8-10 февраля Псковская драма привезёт в Санкт-Петербург спектакли Антона Фёдорова и Петра Шерешевского. По такому случаю мы решили рассказать об одной из этих постановок.
«Морфий» (2022)
Псковский театр драмы им. Пушкина
Режиссёр: Антон Фёдоров
В ролях: Александр Овчаренко, Камиль Хардин, Наталья Петрова, Анна Шуваева, Сергей Попков
Спектакль «Морфий» Антон Фёдоров, мастер нелинейного повествования, поставил сразу по двум текстам Булгакова: рассказу «Морфий» и «Запискам юного врача». Герои этих произведений у Фёдорова существуют как двойники. Поляков – врач-морфинист – выглядит как живой человек, а вот другой персонаж с ломаными движениями и странной мимикой скорее напоминает куклу-марионетку. Герои-двойники сменяют друг друга на сцене, никогда не сталкиваясь. Вопрос, кто из них реальный, а кто – порождение воспалённого сознания, остаётся открытым.
Жанна Зарецкая о спектакле:
«Сцены полостных операций здесь решены как трюки: поскольку у Булгакова упоминается "набитый сторожем Егорычем сенник", то этот сенник и играет роль тела человеческого, вскрываемого скальпелем: человек усаживается к операционному столу, холщовый мешок с соломой внутри прикладывается к голове – вот вам и новый вариант "куклы". Холстина вспарывается – и изнутри под изумленные возгласы ассистентов достаются самые невероятные вещи: кирпич, мотки ниток (красный моток играет роль сердца), голова Давида и что-то ещё. Что – мудрено запомнить. Случайный подбор предметов в эпизоде, иллюстрирующем непрерывный и изнурительный операционный процесс – пожалуй, единственный серьёзный вопрос к режиссёру».
Питерцы, идёте смотреть «Морфий»?
«Морфий» (2022)
Псковский театр драмы им. Пушкина
Режиссёр: Антон Фёдоров
В ролях: Александр Овчаренко, Камиль Хардин, Наталья Петрова, Анна Шуваева, Сергей Попков
Спектакль «Морфий» Антон Фёдоров, мастер нелинейного повествования, поставил сразу по двум текстам Булгакова: рассказу «Морфий» и «Запискам юного врача». Герои этих произведений у Фёдорова существуют как двойники. Поляков – врач-морфинист – выглядит как живой человек, а вот другой персонаж с ломаными движениями и странной мимикой скорее напоминает куклу-марионетку. Герои-двойники сменяют друг друга на сцене, никогда не сталкиваясь. Вопрос, кто из них реальный, а кто – порождение воспалённого сознания, остаётся открытым.
Жанна Зарецкая о спектакле:
«Сцены полостных операций здесь решены как трюки: поскольку у Булгакова упоминается "набитый сторожем Егорычем сенник", то этот сенник и играет роль тела человеческого, вскрываемого скальпелем: человек усаживается к операционному столу, холщовый мешок с соломой внутри прикладывается к голове – вот вам и новый вариант "куклы". Холстина вспарывается – и изнутри под изумленные возгласы ассистентов достаются самые невероятные вещи: кирпич, мотки ниток (красный моток играет роль сердца), голова Давида и что-то ещё. Что – мудрено запомнить. Случайный подбор предметов в эпизоде, иллюстрирующем непрерывный и изнурительный операционный процесс – пожалуй, единственный серьёзный вопрос к режиссёру».
Питерцы, идёте смотреть «Морфий»?
❤10💯5
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Шесть танцев» (1996)
Хореограф-постановщик Иржи Килиан
Одноактный танцевальный спектакль на музыку «Шести немецких танцев» — оркестрового произведения Вольфганга Амадея Моцарта
В монохромном мире чёрных стен и белых костюмов нет чёткого сюжета. Иржи Килиан создал шесть композиций, которые не вписываются в окружающую действительность. Всё на сцене преувеличено: с париков кавалеров и причёсок их дам осыпается шлейф пудры, лица персонажей забелены гримом. Балет построен на шуточках и пародиях, его юмор базируется не на сюжетных коллизиях, а на чистой хореографии.
