, который неоднократно критически высказывался о действиях России в Украине, покинул пост главного режиссёра театра в апреле 2022 года и сейчас успешно работает за границей.
Источник: «Театръ».
Сегодня, 25 апреля, в Железнодорожном суде Новосибирска был оглашён приговор по делу бывшего директора театра «Красный факел» Александра Кулябина, обвинявшегося в превышении полномочий и растрате. Суд приговорил Кулябина к 5 годам лишения свободы условно, 300 тысячам рублей штрафа и запретом заниматься деятельностью, связанной с организацией культурно-развлекательных мероприятий, на 2 года.
Помимо назначенного приговором наказания, суд удовлетворил исковые требования потерпевших на сумму почти в 7 млн рублей, которую должны взыскать с Кулябина. Потерпевшими по делу являются министерство культуры Новосибирской области (с 2024 года министр — Юлия Шуклина), и театр «Красный факел», возглавляемый сейчас директором Антонидой Гореявчевой (с декабря 2022 года) и главным режиссёром Андреем Прикотенко (с января 2023 года). Приговор по делу Александра Кулябина вынесла судья Алёна Смолина.
4 апреля 2025 года в Железнодорожном суде Новосибирска началось рассмотрение по существу дела экс-директора театра «Красный факел» Александра Кулябина. Ему было предъявлено обвинение по двум статьям: превышение полномочий (ч. 3 ст. 286 УК РФ) и растрата средств и присвоение техники (чч. 3, 4 ст. 160 УК РФ). Гособвинение запросило для Кулябина 7 лет колонии общего режима со штрафом в 1 млн рублей и лишением права заниматься определённым видом деятельности на 2 года.
Александра Кулябина обвиняют в превышении полномочий при назначении надбавки к зарплате своему сыну, бывшему главному режиссёру театра Тимофею Кулябину. Следствие подсчитало, что с 2015-го по февраль 2019 года сумма бонусных выплат составила около 5,2 млн рублей. Также Кулябину-старшему инкриминировали растрату 1,7 млн рублей. По версии следствия, в 2018 году контрольная проверка выявила неправомерное использование бюджетных средств, в том числе субсидии, выделенной театру на выполнение госзадания, для начисления премий Тимофею Кулябину. Директора обязали вернуть в бюджет за счёт собственных средств 1,7 млн рублей, которые он «в результате растраты вернул за счёт денежных средств театра и продолжил за счёт этих же средств незаконно выплачивать своему сыну указанную контрактную надбавку». Также Кулябина обвиняют в присвоении принадлежащего театру компьютера, обнаруженного при обыске в его доме.
Александр Кулябин не признал вину ни по одному из эпизодов. В январе 2023 года его адвокат заявил, что в материалах следствия не увидел ни одного доказательства виновности клиента.
Напомним, 24 января 2023 года Александр Кулябин был задержан, а в его квартире прошёл обыск. В отношении бывшего директора «Красного факела» было возбуждено уголовное дело о растрате денежных средств в особо крупном размере.
25 января целый ряд ведущих театральных деятелей — актёры Евгений Миронов, Константин Райкин, Юлия Пересильд, Елизавета Боярская и Александр Балуев, тогдашний генеральный директор Большого театра Владимир Урин и директор РАМТа Софья Апфельбаум — заявили о своей готовности стать поручителями для Александра Кулябина. Эти ходатайства были представлены суду.
26 января суд отправил Кулябина под домашний арест до 23 марта 2023 года. Впоследствии домашний арест продлевали, а 21 августа 2023 года меру пресечения изменили на запрет определённых действий. Следствие по делу было завершено в январе 2024 года.
Новосибирский театр «Красный факел» Александр Кулябин возглавлял 23 года и был снят с должности в декабре 2022 года «без объяснения причин». Его сын, режиссёр Тимофей Кулябин, который неоднократно критически высказывался о действиях России в Украине, покинул пост главного режиссёра театра в апреле 2022 года и сейчас успешно работает за границей.
Источник: «Театръ».
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
#учебные_хиты
«Башлачёв. Человек поющий» (2011)
РГИСИ, факультет театра кукол, курс Руслана Кудашова
Режиссёр: Павел Григорьев
Художественный руководитель постановки: Руслан Кудашов
Весь спектакль – это этюды на стихотворения Александра Башлачёва.
Премьера спектакля состоялась 17 февраля 2011 года, в день памяти Башлачёва, трагически погибшего в этот день в 1988 году.
