#25из25
«Ә Б И», «Театральный проект 27», Санкт-Петербург
Режиссёр Регина Хабибуллина, художник-постановщик Елизавета Турхан, режиссёр по куклам Максим Максимов
В ролях: Регина Хабибуллина и Ирина Кистанова
Премьера: 13 июля 2025
Спектакль-воспоминание Регины Хабибуллиной «Ә Б И» (что в переводе с татарского значит «бабушка») погружает в уютный, но хрупкий и ускользающий мир детства. В условном тёмном пространстве как волшебная шкатулка распахивается шкаф, таящий множество удивительных вещей, с каждой из который связано воспоминание бабушки.
Спектакль лишён слов, но их прекрасно заменяют пластика и работа с куклой, которой управляет сама Регина Хабибуллина. Ростовая кукла бабушки становится визуально продолжением артистки, но остаётся совершенно отдельным героем.
Это история о том, как бабушка вместе с внучкой преодолевает трудности жизни и наблюдает, как та меняется — от озорной и неугомонной до повзрослевшей и задумчивой. Бабушка достаёт из шкафа детские ботиночки, платки, бусы, примеряет их сама или предлагает примерить внучке. Так же легко, как появились, предметы исчезают: сама бабушка и её поддержка, воспоминания, являются лишь «призраком», приветом из другого времени, но таким реальным, почти осязаемым подспорьем в тяжёлые времена. Именно в момент наибольшей нестабильности героиня спектакля попадает в безвременье, где есть только она, её бабушка и ещё одна таинственная фигура — дух-время-смерть-судьба.
Спектакль «Ә Б И» полон как детского веселья и светлой ностальгии, так и таинственности, хрупкости, чувства уходящей жизни. Он даёт возможность замедлиться, прислушаться к течению времени, найти в себе любовь, вспоминать детство и тех, кого уже нет рядом, но кто был и остаётся опорой.
Регина Хабибуллина: «Воспоминания помогают понять настоящее. Возникающие образы и сюжеты — наша чувственная связь с памятью. Кто на нас повлиял? Кто был рядом, когда мы были маленькими? Детский опыт формирует нашу индивидуальность, остаётся внутри и помогает двигаться дальше. Став взрослым, человек часто живёт в бесконечной суете. Погружённый в заботы, он забывает о том, что являлось опорой в детстве. А ведь эта опора может стать ориентиром сегодня.
Моё детство связано с бабушкой. Она воспитывала меня с трëх месяцев. Мудрая, остроумная, друг и наставник, рассказчик историй, хранительница традиций. Всё, что есть во мне сейчас, мой взгляд на мир — от неё.
Этот спектакль-воспоминание призывает остановиться и вернуться к себе, прислушаться к своим истинным ценностям».
«Ә Б И», «Театральный проект 27», Санкт-Петербург
Режиссёр Регина Хабибуллина, художник-постановщик Елизавета Турхан, режиссёр по куклам Максим Максимов
В ролях: Регина Хабибуллина и Ирина Кистанова
Премьера: 13 июля 2025
Спектакль-воспоминание Регины Хабибуллиной «Ә Б И» (что в переводе с татарского значит «бабушка») погружает в уютный, но хрупкий и ускользающий мир детства. В условном тёмном пространстве как волшебная шкатулка распахивается шкаф, таящий множество удивительных вещей, с каждой из который связано воспоминание бабушки.
Спектакль лишён слов, но их прекрасно заменяют пластика и работа с куклой, которой управляет сама Регина Хабибуллина. Ростовая кукла бабушки становится визуально продолжением артистки, но остаётся совершенно отдельным героем.
Это история о том, как бабушка вместе с внучкой преодолевает трудности жизни и наблюдает, как та меняется — от озорной и неугомонной до повзрослевшей и задумчивой. Бабушка достаёт из шкафа детские ботиночки, платки, бусы, примеряет их сама или предлагает примерить внучке. Так же легко, как появились, предметы исчезают: сама бабушка и её поддержка, воспоминания, являются лишь «призраком», приветом из другого времени, но таким реальным, почти осязаемым подспорьем в тяжёлые времена. Именно в момент наибольшей нестабильности героиня спектакля попадает в безвременье, где есть только она, её бабушка и ещё одна таинственная фигура — дух-время-смерть-судьба.