Хореограф-постановщик Иржи Килиан
Одноактный танцевальный спектакль на музыку «Шести немецких танцев» — оркестрового произведения Вольфганга Амадея Моцарта
В монохромном мире чёрных стен и белых костюмов нет чёткого сюжета. Иржи Килиан создал шесть композиций, которые не вписываются в окружающую действительность. Всё на сцене преувеличено: с париков кавалеров и причёсок их дам осыпается шлейф пудры, лица персонажей забелены гримом. Балет построен на шуточках и пародиях, его юмор базируется не на сюжетных коллизиях, а на чистой хореографии.
❤17👍3
«Уроки кинорежиссуры»
Автор: Лев Кулешов
Составители: Мария Воденко, Марианна Ростоцкая, Екатерина Хохлова
Лев Владимирович Кулешов (1899-1970) известен всему миру как выдающийся советский кинорежиссёр, автор фильмов, ставших классикой кинематографа. Начало режиссёрской деятельности Кулешова — первые шаги отечественного кинематографа, а педагогические опыты — зарождение методов отечественной киношколы.
Его гениальные открытия в области монтажного кинематографа, в том числе знаменитый «эффект Кулешова», считаются основой основ языка кино. Благодаря Кулешову динамический монтаж во всём мире стали называть русским. С именем Льва Кулешова связаны не только достижения в теории и практике кинорежиссуры, но и рождение первой в мире государственной киношколы — нынешнего ВГИКа.
В книгу «Уроки кинорежиссуры» вошли лекции по курсу «Основы режиссуры», прочитанные Кулешовым на киноведческом факультете ВГИКа, а также различные архивные материалы из наследия ВГИКа.
Эксперименты Кулешова были не просто поисками уникальности киноязыка — они позволяли видеть через объектив тот «танец» жизни, который невозможно распознать невооружённым глазом. Кино и танец — как сблизились, а в дальнейшем и вовсе слились два этих абсолютно самостоятельных и самодостаточных вида искусства? Разберёмся на занятиях нового курса «Кинотанец».
Автор: Лев Кулешов
Составители: Мария Воденко, Марианна Ростоцкая, Екатерина Хохлова
Лев Владимирович Кулешов (1899-1970) известен всему миру как выдающийся советский кинорежиссёр, автор фильмов, ставших классикой кинематографа. Начало режиссёрской деятельности Кулешова — первые шаги отечественного кинематографа, а педагогические опыты — зарождение методов отечественной киношколы.
Его гениальные открытия в области монтажного кинематографа, в том числе знаменитый «эффект Кулешова», считаются основой основ языка кино. Благодаря Кулешову динамический монтаж во всём мире стали называть русским. С именем Льва Кулешова связаны не только достижения в теории и практике кинорежиссуры, но и рождение первой в мире государственной киношколы — нынешнего ВГИКа.
В книгу «Уроки кинорежиссуры» вошли лекции по курсу «Основы режиссуры», прочитанные Кулешовым на киноведческом факультете ВГИКа, а также различные архивные материалы из наследия ВГИКа.
Эксперименты Кулешова были не просто поисками уникальности киноязыка — они позволяли видеть через объектив тот «танец» жизни, который невозможно распознать невооружённым глазом. Кино и танец — как сблизились, а в дальнейшем и вовсе слились два этих абсолютно самостоятельных и самодостаточных вида искусства? Разберёмся на занятиях нового курса «Кинотанец».
❤5👍2
Адольф Шапиро возвращается в Латвию с «Дон Кихотом»
Сегодня и завтра, 3 и 4 февраля, в Новом Рижском театре проходит премьера спектакля Адольфа Шапиро «Дон Кихот» по мотивам романа Сервантеса в инсценировке режиссёра.
Для Нового Рижского театра премьера «Дон Кихота» имеет исключительное значение: Адольф Шапиро, остающийся знаковой фигурой для прошлого и настоящего латвийской сцены, возвращается после 34-летнего перерыва. В анонсе «Дон Кихота» говорится: «Созданный в Риге режиссёром Адольфом Шапиро во второй половине XX века Театр юного зрителя (ТЮЗ) был одним из самых влиятельных центров искусства и духовной жизни Латвии. Постановки Шапиро на протяжении 30 лет приглашали зрителей к размышлению о важных жизненных вопросах и впечатляли новаторскими поисками театральной формы. На Лачплеша, 25 были созданы такие спектакли, как “Центрифуга”, “Снежные горы”, “Страх и отчаяние Третьей империи”. Работа режиссёра в Рижском ТЮЗе включена в Латвийский культурный канон. В 1992 году после закрытия театра Шапиро покинул Латвию».