В спектакле участвовали: Михаил Ложкин, Иван Солнцев, Денис Казачук, Мария Батрасова, Роман Дадаев, Сергей Беспалов, Ренат Шавалиев, Ирина Чугаевская, Виктория Короткова, Наталья Сизова, Екатерина Белевич, Анатолий Гущин, Василиса Ручимская, Эдуард Жолнин.
Сейчас «Башлачёва. Человека поющего» можно увидеть в репертуаре Большого театра кукол (и в записи, которую мы прикрепили к посту!). Спектакль входит в трилогию, посвящённую творчеству поэтов. Другие её части: «Высоцкий. Requiem» и «Бродский. Ниоткуда».
Театральный критик Ольга Изюмова о спектакле: «Песня за песней перед зрителем воссоздается мир Башлачёва. Сначала песни с шуточными и сатирическими нотами, соседствуя с пронзительными исповедями и лирическими балладами, как будто бы сохраняют баланс смешного и печального в этом мире. Но ближе к концу становится ясно: несмотря на то, что над многими противоречиями жизни можно посмеяться, изображая страну, где правит Абсолютный вахтёр, в едком ироническом ключе ("Не позволяй душе лениться"), когда в этой жизни есть такое "Лихо" (Эдуард Жолнин) — юродствующее, безжалостное, все осознающее, — в этой стране не выжить, даже зная "Имя имён". Очень важно то, что при всём надрыве, при той пронзающей тоске, которая порой звучит в спектакле, он остаётся очень светлым и полным любви, ведь таков и мир песен Башлачёва».
«Башлачёв. Человек поющий» (2011)
РГИСИ, факультет театра кукол, курс Руслана Кудашова
Режиссёр: Павел Григорьев
Художественный руководитель постановки: Руслан Кудашов
Весь спектакль – это этюды на стихотворения Александра Башлачёва.
Премьера спектакля состоялась 17 февраля 2011 года, в день памяти Башлачёва, трагически погибшего в этот день в 1988 году.
В спектакле участвовали: Михаил Ложкин, Иван Солнцев, Денис Казачук, Мария Батрасова, Роман Дадаев, Сергей Беспалов, Ренат Шавалиев, Ирина Чугаевская, Виктория Короткова, Наталья Сизова, Екатерина Белевич, Анатолий Гущин, Василиса Ручимская, Эдуард Жолнин.
Сейчас «Башлачёва. Человека поющего» можно увидеть в репертуаре Большого театра кукол (и в записи, которую мы прикрепили к посту!). Спектакль входит в трилогию, посвящённую творчеству поэтов. Другие её части: «Высоцкий. Requiem» и «Бродский. Ниоткуда».
Театральный критик Ольга Изюмова о спектакле: «Песня за песней перед зрителем воссоздается мир Башлачёва. Сначала песни с шуточными и сатирическими нотами, соседствуя с пронзительными исповедями и лирическими балладами, как будто бы сохраняют баланс смешного и печального в этом мире. Но ближе к концу становится ясно: несмотря на то, что над многими противоречиями жизни можно посмеяться, изображая страну, где правит Абсолютный вахтёр, в едком ироническом ключе ("Не позволяй душе лениться"), когда в этой жизни есть такое "Лихо" (Эдуард Жолнин) — юродствующее, безжалостное, все осознающее, — в этой стране не выжить, даже зная "Имя имён". Очень важно то, что при всём надрыве, при той пронзающей тоске, которая порой звучит в спектакле, он остаётся очень светлым и полным любви, ведь таков и мир песен Башлачёва».
Ежи Гротовский — один из реформаторов польской театральной сцены.
Он изменил современный театр, экспериментируя с драматическим текстом и методами актёрской техники. В своей знаменитой работе «К бедному театру» он сфокусировал внимание на разработке актёрской техники и дал определение понятию «бедного театра». Для Гротовского работа актёра над телом заключалась в многочасовой синкретичной тренировке с использованием восточных техник.
«Гротовский считает, что театр ценен не сам по себе; подобно музыке и танцам в некоторых братствах дервишей, театральное представление — это способ и средство самопознания, самоисследования, это путь к спасению, — писал о нём Питер Брук в книге "Пустое пространство". — Палитра актёра — сам актёр. […] При таком отношении сценическое искусство становится делом всей жизни; актёр шаг за шагом расширяет свои знания о себе самом не только во время репетиций, всегда мучительных, непохожих одна на другую, но и во время представления — огромного восклицательного знака в его монологе».