Спектакль «Ә Б И» полон как детского веселья и светлой ностальгии, так и таинственности, хрупкости, чувства уходящей жизни. Он даёт возможность замедлиться, прислушаться к течению времени, найти в себе любовь, вспоминать детство и тех, кого уже нет рядом, но кто был и остаётся опорой.
Регина Хабибуллина: «Воспоминания помогают понять настоящее. Возникающие образы и сюжеты — наша чувственная связь с памятью. Кто на нас повлиял? Кто был рядом, когда мы были маленькими? Детский опыт формирует нашу индивидуальность, остаётся внутри и помогает двигаться дальше. Став взрослым, человек часто живёт в бесконечной суете. Погружённый в заботы, он забывает о том, что являлось опорой в детстве. А ведь эта опора может стать ориентиром сегодня.
Моё детство связано с бабушкой. Она воспитывала меня с трëх месяцев. Мудрая, остроумная, друг и наставник, рассказчик историй, хранительница традиций. Всё, что есть во мне сейчас, мой взгляд на мир — от неё.
Этот спектакль-воспоминание призывает остановиться и вернуться к себе, прислушаться к своим истинным ценностям».
❤10👍2
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Американский танец постмодерн — один из феноменов ХХ века, суть которого сводилась к радикальному подходу к хореографии. Сегодня имена одних из главных представителей этого направления — Триши Браун, Люсинды Чайлдс, Ивонн Райнер — остаются на слуху.
С самого начала постмодерн ставил во главу угла личность самого танцовщика, а не хореографа. Из этого рождалась неоднородность и внешняя простота: от движений и музыки до одежды самих участников. Найти в движении самого себя — вот главная цель танца, присоединиться к которому впоследствии приглашали даже не столько профессионалов, сколько людей, не имеющих за плечами опыта выступлений. Это было и вызовом, и новым уровнем естественности и искренности.
Сейчас американский танец постмодерн чётко нашёл своё место в мировой хореографии — а вместе с тем и в программе нашего будущего курса, который мы посвятим кинотанцу. Вместе с Диной Верютиной разберём, в чём состоит его особенность и как танцовщики повлияли на развитие кинотанца, покинув стены театров.
С самого начала постмодерн ставил во главу угла личность самого танцовщика, а не хореографа. Из этого рождалась неоднородность и внешняя простота: от движений и музыки до одежды самих участников. Найти в движении самого себя — вот главная цель танца, присоединиться к которому впоследствии приглашали даже не столько профессионалов, сколько людей, не имеющих за плечами опыта выступлений. Это было и вызовом, и новым уровнем естественности и искренности.
Сейчас американский танец постмодерн чётко нашёл своё место в мировой хореографии — а вместе с тем и в программе нашего будущего курса, который мы посвятим кинотанцу. Вместе с Диной Верютиной разберём, в чём состоит его особенность и как танцовщики повлияли на развитие кинотанца, покинув стены театров.
👍3🕊2
«Самое главное — это уважение к себе и другим. Наш мастер очень много раз повторял одно и то же: нельзя приходить в театр за полчаса до начала спектакля, нельзя после бросать свой костюм в кучу, нельзя пренебрежительно общаться с коллегами, нельзя делать замечания им, надо следить за собой, нельзя не прочитать пьесу или сценарий перед началом репетиций…
Это простые вещи „гигиены артиста“, как он говорил, но именно с них всё начинается. Именно они показывают твоё отношение к профессии и к людям, с которыми ты работаешь. Не талант, мастерство, не то, как громко ты всем рассказываешь, где снялся, а именно вот такие незаметные, но базово важные вещи».
Мария Мацель
Фото: Ксения Ващенко
Это простые вещи „гигиены артиста“, как он говорил, но именно с них всё начинается. Именно они показывают твоё отношение к профессии и к людям, с которыми ты работаешь. Не талант, мастерство, не то, как громко ты всем рассказываешь, где снялся, а именно вот такие незаметные, но базово важные вещи».
