«Морж, учитель и поэт» (2024) — вторая работа Саши Золотовицкого в МХТ имени Чехова. Напомним, дебютом для молодого режиссёра здесь стал спектакль для подростков «Соня-9» по рэп-комиксам поэта Алексея Олейникова и художника Тимофея Яржомбека. Текущая же постановка обращается сразу к нескольким поколениям зрителей, ведь, как говорится на сайте театра, «главному герою повестей Артура Гиваргизова, которые легли в основу постановки, по паспорту 60 лет, а в душе всего 7».
Чтобы спектакль действительно был интересен и понятен не только старшей аудитории, но и малышам, режиссёр решил привлечь к процессу особого эксперта — им стала пятилетняя дочка исполнителя главной роли Кузьмы Котрелёва. На основе её комментариев и реакций в том числе Саша Золотовицкий решал, какие сцены войдут в итоговую версию постановки.
«Самое главное – не взрослеть, – пояснял задумку работы режиссёр. – Это то, что делает Михал Михалыча самим собой. Он не теряет лёгкости и детского восприятия этого мира. Он открыт миру, и это даёт ему свободу. Ничто не мешает ему рвануть в Индию, ничто не мешает ему играючи перевоспитать хулигана. Наш месседж зрителю: давайте попробуем не взрослеть. Маленький, несерьёзный и мудрый – это одно и то же, как пишет Гиваргизов».
Чтобы спектакль действительно был интересен и понятен не только старшей аудитории, но и малышам, режиссёр решил привлечь к процессу особого эксперта — им стала пятилетняя дочка исполнителя главной роли Кузьмы Котрелёва. На основе её комментариев и реакций в том числе Саша Золотовицкий решал, какие сцены войдут в итоговую версию постановки.
«Самое главное – не взрослеть, – пояснял задумку работы режиссёр. – Это то, что делает Михал Михалыча самим собой. Он не теряет лёгкости и детского восприятия этого мира. Он открыт миру, и это даёт ему свободу. Ничто не мешает ему рвануть в Индию, ничто не мешает ему играючи перевоспитать хулигана. Наш месседж зрителю: давайте попробуем не взрослеть. Маленький, несерьёзный и мудрый – это одно и то же, как пишет Гиваргизов».
❤14🔥5❤🔥4💔1
Скотт Гленн о том, как изучение Метода Ли Страсберга повлияло на подход к созданию персонажей:
«В первую очередь я пытаюсь выяснить: чем этот человек зарабатывает на жизнь? Какова его история? Как он прошёл путь от начала своей жизни до того момента, где мы застаём его в фильме? Есть ли в нём что-то, что он делает рефлекторно, и чему я мог бы себя научить? Обычно это всего одна или две детали.
Например, для "Городского ковбоя" я понял, что наездники на быках учатся наматывать ремешок на перчатки одной рукой и зубами. Это сложный процесс. Так что я повторял это как минимум сотню раз в день, а может, и тысячу. И когда пришло время делать это в кадре — а это, возможно, всего два дубля в фильме — это выходило инстинктивно. После фильма ко мне подходили несколько наездников на быках и говорили: "Мы были уверены, что режиссёр нанял настоящего наездника, потому что больше никто так не делает".
В "Корабельных новостях" я играл рыбака. Там была сцена, где я потрошу треску, разговаривая с Кевином Спейси. Лассе Халльстрём устроил меня на работу в кухне отеля — каждую ночь по часу или два я потрошил рыбу, так что к моменту съёмок сцены мне не нужно было думать — моё тело делало всё само».
«В первую очередь я пытаюсь выяснить: чем этот человек зарабатывает на жизнь? Какова его история? Как он прошёл путь от начала своей жизни до того момента, где мы застаём его в фильме? Есть ли в нём что-то, что он делает рефлекторно, и чему я мог бы себя научить? Обычно это всего одна или две детали.