О том, как начиная с эпохи Античности развивалось, менялось театральное искусство и в чём традиции, заложенные десятки и сотни лет назад, находят отражение сегодня, обсудим на занятиях предстоящего онлайн-курса.
(фото взяты из спектаклей Гротовского)
Он изменил современный театр, экспериментируя с драматическим текстом и методами актёрской техники. В своей знаменитой работе «К бедному театру» он сфокусировал внимание на разработке актёрской техники и дал определение понятию «бедного театра». Для Гротовского работа актёра над телом заключалась в многочасовой синкретичной тренировке с использованием восточных техник.
«Гротовский считает, что театр ценен не сам по себе; подобно музыке и танцам в некоторых братствах дервишей, театральное представление — это способ и средство самопознания, самоисследования, это путь к спасению, — писал о нём Питер Брук в книге "Пустое пространство". — Палитра актёра — сам актёр. […] При таком отношении сценическое искусство становится делом всей жизни; актёр шаг за шагом расширяет свои знания о себе самом не только во время репетиций, всегда мучительных, непохожих одна на другую, но и во время представления — огромного восклицательного знака в его монологе».
О том, как начиная с эпохи Античности развивалось, менялось театральное искусство и в чём традиции, заложенные десятки и сотни лет назад, находят отражение сегодня, обсудим на занятиях предстоящего онлайн-курса.
(фото взяты из спектаклей Гротовского)
Серебренников в Берлине соединит «Дон Жуана» и «Реквием» Моцарта
27 апреля в Komische Oper Berlin пройдёт премьера спектакля Кирилла Серебренникова «Дон Жуан / Реквием», основанного на двух одноимённых сочинениях Моцарта.
Премьера завершит своеобразную трилогию «моцартовских» спектаклей режиссёра в Komische Oper: ранее он поставил здесь оперы «Так поступают все» и «Свадьба Фигаро». По словам Серебренникова, такая «структура» позволяет «установить и организовать большее количество связей» в каждой отдельной работе и в их совокупности. Все три оперы объединены темой противоположностей, контраста и антагонизма: между мужчинами и женщинами («Так поступают все»), богатыми и бедными («Свадьба Фигаро»), жизнью и смертью («Дон Жуан»). «Через эти пары противоположностей, — говорит Серебренников, — становится ясно, что чёткой границы на самом деле не существует — она проницаема и может смещаться в зависимости от выбранной точки зрения. Стены существуют только в нашей голове».
В новом спектакле Серебренникова, над которым он работает не только как режиссёр, но и как сценограф (совместно с Ольгой Павлик) и художник по костюмам, местом действия, как сказано в анонсе, становится «междумирие» — «ландшафт души, промежуточное царство, в котором размываются действительность, память и зрение, где смерть — не наказание, а трансформация души в поисках спасения». Финальный секстет-«моралите», следующий после смерти Дон Жуана, в премьере заменён фрагментами «Реквиема» (Introitus, Kyrie, Sequenz). Как и многие режиссёры, критики и слушатели, Серебренников считает «моралите» данью современной Моцарту театральной традиции, а музыку, звучащую после «сошествия во ад» заглавного героя, менее мощной и выразительной. «Для меня смерть Дон Жуана — лучший и самый убедительный финал, — говорит он. — Вместе с „Реквиемом“ опера становится мессой по душе человека, совершающего последние шаги на пути к цели смерти — к освобождению».
При этом в фигуре заглавного героя режиссёра занимает вовсе не его витальность, любвеобильность или даже богоборчество — главным его грехом Серебренников считает ложь. Центральную для спектакля тему смерти он исследует с нескольких ракурсов: в спектакле представлен взгляд Дон Жуана на прошедшую жизнь, «его душу, как и душу Командора, мы видим от начала и до конца», — говорит Серебренников, оба героя появляются в начальной и финальной сценах. «Хотя Дон Жуан любит всё, что связано со страстью, любовью и сексом, человека он ещё никогда не убивал, — продолжает режиссёр. — Этот опыт травматичен для него и, словно проклятие, полностью меняет его жизнь. Смерть Командора — ключевое событие для нашего Дон Жуана». Впрочем, сам заглавный герой не мёртв в полном смысле: Серебренников рассказывает, что в спектакле придумана сложная фрагментарная структура, где часть событий предстаёт как воображаемые образы, часть — как флешбэки, а кажущийся поначалу уже умершим Дон Жуан в действительности находится в неком промежуточном, переходном состоянии, которое отчасти коррелируется с идеями и образами тибетской Книги мёртвых. Глядя на события «из сознания Дон Жуана», зрители следуют за героем в его балансировании между «да» и «нет» — эти два слова-символа даже появляются на сцене. А истина, по мнению Серебренникова, «существует только в тот момент, когда ты умираешь», и именно потому на протяжении оперы постоянно лжёт не только Дон Жуан, но и все остальные герои.