Мария Мацель
Фото: Ксения Ващенко
❤20❤🔥6
Что служит источником вдохновения, основой для танца постмодерн? В поисках ответа на этот вопрос мы изучили интервью хореографов — звёзд своей эпохи — и делимся интересными высказываниями с вами.
Триша Браун: «В основе моей работы — знание возможностей человеческого тела, законов его двигательных функций. Я стремлюсь к тому, чтобы движения моих танцев были лёгкими, полётными, чтобы моя хореография доставляла исполнителям (а значит и зрителям) удовольствие».
Люсинда Чайлдс: «Идеи Джона Кейджа — дисциплина, взгляд, поиск вариантов и вариаций, реквизит, то, как мы с ним работаем, отношения с тишиной и пустотой. Многие считают, что Кейдж — это музыка случайностей, его знаменитая концепция "шанса" — это все несерьёзно, бог знает что. Но это не так. Это страшно сложно, требует концентрации и терпения. И я у него научилась, что не обязана всегда делать личный, внутренний выбор, сверяясь с собой. Я могу делать его, руководствуясь концептуальными и интеллектуальными задачами. Я так работала, так и продолжаю. Я очень требовательна. Мои постановки не развлечение. Я не позволяю делать что угодно. Шоу — это тоже может быть неплохо, но это не ко мне».
Ивонн Райнер: «Я много ходила пешком, точнее, бегала. Я подражала эксцентричному поведению, которое видела в метро, и совмещала это с балетными комбинациями, которые выучила в тот день в классе. Я также много занималась балетом. Так что для меня это было вопросом радикального совмещения классического и обыденного, повседневного, как это иногда называют».
Описать танец постмодерн несколькими фразами невозможно — важно почувствовать. Именно на этом уровне, опираясь на теоретическую базу, мы и погрузимся в изучение этого феномена на курсе Дины Верютиной «КиноТанец».
Триша Браун: «В основе моей работы — знание возможностей человеческого тела, законов его двигательных функций. Я стремлюсь к тому, чтобы движения моих танцев были лёгкими, полётными, чтобы моя хореография доставляла исполнителям (а значит и зрителям) удовольствие».
Люсинда Чайлдс: «Идеи Джона Кейджа — дисциплина, взгляд, поиск вариантов и вариаций, реквизит, то, как мы с ним работаем, отношения с тишиной и пустотой. Многие считают, что Кейдж — это музыка случайностей, его знаменитая концепция "шанса" — это все несерьёзно, бог знает что. Но это не так. Это страшно сложно, требует концентрации и терпения. И я у него научилась, что не обязана всегда делать личный, внутренний выбор, сверяясь с собой. Я могу делать его, руководствуясь концептуальными и интеллектуальными задачами. Я так работала, так и продолжаю. Я очень требовательна. Мои постановки не развлечение. Я не позволяю делать что угодно. Шоу — это тоже может быть неплохо, но это не ко мне».
Ивонн Райнер: «Я много ходила пешком, точнее, бегала. Я подражала эксцентричному поведению, которое видела в метро, и совмещала это с балетными комбинациями, которые выучила в тот день в классе. Я также много занималась балетом. Так что для меня это было вопросом радикального совмещения классического и обыденного, повседневного, как это иногда называют».
Описать танец постмодерн несколькими фразами невозможно — важно почувствовать. Именно на этом уровне, опираясь на теоретическую базу, мы и погрузимся в изучение этого феномена на курсе Дины Верютиной «КиноТанец».
❤7
В Пушкинском театре появится «Лир во время чумы»
26 и 28 февраля на сцене Филиала московского Театра имени Пушкина пройдут премьерные показы спектакля Сергея Щедрина «Лир во время чумы» по мотивам пьесы Рональда Харвуда «Костюмер».