Например, для "Городского ковбоя" я понял, что наездники на быках учатся наматывать ремешок на перчатки одной рукой и зубами. Это сложный процесс. Так что я повторял это как минимум сотню раз в день, а может, и тысячу. И когда пришло время делать это в кадре — а это, возможно, всего два дубля в фильме — это выходило инстинктивно. После фильма ко мне подходили несколько наездников на быках и говорили: "Мы были уверены, что режиссёр нанял настоящего наездника, потому что больше никто так не делает".
В "Корабельных новостях" я играл рыбака. Там была сцена, где я потрошу треску, разговаривая с Кевином Спейси. Лассе Халльстрём устроил меня на работу в кухне отеля — каждую ночь по часу или два я потрошил рыбу, так что к моменту съёмок сцены мне не нужно было думать — моё тело делало всё само».
❤16
Когда мы задумывали курс о диалоге кино и танца, для нас было принципиально важным, чтобы вел его мастер, для которого кинотанец – не просто предмет отстраненного изучения, а естественная среда собственной художественной и исследовательской практики. Поэтому мы с радостью представляем мастера курса – Дину Верютину, режиссёра, исследователя кинотанца, куратора образовательных программ.
Коротко, но выразительно о Дине Верютиной:
– Автор и руководитель образовательного онлайн проекта «Антология российского кинотанца».
– Автор и куратор образовательных программ кино и танц-художников.
– Автор короткометражных фильмов-участников многочисленных международных фестивалей.
– Автор телеграмм-канала «Кинотанец туда-обратно».
– Приглашенный преподаватель Московской школы кино на курсе киноактер.
– Приглашенный преподаватель магистерской программы «Художник современного танца», Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой.
– Партнер в рамках кураторских и художественных проектов Новой сцены Александринского театра, Фестиваля Contex. Diana Vishneva, Дома Радио (Междисциплинарный центр культуры и искусств), Французского института в России и других институций.
Пул достижений и правда огромен – как и та экспертиза, что стоит за ним. Именно поэтому мы уверены, что вести этот курс должна Дина Верютина – мы вас ей доверяем!
Подробнее о курсе про кино, танец и танец в кино
Коротко, но выразительно о Дине Верютиной:
– Автор и руководитель образовательного онлайн проекта «Антология российского кинотанца».
– Автор и куратор образовательных программ кино и танц-художников.
– Автор короткометражных фильмов-участников многочисленных международных фестивалей.
– Автор телеграмм-канала «Кинотанец туда-обратно».
– Приглашенный преподаватель Московской школы кино на курсе киноактер.
– Приглашенный преподаватель магистерской программы «Художник современного танца», Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой.
– Партнер в рамках кураторских и художественных проектов Новой сцены Александринского театра, Фестиваля Contex. Diana Vishneva, Дома Радио (Междисциплинарный центр культуры и искусств), Французского института в России и других институций.
Пул достижений и правда огромен – как и та экспертиза, что стоит за ним. Именно поэтому мы уверены, что вести этот курс должна Дина Верютина – мы вас ей доверяем!
Подробнее о курсе про кино, танец и танец в кино
❤6
8-10 февраля Псковская драма привезёт в Санкт-Петербург спектакли Антона Фёдорова и Петра Шерешевского. По такому случаю мы решили рассказать об одной из этих постановок.
«Морфий» (2022)
Псковский театр драмы им. Пушкина
Режиссёр: Антон Фёдоров
В ролях: Александр Овчаренко, Камиль Хардин, Наталья Петрова, Анна Шуваева, Сергей Попков
Спектакль «Морфий» Антон Фёдоров, мастер нелинейного повествования, поставил сразу по двум текстам Булгакова: рассказу «Морфий» и «Запискам юного врача». Герои этих произведений у Фёдорова существуют как двойники. Поляков – врач-морфинист – выглядит как живой человек, а вот другой персонаж с ломаными движениями и странной мимикой скорее напоминает куклу-марионетку. Герои-двойники сменяют друг друга на сцене, никогда не сталкиваясь. Вопрос, кто из них реальный, а кто – порождение воспалённого сознания, остаётся открытым.