Вместе с режиссёром над премьерой работают музыкальный руководитель постановки Джеймс Гаффиган, хореограф Евгений Кулагин, видеохудожник Илья Шагалов, художник по свету Олаф Фризе и другие.
Заглавную роль в спектакле исполнит Хуберт Запёр. Также в постановке заняты Томмазо Бареа, Адела Захария, Бруно де Са, Пенни Софрониаду, Агустин Гомез, Тийль Фавейтс, Филипп Майерхёфер. Кроме того, в премьере будут участвовать драматические артисты, которые сыграют духов: Никита Еленев, Михаил Поляков, Георгий Кудренко и Сюзанна Бредехёфт.
Источник: «Театръ».
27 апреля в Komische Oper Berlin пройдёт премьера спектакля Кирилла Серебренникова «Дон Жуан / Реквием», основанного на двух одноимённых сочинениях Моцарта.
Премьера завершит своеобразную трилогию «моцартовских» спектаклей режиссёра в Komische Oper: ранее он поставил здесь оперы «Так поступают все» и «Свадьба Фигаро». По словам Серебренникова, такая «структура» позволяет «установить и организовать большее количество связей» в каждой отдельной работе и в их совокупности. Все три оперы объединены темой противоположностей, контраста и антагонизма: между мужчинами и женщинами («Так поступают все»), богатыми и бедными («Свадьба Фигаро»), жизнью и смертью («Дон Жуан»). «Через эти пары противоположностей, — говорит Серебренников, — становится ясно, что чёткой границы на самом деле не существует — она проницаема и может смещаться в зависимости от выбранной точки зрения. Стены существуют только в нашей голове».
В новом спектакле Серебренникова, над которым он работает не только как режиссёр, но и как сценограф (совместно с Ольгой Павлик) и художник по костюмам, местом действия, как сказано в анонсе, становится «междумирие» — «ландшафт души, промежуточное царство, в котором размываются действительность, память и зрение, где смерть — не наказание, а трансформация души в поисках спасения». Финальный секстет-«моралите», следующий после смерти Дон Жуана, в премьере заменён фрагментами «Реквиема» (Introitus, Kyrie, Sequenz). Как и многие режиссёры, критики и слушатели, Серебренников считает «моралите» данью современной Моцарту театральной традиции, а музыку, звучащую после «сошествия во ад» заглавного героя, менее мощной и выразительной. «Для меня смерть Дон Жуана — лучший и самый убедительный финал, — говорит он. — Вместе с „Реквиемом“ опера становится мессой по душе человека, совершающего последние шаги на пути к цели смерти — к освобождению».
При этом в фигуре заглавного героя режиссёра занимает вовсе не его витальность, любвеобильность или даже богоборчество — главным его грехом Серебренников считает ложь. Центральную для спектакля тему смерти он исследует с нескольких ракурсов: в спектакле представлен взгляд Дон Жуана на прошедшую жизнь, «его душу, как и душу Командора, мы видим от начала и до конца», — говорит Серебренников, оба героя появляются в начальной и финальной сценах. «Хотя Дон Жуан любит всё, что связано со страстью, любовью и сексом, человека он ещё никогда не убивал, — продолжает режиссёр. — Этот опыт травматичен для него и, словно проклятие, полностью меняет его жизнь. Смерть Командора — ключевое событие для нашего Дон Жуана». Впрочем, сам заглавный герой не мёртв в полном смысле: Серебренников рассказывает, что в спектакле придумана сложная фрагментарная структура, где часть событий предстаёт как воображаемые образы, часть — как флешбэки, а кажущийся поначалу уже умершим Дон Жуан в действительности находится в неком промежуточном, переходном состоянии, которое отчасти коррелируется с идеями и образами тибетской Книги мёртвых. Глядя на события «из сознания Дон Жуана», зрители следуют за героем в его балансировании между «да» и «нет» — эти два слова-символа даже появляются на сцене. А истина, по мнению Серебренникова, «существует только в тот момент, когда ты умираешь», и именно потому на протяжении оперы постоянно лжёт не только Дон Жуан, но и все остальные герои.