Изучать исключительно актуализировавшийся роман Сервантеса Шапиро будет вместе со звёздами латвийской сцены: Дон Кихота сыграет Каспар Знотиньш, а Санчо Пансу — Гундар Аболиньш. Режиссёр комментирует замысел так: «Поэтическое воображение или повседневная проза? Чудесное безумие или прижимающий к земле здравый смысл? Отталкивание и взаимовлияние. История Дон Кихота и Санчо Пансы проливает свет на жизнь театра и театр жизни. В этом свете особенно отчётливо видны метания современного мира между благородными намерениями отшельников (а они всегда наивны) и примирением с реальностью, её горьким опытом. Постановка „Дон Кихота“ может стать и для актёров, и для режиссёра уникальным тестом на то, насколько донкихотство и санчопансизм присущи каждому из нас. Зрители тоже смогут проверить себя».
«Жизнь театра и театр жизни» — ключевая для спектакля тема, определившая и размышления его создателей, и визуальный образ, выбранный художником Мартиньшем Вилкарсисом: пустота тёмного пространства, лаконизм сдержанных серых тонов. Главную роль здесь играет меняющийся свет, придуманный Ником Ципрусом, и отчасти — проекции, созданные видеохудожником Артисом Дзерве. При этом элемент ироничной театральности (как и современности) присутствует в костюмах, над которыми работала художница Кристина Пастернак. Все составляющие спектакля выводят на первый план тему, которая более всего занимает режиссёра, — образ свободного человека и условия, в которых его свобода возможна. Последние в случае с Дон Кихотом связаны с его иллюзиями и грёзами, но Шапиро предлагает понимать их шире: как своеобразную неотмирность, имеющую отношение и к безумию, и к творчеству — в том числе театру.
Источник: «Театръ».
Сегодня и завтра, 3 и 4 февраля, в Новом Рижском театре проходит премьера спектакля Адольфа Шапиро «Дон Кихот» по мотивам романа Сервантеса в инсценировке режиссёра.
Для Нового Рижского театра премьера «Дон Кихота» имеет исключительное значение: Адольф Шапиро, остающийся знаковой фигурой для прошлого и настоящего латвийской сцены, возвращается после 34-летнего перерыва. В анонсе «Дон Кихота» говорится: «Созданный в Риге режиссёром Адольфом Шапиро во второй половине XX века Театр юного зрителя (ТЮЗ) был одним из самых влиятельных центров искусства и духовной жизни Латвии. Постановки Шапиро на протяжении 30 лет приглашали зрителей к размышлению о важных жизненных вопросах и впечатляли новаторскими поисками театральной формы. На Лачплеша, 25 были созданы такие спектакли, как “Центрифуга”, “Снежные горы”, “Страх и отчаяние Третьей империи”. Работа режиссёра в Рижском ТЮЗе включена в Латвийский культурный канон. В 1992 году после закрытия театра Шапиро покинул Латвию».
Изучать исключительно актуализировавшийся роман Сервантеса Шапиро будет вместе со звёздами латвийской сцены: Дон Кихота сыграет Каспар Знотиньш, а Санчо Пансу — Гундар Аболиньш. Режиссёр комментирует замысел так: «Поэтическое воображение или повседневная проза? Чудесное безумие или прижимающий к земле здравый смысл? Отталкивание и взаимовлияние. История Дон Кихота и Санчо Пансы проливает свет на жизнь театра и театр жизни. В этом свете особенно отчётливо видны метания современного мира между благородными намерениями отшельников (а они всегда наивны) и примирением с реальностью, её горьким опытом. Постановка „Дон Кихота“ может стать и для актёров, и для режиссёра уникальным тестом на то, насколько донкихотство и санчопансизм присущи каждому из нас. Зрители тоже смогут проверить себя».
«Жизнь театра и театр жизни» — ключевая для спектакля тема, определившая и размышления его создателей, и визуальный образ, выбранный художником Мартиньшем Вилкарсисом: пустота тёмного пространства, лаконизм сдержанных серых тонов. Главную роль здесь играет меняющийся свет, придуманный Ником Ципрусом, и отчасти — проекции, созданные видеохудожником Артисом Дзерве. При этом элемент ироничной театральности (как и современности) присутствует в костюмах, над которыми работала художница Кристина Пастернак. Все составляющие спектакля выводят на первый план тему, которая более всего занимает режиссёра, — образ свободного человека и условия, в которых его свобода возможна. Последние в случае с Дон Кихотом связаны с его иллюзиями и грёзами, но Шапиро предлагает понимать их шире: как своеобразную неотмирность, имеющую отношение и к безумию, и к творчеству — в том числе театру.