Жанна Зарецкая о спектакле:
«Сцены полостных операций здесь решены как трюки: поскольку у Булгакова упоминается "набитый сторожем Егорычем сенник", то этот сенник и играет роль тела человеческого, вскрываемого скальпелем: человек усаживается к операционному столу, холщовый мешок с соломой внутри прикладывается к голове – вот вам и новый вариант "куклы". Холстина вспарывается – и изнутри под изумленные возгласы ассистентов достаются самые невероятные вещи: кирпич, мотки ниток (красный моток играет роль сердца), голова Давида и что-то ещё. Что – мудрено запомнить. Случайный подбор предметов в эпизоде, иллюстрирующем непрерывный и изнурительный операционный процесс – пожалуй, единственный серьёзный вопрос к режиссёру».
Питерцы, идёте смотреть «Морфий»?
«Морфий» (2022)
Псковский театр драмы им. Пушкина
Режиссёр: Антон Фёдоров
В ролях: Александр Овчаренко, Камиль Хардин, Наталья Петрова, Анна Шуваева, Сергей Попков
Спектакль «Морфий» Антон Фёдоров, мастер нелинейного повествования, поставил сразу по двум текстам Булгакова: рассказу «Морфий» и «Запискам юного врача». Герои этих произведений у Фёдорова существуют как двойники. Поляков – врач-морфинист – выглядит как живой человек, а вот другой персонаж с ломаными движениями и странной мимикой скорее напоминает куклу-марионетку. Герои-двойники сменяют друг друга на сцене, никогда не сталкиваясь. Вопрос, кто из них реальный, а кто – порождение воспалённого сознания, остаётся открытым.
Жанна Зарецкая о спектакле:
«Сцены полостных операций здесь решены как трюки: поскольку у Булгакова упоминается "набитый сторожем Егорычем сенник", то этот сенник и играет роль тела человеческого, вскрываемого скальпелем: человек усаживается к операционному столу, холщовый мешок с соломой внутри прикладывается к голове – вот вам и новый вариант "куклы". Холстина вспарывается – и изнутри под изумленные возгласы ассистентов достаются самые невероятные вещи: кирпич, мотки ниток (красный моток играет роль сердца), голова Давида и что-то ещё. Что – мудрено запомнить. Случайный подбор предметов в эпизоде, иллюстрирующем непрерывный и изнурительный операционный процесс – пожалуй, единственный серьёзный вопрос к режиссёру».
Питерцы, идёте смотреть «Морфий»?
❤10💯5
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Шесть танцев» (1996)
Хореограф-постановщик Иржи Килиан
Одноактный танцевальный спектакль на музыку «Шести немецких танцев» — оркестрового произведения Вольфганга Амадея Моцарта
В монохромном мире чёрных стен и белых костюмов нет чёткого сюжета. Иржи Килиан создал шесть композиций, которые не вписываются в окружающую действительность. Всё на сцене преувеличено: с париков кавалеров и причёсок их дам осыпается шлейф пудры, лица персонажей забелены гримом. Балет построен на шуточках и пародиях, его юмор базируется не на сюжетных коллизиях, а на чистой хореографии.
Хореограф-постановщик Иржи Килиан
Одноактный танцевальный спектакль на музыку «Шести немецких танцев» — оркестрового произведения Вольфганга Амадея Моцарта
В монохромном мире чёрных стен и белых костюмов нет чёткого сюжета. Иржи Килиан создал шесть композиций, которые не вписываются в окружающую действительность. Всё на сцене преувеличено: с париков кавалеров и причёсок их дам осыпается шлейф пудры, лица персонажей забелены гримом. Балет построен на шуточках и пародиях, его юмор базируется не на сюжетных коллизиях, а на чистой хореографии.