Премьера станет для режиссёра и педагога Сергея Щедрина дебютной работой в Пушкинском театре, хотя сам он не чужой этому коллективу человек: актёр по первому образованию, Щедрин учился в Школе-студии МХАТ на знаменитом курсе Дмитрия Брусникина и Романа Козака, возглавившего тогда Театр имени Пушкина, а среди его однокурсников были лидеры сегодняшней труппы Пушкинского Александра Урсуляк и Александр Матросов. Выбранная Щедриным для постановки пьеса британского драматурга Рональда Харвуда «Костюмер» (1980) кажется закономерным продолжением одной из важнейших репертуарных линий Театра имени Пушкина — исследования людей театра и природы этого искусства.
«Костюмер» — весьма востребованная на современной российской сцене пьеса, привлекательная, в том числе, сюжетной рамкой «истории о театральном закулисье». Однако эта рамка не единственное и, очевидно, не главное обстоятельство «Костюмера». Харвуд, учившийся на актёра, ставший известным драматургом, сценаристом и писателем, всю жизнь был увлечён двумя темами. Одна из них — театр: зная его изнутри, Харвуд интересовался местом человека и, прежде всего, артиста, в этой сложной системе. Именно творческая индивидуальность и сила личности центрального героя — главное для драматурга в «Костюмере». Другая тема, к которой постоянно возвращался в своих работах Харвуд, — Вторая мировая война (за сценарий прямо связанного с ней «Пианиста» Романа Полански драматург получил премию «Оскар»). Именно Вторая мировая становится ключевым внешним обстоятельством и в «Костюмере», важным и для создателей премьеры в Пушкинском театре, не случайно выбравших для неё иное название.
«В разгар Второй мировой войны руководитель и ведущий актёр английской труппы, сэр Джон, попадает в больницу, — напоминает театр сюжет „Костюмера“ в пресс-релизе. — Вечерний спектакль под угрозой срыва, но Норман — костюмер, преданный артисту несколько десятилетий, — уверен, что сэр Джон сможет выйти на сцену и сыграть короля Лира. Пока зрители собираются в фойе театра, за кулисами разыгрывается история о долге и преодолении, о любви и ненависти, эгоизме и великодушии». Стоит отметить, что пьеса Харвуда была вдохновлена реальными событиями его собственной жизни: некоторое время он был личным костюмером Дональда Вулфита, знаменитого своими шекспировскими ролями, среди которых Лир занимал особое место (правда, в действительности Харвуд и Вулфит встретились не во время войны, а десятилетием позже). Любопытно, что заглавие «Лир во время чумы» не только обозначает смысловой акцент постановки, но и вписывает её в контекст репертуара через компиляцию шекспировских и пушкинских мотивов, важных для этого театра.
При этом в версии Сергея Щедрина история остаётся подчёркнуто камерной, и акцент сделан не столько на «время чумы», сколько на преодолевающего это время человека. «О чём наш спектакль? — размышляет режиссёр. — Скажу словами индийского гуру и общественного деятеля — Шри Шри Рави Шанкары:
„Высшее Я включает в себя всё.
Служение без отношения,
любовь без причины,
знание без интеллекта.
Жизнь за пределами времени и событий — вот что вы такое“».
Главных героев — артиста сэра Джона и его костюмера Нормана — сыграют Борис Дьяченко и Александр Анисимов соответственно. Также в спектакле будут участвовать Эльмира Мирэль, Наталья Рева-Рядинская, Вероника Сафонова, Николай Кисличенко и Алексей Рахманов.
В постановочной команде премьеры — художник Михаил Гербер, выпустивший уже несколько совместных работ с Сергеем Щедриным, художник по костюмам Полина Ярошенко и художник по свету Пётр Донцов.
Источник: «Театръ».
26 и 28 февраля на сцене Филиала московского Театра имени Пушкина пройдут премьерные показы спектакля Сергея Щедрина «Лир во время чумы» по мотивам пьесы Рональда Харвуда «Костюмер».
Премьера станет для режиссёра и педагога Сергея Щедрина дебютной работой в Пушкинском театре, хотя сам он не чужой этому коллективу человек: актёр по первому образованию, Щедрин учился в Школе-студии МХАТ на знаменитом курсе Дмитрия Брусникина и Романа Козака, возглавившего тогда Театр имени Пушкина, а среди его однокурсников были лидеры сегодняшней труппы Пушкинского Александра Урсуляк и Александр Матросов. Выбранная Щедриным для постановки пьеса британского драматурга Рональда Харвуда «Костюмер» (1980) кажется закономерным продолжением одной из важнейших репертуарных линий Театра имени Пушкина — исследования людей театра и природы этого искусства.