Источник: «Театръ».
❤17🔥5⚡2🤡1
«Да, это мой девиз: скучное — это самое интересное. По-моему, в квантовой физике есть такой тезис — факт наблюдения влияет на наблюдаемый процесс. Я для себя это тоже открыл, в наблюдениях за реальностью. Когда ты просто сидишь на остановке и ждёшь автобус — скорее бы он приехал и скорее бы отсюда уехать, — вокруг ничего не происходит. А если ты никуда не спешишь и напряжённо наблюдаешь, реальность просто вспучивается событиями, всё вокруг начинает двигаться, ты замечаешь кучу всего. Когда ты наблюдаешь, всё действительно становится интересным. Но так, специфически интересным»
Дмитрий Данилов
Дмитрий Данилов
🔥24❤14💯3
Герои пьесы Михаила Булгакова «Зойкина квартира» не могут вписаться в новый этап истории. Они ведут психологический поединок с жизнью, в которую их втиснула судьба. Как рыбы в мутной воде, они задыхаются в НЭПовской Москве 1925 года. Единственное, что осталось и что может спасти их, это Зойкина квартира. Бегство в спасительную иллюзию, во что бы то ни стало оказаться к Рождеству в Париже, толкает Зойку на авантюрное предприятие – открыть в квартире бордель под видом мастерской по пошиву прозодежды для пролетариата.
Тэффи однажды сказала: когда рассказывают анекдот – смеются над анекдотом, но для того, кто внутри анекдота, это трагедия. Сам Булгаков сформулировал жанр пьесы как «трагическая буффонада».
Театровед, театральный критик – Лидия Фрицлер: «Создатели спектакля словно оттолкнулись от фразы Булгакова "Люди, похожие на манекены, манекены, похожие на людей": Зойка, Алла Вадимовна и другие сотрудницы ателье решены в спектакле и как манекены, не слишком подвижные, но несущие вполне конкретный смысл — тело как объект вожделения, утрированное, неживое; и как люди — артисты в живом плане.
Куклы художника Татьяны Нерсисян особенно выразительны — ни одна из них не смотрит прямо перед собой. Эта неспособность героев посмотреть прямо — решение не только техническое, но и смысловое. Герои не могут принять реальность, посмотреть ей прямо в глаза, они мечтают о какой-то другой, иллюзорной жизни».
Тэффи однажды сказала: когда рассказывают анекдот – смеются над анекдотом, но для того, кто внутри анекдота, это трагедия. Сам Булгаков сформулировал жанр пьесы как «трагическая буффонада».
Театровед, театральный критик – Лидия Фрицлер: «Создатели спектакля словно оттолкнулись от фразы Булгакова "Люди, похожие на манекены, манекены, похожие на людей": Зойка, Алла Вадимовна и другие сотрудницы ателье решены в спектакле и как манекены, не слишком подвижные, но несущие вполне конкретный смысл — тело как объект вожделения, утрированное, неживое; и как люди — артисты в живом плане.
Куклы художника Татьяны Нерсисян особенно выразительны — ни одна из них не смотрит прямо перед собой. Эта неспособность героев посмотреть прямо — решение не только техническое, но и смысловое. Герои не могут принять реальность, посмотреть ей прямо в глаза, они мечтают о какой-то другой, иллюзорной жизни».
❤17👍5
Мы уже обращались к теории Льва Кулешова из книги «Уроки режиссуры», раскрывая суть знаменитого эффекта, названного его именем.
Сегодня приводим объяснение этого приёма от Альфреда Хичкока — мастера ужасов, основоположника саспенса в кинематографе, для которого монтаж стал инструментом психологического воздействия:
«Мы видим крупный план лица, затем то, что видит этот человек. Допустим, перед ним женщина с ребёнком на руках. Возврат к лицу — персонаж улыбается. Мы видим доброго, отзывчивого мужчину.
Теперь заменим кадр: вместо матери с ребёнком — девушка в бикини. Та же улыбка, но персонаж мгновенно превращается в похотливого старика. Он уже не джентльмен, тронутый невинностью. Вот что способна сделать для вас плёнка».