❤17👍3
«Уроки кинорежиссуры»
Автор: Лев Кулешов
Составители: Мария Воденко, Марианна Ростоцкая, Екатерина Хохлова
Лев Владимирович Кулешов (1899-1970) известен всему миру как выдающийся советский кинорежиссёр, автор фильмов, ставших классикой кинематографа. Начало режиссёрской деятельности Кулешова — первые шаги отечественного кинематографа, а педагогические опыты — зарождение методов отечественной киношколы.
Его гениальные открытия в области монтажного кинематографа, в том числе знаменитый «эффект Кулешова», считаются основой основ языка кино. Благодаря Кулешову динамический монтаж во всём мире стали называть русским. С именем Льва Кулешова связаны не только достижения в теории и практике кинорежиссуры, но и рождение первой в мире государственной киношколы — нынешнего ВГИКа.
В книгу «Уроки кинорежиссуры» вошли лекции по курсу «Основы режиссуры», прочитанные Кулешовым на киноведческом факультете ВГИКа, а также различные архивные материалы из наследия ВГИКа.
Эксперименты Кулешова были не просто поисками уникальности киноязыка — они позволяли видеть через объектив тот «танец» жизни, который невозможно распознать невооружённым глазом. Кино и танец — как сблизились, а в дальнейшем и вовсе слились два этих абсолютно самостоятельных и самодостаточных вида искусства? Разберёмся на занятиях нового курса «Кинотанец».
Автор: Лев Кулешов
Составители: Мария Воденко, Марианна Ростоцкая, Екатерина Хохлова
Лев Владимирович Кулешов (1899-1970) известен всему миру как выдающийся советский кинорежиссёр, автор фильмов, ставших классикой кинематографа. Начало режиссёрской деятельности Кулешова — первые шаги отечественного кинематографа, а педагогические опыты — зарождение методов отечественной киношколы.
Его гениальные открытия в области монтажного кинематографа, в том числе знаменитый «эффект Кулешова», считаются основой основ языка кино. Благодаря Кулешову динамический монтаж во всём мире стали называть русским. С именем Льва Кулешова связаны не только достижения в теории и практике кинорежиссуры, но и рождение первой в мире государственной киношколы — нынешнего ВГИКа.
В книгу «Уроки кинорежиссуры» вошли лекции по курсу «Основы режиссуры», прочитанные Кулешовым на киноведческом факультете ВГИКа, а также различные архивные материалы из наследия ВГИКа.
Эксперименты Кулешова были не просто поисками уникальности киноязыка — они позволяли видеть через объектив тот «танец» жизни, который невозможно распознать невооружённым глазом. Кино и танец — как сблизились, а в дальнейшем и вовсе слились два этих абсолютно самостоятельных и самодостаточных вида искусства? Разберёмся на занятиях нового курса «Кинотанец».
❤5👍2
Адольф Шапиро возвращается в Латвию с «Дон Кихотом»
Сегодня и завтра, 3 и 4 февраля, в Новом Рижском театре проходит премьера спектакля Адольфа Шапиро «Дон Кихот» по мотивам романа Сервантеса в инсценировке режиссёра.
Для Нового Рижского театра премьера «Дон Кихота» имеет исключительное значение: Адольф Шапиро, остающийся знаковой фигурой для прошлого и настоящего латвийской сцены, возвращается после 34-летнего перерыва. В анонсе «Дон Кихота» говорится: «Созданный в Риге режиссёром Адольфом Шапиро во второй половине XX века Театр юного зрителя (ТЮЗ) был одним из самых влиятельных центров искусства и духовной жизни Латвии. Постановки Шапиро на протяжении 30 лет приглашали зрителей к размышлению о важных жизненных вопросах и впечатляли новаторскими поисками театральной формы. На Лачплеша, 25 были созданы такие спектакли, как “Центрифуга”, “Снежные горы”, “Страх и отчаяние Третьей империи”. Работа режиссёра в Рижском ТЮЗе включена в Латвийский культурный канон. В 1992 году после закрытия театра Шапиро покинул Латвию».