«Костюмер» — весьма востребованная на современной российской сцене пьеса, привлекательная, в том числе, сюжетной рамкой «истории о театральном закулисье». Однако эта рамка не единственное и, очевидно, не главное обстоятельство «Костюмера». Харвуд, учившийся на актёра, ставший известным драматургом, сценаристом и писателем, всю жизнь был увлечён двумя темами. Одна из них — театр: зная его изнутри, Харвуд интересовался местом человека и, прежде всего, артиста, в этой сложной системе. Именно творческая индивидуальность и сила личности центрального героя — главное для драматурга в «Костюмере». Другая тема, к которой постоянно возвращался в своих работах Харвуд, — Вторая мировая война (за сценарий прямо связанного с ней «Пианиста» Романа Полански драматург получил премию «Оскар»). Именно Вторая мировая становится ключевым внешним обстоятельством и в «Костюмере», важным и для создателей премьеры в Пушкинском театре, не случайно выбравших для неё иное название.
«В разгар Второй мировой войны руководитель и ведущий актёр английской труппы, сэр Джон, попадает в больницу, — напоминает театр сюжет „Костюмера“ в пресс-релизе. — Вечерний спектакль под угрозой срыва, но Норман — костюмер, преданный артисту несколько десятилетий, — уверен, что сэр Джон сможет выйти на сцену и сыграть короля Лира. Пока зрители собираются в фойе театра, за кулисами разыгрывается история о долге и преодолении, о любви и ненависти, эгоизме и великодушии». Стоит отметить, что пьеса Харвуда была вдохновлена реальными событиями его собственной жизни: некоторое время он был личным костюмером Дональда Вулфита, знаменитого своими шекспировскими ролями, среди которых Лир занимал особое место (правда, в действительности Харвуд и Вулфит встретились не во время войны, а десятилетием позже). Любопытно, что заглавие «Лир во время чумы» не только обозначает смысловой акцент постановки, но и вписывает её в контекст репертуара через компиляцию шекспировских и пушкинских мотивов, важных для этого театра.
При этом в версии Сергея Щедрина история остаётся подчёркнуто камерной, и акцент сделан не столько на «время чумы», сколько на преодолевающего это время человека. «О чём наш спектакль? — размышляет режиссёр. — Скажу словами индийского гуру и общественного деятеля — Шри Шри Рави Шанкары:
„Высшее Я включает в себя всё.
Служение без отношения,
любовь без причины,
знание без интеллекта.
Жизнь за пределами времени и событий — вот что вы такое“».
Главных героев — артиста сэра Джона и его костюмера Нормана — сыграют Борис Дьяченко и Александр Анисимов соответственно. Также в спектакле будут участвовать Эльмира Мирэль, Наталья Рева-Рядинская, Вероника Сафонова, Николай Кисличенко и Алексей Рахманов.
В постановочной команде премьеры — художник Михаил Гербер, выпустивший уже несколько совместных работ с Сергеем Щедриным, художник по костюмам Полина Ярошенко и художник по свету Пётр Донцов.
Источник: «Театръ».
❤6👍3
«Пожалуй, существуют фильмы, в которых нет любви. Но тогда в них должно быть хотя бы сострадание. А в фильмах, которые мы смотрим последнее время, слишком много насилия, слишком много зла. Искусство порой должно имитировать жизнь, но я не очень люблю фильмы, в которых нет сочувствия к ближнему».
Бренда Блетин
Согласны?)
Бренда Блетин
Согласны?)
❤23🕊4
#25из25
«Любовь. Чума. Верона», театр «Буфф», Санкт-Петербург
Режиссёр — Ника Козоровицкая, художник — Яна Штокбант, композитор — Максим Дунаевский
В ролях: Вячеслав Семёнов / Сергей Славин, Виктория Заболотная / Маргарита Таничева, Евгений Александров, Андрей Лёвин / Кирилл Шимолин и другие
Спектакль поставлен по пьесе Григория Горина «Чума на оба ваши дома!»