Эксперименты Кулешова вышли далеко за рамки поиска специфики киноязыка, а Хичкок развил эту идею до ритмического принципа. Его монтаж работает как партитура: ритм смены планов, тяжёлые паузы перед развязкой, внезапные акценты — всё это настоящая хореография взгляда зрителя.
Кино и танец сблизились не метафорически, а технологически: оба строят смысл через последовательность движений во времени. А как именно монтаж становится хореографией, а кадр — телом в пространстве, мы разберём на занятиях курса «Кинотанец».
Сегодня приводим объяснение этого приёма от Альфреда Хичкока — мастера ужасов, основоположника саспенса в кинематографе, для которого монтаж стал инструментом психологического воздействия:
«Мы видим крупный план лица, затем то, что видит этот человек. Допустим, перед ним женщина с ребёнком на руках. Возврат к лицу — персонаж улыбается. Мы видим доброго, отзывчивого мужчину.
Теперь заменим кадр: вместо матери с ребёнком — девушка в бикини. Та же улыбка, но персонаж мгновенно превращается в похотливого старика. Он уже не джентльмен, тронутый невинностью. Вот что способна сделать для вас плёнка».
Эксперименты Кулешова вышли далеко за рамки поиска специфики киноязыка, а Хичкок развил эту идею до ритмического принципа. Его монтаж работает как партитура: ритм смены планов, тяжёлые паузы перед развязкой, внезапные акценты — всё это настоящая хореография взгляда зрителя.
Кино и танец сблизились не метафорически, а технологически: оба строят смысл через последовательность движений во времени. А как именно монтаж становится хореографией, а кадр — телом в пространстве, мы разберём на занятиях курса «Кинотанец».
❤12
Эстер Бол (Ася Волошина) о своём творчестве:
«Я знаю, какая реплика из всех написанных мной лучшая. Или не так. Давайте заново. Начнем так: хотите, расшарю здесь свою лучшую реплику? Она из пьесы "Дания тюрьма": "Отнимая волю, отнимают волю. И наоборот: отнимая волю, отнимают волю. Что бы это ни значило".
Считаю, это формула, к которой можно многое свести. Собственно, о воле я всегда и пишу. Не о любви, не об искусстве, не о назначении художника или ответственности и бессилии интеллектуала, как может показаться. И даже не о непреодолимом одиночестве. Хотя и обо всем этом тоже. Но так или иначе все устремляется к воле. В обоих значениях. В значении "свобода"и в значении "дерзновение". И эти два явления связаны между собой, как ничто иное»
Делимся ключевыми пьесами Эстер:
1) «Человек из рыбы»
2) «Мама»
3) «Гибнет хор»
4) «Шов»
5) «Подтвердите, что вы человек»
6) «Crime»
7) «Отродье»
8) «Антигона:редакция»
9) Дочь»
10) Пациенты»
11) «Мой час»
«Я знаю, какая реплика из всех написанных мной лучшая. Или не так. Давайте заново. Начнем так: хотите, расшарю здесь свою лучшую реплику? Она из пьесы "Дания тюрьма": "Отнимая волю, отнимают волю. И наоборот: отнимая волю, отнимают волю. Что бы это ни значило".
Считаю, это формула, к которой можно многое свести. Собственно, о воле я всегда и пишу. Не о любви, не об искусстве, не о назначении художника или ответственности и бессилии интеллектуала, как может показаться. И даже не о непреодолимом одиночестве. Хотя и обо всем этом тоже. Но так или иначе все устремляется к воле. В обоих значениях. В значении "свобода"и в значении "дерзновение". И эти два явления связаны между собой, как ничто иное»
Делимся ключевыми пьесами Эстер:
1) «Человек из рыбы»
2) «Мама»
3) «Гибнет хор»
4) «Шов»
5) «Подтвердите, что вы человек»
6) «Crime»
7) «Отродье»
8) «Антигона:редакция»
9) Дочь»
10) Пациенты»
11) «Мой час»
❤8👍4
Кинотанец — поистине уникальный синтез кинематографа и хореографии. Но говорить о том, что кинотанец подразумевает под собой видеофиксацию исполнения танцевального номера, в корне неверно.
Его суть — в многоуровневом взаимодействии монтажа, действия и положения тела в кадре. Именно движение — основная причина и цель кинематографа в целом — становится и главным условием существования кинотанца. Вот почему его развитие началось одновременно с историей кинематографа и продолжается до сих пор. Но, несмотря на столь тесную связь всех элементов, сегодня кинотанец можно с полной уверенностью назвать абсолютно самостоятельным видом искусства.