Изучать исключительно актуализировавшийся роман Сервантеса Шапиро будет вместе со звёздами латвийской сцены: Дон Кихота сыграет Каспар Знотиньш, а Санчо Пансу — Гундар Аболиньш. Режиссёр комментирует замысел так: «Поэтическое воображение или повседневная проза? Чудесное безумие или прижимающий к земле здравый смысл? Отталкивание и взаимовлияние. История Дон Кихота и Санчо Пансы проливает свет на жизнь театра и театр жизни. В этом свете особенно отчётливо видны метания современного мира между благородными намерениями отшельников (а они всегда наивны) и примирением с реальностью, её горьким опытом. Постановка „Дон Кихота“ может стать и для актёров, и для режиссёра уникальным тестом на то, насколько донкихотство и санчопансизм присущи каждому из нас. Зрители тоже смогут проверить себя».
«Жизнь театра и театр жизни» — ключевая для спектакля тема, определившая и размышления его создателей, и визуальный образ, выбранный художником Мартиньшем Вилкарсисом: пустота тёмного пространства, лаконизм сдержанных серых тонов. Главную роль здесь играет меняющийся свет, придуманный Ником Ципрусом, и отчасти — проекции, созданные видеохудожником Артисом Дзерве. При этом элемент ироничной театральности (как и современности) присутствует в костюмах, над которыми работала художница Кристина Пастернак. Все составляющие спектакля выводят на первый план тему, которая более всего занимает режиссёра, — образ свободного человека и условия, в которых его свобода возможна. Последние в случае с Дон Кихотом связаны с его иллюзиями и грёзами, но Шапиро предлагает понимать их шире: как своеобразную неотмирность, имеющую отношение и к безумию, и к творчеству — в том числе театру.
Источник: «Театръ».
Сегодня и завтра, 3 и 4 февраля, в Новом Рижском театре проходит премьера спектакля Адольфа Шапиро «Дон Кихот» по мотивам романа Сервантеса в инсценировке режиссёра.
Для Нового Рижского театра премьера «Дон Кихота» имеет исключительное значение: Адольф Шапиро, остающийся знаковой фигурой для прошлого и настоящего латвийской сцены, возвращается после 34-летнего перерыва. В анонсе «Дон Кихота» говорится: «Созданный в Риге режиссёром Адольфом Шапиро во второй половине XX века Театр юного зрителя (ТЮЗ) был одним из самых влиятельных центров искусства и духовной жизни Латвии. Постановки Шапиро на протяжении 30 лет приглашали зрителей к размышлению о важных жизненных вопросах и впечатляли новаторскими поисками театральной формы. На Лачплеша, 25 были созданы такие спектакли, как “Центрифуга”, “Снежные горы”, “Страх и отчаяние Третьей империи”. Работа режиссёра в Рижском ТЮЗе включена в Латвийский культурный канон. В 1992 году после закрытия театра Шапиро покинул Латвию».
Изучать исключительно актуализировавшийся роман Сервантеса Шапиро будет вместе со звёздами латвийской сцены: Дон Кихота сыграет Каспар Знотиньш, а Санчо Пансу — Гундар Аболиньш. Режиссёр комментирует замысел так: «Поэтическое воображение или повседневная проза? Чудесное безумие или прижимающий к земле здравый смысл? Отталкивание и взаимовлияние. История Дон Кихота и Санчо Пансы проливает свет на жизнь театра и театр жизни. В этом свете особенно отчётливо видны метания современного мира между благородными намерениями отшельников (а они всегда наивны) и примирением с реальностью, её горьким опытом. Постановка „Дон Кихота“ может стать и для актёров, и для режиссёра уникальным тестом на то, насколько донкихотство и санчопансизм присущи каждому из нас. Зрители тоже смогут проверить себя».