Вместе с режиссёром над премьерой работают музыкальный руководитель постановки Джеймс Гаффиган, хореограф Евгений Кулагин, видеохудожник Илья Шагалов, художник по свету Олаф Фризе и другие.
Заглавную роль в спектакле исполнит Хуберт Запёр. Также в постановке заняты Томмазо Бареа, Адела Захария, Бруно де Са, Пенни Софрониаду, Агустин Гомез, Тийль Фавейтс, Филипп Майерхёфер. Кроме того, в премьере будут участвовать драматические артисты, которые сыграют духов: Никита Еленев, Михаил Поляков, Георгий Кудренко и Сюзанна Бредехёфт.
Источник: «Театръ».
Интересные факты о Римском театре:
1. Сельские празднования и фесценнины.
Римский театр, как и греческий, начинался сельских празднований, которые были привязаны к сбору урожая. Во время народных гуляний люди наряжались в костюмы, пели песни, танцевали, шутили, насмехались, проводили ритуалы. Были очень популярны грубоватые шутки и насмешки, которые назывались фесценнины.
Фесценнины пережили ещё несколько веков. Они отражали социальные, политические, экономические и другие проблемы, волнующие местных жителей. Однако позже появился закон, который запрещал фесценнины.
2. Сатура и Римский театр.
Параллельно развивалась ещё одна эффектная форма представления – сатура. По сути, её можно назвать истоком римской драмы. Очень интересна история происхождения этого явления.
По легенде в 364 году до нашей эры в Рим пришло моровое поветрие. Чтобы боги смилостивились и подарили им излечение от опасной болезни, на улицах проводились празднования и гуляния. Предполагалось, что актёры и танцоры-этруски должны добиться милости богов. Они добавили свои движения, жестикуляцию, шуточные диалоги и другие интересные фишечки. В перспективе именно так окончательно сформировалась сатура.
Само понятие буквально переводится как «смесь».
3. Архитектура Римского театра.
Говоря о Римском театре, нельзя обойти стороной его интересную архитектуру. Как и римская драма, римский театр во многом позаимствовал тенденции греческого, хотя частично от него отличается.
Сцена Римского театра вдвое больше, а зрительские места занимают не более полукруга. Появились лестницы к сцене, орхестры стали уже. В частности, отклонения объясняются тем, что роль хора была заметно сокращена.
Если основная фигура греческого театра – это круг, в Риме это скорее равносторонние треугольники. Нижние места для зрителей шли параллельно сцене. Сцена тоже была ниже греческой. Появилась кровля, которая соединяла сцену и места для зрителей в цельную конструкцию.
4. Представления в Римском театре.
Кроме трагедий и комедий, в Римском театре ставили ателланы, мимы, пантомимы, пиррихии. Проводились поэтические состязания и другие мероприятия.
Cпектакли считались просто развлечением, а не данью богам. Их создавали за деньги наравне с другими ремеслами. К слову, звание актёра тоже ценилось очень низко и не могло сравниться со званием гладиатора.
Хотите узнать больше о том, как Античность повлияла на становление современного театра? Присоединяйтесь к нашему новому курсу «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».
1. Сельские празднования и фесценнины.
Римский театр, как и греческий, начинался сельских празднований, которые были привязаны к сбору урожая. Во время народных гуляний люди наряжались в костюмы, пели песни, танцевали, шутили, насмехались, проводили ритуалы. Были очень популярны грубоватые шутки и насмешки, которые назывались фесценнины.
Фесценнины пережили ещё несколько веков. Они отражали социальные, политические, экономические и другие проблемы, волнующие местных жителей. Однако позже появился закон, который запрещал фесценнины.
2. Сатура и Римский театр.
Параллельно развивалась ещё одна эффектная форма представления – сатура. По сути, её можно назвать истоком римской драмы. Очень интересна история происхождения этого явления.
По легенде в 364 году до нашей эры в Рим пришло моровое поветрие. Чтобы боги смилостивились и подарили им излечение от опасной болезни, на улицах проводились празднования и гуляния. Предполагалось, что актёры и танцоры-этруски должны добиться милости богов. Они добавили свои движения, жестикуляцию, шуточные диалоги и другие интересные фишечки. В перспективе именно так окончательно сформировалась сатура.
Само понятие буквально переводится как «смесь».