Например, одним из проектов, который активно развивает и популяризирует кинотанец в наши дни, является международный фестиваль Dance Camera West в Лос-Анджелесе. Однако, помимо конкурсной программы, к основным относится и образовательный элемент.
Более подробно о том, как в диалоге двух стихий искусства рождается третья, мы поговорим с режиссёром и исследовательницей кинотанца Диной Верютиной на занятиях нашего нового курса.
Его суть — в многоуровневом взаимодействии монтажа, действия и положения тела в кадре. Именно движение — основная причина и цель кинематографа в целом — становится и главным условием существования кинотанца. Вот почему его развитие началось одновременно с историей кинематографа и продолжается до сих пор. Но, несмотря на столь тесную связь всех элементов, сегодня кинотанец можно с полной уверенностью назвать абсолютно самостоятельным видом искусства.
Например, одним из проектов, который активно развивает и популяризирует кинотанец в наши дни, является международный фестиваль Dance Camera West в Лос-Анджелесе. Однако, помимо конкурсной программы, к основным относится и образовательный элемент.
Более подробно о том, как в диалоге двух стихий искусства рождается третья, мы поговорим с режиссёром и исследовательницей кинотанца Диной Верютиной на занятиях нашего нового курса.
❤11
Тальхаймер возвращается в Schaubühne Berlin с «Саломеей» Уайльда.
6 февраля в Schaubühne Berlin пройдёт премьера спектакля Михаэля Тальхаймера «Саломея» по мотивам одноимённой пьесы Оскара Уайльда. Это первая постановка режиссёра в театре за девять лет.
Ранее Михаэль Тальхаймер выпустил в Schaubühne Berlin пять спектаклей, основанных на немецкой, русской и французской классике: «Власть тьмы» (2011) по пьесе Льва Толстого, «Тартюф» (2013) по пьесе Мольера (напомним, эта постановка стала хедлайнером фестиваля NET и была удостоена премии «Золотая Маска — 2015» в номинации «Лучший зарубежный спектакль, показанный в России»), «На дне» (2015) по пьесе Горького, «Валленштейн» (2016) по одноимённой трилогии Шиллера и «Мнимый больной» (2017) по пьесе Мольера.
Новая работа Тальхаймера — возвращение одного из лидеров современного театра в Schaubühne Berlin спустя девять лет после «Мнимого больного». Специально для грядущей премьеры драматург Майя Цаде написала инсценировку, основанную на «Саломее» Оскара Уайльда в переводе Петера Торберга и адаптации немецкого режиссёра и драматурга Айнара Шлеефа. В 1997 году Шлееф создал собственную версию пьесы для постановки в Дюссельдорфе. Стоит отметить, что тот спектакль стал одним из заметных и даже скандальных событий немецкой сцены рубежа веков: «Саломею» как таковую играли во втором акте, а во время получасового первого действия актёры неподвижно стояли лицом к залу и не произносили ни слова.
В анонсе премьеры Schaubühne Berlin напоминает сюжет пьесы Уайльда и формулирует вопросы, занимающие создателей постановки: «Саломея, дочь царицы Иродиады, растёт во дворце своего отчима Ирода. На одном из пышных пиров он несколько раз пробует склонить её к близости: такие попытки Саломее с самого детства приходилось одновременно поддерживать и отклонять. Но в этот вечер, кажется, всё изменилось, и ничто не может остановить его желание. Тем временем, за пределами дворцовых стен, в глубокой цистерне, разнузданный пророк по имени Иоанн возвещает о скором конце декадентского общества. Он поносит семью Саломеи и мир, порождающий подобных ей людей. Саломея мгновенно начинает тянуться к нему и, несмотря на все предупреждения, отчаянно ищет его общества. Он же испытывает к ней лишь презрение и советует Саломее искать Бога. Она же, напротив, любит и жаждет его, стремясь во что бы то ни стало поцеловать беспутного пророка. А Ирод в это время одержим единственным желанием — увидеть танец Саломеи, — и готов исполнить любое её желание в ответ. И хотя у её матери бесстыдство мужа вызывает брезгливость, Иродиада видит в нём возможность наконец избавиться от неприятного пророка. А Саломея непрерывно мечтает соединиться с Иоанном, и даже смерть перестаёт быть препятствием для исполнения её желания. Наконец, она танцует… Какова цена любви в декадентском обществе? Что в действительности значит “свободное желание”? И что происходит, когда все наши желания внезапно исполняются?».