«Жизнь театра и театр жизни» — ключевая для спектакля тема, определившая и размышления его создателей, и визуальный образ, выбранный художником Мартиньшем Вилкарсисом: пустота тёмного пространства, лаконизм сдержанных серых тонов. Главную роль здесь играет меняющийся свет, придуманный Ником Ципрусом, и отчасти — проекции, созданные видеохудожником Артисом Дзерве. При этом элемент ироничной театральности (как и современности) присутствует в костюмах, над которыми работала художница Кристина Пастернак. Все составляющие спектакля выводят на первый план тему, которая более всего занимает режиссёра, — образ свободного человека и условия, в которых его свобода возможна. Последние в случае с Дон Кихотом связаны с его иллюзиями и грёзами, но Шапиро предлагает понимать их шире: как своеобразную неотмирность, имеющую отношение и к безумию, и к творчеству — в том числе театру.
Источник: «Театръ».
❤17🔥5⚡2🤡1
«Да, это мой девиз: скучное — это самое интересное. По-моему, в квантовой физике есть такой тезис — факт наблюдения влияет на наблюдаемый процесс. Я для себя это тоже открыл, в наблюдениях за реальностью. Когда ты просто сидишь на остановке и ждёшь автобус — скорее бы он приехал и скорее бы отсюда уехать, — вокруг ничего не происходит. А если ты никуда не спешишь и напряжённо наблюдаешь, реальность просто вспучивается событиями, всё вокруг начинает двигаться, ты замечаешь кучу всего. Когда ты наблюдаешь, всё действительно становится интересным. Но так, специфически интересным»
Дмитрий Данилов
Дмитрий Данилов
🔥24❤14💯3
Герои пьесы Михаила Булгакова «Зойкина квартира» не могут вписаться в новый этап истории. Они ведут психологический поединок с жизнью, в которую их втиснула судьба. Как рыбы в мутной воде, они задыхаются в НЭПовской Москве 1925 года. Единственное, что осталось и что может спасти их, это Зойкина квартира. Бегство в спасительную иллюзию, во что бы то ни стало оказаться к Рождеству в Париже, толкает Зойку на авантюрное предприятие – открыть в квартире бордель под видом мастерской по пошиву прозодежды для пролетариата.
Тэффи однажды сказала: когда рассказывают анекдот – смеются над анекдотом, но для того, кто внутри анекдота, это трагедия. Сам Булгаков сформулировал жанр пьесы как «трагическая буффонада».
Театровед, театральный критик – Лидия Фрицлер: «Создатели спектакля словно оттолкнулись от фразы Булгакова "Люди, похожие на манекены, манекены, похожие на людей": Зойка, Алла Вадимовна и другие сотрудницы ателье решены в спектакле и как манекены, не слишком подвижные, но несущие вполне конкретный смысл — тело как объект вожделения, утрированное, неживое; и как люди — артисты в живом плане.
Куклы художника Татьяны Нерсисян особенно выразительны — ни одна из них не смотрит прямо перед собой. Эта неспособность героев посмотреть прямо — решение не только техническое, но и смысловое. Герои не могут принять реальность, посмотреть ей прямо в глаза, они мечтают о какой-то другой, иллюзорной жизни».
Тэффи однажды сказала: когда рассказывают анекдот – смеются над анекдотом, но для того, кто внутри анекдота, это трагедия. Сам Булгаков сформулировал жанр пьесы как «трагическая буффонада».
Театровед, театральный критик – Лидия Фрицлер: «Создатели спектакля словно оттолкнулись от фразы Булгакова "Люди, похожие на манекены, манекены, похожие на людей": Зойка, Алла Вадимовна и другие сотрудницы ателье решены в спектакле и как манекены, не слишком подвижные, но несущие вполне конкретный смысл — тело как объект вожделения, утрированное, неживое; и как люди — артисты в живом плане.
Куклы художника Татьяны Нерсисян особенно выразительны — ни одна из них не смотрит прямо перед собой. Эта неспособность героев посмотреть прямо — решение не только техническое, но и смысловое. Герои не могут принять реальность, посмотреть ей прямо в глаза, они мечтают о какой-то другой, иллюзорной жизни».
❤17👍5