Премьера: 20 декабря 2022 года
Может быть, это связано с названием, но от «Буффа» ждёшь настроения «вечного праздника». И уж точно не рассчитываешь, что он подкинет тебе достаточно горькую пилюлю в виде спектакля о человеческой природе. Хотя имя Григория Горина на афише уже наводит на мысль, что «однозначной» история не обещает быть. Как и в знакомых и любимых многими сценариях — «Тот самый Мюнхгаузен», «Убить Дракона», «Формула любви» — драматург смешал живой юмор с абсурдом и за всем этим скрыл серьёзность сюжета, которая по ходу действия, как цветок, прорывает внешнюю оболочку «семени», чтобы предстать перед всеми во всём цвете.
Немного контекста: «Чума на оба ваши дома!» — это продолжение шекспировской пьесы «Ромео и Джульетта», по сюжету которой кланы Монтекки и Капулетти вынуждены помириться через родство: в качестве жертв оба семейства выбирают своих самых ненавистных родственников — лишь бы отстал герцог Веронский. Но вот незадача: комичный дуэт Антонио и Розалины сам невольно начинает повторять судьбу своих предшественников. В этой цикличности и есть суть человеческой натуры: мы можем сколько угодно раз повторить «никогда больше» — и вновь совершить ту же самую ошибку.
О судьбе мюзикла — тем более оригинального — в России можно спорить довольно долго. Тем не менее на постановку «Любовь. Чума. Верона», в принципе, можно смело отправляться сразу после того, как список просмотренных пополнит легендарная постановка «Ромео и Джульетта» Жерара Пресгурвика (для Санкт-Петербурга сегодня это звучит как путешествие с Итальянской на проспект Шаумяна). Есть в них отчасти что-то общее и в плане сценографии, и в плане исполнительского мастерства — за чистоту голосов вроде бы даже прощаешь Максиму Дунаевскому навязчивую «эксплуатацию» хитов Volare, Italiano vero и Felicita.
Ника Козоровицкая: «Идея поставить этот мюзикл у нас появилась ещё в 2019 году. Тогда никто не мог представить, что за этим последуют два года пандемии коронавируса. На репетициях в 2021 году артисты понимающе улыбались: "Ну, понятно, для актуальности дописали реплики про всякие "маски" и "карантин"... Нет, мы ничего не дописывали, они там были! Горинский текст не изменён ни на йоту, разве что поэт Николай Денисов виртуозно "дошутил" тему в написанной для Герцога комической арии.
Фактически наши герои Антонио и Розалина — это те же Ромео и Джульетта, только опытнее, старше, мудрее. Удастся ли им противостоять вражде кланов Монтекки и Капулетти и изменить предначертанный финал? По жанру наш спектакль — трагикомедия, но поскольку он поставлен в театре "Буфф", то приставка "траги" — завершится выходом в свет и надеждой, а "комедия" — по "буффовской" традиции, будет озорной, весёлой и ироничной».
«Любовь. Чума. Верона», театр «Буфф», Санкт-Петербург
Режиссёр — Ника Козоровицкая, художник — Яна Штокбант, композитор — Максим Дунаевский
В ролях: Вячеслав Семёнов / Сергей Славин, Виктория Заболотная / Маргарита Таничева, Евгений Александров, Андрей Лёвин / Кирилл Шимолин и другие
Спектакль поставлен по пьесе Григория Горина «Чума на оба ваши дома!»
Премьера: 20 декабря 2022 года
Может быть, это связано с названием, но от «Буффа» ждёшь настроения «вечного праздника». И уж точно не рассчитываешь, что он подкинет тебе достаточно горькую пилюлю в виде спектакля о человеческой природе. Хотя имя Григория Горина на афише уже наводит на мысль, что «однозначной» история не обещает быть. Как и в знакомых и любимых многими сценариях — «Тот самый Мюнхгаузен», «Убить Дракона», «Формула любви» — драматург смешал живой юмор с абсурдом и за всем этим скрыл серьёзность сюжета, которая по ходу действия, как цветок, прорывает внешнюю оболочку «семени», чтобы предстать перед всеми во всём цвете.