3. Архитектура Римского театра.
Говоря о Римском театре, нельзя обойти стороной его интересную архитектуру. Как и римская драма, римский театр во многом позаимствовал тенденции греческого, хотя частично от него отличается.
Сцена Римского театра вдвое больше, а зрительские места занимают не более полукруга. Появились лестницы к сцене, орхестры стали уже. В частности, отклонения объясняются тем, что роль хора была заметно сокращена.
Если основная фигура греческого театра – это круг, в Риме это скорее равносторонние треугольники. Нижние места для зрителей шли параллельно сцене. Сцена тоже была ниже греческой. Появилась кровля, которая соединяла сцену и места для зрителей в цельную конструкцию.
4. Представления в Римском театре.
Кроме трагедий и комедий, в Римском театре ставили ателланы, мимы, пантомимы, пиррихии. Проводились поэтические состязания и другие мероприятия.
Cпектакли считались просто развлечением, а не данью богам. Их создавали за деньги наравне с другими ремеслами. К слову, звание актёра тоже ценилось очень низко и не могло сравниться со званием гладиатора.
Хотите узнать больше о том, как Античность повлияла на становление современного театра? Присоединяйтесь к нашему новому курсу «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».
Иллюстрации французского художника Одилона Редона к циклу стихотворений Шарля Бодлера «Цветы зла».
Делимся подборкой малоизвестных фактов о великом комедиографе Жане-Батисте Мольере:
1. У Мольера были слабые лёгкие. Он не выдерживал чтение французского двенадцатисложного Александрийского стиха — вынужден был делать вдох.
Актёры театра «Бургундский отель», которые ненавидели Мольера за любовь короля, пустили слух, что он заикается. Болезнь лёгких прогрессировала, и, чтобы играть в пьесе «Скупой», он написал её прозой, а свой текст — короткими предложениями.
2. Мольер никогда не называл себя драматургом.
Он считал себя актёром, а пьесы начал писать вынужденно, потому что его труппе нечего было играть. Причем Мольер всё время порывался играть в трагедиях Корнеля, которого он очень ценил. Для этого, надо сказать, он обладал всеми данными и даже по внешнему облику не был комиком — высокого роста, худощавый, с красивыми, тонкими чертами лица.
3. Все роли в пьесах Мольера писались под конкретных актёров, так что их физические особенности он вплетал в текст. Луи Бежар исполнял роль мадам Пернель в «Тартюфе», при этом по жизни он хромал.
И Мольер это обыгрывал — строил роль так, что Бежару нужно было быстро ходить по сцене, а он не поспевал. И в итоге шёл и ругался всё время.
4. Отказавшись от судьбы обойщика, Мольер получил очень хорошее образование. Отец определил мальчика в Клермонский колледж — одно из новейших учебных заведений светского толка.
Жан-Батист знал латынь и даже перевел поэму Лукреция «О природе вещей», правда текст пропал. Как и его библиотека, личные вещи и рукописи. Единственным сохранившимся автографом оказалась долговая расписка, где есть подпись Мольера.
5. Мольер был первым драматургом, чьи пьесы переводили на все языки и ставили по всей Европе. И играли даже на Красной площади, еще при Петре I — на немецком языке, в первом публичном театре Кунста-Фюрста.
Влияние Мольера на русскую культуру столь велико, что в «Ревизоре» Гоголя — в финальной сцене, где звучит бессмертное «Чему смеётесь? Над собою смеётесь!», мы видим мольеровский приём прямого обращения в зал.
Более подробно о том, как пьесы Мольера стали, по сути, фундаментом современного театра, вы узнаете на лекциях кандидата искусствоведения Евгения Слесаря в рамках нового онлайн-курса «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».
1. У Мольера были слабые лёгкие. Он не выдерживал чтение французского двенадцатисложного Александрийского стиха — вынужден был делать вдох.
Актёры театра «Бургундский отель», которые ненавидели Мольера за любовь короля, пустили слух, что он заикается. Болезнь лёгких прогрессировала, и, чтобы играть в пьесе «Скупой», он написал её прозой, а свой текст — короткими предложениями.
2. Мольер никогда не называл себя драматургом.
Он считал себя актёром, а пьесы начал писать вынужденно, потому что его труппе нечего было играть. Причем Мольер всё время порывался играть в трагедиях Корнеля, которого он очень ценил. Для этого, надо сказать, он обладал всеми данными и даже по внешнему облику не был комиком — высокого роста, худощавый, с красивыми, тонкими чертами лица.