Помимо названных, над спектаклем работают сценограф Неле Балкхаузен, художник по костюмам Михаэла Барт, художник по свету Эрих Шнайдер и композитор Берт Вреде.
В постановке заняты актёры Вероника Бахфишер, Юле Бёве, Кристоф Гавенда, Давид Руланд, Алина Штиглер, Тилман Штраус, Йонатан Вальц. Также в спектакле прозвучит живая музыка в исполнении скрипачки Юэбо Сунь.
Источник: «Театръ».
6 февраля в Schaubühne Berlin пройдёт премьера спектакля Михаэля Тальхаймера «Саломея» по мотивам одноимённой пьесы Оскара Уайльда. Это первая постановка режиссёра в театре за девять лет.
Ранее Михаэль Тальхаймер выпустил в Schaubühne Berlin пять спектаклей, основанных на немецкой, русской и французской классике: «Власть тьмы» (2011) по пьесе Льва Толстого, «Тартюф» (2013) по пьесе Мольера (напомним, эта постановка стала хедлайнером фестиваля NET и была удостоена премии «Золотая Маска — 2015» в номинации «Лучший зарубежный спектакль, показанный в России»), «На дне» (2015) по пьесе Горького, «Валленштейн» (2016) по одноимённой трилогии Шиллера и «Мнимый больной» (2017) по пьесе Мольера.
Новая работа Тальхаймера — возвращение одного из лидеров современного театра в Schaubühne Berlin спустя девять лет после «Мнимого больного». Специально для грядущей премьеры драматург Майя Цаде написала инсценировку, основанную на «Саломее» Оскара Уайльда в переводе Петера Торберга и адаптации немецкого режиссёра и драматурга Айнара Шлеефа. В 1997 году Шлееф создал собственную версию пьесы для постановки в Дюссельдорфе. Стоит отметить, что тот спектакль стал одним из заметных и даже скандальных событий немецкой сцены рубежа веков: «Саломею» как таковую играли во втором акте, а во время получасового первого действия актёры неподвижно стояли лицом к залу и не произносили ни слова.
В анонсе премьеры Schaubühne Berlin напоминает сюжет пьесы Уайльда и формулирует вопросы, занимающие создателей постановки: «Саломея, дочь царицы Иродиады, растёт во дворце своего отчима Ирода. На одном из пышных пиров он несколько раз пробует склонить её к близости: такие попытки Саломее с самого детства приходилось одновременно поддерживать и отклонять. Но в этот вечер, кажется, всё изменилось, и ничто не может остановить его желание. Тем временем, за пределами дворцовых стен, в глубокой цистерне, разнузданный пророк по имени Иоанн возвещает о скором конце декадентского общества. Он поносит семью Саломеи и мир, порождающий подобных ей людей. Саломея мгновенно начинает тянуться к нему и, несмотря на все предупреждения, отчаянно ищет его общества. Он же испытывает к ней лишь презрение и советует Саломее искать Бога. Она же, напротив, любит и жаждет его, стремясь во что бы то ни стало поцеловать беспутного пророка. А Ирод в это время одержим единственным желанием — увидеть танец Саломеи, — и готов исполнить любое её желание в ответ. И хотя у её матери бесстыдство мужа вызывает брезгливость, Иродиада видит в нём возможность наконец избавиться от неприятного пророка. А Саломея непрерывно мечтает соединиться с Иоанном, и даже смерть перестаёт быть препятствием для исполнения её желания. Наконец, она танцует… Какова цена любви в декадентском обществе? Что в действительности значит “свободное желание”? И что происходит, когда все наши желания внезапно исполняются?».
Помимо названных, над спектаклем работают сценограф Неле Балкхаузен, художник по костюмам Михаэла Барт, художник по свету Эрих Шнайдер и композитор Берт Вреде.
В постановке заняты актёры Вероника Бахфишер, Юле Бёве, Кристоф Гавенда, Давид Руланд, Алина Штиглер, Тилман Штраус, Йонатан Вальц. Также в спектакле прозвучит живая музыка в исполнении скрипачки Юэбо Сунь.
Источник: «Театръ».
❤9