Немного контекста: «Чума на оба ваши дома!» — это продолжение шекспировской пьесы «Ромео и Джульетта», по сюжету которой кланы Монтекки и Капулетти вынуждены помириться через родство: в качестве жертв оба семейства выбирают своих самых ненавистных родственников — лишь бы отстал герцог Веронский. Но вот незадача: комичный дуэт Антонио и Розалины сам невольно начинает повторять судьбу своих предшественников. В этой цикличности и есть суть человеческой натуры: мы можем сколько угодно раз повторить «никогда больше» — и вновь совершить ту же самую ошибку.
О судьбе мюзикла — тем более оригинального — в России можно спорить довольно долго. Тем не менее на постановку «Любовь. Чума. Верона», в принципе, можно смело отправляться сразу после того, как список просмотренных пополнит легендарная постановка «Ромео и Джульетта» Жерара Пресгурвика (для Санкт-Петербурга сегодня это звучит как путешествие с Итальянской на проспект Шаумяна). Есть в них отчасти что-то общее и в плане сценографии, и в плане исполнительского мастерства — за чистоту голосов вроде бы даже прощаешь Максиму Дунаевскому навязчивую «эксплуатацию» хитов Volare, Italiano vero и Felicita.
Ника Козоровицкая: «Идея поставить этот мюзикл у нас появилась ещё в 2019 году. Тогда никто не мог представить, что за этим последуют два года пандемии коронавируса. На репетициях в 2021 году артисты понимающе улыбались: "Ну, понятно, для актуальности дописали реплики про всякие "маски" и "карантин"... Нет, мы ничего не дописывали, они там были! Горинский текст не изменён ни на йоту, разве что поэт Николай Денисов виртуозно "дошутил" тему в написанной для Герцога комической арии.
Фактически наши герои Антонио и Розалина — это те же Ромео и Джульетта, только опытнее, старше, мудрее. Удастся ли им противостоять вражде кланов Монтекки и Капулетти и изменить предначертанный финал? По жанру наш спектакль — трагикомедия, но поскольку он поставлен в театре "Буфф", то приставка "траги" — завершится выходом в свет и надеждой, а "комедия" — по "буффовской" традиции, будет озорной, весёлой и ироничной».
❤11
Что мне дали в качестве домашнего задания: проанализировать культовый танец из «Криминального чтива»
Моя семья, вынужденная наблюдать, как я 20 раз подряд смотрю одну и ту же сцену: 🗿
Мы в «Академии современного театра» доказываем, что учёба – увлекательный процесс, где есть место не только серьёзным вещам, но и креативу и нестандартным задачам. Вот Уме Турман не нравилась песня, под которую им с Джоном Траволтой надо было танцевать в «Криминальном чтиве». А Тарантино отказался её менять со словами «Поверь мне, она идеальна». Так и получилось! Сцена с танцем стала легендой и вошла в историю мирового кинематографа.
Подробнее о ней мы поговорим на онлайн-курсе «КиноТанец». Уверены, что Дина Верютина уже приготовила самые необычные домашние задания. Присоединяйтесь!
Моя семья, вынужденная наблюдать, как я 20 раз подряд смотрю одну и ту же сцену: 🗿
Мы в «Академии современного театра» доказываем, что учёба – увлекательный процесс, где есть место не только серьёзным вещам, но и креативу и нестандартным задачам. Вот Уме Турман не нравилась песня, под которую им с Джоном Траволтой надо было танцевать в «Криминальном чтиве». А Тарантино отказался её менять со словами «Поверь мне, она идеальна». Так и получилось! Сцена с танцем стала легендой и вошла в историю мирового кинематографа.
Подробнее о ней мы поговорим на онлайн-курсе «КиноТанец». Уверены, что Дина Верютина уже приготовила самые необычные домашние задания. Присоединяйтесь!
❤15