3. Все роли в пьесах Мольера писались под конкретных актёров, так что их физические особенности он вплетал в текст. Луи Бежар исполнял роль мадам Пернель в «Тартюфе», при этом по жизни он хромал.
И Мольер это обыгрывал — строил роль так, что Бежару нужно было быстро ходить по сцене, а он не поспевал. И в итоге шёл и ругался всё время.
4. Отказавшись от судьбы обойщика, Мольер получил очень хорошее образование. Отец определил мальчика в Клермонский колледж — одно из новейших учебных заведений светского толка.
Жан-Батист знал латынь и даже перевел поэму Лукреция «О природе вещей», правда текст пропал. Как и его библиотека, личные вещи и рукописи. Единственным сохранившимся автографом оказалась долговая расписка, где есть подпись Мольера.
5. Мольер был первым драматургом, чьи пьесы переводили на все языки и ставили по всей Европе. И играли даже на Красной площади, еще при Петре I — на немецком языке, в первом публичном театре Кунста-Фюрста.
Влияние Мольера на русскую культуру столь велико, что в «Ревизоре» Гоголя — в финальной сцене, где звучит бессмертное «Чему смеётесь? Над собою смеётесь!», мы видим мольеровский приём прямого обращения в зал.
Более подробно о том, как пьесы Мольера стали, по сути, фундаментом современного театра, вы узнаете на лекциях кандидата искусствоведения Евгения Слесаря в рамках нового онлайн-курса «История мирового театра: спектакли, идеи, парадоксы».
Правила жизни Аль Пачино:
1. «Я был застенчив. Только попав в центр внимания, я научился справляться с этим».
2. «Гордость и высокомерие — слуги дьявола. Если ты не сможешь управлять ими, они начнут управлять тобой».
3. «Никому никогда ничего не объясняйте — каждый всё равно поймёт так, как ему выгодно».
4. «Книги и пьесы помогли мне разобраться в самом себе и в окружающем мире, произошёл какой-то сдвиг, я стал серьёзнее».
5. «Первое правило — не сдаваться. Второе правило — помнить о первом правиле».
6. «Шекспир не нуждается ни в одном из нас, он переживёт всех нас — уж поверьте. Это я вам гарантирую».
7. «Ключ к успеху — в желании. А оно постоянно горит во мне».
8. «Когда тебе уже за шестьдесят, видишь, что мчишься по какому-то туннелю без обратного билета и начинаешь различать вдали гору, которая и будет твоей последней остановкой. Но пока я не доехал, мне хочется продолжать делать то, что я делаю».
1. «Я был застенчив. Только попав в центр внимания, я научился справляться с этим».
2. «Гордость и высокомерие — слуги дьявола. Если ты не сможешь управлять ими, они начнут управлять тобой».
3. «Никому никогда ничего не объясняйте — каждый всё равно поймёт так, как ему выгодно».
4. «Книги и пьесы помогли мне разобраться в самом себе и в окружающем мире, произошёл какой-то сдвиг, я стал серьёзнее».
5. «Первое правило — не сдаваться. Второе правило — помнить о первом правиле».
6. «Шекспир не нуждается ни в одном из нас, он переживёт всех нас — уж поверьте. Это я вам гарантирую».
7. «Ключ к успеху — в желании. А оно постоянно горит во мне».
8. «Когда тебе уже за шестьдесят, видишь, что мчишься по какому-то туннелю без обратного билета и начинаешь различать вдали гору, которая и будет твоей последней остановкой. Но пока я не доехал, мне хочется продолжать делать то, что я делаю».
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
#учебные_хиты
«Бесы» (2013)
Школа-студия МХАТ, мастерская Дмитрия Брусникина, режиссёры Михаил Мокеев и Михаил Рахлин.
Играли: Василий Буткевич, Марина Васильева, Анастасия Великородная, Дарья Ворохобко, Даниил Газизуллин, Родион Долгирев, Яна Енжаева, Марина Калецкая, Сергей Карабань, Алиса Кретова, Мария Крылова, Алексей Любимов, Алексей Мартынов, Гладстон Махиб, Юрий Межевич, Михаил Плутахин, Пётр Скворцов, Игорь Титов, Леонид Саморуков, Дмитрий Северин, Анастасия Чуйкова.
«"Бесы" — попытка подойти к Достоевскому "новодрамовским" способом. Этот спектакль пытается найти точку пересечения новейших театральных тенденций с хрестоматийным прочтением романа, выдержать баланс между стремлением к новаторству и уважением к классике», — сформулировано на сайте «Мастерской Брусникина».
Создатели спектакля освоили пространство Боярских палат — создали сайт-специфичный спектакль. Зрители вместе с артистами переходили из зала в зал. Вместе со сменой пространства осуществляется и смена эстетики, меняется и принцип актёрского существования.
Спектакль вышел, когда его участники были ещё на втором (!) курсе, мгновенно стал хитом и впоследствии, когда артисты окончили Школу-студию МХАТ, вошёл в репертуар новообразованного театра «Мастерская Брусникина». В 2021 году один из режиссёров, Михаил Мокеев, решил переработать спектакль и выпустил ремейк — «бесы. ночь». Последний показ бывшего студенческого спектакля «Бесы» прошёл 27 мая 2021 года.
«На "Бесах" трудно сохранить нейтралитет, остаться в роли отстранённого наблюдателя, утончённого ценителя прекрасного. Спектакль последовательно выводит зрителя из равновесия, превращая его из созерцателя в соучастника. Этому способствует смешение публики и актёров — тем, кто попал в Мастерскую Брусникина впервые и, следовательно, не знает труппу в лицо, разобраться удастся не сразу. Неспешность, даже затянутость первого действия — паузы, разговоры ни о чём, бессмысленная суета недопустимы в произведении искусства, но неотделимы от повседневности. Настойчивым требованием полного погружения продиктовано и стремление тормошить, тревожить зрителя — притом не только художественными средствами. Актёры расталкивают заядлых театралов локтями, просят передать чашку чая или на камеру ответить на вопросы, от безобидных ("Вы покупали билеты?") до излюбленных Достоевским проклятых ("А вы верите в Бога?")», — Татьяна Ратькина.
«Бесы» (2013)
Школа-студия МХАТ, мастерская Дмитрия Брусникина, режиссёры Михаил Мокеев и Михаил Рахлин.
Играли: Василий Буткевич, Марина Васильева, Анастасия Великородная, Дарья Ворохобко, Даниил Газизуллин, Родион Долгирев, Яна Енжаева, Марина Калецкая, Сергей Карабань, Алиса Кретова, Мария Крылова, Алексей Любимов, Алексей Мартынов, Гладстон Махиб, Юрий Межевич, Михаил Плутахин, Пётр Скворцов, Игорь Титов, Леонид Саморуков, Дмитрий Северин, Анастасия Чуйкова.
«"Бесы" — попытка подойти к Достоевскому "новодрамовским" способом. Этот спектакль пытается найти точку пересечения новейших театральных тенденций с хрестоматийным прочтением романа, выдержать баланс между стремлением к новаторству и уважением к классике», — сформулировано на сайте «Мастерской Брусникина».
Создатели спектакля освоили пространство Боярских палат — создали сайт-специфичный спектакль. Зрители вместе с артистами переходили из зала в зал. Вместе со сменой пространства осуществляется и смена эстетики, меняется и принцип актёрского существования.
Спектакль вышел, когда его участники были ещё на втором (!) курсе, мгновенно стал хитом и впоследствии, когда артисты окончили Школу-студию МХАТ, вошёл в репертуар новообразованного театра «Мастерская Брусникина». В 2021 году один из режиссёров, Михаил Мокеев, решил переработать спектакль и выпустил ремейк — «бесы. ночь». Последний показ бывшего студенческого спектакля «Бесы» прошёл 27 мая 2021 года.
«На "Бесах" трудно сохранить нейтралитет, остаться в роли отстранённого наблюдателя, утончённого ценителя прекрасного. Спектакль последовательно выводит зрителя из равновесия, превращая его из созерцателя в соучастника. Этому способствует смешение публики и актёров — тем, кто попал в Мастерскую Брусникина впервые и, следовательно, не знает труппу в лицо, разобраться удастся не сразу. Неспешность, даже затянутость первого действия — паузы, разговоры ни о чём, бессмысленная суета недопустимы в произведении искусства, но неотделимы от повседневности. Настойчивым требованием полного погружения продиктовано и стремление тормошить, тревожить зрителя — притом не только художественными средствами. Актёры расталкивают заядлых театралов локтями, просят передать чашку чая или на камеру ответить на вопросы, от безобидных ("Вы покупали билеты?") до излюбленных Достоевским проклятых ("А вы верите в Бога?")», — Татьяна Ратькина.